Sian Heder debuta en la dirección con este sorprendente drama llamado Tallulah.
La verdad es que, leyendo sólo la sinopsis, la cosa no pintaba demasiado bien. Típico melodrama de sobremesa, de realización televisiva, lacrimógeno y poco o nada elaborado. Y a ver, siendo justos, es verdad que la realización no es nada del otro mundo y que el resultado no es de obra maestra que vaya a ganar todos los premios de todas las ceremonias del mundo. Pero, sin duda, Tallulah es una sorpresa, porque resulta mucho mejor de lo que parecía que iba a ser en un momento.
Tallulah es una película con puntos divertidos, y sobre todo es una historia llena de ternura y cariño, sin caer en la sensiblería barata. El guión presenta bien la situación y los personajes, y se beneficia de un desarrollo muy inteligente. La relación que se establece entre Lu y Margo, por un lado, y Lu y la pequeña Maddie por otro, es entrañable y llega al corazón del espectador sin necesidad, como decimos, de tirar por los caminos más trillados de la sensiblería. Los personajes secundarios, además, funcionan muy bien, sobre todo Nico y su padre.
Por supuesto, buena parte del mérito reside también en la excelencia de sus dos protagonistas. Allison Janney realiza una interpretación fantástica en la piel de esa mujer al límite que es Margo, irascible, resentida, amargada, borde al principio, pero muy necesitada de cariño y de volver a tener una familia, que encuentra en Lu y Maddy. Y qué decir de Ellen Page a estas alturas, salvo que sigue asombrando con cada papel, cada registro y cada lección que da. Tiene una mirada que vale un mundo, una naturalidad arrolladora y una capacidad ilimitada para emocionar. Con un personaje como este, de acciones tan discutibles e incluso delictivas, consigue que Lu no sólo nos resulte simpática, sino que empaticemos con ella y la veamos como lo que es: una víctima de la soledad y la falta de amor. Como Margo.
En una palabra, notabilísima.

Lo mejor: Ellen Page y Allison Janney, superlativas como siempre, y la mezcla de drama y ternura que ofrece.
Lo peor: En realidad nada, salvo que no deja sensación de obra maestra y la realización es un tanto televisiva.

Pregunta para Susanne Bier. ¿Cómo se puede comenzar tan bien una película y continuarla tan mal?
A ciegas empieza de forma fabulosa, con la advertencia de esta madre en apuros a sus hijos, y después ese flashback sobre el comienzo de todo el ataque extraterrestre (además, ahí aparece la siempre excelsa Sarah Paulson). Por eso sorprende que, una vez la protagonista entra en la casa en la que se refugian muchos supervivientes, la narración se vuelva tan torpe, tan plomiza y tan poco interesante. Ni siquiera el recurso de los ojos vendados, tan explotado en la publicidad o el propio poster de la cinta, tiene al final demasiado importancia. Se trata de un thriller muy muy regularcillo, sin auténtica tensión. Quizás, si la cosa hubiera tirado por el lado de explotar esa circunstancia tan atractiva, tener que ir a ciegas por el mundo, estaríamos ante una muy interesante cinta de terror, pero lo que nos ofrece la directora danesa es algo soso, sin chispa y a ratos bastante aburrido, por mucho que se empeñen Sandra Bullock, John Malkovich o Trevante Rhodes.
Una de las películas más desaprovechadas que hemos visto en mucho tiempo.

Cuento del solsticio de invierno es exactamente como la primera temporada de Sabrina: entretenido, con un gran diseño de producción, con puntos divertidos, con un gran trabajo de sus intérpretes (y muy especialmente de Kiernan Shipka)... y nada del otro mundo. Ese es el gran problema de esta Sabrina, que no está ni muy bien ni tampoco mal. Es una serie intrascendente, lo suficientemente atractiva como para verla sin quejas, pero no termina de resultar nada más que "aceptable".
Con todo, este episodio navideño es una buena opción para entretenerse y matar el gusanillo hasta que llegue la segunda temporada.

American Pastoral, el debut de Ewan McGregor como director, es un más que notable drama que consigue plenamente transmitir el corazón de la historia de Philip Roth. Este drama familiar tiene como trasfondo el dolor y la impotencia de un padre ante el camino que ha tomado su única hija, un camino, sin desvelar nada, que va de la mano del crimen y de la muy dolorosa experiencia para un padre de que sus hijos deseen conscientemente apartarse de sus progenitores, sin que medie discusión o problema alguno por medio. Como tal, la narración es muy seria y está adornada con grandísimas escenas, como aquella en la que Swede por fin encuentra a Merry y hablan de todo lo ocurrido años antes.
Además, la película es especialmente interesante porque cuenta con un trabajo excelso de sus actores. Jennifer Connelly siempre está bien, haga lo que haga, pero sin duda la joya son el propio McGregor y Dakota Fanning. El protagonista de Lo imposible clava la vulnerabilidad y desesperación de su personaje, mientras que Fannning sigue demostrando que no hay rol o género que se le resista. Sus escenas una vez Merry reaparece, por así decirlo, son desoladoras, y lo son gracias al talento de Fanning.
En definitiva, una muy buena película que habla sobre el terrorismo, la expiación de las culpas (que puede coincidir o no con la aplicación de justicia) y sobre todo el amor incondicional de un padre.

Lo mejor: El impacto que causan las revelaciones de su trama, y el trabajo de Ewan McGregor y Dakota Fanning, ambos fabulosos.
Lo peor: En realidad no mucho, salvo que el ritmo a veces es algo irregular y se nota que a McGregor le falta oficio como realizador.

Ojos que te acechan es uno de los thrillers más desgraciados que se pueden encontrar por ahí.
No lo salvan ni siquiera Ewan McGregor y Ashley Judd (en su momento álgido de popularidad antes de "desaparecer"... y hay que reconocer que estos personajes de mujer dura y/o misteriosa en thrillers criminales los hacía como nadie la protagonista de Doble traición), porque se trata de un despropósito sin pies ni cabeza. El argumento está muy desaprovechado (la premisa inicial del agente siguiendo a la asesina no está mal, la verdad), el desarrollo es nefasto y el final es, simplemente, risible (esa cámara lenta...).
Una desgracia, vamos.

Una vez más, quien esto escribe tiene que sorprenderse ante la generosa nota "filmaffinitnera" de una película protagonizada por Tom Hardy.
Warrior, por supuesto, no es una mala película. Las escenas de pelea son muy buenas, y entiendo que harán las delicias de aquellos más aficionados a las artes marciales mixtas. Además, cuenta con unas muy buenas interpretaciones del mencionado Hardy, Joel Edgerton (cuánto camino recorrido desde que lo conocimos como el caballero Gawain del Rey Arturo que interpretó Clive Owen en la excelente película épica de Antoine Fuqua en 2004) y por supuesto Nick Nolte, a quien siempre es un placer ver en pantalla. Pero sorprende que tenga tan buenas críticas una película que es no sólo larguísima, sino además una colección de tópicos. ¿O acaso esta no es la típica historia de deportista en busca de redención, lastrado por una dramática historia familiar y lidiando con sus propios demonios? Lo es, sin duda. La narración no es nada del otro mundo, y los sentimientos son de usar y tirar, como suele ocurrir con telefilmes de los que se emiten en televisión y no distan mucho de esta cinta de Gavin O'Connor.
Una película correcta, con cosas interesantes, pero en modo alguno es tan buena como se lee por estos pagos de Film Affinity.

¿Pero qué es esto?
Me hallo sorprendida de verdad por las buenas críticas de las que goza esta basura. ¿Pero qué le ve la gente a esta tomadura de pelo?
Sí, ya sabemos que lo "cool" en la vida si quieres ser alguien en el mundo de los cinéfilos "enterados" es decir que Nicolas Winding Refn es tu nuevo dios, y que Sólo Dios perdona y especialmente Drive son las obras maestras de los nuevos tiempos, pero Bronson es demasiado.
¿Dónde está la historia? No existe. Sólo es estética, estética y estética. Feísima, por cierto, con una de las fotografías más feas que se recuerdan en años (pero oye, que no, que resulta que también la fotografía de esta cosa es una obra maestra, por lo que parece). Desde luego, tener a Tom Hardy como protagonista ayuda, porque el protagonista de Dunquerke es un pedazo de intérprete, pero esta "película" es un conjunto de peleas y violencia sin sentido, donde las escenas se suceden sin orden ni concierto, y sin nada que las vertebre. ¿Quizás es que la historia de este hombre tan "fascinante" no daba para un largometraje? No sé, pregunto, por si a alguien le hace pensar en algo.
Tremebunda.

Está claro que el terreno natural de Rob Marshall es el musical. Y con esto no estamos queriendo decir que el realizador de Chicago, Nine o Into the woods sea un genio de la dirección cinematográfica. De hecho, no lo es. Sin embargo, conoce muy bien el mundo del musical y eso le basta y le sobra para ponerse tras la cámara en una película como El regreso de Mary Poppins. Lo que le falta de técnica y sabiduría cinematográfica lo compensa con el mimo que pone en las secuencias musicales y unos planos correctos en las escenas de diálogo.
Sinceramente, he dudado sobre qué nota ponerle a esta cinta. Al final me he decidido por la que creo que es más justa, pero no les extrañe que en un determinado momento le suba la puntuación a 9. ¿Por qué? Pues porque se lo merecería, sin duda. No hay más que ver la película en una sala de cine y escuchar los aplausos del público al terminar o tras los números musicales, o cuando Mary Poppins hace su aparición, para darse cuenta de que el objetivo se ha conseguido. No puede haber mayor elogio para una película, del tipo o género que sea.
El regreso de Mary Poppins es un triunfo porque es exactamente lo que el público esperaba de ella. Es mágica, es tierna, es divertida, es emotiva, es encantadora y devuelve no sólo la sensación que causa aún hoy la original sino también esa necesaria vuelta a la niñez que termina siendo la moraleja final de la historia. Y además, es que es una muy buena película. Esperen a ver la secuencia animada, una joya absoluta, una mini-película dentro de la película, o números musicales como los del baño o los faroleros. Digan si no se emocionan con las dificultades de la familia Banks, o que no se les remueve nada por dentro al ver aparecer a Mary Poppins desde el cielo de Londres. Detrás de todo eso está el talento de David Magee, que ya demostró en Descubriendo Nunca Jamás que no hay guionista mejor que él para escribir historias llenas de amor y emoción en la capital inglesa. La música nueva, obra de los prestigiosos Marc Shaiman y Scott Wittman (Hairspray, Catch me if you can), está a la altura del trabajo mítico de los hermanos Sherman, respetando su estilo y aportando piezas bellísimas como "The place where lost things go", "A cover is not the book" o "Nowhere to go but up".
Aunque no todo es bueno, o mejor dicho, hay cosas menos positivas. Es excesivamente larga, de eso no hay duda, y lo es porque se introducen canciones y personajes que no eran realmente necesarios (la secuencia de Topsy Poppins, por ejemplo, por mucho que nos dé la posibilidad de ver el infinito registro e infinito acento de la mejor actriz de la historia, Meryl Streep), algo bastante común en muchos musicales, por cierto. Además, resulta extraño que el guión olvide durante tanto rato a Jane y especialmente a Michael, que terminan por ser personajes bastante secundarios pese a su repunte final. Por otro lado, la película vive de la nostalgia perpetua y el homenaje a la cinta original, y eso le impide tener personalidad propia, algo que no le hubiera venido mal. Tanto es así que hay números, como el citado de Topsy o el espectacular baile de los faroleros, que son calcos muy claros de otros números de la película de 1964.
Pero, como decimos, no hay duda sobre su calidad, su encanto, su entretenimiento y por supuesto sobre el trabajo excelso de sus actores. Todos, sin excepción, están soberbios, pero destaquemos a cinco. Emily Blunt está grandiosa. sin necesidad de imitar a Julie Andrews, clava la esencia del personaje de Mary Poppins, con esa mezcla irresistible de severidad, humor (ver cuando John le pregunta cuánto pesa), corazón y talentazo para cantar y bailar, ya demostrado por la actriz en Into the Woods. Ben Whishaw, a pesar de tener que lidiar con decisiones de guión un tanto extrañas, se basta y se sobra con tres apuntes (mirada triste, hombros encogidos, nerviosismo) para contarnos quién es Michael Banks. Lin Manuel Miranda, que va a ser descubierto aquí por el gran público, es una delicia de contemplar por su increíble talento para el musical y por el encanto que rezuma su Jack (ver su relación con Jane). Además, ha logrado que entren detallitos que apuntan directamente a su obra maestra, Hamilton, que él ha compuesto y protagonizado en su totalidad. Y qué decir de Dick Van Dyke y Angela Lansbury, que son dos estrellas absolutas, a sus 93 años, y cuya presencia es la guinda del pastel por su humor y la ternura de su interpretación en dos personajes breves, pero importantísimos.
En definitiva, una delicia para toda la familia y para todos los que siguen manteniendo su ilusión infantil. Nunca hay que perder eso.

Lo mejor: Los actores, excelsos todos (incluidos los niños, fabulosos), los números musicales y su inagotable capacidad para emocionar.
Lo peor: Es demasiado larga y, en ciertos aspectos, demasiado dependiente de la alargada sombra de su predecesora.

Una suerte que, para los que no vivíamos en 1985, o eran demasiado pequeños, o no podían estar en Londres y Philadelphia aquel 13 de julio, haya quedado constancia fílmica de aquel evento sin igual.
Los mejores artistas del mundo se reunieron en estas dos ciudades para participar en el evento benéfico más grande que se recordaba, y quizás a día de hoy sigue siendo el más impactante y conocido (y de especial actualidad ahora por la renovada popularidad de Queen gracias a Bohemian Rhapsody).
Inolvidable momento para la música y el mundo.

¿Se puede hacer un thriller en 3 minutos? Sí, se puede.
Daniel Cabrero filma esta brevísima pieza que desconcierta al espectador y lo obliga a esperar hasta prácticamente el último plano para entender lo que está sucediendo. Buen trabajo de sus dos actores para dar forma a un misterio sobre la identidad, lo real y lo imaginario y, en última instancia, podríamos decir también que la salud mental.
Notable.

Wim Wenders, a sus 73 años, sigue haciendo cine. Encomiable y admirable, sin duda, cuando, por éxito, dinero y reconocimiento, podría haberlo dejado ya hace tiempo. Eso sí, otra cosa es que las películas sigan saliéndole como antaño.
En el caso de Inmersión, la respuesta es que no.
El gran problema de la película es que no tiene un objetivo. ¿Qué es? Ni Wenders lo sabe. ¿Es cine bélico? ¿Es un thriller político? ¿Es denuncia social? ¿Es un drama romántico? ¿Una aventura marina? Tiene un poco de todas esas cosas, y los ingredientes no se mezclan bien unos con otros para hacer un buen guiso. El ritmo es sorprendentemente bueno para la confusión en que está envuelta la historia, pero no es posible empatizar demasiado con los personajes, ya que sus actos son, igualmente bastante confusos (¿por qué a ratos Danny parece tan preocupada por James y en otros momentos le da completamente igual y sigue a lo suyo?).
Así, lo que mejor funciona y lo que la salva en última instancia de la quema es la parte romántica de la historia, la única que llega al corazón del espectador, sobre todo gracias a la calidad de James McAvoy y Alicia Vikander. Tanto el británico como la sueca son dos intérpretes de extraordinario talento, demostrado durante muchos años en películas de toda clase y pelaje, y aquí vuelven a enamorar a la cámara y al espectador con una química, además, exquisita.
En definitiva, un filme poco digno del estatus maestro de su realizador.

Lo mejor: James McAvoy y Alicia Vikander, dos fabulosos intérpretes con una química exquisita en pantalla.
Lo peor: ¿Qué es? ¿Qué quiere contar en realidad? ¿Hacia dónde va?

Cómo acabar con tu jefe podría pasar, si fuera todavía un poco más gamberra y grosera, por una película de los hermanos Farrelly cuando asombraron al mundo con su estilo irreverente y basto a finales de los 90 con, sobre todo, Dos tontos muy tontos y Algo pasa con Mary.
Así, la cinta de Seth Gordon, especialista en este tipo de cine, resulta una opción más que digna para pasar un rato muy entretenido y divertido delante de la pantalla. Obviamente, tampoco es una joya de la comedia, pero sería injusto reconocerle que cumple con sus objetivos y, además, lo hace con brío y algunos buenos chistes. Además, se beneficia de la química entre los tres protagonistas, especialistas absolutos del humor como son Jason Bateman, Charlie Day y Jason Sudeikis, y sobre todo de la brillantez de los tres jefes a quienes los protagonistas desean matar.
Jennifer Aniston es esa actriz infravalorada que parece que sólo se recuerda por Friends, cuando es una grandísima intérprete que ha demostrado su versatilidad en multitud de ocasiones y géneros, aunque también se haya equivocado al dedicarse durante demasiados años sin reparo a comedias románticas de cuestionable calidad. Aquí está estupenda, en una faceta poco vista en ella hasta la fecha, una casi villana que además es una depredadora sexual. Kevin Spacey, por su parte, se lo pasa estupendamente con su alocado personaje, en un género, la comedia, en el que ha podido prodigarse poco durante su carrera. Colin Farrell, un actor que tampoco ha tocado demasiado el humor, compone un personaje hilarante que merecería más minutos en pantalla, igual que el de Aniston (ambos un tanto desaprovechados, por cierto).
Correcta y con gracia.

Lo mejor: Los actores y su sano entretenimiento. Es divertida y es lo que pretende.
Lo peor: No es ninguna maravilla y hay cosas de bastante mal gusto.

Pregúntale al viento, la novela, es un clásico de la moderna novela norteamericana. Se lee en los institutos, se estudia en las facultades de literatura y ha contribuido a convertir a John Fante en un autor prestigioso.
Por desgracia, la película de Robert Towne no está a la altura.
Colin Farrell y Salma Hayek no tienen demasiada química juntos, y además el cine romántico no es el género que más le va a al intérprete irlandés. Por el contrario, sí tiene bastante afinidad con una elegante Idina Menzel, que es lo mejor de la película, en una de sus escasas apariciones en cine no relacionadas con el musical y el canto.
El problema es que la cinta es demasiado larga y no termina de emocionar con el romance intercultural entre Arturo y Camila. Es simplemente una película para pasar el rato, sin más. No ofende pero tampoco emociona ni entusiasma. Pasable y punto.

Ni Kevin Spacey, ni un jovencísimo Colin Farrell, ni Stephen Dillane, ni Peter Mullan, ni Linda Fiorentino, ni Christoph Waltz pueden conseguir que Crminal y decente sea... pues eso, una película decente. De hecho, es bastante regular.
La mafia irlandesa, la poligamia, el IRA, un cierto complejo de Robin Hood (a pesar de que el protagonista no es precisamente simpático ni heroico), el robo de obras de arte y los temas sociales se entremezclan de forma bastante rara en este filme de Thaddeus O'Sullivan que no pasa de ser una cinta fallida y extraña, ni demasiado interesante ni tampoco aborrecible. Es medio irónica, medio sarcástica y medio todo, por lo que no termina de llegar a ninguna parte.
Con todo, tiene su cierto interés por ver tan jóvenes y/o tan desconocidos a algunas de sus estrellas.

Emotiva y muy notable adaptación de Michael Mayer de la novela de Michael Cunningham, más conocido por su magistral Las Horas, adaptada con enorme éxito al cine en 2002.
SIDA, amor a tres bandas, hijos, padres y sobre todo muchos sentimientos son los ingredientes principales de esta contundente película que apunta directamente al corazón del espectador con una ágil narración y unos excelentes actores. Colin Farrell, brillante, pocas veces ha estado más vulnerable y dulce, mientras que Robin Wright demuestra una vez más que es una actriz infravalorada (o lo era hasta que House of Cards la rescató del semi-olvido en el que había caído). Está fabulosa, extrovertida, atractiva, dura y frágil al mismo tiempo. Dallas Roberts tiene un personaje muy complicado y lo solventa de forma excelente, especialmente en su tercio final.
Una muestra más del control y la maestría que tiene Michael Cunningham con los sentimientos y las historias de amor en las que los seres humanos no son perfectos ni siempre están acertados. Son, simplemente, humanos.

Dan Gilroy asombró al mundo con Nightcrawler en 2014. Y no es para menos, ya que la cinta protagonizada por un excelso Jake Gyllenhaal es una de las películas más rompedoras y brillantes de los últimos años.
La cosa no le sale tan bien a Gilroy sin embargo con Roman J. Israel, Esq., que es una cinta correcta, elegante, con momentos inspirados o cargados de emoción (el final), pero que se ve lastrada por una narrativa poco ágil y una historia que, siendo realistas, tampoco es la repera en bicicleta. Hay partes directamente aburridas, otras que confunden y otras que sí son emotivas, como decíamos más arriba, pero la mezcla nunca termina de funcionar realmente como debería. Carmen Ejogo, en un personaje encantador, y un notable Colin Farrell (fabulosa la recuperación de su prestigio en los últimos años, después de demasiado tiempo siendo continuamente infravalorado) acompañan muy bien a quien es la gran estrella de la función, y el responsable directo de que suban el interés y la nota de la propuesta entera.
Sin duda, lo mejor de la película es Denzel Washington. El oscarizado intérprete de Training Day es uno de los mejores intérpretes del mundo, y nunca o casi nunca decepciona. En este caso, realiza una composición del personaje principal absolutamente extraordinaria, convirtiéndolo en un ser digno de lástima y que se gana el corazón del espectador a pesar de hacer también algunas cosas muy cuestionables. Wahington lo reviste de una humanidad enternecedora y clava cada uno de los matices de la personalidad (¿Asperger?) de Israel.
En definitiva, una película correcta, aunque no llega a notable.

Lo mejor: Denzel Washington, superlativo como siempre y muy por encima del nivel general de la cinta.
Lo peor: La narración no es precisamente hábil ni demasiado atractiva.

Ay, dios mío.
¿No os pasa que a veces una película de supuesto terror os da risa? Pues esa película es The Messengers.
Los hermanos Pang se convirtieron en figuras claves de la ola de terror asiático que inundó el resto del mundo entre finales de los 90 y principios de los 2000 gracias a The Eye, una película que, siendo sinceros, tampoco era para tanto (de hecho, quitando la taquicárdica secuencia en el ascensor, era bastante mala) y que de hecho hoy está bastante olvidada.
Pues bien, su primera incursión hollywoodiense, The Messengers, tampoco sube mucho el nivel, más bien al contrario. cuesta decidir qué es lo peor: si la risa que causan los espectros que reptan por las paredes, los sonidos demoniacos de ultratumba, la nula credibilidad de Penelope Ann Miller (hacía mucho que no veía una actuación tan lamentable... en muchos ratos parece que se está conteniendo la risa, y no me extraña, ojo, pero vamos... y sus caras de "miedo" son terribles), el torpe diseño de producción (ni siquiera la casa aislada y vieja produce inquietud), el final cuando descubrimos qué es lo que pasa en realidad o el tronchante epílogo en el sótano.
Sencillamente, una de las cintas de terror más desgraciadas y poco terroríficas que hemos visto en muchos años.

Lo mejor: Poco... vamos a decir que hay alguna escena por ahí que da un poco más de yuyu.
Lo peor: Es estúpida, absurda, no da miedo y provoca hilaridad.

J.D. Salinger, fallecido en 2010, es el autor de El guardián entre el centeno, una de las novelas más importantes del siglo XX. Una novela, además, fascinante, sin duda, que nos presentó a Holden Cauldfield, el personaje que vino a representar la angustia adolescente y las dudas de millones de lectores jóvenes alrededor del mundo.
Sin embargo, una cosa es esa y otra que Salinger tuviera una vida lo suficientemente interesante como para hacer un biopic sobre ella. Visto lo visto, a lo mejor es que la respuesta era no.
Danny Strong, co-guionista de Los Juegos del Hambre, debuta como director con una película bastante pobre, torpe y plomiza además en su ritmo. Como decimos, igual el problema es que la vida de Salinger no fue realmente digna de película (especialmente teniendo en cuenta que, tras la publicación de su inmortal novela, no quiso saber nada más del mundo editorial ni de la fama en general, llevando una existencia de lo más tranquila y anónima hasta su muerte), pero además la película en sí nunca consigue resultar demasiado interesante, aparte de por disfrutar del trabajo de sus actores, especialmente el siempre interesante Nicholas Hoult y Sarah Paulson, que siempre es lo mejor de los proyectos en los que participa.
Pobre intento de hacer justicia a un autor único, a la par que oscuro, que sólo provoca alguna emoción en su final, cuando se nos cuenta, a través de textos, cómo continuó la historia.

Vamos a poner las cartas sobre la mesa.
En un año menos flojo del cine español, una película como Campeones no hubiera llegado jamás a los Goya. O quizás sí, pero desde luego no en tantas candidaturas, y jamás como Mejor Película.
¿La razón? Que, dejando de lado la fantástica campaña de promoción "a lo Rosalía" de que ha disfrutado (ya saben, exposición a todas horas en los medios que nos convencen de que nos va a gustar y ya nos gusta incluso antes de verla y analizarla objetivamente), Campeones no es ninguna obra maestra. Pero ni de lejos. Es predecible, típica y tópica a más no poder, y recurre a la ya trilladísima fórmula de introducir mucho humor para buscar la lágrima fácil del espectador (ver el epílogo en el parque). Además, ¿en qué cabeza cabe que una historia así dure casi dos horas? Indefendible.
Lo bueno es que, a pesar de ser una cinta sobrevalorada, lo cierto es que resulta la mar de simpática y agradable. Es bonita, se deja ver muy bien, y cuenta con un reparto de desconocidos intérpretes que se ganan el corazón del espectador con su naturalidad desde el minuto 1. Javier Gutiérrez, por su parte, agranda su leyenda, que comenzó hace casi diez años con su Sátur de Águila Roja. Es uno de los mejores actores de este país, y siempre es garantía de calidad e interés.
Sencillamente, se trata de una película correcta, tierna, agradable, entretenida y simpática, pero en modo alguno es cine sobresaliente, ni notable, siquiera. Es lo que es y punto, y así ha de ser valorada.

Lo mejor: Javier Gutiérrez y todos los actores del equipo.
Lo peor: Es lo que es.

Vamos a ser justos. Roma no es una película perfecta, en absoluto. Le pasa lo que a muchas otras películas "premiables", que es que le sobra metraje. La misma historia podría haberse contado fácilmente en 20 minutos menos (más o menos los que le sobran por el episodio en la hacienda y alguna que otra escena aquí y allá que podría no haber estado. ¿Sirve de algo al final el personaje de Adela? No mucho), lo que hubiera ayudado a que su narración fuera más ágil. Como decimos, es un defecto común de muchas películas que pretenden llegar a la época de premios. Parece como si, para ser una cinta importante, buena y premiable, estuviera escrito que tuviera que durar necesariamente más de dos horas...
Pero también hay que hacer justicia por otro lado. A pesar de esos pequeños defectos, Roma es sin duda una de las mejores películas del año, y una de las mejores películas de la excelente carrera de Alfonso Cuarón. Hay que ser muy grande para, teniendo el estatus que tiene el mexicano tras películas como Harry Potter o Gravity, decidirse a hacer esto cuando seguro que tiene ofertas mucho más suculentas y mainstream encima de la mesa. Roma es una carta de amor a México, a sus gentes, a la sencillez de una vida familiar y tranquila a la que Cuarón mira con profunda nostalgia y un cariño que supura por cada escena. Lo más destacable que tiene Roma, y lo que hace que los críticos de todo el mundo se hayan enamorado de ella, es que rezuma sensibilidad y mimo a cada momento. Quieras o no, Cleo, Sofía y los niños te atrapan con su ternura y su humanidad, y resulta imposible apartar los ojos de la pantalla hasta que termina el metraje. Se trata de una narración fabulosa por parte de Cuarón, costumbrista y casi casi naturalista más que realista, que además demuestra una vez más su altura como realizador también, con unos planos de museo que emocionan tanto o más que las palabras (atención a cuando Cleo habla con Fermín en el cine, o cuando Sofía cuenta la verdad a sus hijos mientras cenan). Además, no rehuye el compromiso político gracias a las contundentes escenas que muestran la Matanza del Jueves de Corpus.
Hay que aplaudir además la extraordinaria presencia de los actores más jóvenes, todos encantadores (ver la reacción del más pequeño cuando ve llorar a Cleo), de Marina de Tavira y por supuesto de Yalitza Aparicio, una debutante. Sí,sí, esta es su primera experiencia en la actuación, pues Aparicio es maestra infantil de profesión. En una palabra, espectacular.
En definitiva, una película bellísima y llena de amor que se va a convertir seguro en uno de los clásicos del cine azteca. Y no la pierdan de vista en los Oscar. El que avisa no es traidor.

Lo mejor: Su exquisita sensibilidad y mimo.
Lo peor: Es demasiado larga.