El problema de esta segunda parte de Rebel Moon es que, si ya en la primera se notaba la falta de ideas y la dependencia de los referentes de Zack Snyder a la hora de crear esto, aquí ya sencillamente la fórmula está agotada.
Como siempre decimos, con el director de 300 hay que andarse con ojo, porque nunca es lo que parece y mueve tantas pasiones como odios, pero en esta ocasión parece haber fracasado en el intento de crear su propia epopeya galáctica. Básicamente porque detrás del orgasmo visual que es la película, no hay nada que de verdad entusiasme al espectador, y menos aún cuando en el mismo año hemos visto la segunda parte de Dune, una de las mejores cintas de ciencia ficción de la historia del cine, seguramente.
Pobre Sofía Boutella. Saga que toca, saga que no consigue sobrevivir.


Lo mejor: La estética y los efectos visuales.
Lo peor: No tiene verdaderas ideas ni una historia apasionante que contar.

Vaya por delante que, como ocurre también con Teresa, su trabajo más reciente, a Paula Ortiz hay que exigirle más.
A una directora que tocó techo con La Novia, o incluso también con De tu ventana a la mía, hay que pedirle más. Esta adaptación de la novela de Hemingway está bien, muy bien, de hecho, y sin duda es un hito en la carrera de la aragonesa que haya conseguido filmar su primera película en inglés, con un reparto en el que están Danny Huston, Liev Schreiber y Josh Hutcherson. Pero el problema es que, claro, su trabajo previo es tan bueno que siempre se va a comparar con lo que haga después, y casi cualquier cosa va a salir perdiendo en la comparación con La Novia.
Con todo, Al otro lado del río y entre los árboles es una película hermosa, bien construida, que hace justicia a una historia de amor y (post) guerra largamente acariciada por el cine y por muchos directores míticos que no pudieron llevarla a cabo. Finalmente, ha sido Paula Ortiz la afortunada. Bravo por ella y por el cine español.

Está claro que Smile ha sido un éxito para Parker Finn.
La prueba es que va a tener una secuela. Y cuando eso pasa en el cine de terror, amigos, habemus naranja a exprimir.
Ojalá la secuela corrija algunos de los defectos de esta, como por ejemplo la duración. La película es demasiado larga para la trama tan simple que tiene. Al final, es una historia más de maldiciones del más allá, como ya hemos visto muchas antes.
Sin embargo, es cierto que la propuesta tiene atmósfera, que el comienzo es espeluznante y fantástico y que la sonrisa del título pone los pelos de punta.
No es nada del otro mundo, pero se deja ver y sin duda le echa los arrestos suficientes como para permanecer en la memoria.

Robot Dreams es una cinta encantadora.
De trazos muy simples en la animación, sin una sola palabra, apoyándose sólo en música y sonidos , Pablo Berger nos cuenta una historia preciosa de amistad, de miedo a la soledad y de cómo la sociedad trata ambos sentimientos.
Puede que no vaya a pasar a la historia como una de las mejores películas españolas del mundo, o mi siquiera de la animación española, pero se entiende el cariño que ha generado en crítica y espectadores, porque es preciosa.
Expectación también por saber cuál será el siguiente paso en la carrera de Pablo Berger, un cineasta ecléctico. Cada película que ha hecho es totalmente distinta de la anterior: Torremolinos 73, Blancanieves, Abracadabra, ahora Robot Dreams... Un lujo para el cine español contar con alguien como el bilbaíno, que no tiene miedo a probar diferentes géneros y estilos.

Sangre en los labios es salvaje, un indómito crescendo de sangre, pasión desbocada, sentimientos a flor de piel y una violencia que va en aumento y que termina por convertirse en irreductible. Porque sí, Sangre en los labios es una historia de violencia, no tengan duda, como el título de la magistral película de David Cronenberg.
Y la última musa de Cronenberg ha sido, precisamente, Kristen Stewart, que vuelve a hacer aquí una interpretación sensacional. Hay que acabar ya, y es urgente, con ese estigma que persigue a la norteamericana desde 2008 por haber osado protagonizar la saga fantástica teen por excelencia, Crepúsculo, y da igual que sea nominada al Oscar (Spencer), que gane el César (Viaje a Sils Maria), o que lleve años encadenando proyectos a cada cual más diferente y arriesgado, bordando todos los personajes. Tiene ahí un sector de "haters" que sigue diciendo que no cambia la cara, que no expresa, que no cierra la boca y demás tonterías, cuando es evidente para quien quiera verlo que es una de las mejores actrices de su generación. No tiene miedo a nada (no hay más que ver todo lo que hace aquí en la piel de Lou), puede con todo y se arriesga como pocas. Bravo.
Otra cosa muy buena de la cinta de Rose Glass es quién acompaña a Stewart, sobre todo un Ed Harris siempre excelente, que se las pinta solo para resultar siniestro y estremecedor (y además se lo pasa como un niño con el personaje) y una Katy O'Brian entregada en cuerpo y alma a un personaje complejo, extremo y no especialmente simpático, como luego diremos.
Además, Glass juega muy bien con la fotografía, con esa oscuridad teñida de rojos, a lo David Lynch, con la iconografía de la carretera y los coches con escasas luces. Observen especialmente las escenas del barranco, o ese comienzo a cámara lenta, con decenas de cuerpos sudorosos machacándose en el gimnasio por razones que poco tienen que ver con la salud o el deporte. Hay mucha sabiduría visual en la dirección de la británica.
Sin embargo, a nivel de guion, Sangre en los labios se mete en unos berenjenales de los que no sabe muy bien salir. Para empezar, no queda demasiado claro por qué Jackie es culturista, así, de entrada, ni si de verdad tiene una importancia vital en la trama, o podría haber sido zapatera o cirujana. Tampoco se sabe muy bien qué pinta el personaje de Anna Baryshnikov, ni por qué va tan sucia todo el rato, o si simplemente la han introducido en la historia para que esta se alargue, porque si no la cosa se quedaría corta. Toda la trama criminal relacionada directamente con JJ y la familia de Lou funciona muy bien y entretiene, pero todo lo que pasa después con este personaje, Daisy, no queda bien encajado en la trama. Eso sí, da un momentazo que no vamos a desvelar aquí, pero que es una de las escenas más bizarras que hemos visto en mucho tiempo.
Otro problema es la relación entre las protagonistas. No se produce demasiada conexión entre el espectador y la pareja, básicamente porque todo es demasiado rápido y demasiado tóxico. Todo lo que envuelve a su relación, mezcla de sexo, esteroides, asesinatos y sangre que las salpica, resulta bastante turbio y no ayuda a empatizar con su extraño romance, por así llamarlo. Es verdad que Lou es un personaje algo más cercano para el espectador, pero a Jackie, pese a los excepcionales esfuerzos de O'Brian, ya mencionados arriba, no hay por dónde cogerla.
Correcta, arriesgada y salvaje, que es mucho más de lo que muchas películas pueden decir, pero no es suficiente como para considerarla una gran película.

Lo mejor: La estética a lo David Lynch, la trama criminal y el trabajo de Ed Harris, Katy O'Brian y Kristen Stewart.
Lo peor: Hay muchas cosas extrañas en el guion y que no tienen demasiado sentido.

Oumy Bruni Garrel, hija de Valeria Bruni Tedeschi y Louis Garrel, debutó en el año 2018 en La casa de verano, dirigía por su madre, pero en Súper bailarina empieza a bailar sola, y la verdad es que lo hace de maravilla, porque la joven está encantadora en la piel de la luchadora Neneh.
Sin demasiados aspavientos ni adoctrinamiento, Súper bailarina nos presenta a esta suerte de Billy Elliot femenina cuyo problema no es vivir en la Inglaterra rural en mitad de una huelga minera, sino ser negra en un mundo tan blanco y elitista como el del ballet, en París ni más ni menos. Como decimos, la película es entretenida, bonita, con puntos divertidos y bastante simpática. No tiene nada que se le pueda criticar demasiado, aunque desde luego tampoco es una obra maestra. No la esperen, porque no la van a encomntrar.
Curiosa, agradable y con un mensaje potente.

Anatomía de una caída es una de las mejores películas de 2023. Sin duda alguna. Y además, europea. Qué orgullo y qué lujo que el cine del Viejo Continente mire a la cara a Hollywood con cintas de esta calidad. Nada que envidiar, y los Oscar cada vez se dan más cuenta, además.
Y es una de las mejores películas de 2023 porque lo más importante, un guion sólido, maduro e inteligente, lo tiene de sobras. La historia es un retrato del machismo en la sociedad y en la judicatura (del que en España sabemos mucho también, por desgracia), pero sin renunciar al misterio y la ambigüedad. Con los moldes del mejor thriller negro, es el espectador el que tiene que decidir si cree o no en la inocencia de la protagonista, una mujer con claroscuros, por decirlo así, de quien termina dudando hasta su propio hijo (impresionante Milo Machado Graner). Es un guion que no toma por tonto al espectador, y eso se agradece muchísimo.
Es cierto que se va hasta las dos horas y veinte de metraje, y es a todas luces demasiado. Podría haber sido un poco más corta y no habría pasado nada, pero el resultado sigue siendo tan brillante e inteligente que se le tiene que perdonar. Y más cuando Sandra Hüller tiene la amabilidad de invitarnos a todos a una masterclass de actuación inolvidable en la piel de la ínclita Sandra. Un trabajo absolutamente matizado y memorable de la intérprete germana, que está en su mejor momento. Ojalá dure mucho ese estado de gracia.
Justine Triet, una cineasta a tener muy en cuenta a partir de ahora.

Lo mejor: Sandra Hüller, estratosférica, y la inteligencia y madurez del guion.
Lo peor: Es demasiado larga. 15 o 20 minutos no le hubieran venido mal.

Entre Shakespeare y Shakespeare, Kenneth Branagh quiso hacer una incursión en el cine noir con toques románticos, y la verdad es que no le salió nada mal.
Qué mejor musa que su entonces esposa, Emma Thompson, y qué mejores secundarios, debió pensar Branagh. Y es que por allí desfilan, como quien no quiere la cosa, Robin Williams, Derek Jacobi y Andy García (que tuvo unos años 90 muy noirs, la verdad), pero además la narración resulta de lo más entretenida y enrevesada. Prepárense para saltos en el tiempo, personajes dobles y todo tipo de trucos que mantienen el interés del espectador.
Obviamente, no es la mejor película de ninguno de los implicados, pero sí es muy entretenida y sin duda una pieza curiosa y única en las carreras de todos ellos.

Impecable la carrera cinematográfica que se está labrando Mike Faist.
Son muy pocos los intérpretes que logran hacer una transición exitosa de las tablas y el musical a la gran pantalla. Faist, el inolvidable Connor Murphy de Dear Evan Hansen, que tantas alegrías le dio, se apoyó en otro musical, West Side Story, y el personaje de Riff para dar el salto y colarse en el mundo del cine, y se ha quedado por talento y carisma. Y ojito a lo que viene, que este año lo vamos a ver con Zendaya y Josh O'Connor en Challengers, lo nuevo de Luca Guadagnino, y como motero rebelde acompañando a Austin Butler en The Bikeriders, de Jeff Nichols.
Además, en Pinball, Faist demuestra que puede perfectísimamente echarse una película a la espalda y sostenerla él solito. Su interpretación de Roger Sharpe es fantástica y demuestra el inmenso carisma del de Ohio. Además, por suerte el guión acompaña, y no siendo una obra maestra consigue interesar y entretener muchísimo con este relato de cómo el pinball dejó de existir en la clandestinidad.
Correcta y con un protagonista excelente.

Lo mejor: Mike Faist
Lo peor: Es lo que es. Tampoco hay que pedir la Luna.

Creatura es la película más valiente del cine español en muchos años.
Jamás una película había explorado así la sexualidad, especialmente la femenina, sin ningún tipo de tabú ni prejuicios. La directora, Elena Martín, se abre en canal en su triple faceta para dar vida a Mila, explorando cómo cambia el deseo y el conocimiento del cuerpo con la edad. Bravo por su valentía, que la coloca como una cineasta a la que seguir con mucha atención.
El problema está en que detrás de ese arrojo y ese estudio del comportamiento sexual, interesantísimo, no hay una verdadera historia interesante que contar, y el guion se queda corto. Una lástima, pero sin duda es una experiencia que merece la pena disfrutar o sufrir, además de, una vez más, un ejercicio de ovarios bien puestos encima de la mesa.

Lo mejor: La valentía inmensa de su directora como guionista, actriz y realizadora.
Lo peor: La historia en sí no es gran cosa a nivel narrativo.

En un año 2023 de cine español sensiblemente inferior al maravilloso 2022 (era difícil de superar), ¿cómo es posible que El maestro que prometió el mar no haya estado entre las cinco nominadas al Goya a Mejor Película? Para quien esto firma es bastante, pero muy superior a los trabajos de Isabel Coixet y Víctor Erice. De hecho, es la mejor película española del año, junto con 20000 especies de abejas, y por encima de La sociedad de la nieve y Saben aquell.
Patricia Font crea una experiencia emocional francamente preciosa, una película de una sensibilidad maravillosa, que recuerda, es verdad, a La lengua de las mariposas y, como aquella, es un homenaje a los maestros de la República y a la labor inspiradora de los docentes. Sin embargo, la película de Font consigue su propia entidad como obra cinematográfica gracias a un guión impecable, con la mezcla de las dos historias, y un sentido de la emoción auténtico y nada impostado.
Y qué decir del trabajo precioso de Luisa Gavasa o de una Laia Costa en el mejor momento de su carrera (ver fl ataque de ansiedad que tiene su personaje casi al final y cómo lo interpreta la catalana), y por supuesto de un inolvidable Enric Auquer, magistral en la piel de Antoni Benaiges, magistral en cada mirada e inflexión de voz (ver si discusión con el cura cuando le interrumpe la clase).
Una película maravillosa.

Lo mejor: Enric Auquer, Laia Costa, Luisa Gavasa y la extraordinaria belleza y sensibilidad de la propuesta.
Lo peor: Nada realmente. Es casi perfecta.

Los elementos con los que se conforma Teresa son excepcionales. Una película que tiene como secundarias a Greta Fernández y Consuelo Trujillo poco tiene que perder, desde luego.
Por un lado está Juan Mayorga como autor de la obra en la que se basa la película, "La lengua en pedazos". El madrileño es una de las figuras más destacadas del teatro contemporáneo en español, sin duda, gracias a obras como la mencionada u otras como la maravillosa El crítico, La tortuga de Darwin, La intérprete o El Golem.
Detrás de la cámara está Paula Ortiz, una de las cabezas más lúcidas de la cinematografía española de los últimos años, responsable de la maravillosa De tu ventana a la mía, un prodigio de sensibilidad e inteligencia, y sobre todo de la magistral La Novia, una de las grandes obras maestras del cine español reciente. Si no la han visto, háganse un favor y búsquenla, vívanla, siéntanla. Es un viaje extraordinario y lleno de belleza y dolor a partes iguales. Jamás el cine ha trabajado a Lorca son semejante poesía y hermosura.
Y delante de la cámara están Blanca Portillo y Asier Etxeandia, pareja artística sobre las tablas en multitud de montajes, casi todos ellos dirigidos por el ya fallecido Tomaz Pandur. La actriz madrileña ha logrado ese estatus que tan pocas han conseguido. Están la Espert, la Xirgu, la Velasco, la Peña, más recientemente también la Machi, y por supuesto está la Portillo. No hay más que decir al respecto. El vasco, por su parte, se hizo grande sobre las tablas gracias a su trabajo con el director esloveno, confirmando que lo de Cabaret no había sido flor de un día. Como Valmont, como fantasma de Hamlet, como Dante, como Quirón, se hizo un gigante dentro del escenario, haciéndose un nombre propio y una personalidad única que, modelada también con textos de Vargas Llosa (La Chunga), o dejándose dirigir por la propia Portillo (La Avería), explotó como una bomba en El Intérprete, el espectáculo de su vida, que ojalá decida reponer algún día. Una experiencia absolutamente única y digna de un actor como él.
Hecha esta larga introducción (gracias a quienes hayáis llegado hasta aquí), el problema de Teresa es que se queda a la mitad de todo. Que sus maravillosos ingredientes no sirven para hacer de la película una cinta importante dentro del cine español. Sólo así se explica que, con justicia, haya sido ignorada en toda la temporada de premios. La vida de la santa abulense, siendo una de las místicas más importantes de la Historia, hubiese dado para que Ortiz hiciese un despliegue apabullante de su particular estilo visual, pero ese despliegue jamás llega. El guion, como suele ocurrir con muchas adaptaciones teatrales, tampoco termina de encajar del todo en el formato cinematográfico, y el conjunto entero acaba dependiendo demasiado de la impresionante presencia en cámara y descomunal talento de su pareja protagonista.
Correcta, emocional, con dos titanes delante de la cámara, pero escasa y decepcionante. A Paula Ortiz hay que pedirle más. Lo puede dar de sobra.

Lo mejor: Blanca Portillo y Asier Etxeandia, gigantes.
Lo peor: Está por debajo de sus posibilidades.

Al hablar de Un amor, vaya por delante que Laia Costa y Hovik Keuchkerian son dos intérpretes de esos que hacen fácil el difícil arte de la interpretación, y que engrandecen todo lo que tocan. La química que tienen es maravillosa, y se dejan la piel y el alma en dos personajes, Nat y Andreas, perdidos en la inmensidad de la incertidumbre, la incapacidad para saber quiénes son de verdad y una vida que no es lo que quieren ni desean. Maravilloso trabajo el de la catalana y el hispano-libanés.
Ahora bien, por alguna razón, el cine de Isabel Coixet, directora todoterreno, prolífica y polifacética donde las haya, no termina de remontar desde los comienzos maravillosos que tuvo y su gran obra maestra, que sigue siendo Mi vida sin mí. Y tiene mucho que ver la pátina de pedantería y superioridad intelectual que la catalana imprime en todas sus obras. Es como si fuera buscando los premios desesperadamente y se olvidara de impregnar sus obras de verdadera emotividad. Y eso es exactamente lo que vuelve a pasar con Un amor.
Una película correcta, hermosa, pero muy, muy floja en comparación con lo que podría haber sido.

Lo mejor: La pareja protagonista, inolvidable.
Lo peor: Se queda a medias en todo.

Trece años después de la sensacional Intruders, Juan Carlos Fresnadillo da el salto definitivo a Hollywood con Damsel, una fantasía oscura que pretende dar una vuelta de tuerca a los cuentos de hadas y dragones.
O quizás no tanta vuelta de tuerca, porque las referencias a Dragonheart o a Juego de Tronos (con momento Dracarys incluido) son muy obvias para cualquiera que conozca dichas obras. Hay mucha pereza narrativa en el guión, que se toma demasiado tiempo, más de media hora, para presentar una situación y unos personajes que no puede ser más simples. Además, hay un problema serio con la interpretación de Millie Bobby Brown. Que sea la inolvidable Eleven de Stranger Things, personaje mítico de la televisión y la ciencia-fcción donde los haya, y que haya estado encantadora como Enola Holmes, no significa que esté preparada ya para acometer cualquier personaje. El que tiene aquí, de hecho, le queda grande, porque requiere de un carisma que, a día de hoy, ella no tiene. Aún no ha hecho la transición de actriz infantil a actriz juvenil, y es inevitable pensar qué hubiesen podido hacer con 19 años, en su momento, unas Emma Stone o Jennifer Lawrence con este mismo rol.
Así, lo mejor es sin duda lo bien que se lo pasa Robin Wright como mala malísima, 37 años después de enamorar al mundo como La princesa prometida, y por supuesto el despliegue de medios del que se hace gala, lo que, unido a sus escasos 100 minutos de duración, convierten a Damsel en una película muy entretenida.
Por cierto, ya existe otra Damsel, de hace seis años, un western muy apañado protagonizado por Mia Wasikowska y Robert Pattinson. Ni en eso es original esta propuesta de Netflix.

Lo mejor: Robin Wright y lo entretenida y espectacular que es.
Lo peor: La historia es bastante pobre y poco imaginativa, y Millie Bobby Brown no era la actriz adecuada para este personaje.

Curioso cómo funciona el mundo a veces.
Armie Hammer, por unas acusaciones gravísimas de abuso, violación e incluso canibalismo, ha perdido su vida y su carrera tal y como las conocía / las conocíamos hasta 2021. Sin embargo, con Ezra Miller, envuelto desde hace años en multitud de asuntos francamente turbios, tanto o más que los de El llanero solitario, parece haber una cierta pátina de lástima o de indulgencia. Curioso, aunque habrá que ver cómo afecta esto a su carrera posterior.
Dicho esto, y entrando al turrón, lo cierto es que el resultado en taquilla y en la crítica de Flash ha resultado algo injusto. Estamos todos de acuerdo a estas alturas que los intentos de DC de conseguir hacer la competencia a Marvel con su DCEU ha sido un fracaso, y en absoluto han conseguido una cohesión argumental y un éxito taquillero como el del MCU, un hito histórico dentro de la historia del cine, gusten más o gusten menos sus películas. Pero lo cierto es que Flash resulta una película bastante entretenida, divertida y a la vez emotiva, y sus juegos con las líneas temporales y los multiversos la colocan como la película más "Marvel", por así llamarla, de todo el DCEU. Además, es francamente espectacular y contiene multitud de momentos y escenas que, sin desvelar nada, van a hacer las delicias de los más fans de los personajes de DC, especialmente los que ya peinen bastantes canas. Y hasta ahí vamos a leer. Lo demás tendrán que descubrirlo ustedes.
En definitiva, una película bastante correcta y sin duda perfecta para pasar un rato de lo más entretenido. Y sí, está Maribel Verdú, hablando un más que decente inglés. Bravo por ella.

Lo mejor: Es muy entretenida, divertida y emotiva (atención a los cameos, tanto físicos como digitales), y su apuesta por los multiversos (los varios Batman...)
Lo peor: Sigue sin ser todo lo buena que debería.

A ver, Cat Person tampoco es tan mala como se ha dicho.
Tiene un mensaje importante y sobre todo tiene a Emilia Jones, que es una maravilla haga lo que haga. Ya emocionó en CODA y aquí vuelve a estar sobresaliente.
Sin embargo, el problema de esta película es que esta denuncia del patriarcado y del machismo y la violencia sexual que sufrimos las mujeres por el mero hecho de serlo ya la hemos visto hace poco en Una joven prometedora, la monumental ópera prima de Emerald Fennell, y claro, en la comparación sale perdiendo claramente la cinta de Susanna Fogel. La película está bien, pero no llega a impactar como debería y es demasiado complaciente en su tercio final (aunque no pierdan de vista la última escena... Tremendo momento).
Correcta, pero sin más.

¿Recuerdan Deseando amar, la maravillosa película de Wong Kar-Wai? En ella, Tony Keung y Maggie Cheung interpretaban a un hombre y una mujer que descubrían a la vez que sus respectivas parejas tenían un affaire. Poco a poco, ellos iban enamorándose también, pero decidían no actuar sobre esos sentimientos por un sentido del honor y la fidelidad muy desarrollado, para diferenciarse de la traición de sus cónyuges.
Algo parecido nos propone Celine Song en Vidas pasadas, una historia de amor a través de las décadas que no puede materializarse por diversos motivos (inmigración, otras relaciones), pero a la que, quizás, le quede una última oportunidad.
La directora retrata los sentimientos de los dos protagonistas van enorme elegancia y sensibilidad, extrayendo lo mejor de una excelsa Greta Lee (atención a su momento final, de una profunda emotividad) y un Yoo Teo que tampoco se queda atrás (ver cuando le confiesa a ella el motivo por el que cree que se ha casado). Es verdad que, quizá por esa similitud con la cinta de Wong Kar-Wai, el impacto que genera no es tan alto como parecen indicar las entusiastas críticas y los premios, pero sin duda es una cinta hermosísima y muy interesante.

Lo mejor: Las actuaciones y la elegancia y sensibilidad de la narración.
Lo peor: Tampoco es esa obra maestra que se ha dicho.

Almudena Carracedo y Robert Bahar son un bálsamo para el cine documental en España.
Ya con El silencio de otros consiguieron algo maravilloso, y ahora, con No estás sola, aportan el documento definitivo sobre un caso que cambió todo en España respecto a la violencia sexual que sufrimos las mujeres.
Mediante testimonios directos e indirectos, se reconstruyen los acontecimientos de aquel día en Pamplona y la reacción posterior con rigor, mucha emotividad y sin abusar en ningún momento del sentimentalismo.
Un documental magistral que demuestra por qué la educación es lo más importante para evitar que se repitan estas cosas . Ojalá lo vea mucha gente, y sobre todo muchos jóvenes.
Imprescindible.

Wonka es una cinta encantadora. Esa es la palabra.
Entretenida, divertida, y sobre todo profundamente emotiva (ver su tercio final), es una cinta perfecta para ver en familia y/o disfrutar de un rato muy agradable y bonito. Como cambia esperar, además, la dirección artística es sencillamente maravillosa, y el reparto es inmaculado. Tener a Olivia Colman y Hugh Grant entre los secundarios ya da una idea del nivel del que estamos hablando, pero es que además Carah Lane está fantástica, adorable y muy simpática, y Timothée Chalamet, en su mejor momento como intérprete, es el perfecto Willy Wonka, combinando dulzura y extravagancia a partes iguales.
El problema de la película es que sea un musical, ya que las canciones no aportan nada ni son especialmente memorables. Muy al contrario, lo que hace la música es alargar el metraje hasta el absurdo y ralentizar un ritmo que, de otra forma hubiese sido casi perfecto.
Aun así, una cinta muy hermosa y, sobre todo, entrañable.

Lo mejor: Lo encantadora, entretenida y emotiva que es, y el trabajo de Timothée Chalamet y Calah Lane.
Lo peor: No le beneficia nada ser un musical. No hacía falta, y sólo alarga el metraje sin razón.

¿Se puede decir ya? Digámoslo ya.
Dune: Parte Dos es una de las mejores películas de ciencia-ficción que hemos podido disfrutar en muchos años. Quizás no sea descabellado incluso decir que también en la Historia del Cine. Y es que Denis Villeneuve es uno de los nuestros. Un tipo que comprende el poder de la imagen y de la palabra, y que así, sin despeinarse, nos ha regalado ya dos de los trabajos de género más brillantes de las últimas décadas: esta cinta, y la magistral La llegada. Sin duda, Kubrick tiene un buen alumno en el canadiense. Entre Chris Nolan y él, han dignificado un género que, antes de ellos, pocas veces había arrancado el aplauso unánime de la critica y llegado hasta las galas de entrega de premios. Cosa que ya pasó con la primera Dune, y volverá a pasar sin duda con esta, si hay justicia.
Y es que todo funciona en este segundo volumen de la adaptación de Frank Herbert. Pese a que el metraje se extiende hasta las dos horas y treinta y siete minutos (sin contar los créditos finales), no se hace pesada ni aburrida en ningún momento. Las escenas de batalla y del desierto dejan con la boca abierta, por la espectacularidad de los efectos visuales (atención a la escena en que Paul aprende a montar en gusano de arena, y cada vez que estos aparecen, sobre todo en la batalla final, cuando al fin los vemos en todo su esplendor) y la inmensa fotografía anaranjada de Greig Fraser. El diseño de producción es sobresaliente. La realización de Villeneuve es sencillamente magistral (atención al cambio a blanco y negro durante la secuencia de Feyd-Rautha en la Arena), sin descuidar las escenas más íntimas y de diálogo (ver el primer beso entre Chani y Paul). La historia desprede una épica, una emoción y una madurez narrativa que es un bálsamo en un mundo tan adocenado y normalmente poco fértil en lo humano como el cinematográfico.
Y qué se puede decir del reparto, con unos soberbios Timothée Chalamet (impecable su transformación en Mesías) y Zendaya (qué mirada tiene) a la cabeza. Austin Butler resulta aterrador y hace un trabajo maravilloso. Rebecca Ferguson es, una vez más, seguramente la mejor del reparto, y vaya carrera que se está labrando la sueca. Impecable. Javier Bardem se lo pasa bomba con su importantísimo Stilgar, y Christopher Wallen y Stellan Skarsgaard ponen la nota de veteranía a la perfección.
Sí que es verdad que no es perfecta, principalmente porque sufre un ligerísimo y breve bajón de ritmo tras los primeros 90 minutos (algo totalmente lógico y perdonable, teniendo en cuenta su duración), y también se puede apreciar que hay personajes que hay personajes que no tienen tiempo suficiente para destacar. Es el caso de los roles que interpretan Dave Bautista, Florence Pugh (otra que tal baila respecto a la carrera magistral que se está labrando; representa, junto con Butler, Chalamet y Zendaya, lo mejor de esa generación de actores nacidos entre 1991 y 1996, aproximadamente) y sobre todo Léa Seydoux, que quedan bastante descolgados del conjunto, aunque en el caso de esta última, seguramente gane mucho protagonismo en la siguiente película. Que la habrá, no tengan duda. Pero son fallos estos tan nimios, tan insignificantes en un conjunto tan maravilloso, que se le pueden disculpar perfectamente.
La primera gran película de 2024. Al nivel de la primera trilogía de Star Wars y de 2001. Un magistral trabajo de ciencia-ficción y una historia apasionante.

Lo mejor: Todo: la realización de Villeneuve, los actores (sobre todo Ferguson, Butler, Chalamet y Zendaya), los efectos visuales, la fotografía, la dirección artística, la música de Hans Zimmer (maestro siempre; otro trabajo superlativo para su colección), el entretenimiento que proporciona...
Lo peor: Pasada la primera hora y media, impecable, sufre un ligero bajoncillo de ritmo, y hay personajes que no tienen suficiente tiempo en pantalla para brillar como merecen.