Una de las obras míticas de un director mítico.

Cuando la hizo, Scorsese estaba desencantado con el cine y se planteó que ésta fuera su última película. ¡Imagínate que no hubiera hecho nada más a partir de 1980! Menos mal que la experiencia salió bien y se animó a continuar. Eso sí, se nota que al pensar que ésta iba a ser su última obra, puso toda la carne en el asador.

Es un drama, un biopic, la historia real del boxeador Jake Lamotta grabada en un blanco y negro espectacular, una especie de respuesta a las películas de boxeo que se estaban produciendo en aquella época como "Rocky II". Los combates son espectaculares y, como dijo el propio director, parece que sucedan en otro planeta.

Lamotta está interpretado por Robert de Niro, y Joe Pesci da vida a su primo que le ayuda en su carrera. Ambos personajes están deliberadamente representados como muy misóginos, maltratando a sus mujeres, lo que hace incómodo ver según qué partes de esta película. En el fondo, esta es la historia de dos personas que no son capaces de tener relaciones humanas, y profundizaré brevemente en ello en la sección de spoilers.

Eso sí, si lo que quieres es acercarte al cine de Martin Scorsese, quizá no deberías empezar por aquí, ya que "Toro Salvaje" no es el ejemplo más representativo del resto de su filmografía, al igual que "La lista de Schindler", a pesar de todo, no es el ejemplo más representativo de Steven Spielberg. ¿O quizá sí?

Veamos, Scorsese es conocido por un estilo de montaje rápido una temática criminal, normalmente con mafiosos de por medio. Ejemplos legendarios son "Uno de los Nuestros", "Casino", "Malas Calles", e incluso en cierta medida la que siempre ha sido una de sus obras más valoradas: "Taxi Driver". La más taquillera fue "El lobo de Wall Street" y la más galardonada "Infiltrados", ambas también de criminales.

Pero también ha probado muchos otros géneros, incluyendo comedia ("Jo, qué noche"), musical ("New York, York", su peor obra en mi opinión, y no precisamente por los segmentos cantados), infantil ("La invención de Hugo", que además se grabó en 3D), drama romántico de época ("La edad de la inocencia"), terror ("El cabo del miedo" y "Shutter Island"), cine épico ("Gangs of New York"), reivindicativo ("Los asesinos de la luna"), religioso ("La última tentación de Cristo", "Kundun" y "Silencio") y finalmente biopics ("El aviador" y la presente "Toro salvaje" entre otras).

Sí, me retracto, es tan representativa como todas las anteriores.

Molas mucho, Scorsese.

La Biblia, para bien o para mal, es probablemente el libro (o compendio) más importante de la Historia. Incontables individuos han dedicado su vida entera a la adoración de este libro y sus enseñanzas, y aún más gente ha hallado la muerte por su culpa. Contiene lo dicho: enseñanzas. En forma de leyes, instrucciones, reflexiones, poemas, y en general una serie de guías morales para los cristianos, e incluso a otras religiones no cristianas y aún así afines a según qué fragmentos.

Pero también es una colección de historias narrativas.

Las partes narrativas se pueden leer como una serie de fábulas, aunque muchos fragmentos están redactados como si se tratase de un libro de Historia (con hache mayúscula), de ahí que algunas de las secciones más metafóricas del texto se hayan tomado en ocasiones al pie de la letra. Seguramente algunos personajes existieron de verdad pero incluso éstos están mitificados.

Y la mitología cristiana es tan apasionante como cualquier otra. Al igual que la grecorromana, la egipcia, e incluso las mitologías superheróicas modernas, esto consiste en una colección de personajes e historias que se entrecruzan en un Universo compartido.

En ese sentido la Biblia es muy cómoda porque es una colección completa de todas esas historias, aunque te puedas encontrar spin-offs en otras fuentes. Entre sus páginas está la Historia de ese Universo de principio a fin. Literalmente empieza con la Creación de todo y termina con el Apocalipsis, el final de todo. Y entre medias la mitología cristiana canónica al completo, en orden cronológico.

En Hollywood se han adaptado muchas de esas historias en infinidad de ocasiones. Hoy en día se siguen haciendo, normalmente con algún que otro giro moderno o autoral (me gusta por ejemplo "Noé" de Darren Arronofsky, 2014) pero es indudable que hubo una época específica de gran esplendor del cine bíblico, y esta fue entre los 1950s y los 1960s.

Por aquel entonces éste era un subgénero del Cine Épico, pelis imponentes de tres o cuatro horas, con obertura musical e intermedio, con escenarios y tramas más grandes que la propia vida, y con un derroche de medios técnicos y humanos. Ejemplos de la época son "Quo Vadis", la oscarizadísima y aún hoy impresionante "Ben-Hur", y sobre todo "Los Diez Mandamientos", que adapta al completo el Éxodo y parte del Deuteronomio, segundo y quinto libros contenidos en la Biblia.

Yo de pequeño me preguntaba, ya que la Biblia es tan popular, ¿por qué no han hecho una película adaptando el libro al completo?

Un breve vistazo a los contenidos del compendio evidencian el porqué, pero aún así el ambicioso productor Dino De Laurentiis se propuso eso mismo, y el resultado es "La Biblia: En su principio" (1966), que cubre los 22 primeros capítulos del Génesis, el primer libro de la colección.

Iba a ser la primera de una serie de películas, y no fue realmente un fracaso comercial, pero resultó tan cara que no recaudó lo suficiente como para justificar la producción de los demás capítulos.

Igual, adaptar ya solo estos 22 capítulos en una sola entrega es ambicioso no solo a nivel presupuestario sino también narrativo ya que a la mínima que te descuides te puede salir un producto muy irregular porque cuentan una serie de historias muy dispares que suceden en orden cronológico pero con grandes saltos en el tiempo, una mezcla de varias fantasías con su originadas en diversas fuentes que no necesariamente desembocan de forma orgánica unas en otras.

Uno se pregunta para quién hicieron esto, ya que el resultado no es fácil de soportar para alguien que simplemente quiera pasar un buen rato de forma casual.

La respuesta es: ¡Para mí!

Está hecha para gente como yo, cinéfilos, voyeurs de proyectos ambiciosos, que lo único que queremos es contemplar la pinta que tiene el resultado final de un producto con una premisa tan descabellada.

Para comprobar hasta qué punto disfruto de la existencia de esta película, os invito a ojear mi crítica de "Historias de la Biblia de Osamu Tezuka" (1997), que es un proyecto similar en forma de serie de animación que me acompañó en la infancia.

La presente película está dividida en dos actos: En la primera parte vemos la Creación, Adán y Eva, Caín y Abel, y el Arca de Noé, y en la segunda tras un prologuillo sobre la torre de Babel nos centramos en la vida de Abraham, entremezclándola con Sodoma y Gomorra y culminando con el sacrificio de Isaac.

El mayor fallo de la cinta es que es lenta en algunos tramos, pero el guion hace un loable esfuerzo para que todos estos capítulos tengan una cohesión, mencionando los personajes nuevos a aquellos que estuvieron antes cuando tiene relevancia para su situación presente.

Al final de la película pone "THE END", pero en mi opinión deberían haber puesto "TO BE CONTINUED", incluso aunque al final no hicieran las secuelas que tenían previstas. Le pasa lo mismo que a "El Señor de los Anillos" (1978) de Ralph Bakhsi, que la narrativa ha quedado inconclusa. Pero aquí tienes la suerte de que, si quieres verte la continuación en un formato similar, puedes irte a cualquiera de las adaptaciones de la época cuyas historias cronológicamente vienen después.

Quizá no haya una película que cubra específicamente la segunda mitad del Génesis (aunque sí que está por ejemplo la animación "Joseph: Rey de los sueños", pero es de un estilo demasiado diferente), pero puedes irte directamente al Éxodo y verte a continuación la fantástica súper producción de Cecil B. de Mille, "Los Diez Mandamientos" (1956), que puede pasar perfectamente como secuela de “La Biblia: En su principio” (1966) aunque se produjera diez años antes. Luego quizá termina la trilogía con cualquiera de las películas sobre Jesús como "Rey de Reyes" (1961) o "La historia más grande jamás contada" (1965). Yo personalmente me decantaría por terminar esta imaginada trilogía con la polémica "La Última Tentación de Cristo" (1988), de Martin Scorsese.

He descubierto su existencia después de ver el Napoleón de Ridley Scott (de la cual te invito a leer mi crítica) y se ha convertido rápidamente en una de mis nuevas películas favoritas.

Es cierto que merece la pena hacer los deberes y documentarse un poco antes de zambullirse en ella: Creo que es necesario que estés algo familiarizado con el cine mudo de la época para situarla en su contexto y apreciar sus logros, y se recomienda que estés también informado de quién es Napoleón y qué pasó en la Revolución Francesa para que puedas disfrutar mejor de ciertos hilos de la trama.

Sin embargo lo importante no es tanto eso sino la pura poesía visual de los momentos más álgidos, la experiencia tan solo comparable a otros hitos como “2001: Odisea del Espacio”, “Apocalypse Now” o “El árbol de la vida”.

Empieza a verla sin más. Si te atrapan los quince minutos iniciales, seguramente te interesará ver el resto.

Para manejar tus expectativas debes saber que, a pesar de su duración, no cubre la totalidad de la vida de Napoleón. Nos quedamos sin ver sus momentos más icónicos: Cómo le nombran Emperador, su logro militar de Austerliz, su trágica campaña rusa que daría para toda una película ella sola, y mucho menos su destierro a Elba, su Waterloo ni su Santa Helena.

Tan solo cubre sus primeros años: Su infancia, el comienzo de su carrera militar dentro del contexto de la Revolución Francesa, con partes que parecen más una biografía de Robespierre especialmente en el Acto 3, la batalla de Toulon y el romance con Josephine, con quien se casa cerca del final del metraje, y terminando con Napoleón dispuesto a salir por fin de Francia y comenzar sus campañas internacionales, pero apenas se queda a las puertas de su paso por los Alpes. Lo que he mencionado y las cosas que pasan entre medias, es todo cuanto incluye la extensísima duración de esta película.

Hablando de duración, la versión que me he visto yo es la que está actualmente en Filmin. Dura 330 minutos (5 horas y media), está en 4 actos que marcan cómodos intermedios que te permiten verla fácilmente en varias sentadas, y la restauración tiene una calidad excelente. Actualmente se está trabajando en una versión más larga y con otra música que prevé estrenarse en 2024 y que ronda las 7 horas.

¿Pero cuánto duraba esta película cuando se estrenó originalmente en 1927?

En realidad en su primer estreno apenas llegaba a las 4 horas. Abel Gance se dio cuenta de que no era práctico estrenar todo el material que había grabado ante un gran público general, así que esta primera versión se trataba en realidad de un “Lo mejor de”, con sus escenas favoritas: La pelea de nieve, la Marsellesa (repartiendo la letra de la canción entre el público para que la cantara y participara activamente de la proyección), la tormenta en el mar, la batalla de Toulon, y por supuesto ese finalazo con el tríptico a colores.

La segunda versión que se estrenó unos meses después sí que la tildaba Gance de “definitiva”, y duraba ¡9 horas!
Esta versión, que no se conserva, sería seguramente la más completa, y sin embargo tenía carencias respecto a la anterior: Estaba sin tintar, y la escena del tríptico no era tal porque solo se veía el panel de en medio.

Muchas décadas y muchísimas versiones después (incluyendo algunas con un doblaje de voz y todo), tenemos la versión actual de 5 horas y media, que es el punto intermedio entre las dos versiones iniciales con lo mejor de ambos mundos, y estoy muy contento de haberla podido ver así.

Gance quería hacer un total de 6 películas cubriendo toda la vida de este personaje, pero pronto se dio cuenta de que un proyecto tan colosal era imposible. Yo creo que el producto final no representa la primera de esas 6 películas sino dos de ellas.

Pasemos a analizar los 4 actos de esta película.

El primer acto es el más largo (2 horas). También es el más completo, una película en sí misma que contiene los mejores hallazgos de la totalidad de esta superproducción, con permiso de la batalla de Toulon en el acto 2 y del tríptico del acto 4.

Todo empieza con su infancia, donde se toma muy en serio un juego de lanzarse bolas de nieve por equipos. Después nos olvidamos de Napoleón para ver una versión romantizada de la creación de la Marsellesa. Como dijo Kevin Brownlow, es realmente audaz que el momento álgido de una película muda esté centrado en una canción. Tenemos las primeras pinceladas de un Napoleón adulto, que vive la Revolución desde la ventana de su apartamento en París, tintado de rojo.

La pelea de las bolas de nieve, la Marsellesa y el apartamento en rojo son tres secuencias excelentes, desembocando cada una en un clímax donde el editor se vuelve loco, llevando a su máximo límite los cortes rápidos normalmente asociados a los soviéticos. Mágico. Y esto es solo la primera hora de la película.

La segunda hora te cuenta una aventura completa: La visita de Napoleón a su familia en Córcega, donde decide ahí mismo enfrentarse como individuo a los que pretenden que la isla deje de ser francesa, y se ve obligado a huir primero a caballo y luego por mar.

Napoleón en Córcega me recuerda a Michael Corleone en Sicilia, lo cual creo que no es casualidad porque tanto Francis Ford Coppola como su padre Carmine son muy fans de esta película, y de hecho “Apocalypse Now” (1979) intenta y consigue imitar el tono de los mejores momentos de este producto, donde prima lo lírico y sensorial sobre el argumento.

Napoleón roba la bandera de Francia a los ingleses proclamando que no se la merecen, se ve envuelto en una moderna persecución donde el loco del director ató la cámara a uno de los caballos, se hace a la mar utilizando la bandera de vela, y llega otra de las escenas más celebradas: La tormenta en medio del océano corso que hace paralelismos con las discusiones revolucionaras que están sucediendo en la convención París.

Cuando por fin llega el primer intermedio, estás exhausto y casi no te crees que aún queden tres horas y media más.

Ridley Scott ha hecho grandes clásicos, tanto históricos como de ciencia ficción.

Es un director excelente en escenas sueltas porque es capaz de conseguir gran verosimilitud en cuanto a ambientación. Los lugares por donde pasan sus personajes tienen siempre muchos detalles que los hacen parecer "vividos" y "vívidos", realistas, lo cual es una faena cuando te vas enterando de que sus épicas históricas muchas veces tienen poco de verdad. Sí, tal y como están grabadas sus películas, tienen tanto detalle que en el momento te "crees" que están altamente investigadas y que son fieles a la realidad, pero no siempre es así.

El caso es que en gran parte de su filmografía lo que le falla en mi opinión es el montaje, es decir, el orden y la relación entre las distintas escenas. También por eso tiene varios "montajes del director": Blade Runner por ejemplo todo el mundo está de acuerdo en que es un clásico, pero algunas de sus versiones son mejores que otras.

Su peor película en mi opinión es "Exodus: Dioses y Reyes", una adaptación del Éxodo. Habiéndome leído el Éxodo bíblico, habiendo visto "Los Diez Mandamientos", "El príncipe de Egipto", y la versión de Osamu Tezuka entre otros “retellings”, estoy tan familiarizado con esa historia que me pareció fascinante no poder enterarme de lo que estaba sucediendo a cada momento en "Exodus: Dioses y Reyes". Es una colección de escenas aleatoria y frustrante que no sabe lo que te quiere transmitir.

"Napoleón" me daba en la nariz que iba a ir un poco de ese palo. También había leído que se centraba mucho en la relación entre Napoleón y Josephine, y me parecía que esto era una lástima. Esta relación tiene su enjundia, pero no es el motivo principal por el que se conoce a este personaje histórico.

Se le conoce por ser un gran líder militar que ayudó a liberar a su pueblo y después lo traicionó autoproclamándose emperador y déspota. Se le conoce por el Código Napoleónico, por su paso por los Alpes, su brillante batalla en Austerlitz, su espectacularmente fallida campaña de Rusia que daría para su propia película y que no entiendo por qué no hay una peli solo de eso, por su exilio en la isla de Elba, su huida de la misma y finalmente su legendaria derrota en Waterloo contra el Duque de Wellington, culminando en su segundo y definitivo exilio, esta vez en la isla de Santa Helena perdida en medio del océano.

En definitiva se le conoce por ser un líder carismático que alimentó su propia leyenda.

Pero la presente película le muestra como un patán que pasaba por allí, que tuvo mucha suerte y que era un quejica, un crecido niño de mamá.

Ojo, esto como premisa no me parece mal, ya que una adaptación de la vida de Napoleón puede si lo desea tratar de demostrar esto como una tesis, pero para ello también debería utilizar parte de su metraje en mostrarnos el motivo por el que estamos hablando de él a día de hoy, el por qué es una leyenda. Si solo te quedas en su representación como un patético niño de mamá, te quedas en nada. Y este es uno de los principales problemas de esta adaptación.

Podríamos decir que tiene tres actos: El primero hasta que se corona emperador, el segundo hasta su destierro en Elba y el tercero su regreso.

El primero es muy prometedor. Empieza con la decapitación en la guillotina de Maria Antonieta en la que está presente Napoleón, grabada de una forma muy visceral. En la realidad no estuvo Napoleón presente, pero se le perdona porque es parte del drama ficcionado. Por otra parte la condenada aparece con el pelo largo, cuando en la realidad se lo cortaron como a todos a quienes iban a guillotinar. Esto también se lo perdonaría a la peli en favor del drama, pero me pierde cuando luego aparece Josephine, una de las supervivientes de los años del terror a la que finalmente no han ahorcado, y a ella sí que le han cortado el pelo.

A este tipo de cosas es a las que me refiero cuando digo que Ridley Scott es un buen director de escenas sueltas, pero que le falla el montaje entre ellas, la "conversación" que tiene que tener una escena con otra para que la película final sea un "todo" completo y coherente, y no una simple colección de secuencias inconexas. Ver a Josephine con el pelo corto hubiera tenido más relevancia y habría resonado mejor si hubiéramos visto antes a Maria Antonieta también con el pelo corto.

La segunda gran secuencia que aparece en el primer acto, y que es mi escena favorita de la película, es el asalto a Toulon. Concretamente me ha flipado cuando le lanzan un cañonazo al caballo. En todo mi periplo como fan del terror y el gore creo que no había visto algo así, y me ha encantado. Máxime cuando a la mañana siguiente se agacha para recoger la bala de cañón de dentro del cadáver del animal y se la da a su hermano para que la envíe a su madre.

Pero a partir de que empezamos con el romance de Josephine la película me pierde. Los actores son buenos y tienen química, pero están fatal escritos. Los diálogos son algo que falla durante todo el metraje, porque son muy escasos, un par de frases por escena que no aportan nada. No consiguen que me crea la relación entre estos dos porque no me da la sensación de que realmente se conozcan. No entiendes, al menos en esta peli, por qué Josephine es infiel y por qué sin embargo se muere por volver con Napoleón, ni por qué están obsesionados el uno con el otro.

Y a partir de que le proponen un triunvirato y le nombran emperador, todo se convierte en una serie de escenas inconexas de política, de batallas y de Josephine.

La batalla de Austerliz que tanto me llamó la atención en el tráiler está muy bien grabada, con los soldados ahogándose bajo el hielo, pero no funciona porque los personajes que se están muriendo son todo extras que te dan igual. Nos falta que nos importen los soldados del bando enemigo para que la escena tenga un mínimo de impacto.

El mismo día fui a ver el reestreno de la primera entrega de "El Señor de los Anillos" y claro, nada que ver; pocas experiencias en el cine son tan buenas como la del Señor de los Anillos. Lo más parecido en Marvel sería algo superépico como "Infinity War" o "Endgame" aunque eso se parece más a "Star Wars". No es una buena comparativa porque "The Marvels" simplemente no es muy ambiciosa, pero no todas las pelis tienen por qué serlo.

"The Marvels" sobre todo es divertida, énfasis en la comedia. La premisa es que las tres protagonistas tienen poderes parecidos entre sí, basados en la luz, cada una con su variación particular, y por un giro de la historia se encuentran con que se teletransportan cada vez que utilizan sus poderes. Cada vez que hacen algo concreto intercambian sus cuerpos y eso da a pie a escenas de acción muy divertidas. En plan, ¿me vas a dar un puñetazo y no me puedo defender? Pues me teletransporto con la otra Marvel que sí que tiene el poder de defenderse del puñetazo. Cosas así. Está guay.

Se pasa super-rápido porque dura poco más de una hora y media. Debe ser la película del MCU más corta hasta la fecha. Me alegro de haberla visto en el cine en una sala grande y chula a pesar de que sea tan corta pues tiene escenas o planos que mola mucho ver en la pantalla grande, sobre todo las secuencias espaciales. Gran parte del argumento sucede en el espacio exterior, y a mí ya me ganas con un par de planos elegantes de estrellitas, planetas... No tiene tampoco mucha cámara en mano excepto algún plano al principio que dices "me cago en la leche" pero cuando está en plan por el espacio, con el gato en el hombro que puede respirar en el espacio también, pues son imágenes muy bonitas.

Yo personalmente le veo un pequeño defecto, pero es una apreciación personal que a la mayoría de la gente no le va a molestar mucho, que son un par de escenas en las que se cargan un montón de personajes. Hay dos pequeños genocidios, lo cual choca un poco con el tono de comedia. Me pasaba lo mismo con "Shazám", por lo demás también una película muy divertida, que tiene escenas de terror que no encajan con el tono del resto de la historia. Yo soy de la opinión de que si te cargas aunque sea a un figurante, que tenga algún tipo de de relevancia, aunque sea puramente cómica, que no es el caso. Como en en Austin Powers, cuando se cargan al al esbirro y se ve luego a los amigos tristes, yo que sé, que sea por algo. Ya que estamos ante una comedia familiar, no pasaba nada con que con que dijeran "están a punto de cargarse a estos" pero que les salvasen al final.

Pero entrando más en profundidad, realmente, ¿Por qué no lo petó en taquilla?
No creo que haya un único motivo por el que haya fallado, pero sí una mezcla de varios factores.

Para empezar simplemente el hecho de que es una película sencilla. La comparas con cosas un poquito más profundas dentro de su propio Universo como "Guardianes de la Galaxia Vol.3", y te encuentras con que esto es más una "película de la semana", o sea, entretenida sin más, sin pretensiones.

"La gente está cansada de los superhéroes", dicen los detractores. Bueno, se lleva diciendo esto desde desde hace años y años, desde antes de que se estrenara "Infinity War". Sí que es verdad que desde que Marvel se ha abierto a las series de TV, en mi opinión esto ha resultado en demasiado goteo de contenido. Se han pasado un poco, pero parece que se han dado cuenta y van a empezar a frenar a partir de ahora. Estaba muy bien cuando hacían dos o tres películas al año, pero ya cuando estrenan cuatro y le añades tropecientas series, no te queda otra que perderle el ritmo. por muy fan que seas, en algún momento te apetecerá ver otra cosa, y no hay tiempo para todo. Sigo viéndome todas las películas de la franquicia, pero apenas me vi las primeras series de TV.

"The Marvels" es una continuación de de tres cosas:
Primero, de la película de la Capitana Marvel. Hasta aquí todo es evidente.
En segundo lugar tiene continuidad con "Wandavisión", que por cierto me alegro un montón de haberme visto "Wandavisión" cuando salió, porque no solo fue la primera serie del MCU sino una de las mejores, la que más se beneficiaba del hecho de ser una serie en vez de una película. El caso es que es de ahí de donde viene una de las protagonistas de la presente peli, Mónica Rambeau, y donde se ve cómo consigue sus poderes.
Por último, es una continuación de "Ms. Marvel", una serie que no me he visto, que debe estar bien, pero se pierde en el océano de contenido y por ello no me apetece especialmente verla, aunque seguramente me lo pasaría bien haciéndolo. El caso es que no pasa nada por habérsela perdido porque "The Marvels" más o menos te explica o te sugiere lo que ha pasado en ella. Te la destripa, claro, pero no es una gran pérdida.

Otro motivo por el que puedes estar viendo muchos comentarios negativos por ahí es por la gente de siempre, la que dice en plan, "Joé, la inclusión, el wokismo...". Me deprime leer a menudo a muchos usuarios de FilmAffinity (o en Twitter o en internet en general) con esta mentalidad. Me parece flipante que haya gente tan en contra de hacer historias inclusivas y variadas, y "The Marvels" es carne de cañón para ellos, teniendo en cuenta que es una peli de superhéroes protagonizada por tres mujeres, una de ellas además negra, y otra nada menos que musulmana, es más, la primera superheroína musulmana. Quizá esto en la práctica no haya sido uno de los puntos principales por los que haya pinchado en taquilla, o eso espero, pero sí es cierto que los comentarios más ruidosos de internet van siempre por ese lado. Una lástima, porque Kamala Khan es divertidísima.

Y esta es mi opinión: Que me gustó verla en el cine y está guay. Sin pretensiones.

Una de esas pelis que a veces la gente se pone en plan "¿¡Pero cómo que no has visto Sin Perdón!? ¿¡Y tú te consideras cinéfilo!?"
Pues ya la he visto por fin, jajaja.
Me ha gustado, pero tengo algunas apreciaciones.

En ciertos aspectos era exactamente lo que me esperaba, por alusiones de todas las referencias que había visto por ahí, por todas las pelis, libros y cómics que se han inspirado en ella y lo que vino antes de lo que ella bebe.
El arco del prota lo hemos visto mil veces, porque funciona.

Pero en otros me ha llamado la atención.
Por ejemplo, el argumento es sencillo, pero hay mogollón de personajes secundarios, no sé si hacían falta tantos para la historia que cuenta. El personaje de Richard Harris concretamente, el English Bob ese, no pillo por qué nos quedamos tanto tiempo con él en el medio si luego ni se va a juntar con los protas. Podría interpretarse que el título "Sin Perdón" no hace solo referencia al protagonista sino a todas las almas afines que pueblan este guion. Pero no estoy seguro de que funcione.

También me ha resultado más comedida de lo que me esperaba. Los arranques de violencia están muy espaciados y no son tan explosivos como en otras pelis del estilo. Claro, acostumbrado a Sergio Leone, Tarantino, etc...
Y entre medias justo me ha pillado releyéndome el cómic "Predicador", que tiene un oeste mucho más ultraviolento.

Recordemos también el cómic original de "Old Man Logan", que en todos lados dicen que está calcado de "Sin Perdón" hasta el punto del casi plagio, pero ese cómic es muuuuuuuuuucho más cruel con el prota que esta peli.

También comentar que Clint Eastwood lleva haciendo de viejo arrepentido de su violenta vida pasada desde por lo menos 1992.
Este hombre lleva interpretando la versión crepuscular de sí mismo más tiempo que su versión clásica. Qué crac.

En fin, es buena. Me alegro de haberla visto por fin.

Os recomiendo esta serie titulada "1899" que la acabo de terminar de ver.

Es una superproducción de Netflix, de 8 capítulos, sobre un viaje en barco desde Europa a EEUU, con una tripulación internacional.
El barco se llama Cerberos y todos están acojonados porque en el trayecto van a pasar por una zona donde desapareció sin rastro un barco igual llamado Prometheus.

El tono es principalmente una mezcla entre Titanic y Perdidos, aunque según avanza la serie he ido viendo muchas más influencias de otras cosas que serían spoilers.

Ha habido algún capítulo por en medio que me ha sacado un poco de quicio porque se pasaba de frenada a la hora de presentar más preguntas que respuestas, pero en general me ha flipado todo.

Por cierto, como amante del cine en versión original, me ha parecido un puntazo que el reparto sea tan internacional, y me ha hecho gracia que uno de los personajes/actores sea un español hablando en español completamente de España, no se suele ver en algo de corte tan Hollywoodiense.

Y yo voto por que Netflix tome el ejemplo de que todos los capítulos de una misma serie tengan la misma duración (en este caso 50 minutos) porque a la hora de ponerse a verlos es más cómodo, no como con Stranger Things o Mindhunter entre otras, que nunca sabes si el capítulo siguiente va a durar 20 minutos o dos horas.

Ayer por mi cumple nos estuvimos viendo "El puente sobre el río Kwai" (1957) en Filmin, y es mucho mejor de lo que la recordaba; la vi de pequeño la primera vez y no la debí "pillar".

Para empezar es muy divertida, con un humor sutil en los diálogos sobre las situaciones en las que se van encontrando los personajes; por ejemplo la escena a mitad de la peli en la que invitan al americano a ofrecerse "voluntario" para volver a la guerra es un cachondeo.

Y luego está lo sencillo y a la vez complicado que es el juego de poder entre el coronel Saito y el oficial interpretado por Alec Guinness, dos personajes a los que les pierde el orgullo y la cabezonería hasta tal punto que pierden de vista sus objetivos iniciales y los motivos por los que se supone que están haciendo las cosas, especialmente el británico, dignísimo él en todo momento, a quien no me extraña que dieran el Óscar ese año por su trabajo.

Los escenarios en los que tiene lugar la acción y el puente en sí son increíbles y están espectacularmente fotografiados (¡Qué lástima no verlos en pantalla grande!) y no me extraña que el éxito en ese frente le permitiera al director firmar poco después las aún más alucinantes y mucho más complejas a nivel puramente logístico "Lawrence de Arabia" y "Doctor Zhivago".

Es una peli, eso sí, muy británica y patriota, perdiendo quizá la oportunidad de ahondar en Saito; empiezan a hacerlo pero se quedan a las puertas; profundizando más no sólo en el incontestable personaje de Alec Guinness sino también en los de William Holden, Jack Hawkins y en el canadiense y el médico. En ese sentido creo que otra obra que sirve de acompañamiento a ésta es la ochentera colaboración británico-japonesa "Feliz cumpleaños Mr. Lawrence", que también trata las dinámicas de poder en un campamento japonés de prisioneros británicos, con papelones de David Bowie, Tom Conti, Takeshi Kitano y el músico Ryuchi Sakamoto; si no la habéis visto os la recomiendo también.

El año pasado fue "Spider-man into the Spider-Verse" y este año ha sido "Steven Universe: The movie". Los fans del cine de animación estamos teniendo la enorme suerte de que grandes creadores y creadoras que a su vez también son claros amantes de la animación tradicional estén poniendo toda la carne en el asador (y de que algunas productoras estén poniendo la pasta necesaria para permitirlo).

Admito que no estoy siendo para nada imparcial a la hora de valorar esta joya (esta gema debería decir) porque estoy escribiendo esto literalmente minutos después de haberla visto y no he podido pararme a pensar en sus posibles fallos o lo que sea. Pero qué puedo decir, ha dado con mi fibra sensible, me ha tocado la patata.

Ya desde los créditos iniciales sabemos que estamos ante algo especial al homenajear esos inicios de los grandes clásicos animados de Disney como Pinocho, La Bella durmiente, Bambi... Con el tipo de música, el libro abriéndose... Luego cuando aparece la villana principal ---no creo que esté espoileando si simplemente comento que recuerda descaradamente a Betty Boop, Felix El gato, el Mickey Mouse primordial... Lo que había hecho Cuphead no hace tanto, vaya.

En todo caso la peli no se sostendría si no tuviera el corazón en el lugar correcto ---y cómo no va a tenerlo si la villana precisamente es un corazón al revés. Se me ocurre que en ese aspecto la peli seguramente no funcione como producto autoconclusivo. Es decir, se encarga bastante bien de explicarte todo lo que tienes que saber de antemano, pero el impacto emocional es impagable si has vivido todas las aventuras anteriores de estos personajes (por cierto, qué bueno fue el final de la última temporada también). Es una historia nueva y emocionante pero a la vez, gracias a cierta excusa argumental, te lleva de la mano para redescubrir a Amatista, Garnet, Perla y especialmente al personaje titular, cuya nueva madurez aún estoy procesando.

El guión es redondo, deliciosamente cerrado, poniendote pistas sobre cómo va a acabar que no sabes que están ahí hasta que llegas al destino.

Es un musical desde el principio hasta el final como lo que debería haber sido Frozen (otro peliculón al que lo único que le reprocho es que se desinfle en este aspecto en su último tercio, cosa que no sucede aquí), con algunas de las mejores y más pegadizas canciones del mundo de Steven Universe, lo cual es mucho decir teniendo en cuenta las piezas con las que nos ha obsequiado anteriormente la serie.

Lo siento, hace muchos años que no me sentaba a escribir una crítica en FilmAffinity, y no estoy siendo objetivo ni... pero qué narices, la gracia de una crítica personal es que NO sea objetiva, y además tenía que explicar al mundo que esta película me ha emocionado a profundamente.

Sed buenos con vuestros amigos y seres queridos y no los deis por sentado.

Un abrazo.

Esta es la séptima entrega de la saga de culto "Puppet Master". Es la primera que me animo a ver, siendo también la primera en orden cronológico.

Espero que no sean todas tan malas... No lo creo, ya que se dice que las cinco primeras son las más interesantes. Pero si no, no hay quien entienda cómo ésto tiene fans.

Bienvenidos a un mundo de efectos digitales que te hacen ver con buenos ojos los de "Anaconda 3", un mundo de efectos prácticos consistentes en mover marionetas de un lado a otro con el movimiento que utilizaría un niño jugando con ellas, y un mundo donde todos los franceses hablan en inglés, pero con el acento que utilizarías parodiando a los franceses.

El argumento está contado a base de flashbacks desde el punto de vista de André, un señor mayor en 1944, que debe ser el "amo de las marionetas" protagonista de las demás entregas, y que cuenta a sus marionetas vivas la historia de cómo empezó en este negocio.

Los creadores de esta serie son la productora GAINAX, que se hizo mundialmente famosa por el revolucionario anime Neon Genesis Evangelion.
Y desde entonces no ha dejado de producir una obra maestra detrás de otra: Furi Kuri, Distrito Comercial Mágico Abenobashi, y Tengen Toppa Gurren Lagann, una serie de sólo 27 episodios, que es mi anime favorito de todos los tiempos.

Y como ganaron tanto dinero por estas series al ser tan inmensamente populares (especialmente en Japón), decidieron que para su siguiente proyecto iban a hacer lo que les diera la real gana, a riesgo de que sus decisiones fueran, lo contrario, muy impopulares.
El resultado (Panty & Stoking with Garterbelt) fue tan controvertido que hay algunas cadenas de TV japonesas que no lo quieren ni emitir, y ya no hablemos de sacarlo fuera de Japón.

Así que, ¿qué es exactamente lo que han hecho?

Pues han cogido el estilo de dibujo de las series estadounidenses de Cartoon Network, como Las Supernenas, El Laboratorio de Dexter, Johnny Bravo, etc, lo han juntado con el contenido zafio y grosero de Los Simpson, Padre de Familia, La Casa de los Dibujos, South Park, etc, y todo eso lo han vuelto a mezclar con algunos convencionalismos de los animé japoneses de toda la vida.
Y, ¡voilá! Así les ha salido con esta nueva serie.

Trata de dos ángeles –estas dos chicas- que se han portado muy mal en el cielo, así que les han echado.
Y como castigo por su mal comportamiento, están condenadas a eliminar a una serie de demonios que se están intentando apoderar de la Tierra.
Pero, ¿con qué armas luchan contra estos demonios?

Mirad, esta chica de aquí, que se llama Stocking (el significado literal de su nombre es “Mallitas”) se quita sus, ehm, mallitas y estas se convierten en dos espadas, con las que puede luchar contra los demonios.
Y su hermana, esta chica de aquí, se llama “Panty”. Su nombre literal significa Braguitas. Y se llama así porque la gracia está en que en mitad de las batallas se quita sus, ehm, braguitas, y estas se transforman en esta pistola de aquí con la que puede disparar a los demonios.
Obsérvese la carencia de braguitas en esta zona.

La serie está diseñada para molestar a todo el mundo en mayor o menor grado. Tiene toneladas de contenido sexual, violencia sin sentido y blasfemias, aunque la mayoría de los insultos los dicen en inglés, curiosamente.

A mí por ejemplo me pillaron con la banda sonora. La música (al menos en los primeros capítulos, ya que luego mejoró) no me gustó nada, me dañaba los oídos.

Pero vamos, que también tiene pequeños detalles para apaciguar los gustos de todos:
Tenemos peleas del estilo Shonen, romances del estilo Shojo, escenas de instituto, de mafia, de fantasía y ciencia ficción, y las líneas argumentales van desde puramente banales y costumbristas hasta colosalmente épicas.

(25/02/2008)

"Alfred Hitchcock Presenta" es una antigua serie de televisión inglesa en la cual el afamado director era el presentador de cortometrajes de veinte minutos, aunque no siempre los dirigía él. Cuando empecé a ser fan del cine "en serio" mis dos primeros grandes ídolos fueron Chaplin y Hitchcock.

Según la caratula del DVD que venía con el periódico, "Angustia" es el primerísimo capítulo de la serie. Sólo hay una palabra para definir este cortometraje, y el propio título te la dice...

La historia trata de un tipo que tiene un accidente de coche y tras despertar no puede mover ni un músculo del cuerpo. Y está consciente mientras ve cómo la gente va pasando por el lugar creyendo que está muerto y sin prestarle la más mínima ayuda. Le desmontan el coche, le roban sus ropas, le envían al depósito de cadáveres... y podemos oír todos sus pensamientos, toda su… angustia ante la situación que está viviendo en sus propias carnes. Casi piensas que, como en otros episodios (futuros) de la serie, no va a haber un final feliz...

(continúa en el spoiler, CON SPOILER)

(Crítica escrita el 24/05/2010)

No comencé a seguir esta serie en 2004, cuando se emitió por primera vez, sino en 2008, cuando ya iban por la Cuarta Temporada.

Soy fan de la narrativa manganime, y estaba en busca de una serie con actores de carne y hueso que tuviera la complejidad y profundidad de algunas series niponas. Toda aquél a quien pregunté me señaló Perdidos.

Tras escuchar algunas reseñas, me enteré de que las tres primeras Temporadas se apoyaban firmemente en Flash-Backs, y que a partir de la Cuarta Temporada (SPOILER) nos presentaban a los Flash-Forwards (/SPOILER), así que desde el principio percibí la serie como una compleja narrativa no lineal.

Decidí hacer una cosa muy rara. Cogí las dos primeras Temporadas y me las ví a la vez: un capítulo de una, un capítulo de otra... hasta el último de los 25 episodios de cada temporada. Quería experimentar desde el principio el concepto Flash-Forward, a mi manera... Y a pesar de los Spoilers que me tragué, me pareció una experiencia muy interesante. No os preocupéis, a partir de la Tercera Temporada ya me fui viendo los episodios en el orden en el que se supone que tenemos que verlos…

Fue en el octavo episodio de la Tercera Temporada en el que la serie cobró una nueva dimensión para mí. Es el capítulo titulado “Flashes Before Your Eyes”. El protagonista, Desmond (Henry Ian Cusick), ya nos había demostrado de lo que era capaz en sus 5 episodios como actor recurrente en la Segunda Temporada, especialmente en ese final de temporada tan emocionante. Pero lo más interesante es que nos presentan el concepto de (SPOILER otra vez) los Viajes a través del Tiempo (/SPOILER), una idea que, bien llevada y sobre todo bien hilada, nos puede traer historias espectaculares, magníficas, de lo mejorcito, como pueden ser Regreso al Futuro, los primeros cómic de los Cuatro Fantásticos, Frequency, y un largo etcétera.

Pronto llegué al momento en que se estaba emitiendo en Estados Unidos la Cuarta Temporada. Y qué temporada. Siempre que hablo de esta serie hago especial hincapié en esta Temporada, la considero la más trepidante, la que más sorpresas y puntos de giro tiene, la más rápida, y sobre todo la más intensa. ¿Por qué?

Las tres primeras temporadas tienen alrededor de 24 episodios cada una.
La Cuarta Temporada tiene sólo 14, pero consigue contar, en casi la mitad de episodios, un arco argumental igual de complejo, un número de sorpresas similar... Intenta contar lo mismo, pero de una forma mucho más compacta. Y el resultado, como he dicho, es la temporada más trepidante, sorprendente, rápida e intensa de todas.

La Quinta Temporada expande aún más la narrativa No Lineal y juega también con los espectadores, escondiéndonos información importante para impedirnos entender enseguida el argumento en su totalidad, y repartiéndola estratégicamente a lo largo de la Temporada. Y dejándonos con un final de lo más desesperanzador para el futuro de los personajes, haciéndonos casi insoportable la espera de ocho meses que nos hicieron padecer hasta el estreno de la temporada final.

Y llegamos por fin a la Sexta y Última Temporada, que lamentablemente no llega al nivel de las anteriores. Pero también es verdad que la calidad de Perdidos había llegado a unos estándares tan altos que eran difíciles de mantener hasta el final.

En cuanto al Episodio Final, los diez últimos minutos de esta serie de 80 horas repartidas en 121 episodios...:

(Crítica escrita el 08/04/2008)

Me dijeron que no era para ver por la noche, no porque diese miedo sino porque era lenta. A mí no me lo pareció, se me pasó en un suspiro. Las partes que supuestamente podrían considerarse lentas, para mí no lo son, porque sirven para alimentar la tensión.

Los personajes:

Según yo mismo, existe el género "diez negritos". Por supuesto, la precursora sería Agatha Crhistie, con la novela homónima. La característica de este tipo de historias es que hay cierto número de personajes al principio y se van muriendo uno a uno hasta que al final queda sólo un porcentaje de los protagonistas originales. O el 0%. Ejemplos claros son películas tan diferentes entre sí como "La noche de los muertos vivientes","Límite vertical" o "Poseidón". Incluso la serie "Lost", un poco la serie entera y concretamente el capítulo 2x07. Como amante de este supuesto género, me gusta identificar a los personajes al comienzo de la película/novela; normalmente están muy claros y se puede hacer una quiniela del orden en el que van a morir.

En La Cosa me sorprendió algo diferente: Menos Kurt Russel, y sólo porque es Kurt Russel, los personajes son difícilmente identificables, y la narrativa hace que los individuos en sí no sean muy importantes; aunque sí lo son algunos de sus actos. A todo esto contribuye que los personajes son muchos, doce. En Alien vs Predator 1&2 también sucede lo mismo, que hay muchos personajes, pero en esa no se crea el mismo problema porque enseguida queda en evidencia quiénes son los protagonistas y quienes quieren los guionistas que individualicemos.

La criatura:

Desde el principio se supone que sólo hay un bicho, un extraterrestre, una cosa. El personaje de McReady dice en un momento dado que se trata de un único organismo que va pasando de cuerpo en cuerpo, pero después de este primer visionado creo que es un tema a debatir. Me parece que tenemos una raza alienígena que se reproduce utilizando otros organismos como incubadora -al más puro estilo de Alien-, o eso, o el objetivo de la raza era similar al de La Invasión de los Ultracuerpos, dominar el planeta haciéndose pasar por sus habitantes.

Otras características del filme:

Es curioso que a pesar de lo peligrosas que son las criaturas, se las vayan cargando enseguida una vez que se muestran; no se da el caso de "Tenemos un antropófago que nos está intentando matar y tenemos que acabar con él" y que huyan de él, le intenten cazar, etc (alien, predator, deep blue sea, tiburón, Viernes 13, etc.), no, aquí en cuanto aparece, y tras un siempre corto forcejeo, gana el hombre. Ahora entiendo que alguien me dijo "La Cosa es una película que trata sobre un extraterrestre frustado". A pesar de sus claras referencias, es una película muy original. También es la primera película de terror que he visto en la que no sale ninguna chica.

¿Quién va? El relato original:

La película se basó en "Who goes there?" (1938), de Jhon Campwell. Es la segunda vez que me encuentro que una película está mejor que el libro en el que se basa (La primera fue con Dr. Zhivago).

Tras leerlo, he comprendido por qué Jhon Carpenter quiso que los personajes fuesen principalmente anónimos. En el relato los personajes no son 12 sino 37, y de los 37, sólo se menciona el nombre de 18 (No los he contado, pero por suerte un wikipedista sí).

El relato es más aburrido porque la mayor parte es una serie de diálogos sobre física y química aplicada a la realización de tests para averiguar quién es un alien y quién no. Además, no muere ningún personaje hasta el antepenúltimo capítulo.

Hubo otra adaptación tres décadas antes que ésta, en 1951, titulada "The thing from outer space", pero aún la tengo pendiente de ver. Por lo visto es bastante menos fiel al relato original porque… ¡salen chicas!

Uno de los títulos provisionales era "Everybody loves whales" ("A todo el mundo le gustan las ballenas"), que habría estado mejor que algo tan tontamente genérico como "Una Aventura Extraordinaria".

Está basada en una historia real que tuvo lugar a finales de los ochenta. Tres ballenas se encuentran atrapadas bajo una gruesa capa de hielo en el círculo polar ártico. Al principio, eso sólo llama la atención de algunos amantes de los animales, pero poco a poco éstos van convenciendo a más y más personas, hasta que la operación de rescate se convierte en un acontecimiento mediático mundial; de ahí lo de "A todo el mundo le gustan las ballenas".

Drew Barrymore es Rachel Kramer, la presidenta de Greenpeace, que tiene que convencer a su gobierno de que ponga algo de dinero en la operación de rescate. Para ello hace llegar la historia al público, al que se le cae la baba de tal forma que al final al presidente no le queda otra alternativa que poner de su parte.
Después tiene que enfrentarse a los esquimales. Éstos quieren aprovechar a que las ballenas están atrapadas para, de hecho, matarlas y aprovechar su carne y su piel, porque a eso es a lo que se dedican a esa época del año. Pero después de un par de reuniones y del pequeño discurso de un cazador veterano con un corazón de oro, cambian de opinión y terminan siendo los que más ponen de su parte en la operación. Una cosa interesante es que el rodaje tuvo lugar íntegramente en Alaska, por lo que muchos de los secundarios son nativos de la zona donde ocurrió la historia real.

Llegan los medios de comunicación desde todos los rincones del mundo. Los dos periodistas más prominentes en el argumento son la pareja interpretada por Kristen Bell y John Krasinski. Ella está preocupada por levantar su carrera profesional de cualquier forma que sea posible, y él es un antiguo novio del personaje de Barrymore. Él termina ayudando todo lo posible en la causa y volviendo con su antigua pareja, mientras que ella sólo se hace más egoísta según avanza la cinta, e incluso la vemos al final del todo conseguir su propio programa de cotilleos. Me pregunté si esta chica estaba basada en una persona real y qué opinaría ella de la representación de su personaje; resulta que en realidad está inspirada en todos aquellos profesionales mediáticos que en seguida se encontraron atrapados en un ambiente que no era el suyo.

Entre soldados, conductores, periodistas, esquimales y demás fauna, constantemente nos repiten historias de amores y desamores, descubrimientos personales, revelaciones kármicas, una detrás de otra. Por ejemplo, está el jovencísimo nieto del cazador veterano, que al principio intenta sacar tajada de la situación, vendiendo cartones anti-frío a los periodistas a precios abusivos, y después su personalidad va cambiando. Tantos personajes pasan por desarrollos tan parecidos que se hace muy cansino. Esto es el peor aspecto de la película.

Un año después del acontecimiento, se escribió un libro titulado "Freeing the Whales" (Liberando a las ballenas), que relataba con gran detalle los sucesos. Parece ser que se intentó hacer una adaptación televisiva a finales de los 90 basada en ese libro, pero el guión se quedó sin producir hasta mucho después: Ésta película es el resultado de sacar las carpetas del proyecto olvidado y limpiarlas de polvo. Según las declaraciones del guionista que finalmente le dio forma: "Las primeras versiones eran mucho más satíricas". Estoy convencido de que habría preferido una de esas versiones. No es una mala película, pero el estilo del guión está muy desfasado, es muy blandengue. Lo más interesante es la parte relacionada con la Guerra Fría, pero sólo ocurre cerca del final y tampoco tiene tanta relevancia en el gran esquema de la cinta como me hubiera gustado. El resto del guión es mucho más familiar, con una moraleja tópica y efectista.

Sólo los efectos especiales la convierten en un producto de nuestro tiempo, y eso ya es triste, pero hay que decir que cumplen su objetivo de pasar desapercibidos para que no molesten al drama humano, y por lo tanto tienen su mérito. Construyeron animatrónicas muy realistas para las cabezas de las ballenas, y el set principal es una enorme piscina rodeada de hielo. Sólo se usan efectos digitales para simular el lejano horizonte, para cuando vemos a los cetáceos nadando bajo el agua, y para la secuencia final.

Concluyendo, no es una mala película, pero sólo se la recomendaría de corazón a los amantes de los animales, y quizá a los padres que quieran educar a los niños pequeños en lo importante que es preocuparse por el medio ambiente.

Y esta es la historia de cómo he conseguido redactar una crítica completa de esta película sin mencionar en ningún momento "Liberad a Willy".

Esta es la sexta película oficial de Superman producida por Warner Bros, pero en lugar de continuar la historia donde la dejó la anterior (Superman Returns, 2006), es un reboot, es decir, un borrón y cuenta nueva de la franquicia, volver a contar la historia de Superman desde el principio y en una continuidad distinta.

Esta peli me da rabia, porque tiene varios elementos que me gustan y he disfrutado, pero muchos otros que distraen y en general bajan la calidad del producto. Decisiones conscientes de los creadores que me gustan más o menos.

Me gusta el tono épico, que todo parezca importante. Me gusta que, ya que vuelven a contar la historia del personaje desde el principio y ésta es tan conocida, decidan hacer algo un poquito diferente para un producto tan comercial como la narrativa no lineal –principalmente los flashbacks, su orden y su emplazamiento. Me gustan en general todas las escenas dramáticas de Henry Cavill (p.e.: Cuando se meten con él en el bar), y las apariciones de Russel Crowe como Jor-El, especialmente cuando su espectro está guiando a Amy Adams como Lois Lane en la nave alienígena. Me gusta la gloriosa pelea a puñetazos que tienen al final Superman y Zod; se me hizo un poco corta y desde luego el final me pareció muy anticlimático, pero soy gran fan del cómic de Dragon Ball, y creo que si alguna vez graban decentemente la pelea entre Vegeta y Goku esta sería la manera de hacerlo.

ODIO el abuso de la cámara en mano. Al igual que otras películas que hubiera disfrutado más si el director de fotografía hubiera sido otro: United 93, El Mito de Bourne, Los Mercenarios (The Expendables), La Jungla de Cristal 5 (A Good Day to Die Hard), todas ellas parece que estén grabadas por alguien con párkinson. No estoy en contra de la cámara en mano en sí (funciona cuando está justificado como en una escena de acción o en un falso documental a lo “La Bruja de Blair”), pero sí estoy muy en contra de su abuso injustificado, ESPECIALMENTE cuando tiene lugar durante un diálogo tranquilo entre dos personajes.
El Hombre de Acero, tratándose de Superman, alienígenas, etc, contiene muchas escenas de objetos volando, y todas ellas están grabadas de la misma manera: La cámara sigue al objeto tres segundos y de repente hace un zoom muy brusco para acercarse/alejarse de dicho objeto. Un coñazo.

Por otra parte, esta película es demasiado seria y gris. Este estilo vale para Batman pero Superman siempre ha sido de colores brillantes y gloriosamente estúpido, y por eso adoro las dos primeras pelis con Christopher Reeves. Y tanta seriedad, tantos discursos, terminan aburriendo mucho –al menos a mí. En ese sentido, “Los Vengadores” (y la mayoría de las pelis que la rodean) es una obra mucho más sana, porque aún tomándose en serio, da muchísima cancha para el puro humor y la ironía.

La moraleja que me ha parecido ver a esto no me ha gustado; yo la he entendido como “Matar es desagradable, pero necesario”. Hollywood, vete a la mierda. Adoro la acción, pero ya tienes muchísimas películas con esa moraleja que no comparto. Estoy pensando concretamente en “El Equipo A” (Barracus intenta hacerse budista, pero al final tiene que matar al malo para sentirse “en paz” consigo mismo) y sobre todo la “Alicia en el País de las maravillas” de Tim Burton (En aquella directamente ridiculizan a Alicia por no querer matar al “galimatazo”). ¿No podéis darnos un respiro a los que elegimos el pacifismo?

Bueno, que El Hombre de Acero es una película entretenida y te entretiene durante su duración, pero me jode un poco que sólo llegue a eso.

REVISIÓN: Esta crítica la escribí inmediatamente después de salir de verla en el cine, hace casi medio año, y le puse un 6 sobre 10. No obstante, cuanto más lo pienso, más rabia me da. Poniendo en una mano las razones por las que esta película es mala con mayúsculas, y en otra las posibles razones que pueda haber para “aprobarla”, la conclusión es evidente. No hay excusa, lo siento, es MALA. Y además con alevosía, teniendo en cuenta que este es el pistoletazo de salida para el Universo de DC que va a competir con Marvel en cuestión de rentabilidad en taquilla, pero claramente no en calidad. No me jode un poco. Me jode mucho. Le rebajo la nota a un 4.

Obra maestra. Punto. Otra que querré ver una y otra vez. Al igual que otro clasicazo, El Gran Dictador, esta peli tiene los huevos de ser ser una parodia de Hitler pero además ¡estrenarse en plena Segunda Guerra Mundial! En serio, con solo mirar la primera escena, ya la vais a querer ver entera.

Una peli muy valiente, controvertido fracaso en taquilla en los años 30, pero rescatada y convertida en obra de culto en los 60. Dirigida por el mismo que hizo Drácula (1931), éste también es un drama de terror. Está ambientada en un circo donde las mayores atracciones son las "aberraciones", es decir, las personas con deformaciones o mutiladas, y los que salen en la peli son gente que en la vida real también eran atracciones de circo. Una peli a favor de lo "diferente".

Otra buena comedia-drama del estilo personal que puede esperarse de Woody Allen. Cuenta las historias paralelas de dos personajes que están cometiendo errores en su vida de los que no están orgullosos, pero uno es más culpable que el otro. Me sorprendió encontrar muchos paralelismos con la posterior obra maestra del director (Match Point).

La pude visualizar hace poco en una sala de cine a lo grande, porque estaban haciendo un ciclo de clásicos los de Cinebox. Se considera una de las mejores películas de este director por algo. El principio puede resultar un poco lento, pero poco a poco toda va encajando. Después de un punto de giro en el medio donde parece que ya se ha acabado todo, nos encontramos ante una segunda mitad que es de lo mejorcito que se ha hecho en cine de suspense y thriller psicológico.