Esta peli la he incluido en mi vídeo de las 11 mejores pelis que he visto en 2011 (el cual podéis ver aquí: http://www.youtube.com/watch?v=v2Sr7ugi4L4)

Así que la Marvel ha decidido juntar a varios superhérores en una sóla película: Los Vengadores. Pero para ello han hecho cinco películas antes que vienen siendo una preparación, un prólogo a esa aspirante a mega-peli. Estas han sido: Iron Man 1&2, Hulk, Thor, y por último ésta: El Capitán América.

No conozco demasiado los cómics originales del Capitán América, pero viendo los primeros números nos podemos hacer a la idea de que este puede ser un personaje muy desactualizado: Nació durante la Segunda Guerra Mundial para luchar contra los nazis y era una metáfora del orgullo estadounidense.
Y hoy en día, pues en principio nos puede parecer increíblemente facha y pasado de moda.
Además, no deberíamos tener que esperar nada de esta película, porque en el fondo nos la venden como un mero preludio a Los Vengadores.
Y la estructura del guión es muy sencilla y la hemos visto infinidad de veces. Es simplemente otra historia del origen de un superhéroe, que al principio es un don nadie, pasa por un proceso inesperado que le da superpoderes, va aprendiendo a manejarlos, cometiendo muchos errores y mejorando gracias a ellos, y durante el tercer acto se enfrenta a un supervillano y a sus esbirros.

Pero el caso es que esta película, para lo que es, está excepcionalmente bien llevada.

Está ambientada en los años 40 y tiene un aire a serial de aventuras (ya he dicho que las pelis de Indiana Jones son una gran debilidad para mí). Antes de que adquiera los poderes, es una muy buena película sobre la vida de unos personajes que vivían esa peligrosa época, y después tiene una mezcla fenomenal de acción, humor y drama.

Y el villano, Cráneo Rojo, está interpretado por Hugo Weaving (¡El agente Smith!), así que ¿qué queréis que os diga? ¡Me encantó!

En el fondo, lo único malo de esta cinta es que ha puesto las expectativas muy altas para Los Vengadores.

Esta peli la he incluido en mi vídeo de las 11 mejores pelis que he visto en 2011 (el cual podéis ver aquí: http://www.youtube.com/watch?v=v2Sr7ugi4L4)

Es una película muy, muy nostálgica. Deja bastante claro que está dedicada especialmente a todos los que crecieron con películas como Los Goonies, ET, Gremlins…

Unos niños quieren grabar una película en 8 mm, que eran las cámaras caseras de la época, pero durante una toma un tren descarrila y aparentemente se escapa un monstruo, o un bich,o o no sabemos qué.

Dirigida por JJ.Abrams, el rey midas de la TV, esta película es un homenaje a la filmografía del mítico Steven Spielberg, el rey Midas del cine.
Está rodada de una manera muy especial, como se grababan las películas familiares y de aventuras en los años 80. Muchas pelis de hoy en día tienen montajes muy rápidos y videocliperos, y a veces no te enteras de qué narices está sucediendo en la pantalla, o te mareas. Sí, os estoy mirando a vosotros, Paul Greengrass y Michael Bay. Pero aquí los planos y la narrativa tienen muy buen gusto. Hace un gran uso de los travellings laterales, marca de la casa de Spielberg.

Sólo hay una escena hacia el final que no me gustó nada de nada. No quiero destripar cuál es para el que no la haya visto, así que la pongo en la sección de spoiler...

Esta peli la he incluido en mi vídeo de las 11 mejores pelis que he visto en 2011 (el cual podéis ver aquí: http://www.youtube.com/watch?v=v2Sr7ugi4L4)

Normalmente no me llama mucho el cine de este director; aparte de esta, las únicas que realmente me gustan son “Mujeres al borde de un ataque de nervios” y “Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del montón”.

Lo suyo sería que no os enterarais de qué va “La piel que habito” antes que verla. La fui a ver al cine conociendo de antemano el argumento, y me arrepiento de ello porque está contada pensando en cogerte por sorpresa.

Bueno, os voy a contar sólo cómo comienza la peli. Esto es un cirujano loco (interpretado por Antonio Banderas), que tiene preso a una persona (interpretada por Elena Anaya)… Y no os puedo contar por qué tiene preso a esta persona, ni lo que ha pasado antes ni lo que va a pasar después. Creedme, os gustará más la peli si no os cuentan nada más.
El guión tiene algunas partes muy truculentas, la psicología de los personajes puede resultar un poco desagradable, y la fotografía, la narrativa y los actores son fenomenales.

Por cierto, ya es la tercera película de Almodóvar en la que Antonio Banderas interpreta a un loco que secuestra a alguien de quien "puede" tener interés sexual. Las otras dos son “La ley del deseo” y “Átame”. Pero esas dos no me gustaron nada de nada. Veros “La piel que habito”.

Esta peli la he incluido en mi vídeo de las 11 mejores pelis que he visto en 2011 (el cual podéis ver aquí: http://www.youtube.com/watch?v=v2Sr7ugi4L4)

¿Y por qué?

Sí, ya lo sé, no es una obra maestra ni de lejos. Pero anda que no me lo pasé bien en el cine viéndola.

Me gustan mucho las mezclas extravagantes de géneros, y esta es lo que hace: Mezclar el western, con la aventura, con la ciencia ficción.
Te da exactamente lo que te ha vendido: Cowboys contra alienígenas. Y lo da bien hecho y en grandes cantidades. Sólo con oír el título ya sabes si te va a gustar o no. Quienes piensen que es una tontería con la que no merece la pena gastar el tiempo, lo van a seguir pensando antes y después de verla, y los que piensen que la idea mola un montón, seguramente les guste tanto como a mí.

Además, los dos protagonistas rivales son Daniel Craig, es decir, el James Bond actual; y Harrison Ford, ya sabéis, Han Solo e Indiana Jones. Las pelis de Indiana Jones están entre mis pelis preferidas de todos los tiempos.
Ambos actores hacen el papel con el que se les identifica, y hay quien puede decir que eso no tiene mérito, que tendrían que tratar de hacer personajes diferentes; pero para eso ya tenemos otro tipo de películas. Para este producto en concreto, esto justo lo que yo quería ver: A Daniel Craig haciendo de Daniel Craig, y Harrison Ford haciendo de Harrison Ford.

Lo dicho, más allá de su premisa no es una obra original, pero es un digno acompañante de tus palomitas.

(Esta es mi 50ª crítica para filmaffinity. ¡Yay!)

"Ey, FJ, te voy a prestar este peliculón. Es la tercera parte de una trilogía"
"OK, pero antes pásame las dos primeras partes"
"No te puedo pasar la primera"
"¿Por qué no?"
"Es una novela que no se ha publicado en España, y no tiene adaptación audiovisual"
"Ah... ¿y la segunda?"
"La adaptación de la segunda novela es más bien un telefilme... No merece la pena."
"Pero entonces no me voy a enterar de nada en esta tercera parte..."
"No te preocupes, no es necesario conocer las anteriores."
"Bueno..."

The Woman (La Mujer) comienza con una mujer deambulando a su rollo por unos bosques. Parece sacada de En Busca del Fuego: Con un atuendo minimalista, casi prehistórico, y un comportamiento primario, superviviente y depredador. Lo primero que le vemos hacer es matar a un perrito indefenso... ¡Uy, pobrecito!

Saltamos al mundo civilizado y conocemos a la familia protagonista. Un abogado honrado al que le gusta la caza, una esposa responsable y callada, una hija mayor con muy baja autoestima y una gran depresión a lo emo, un hijo mediano decidido a seguir los pasos de su padre, y una niña pequeña. En esta película llena de matices, podemos notar muy pronto (e in crescendo) que el padre de familia lleva las riendas sobre los otros cuatro y es altamente respetado por ellos. O, debería usar la palabra "temido".

Mientras está cazando, el padre encuentra a la violenta mujer del principio y decide capturarla y encerrarla en el sótano de su casa. Decide que a partir de ahora toda su familia se va a encargar de domesticarla. Será el secreto familiar. Porque, claro, sólo existe ese secreto en la familia. ¿Verdad?

Una grandiosa película que parece que va a ser de terror. Luego entra más en el terreno del drama. Y el suspense. Luego va retomando poco a poco su camino hacia el terror (pero no por los derroteros que pensábamos que iba a tomar), hasta que todo lo que se estaba conteniendo el director estalla en un delicioso clímax perturbador, violento y sangriento.

Una buena fotografía, y una dirección y montaje muy inteligentes. (Si un personaje piensa sobre qué estará pasando en otro lugar, la acción se traslada brevemente hacia ese sitio durante unos breves instantes aunque no esté sucediendo nada nuevo. No es la primera que hace esto, pero me gusta la dinámica.) El uso de la música durante algunos tramos me recordó al fenomenal anime "Furi Kuri".

Un buen ejemplo de cinta que no tiene género, osea, que ni es de género ni técnicamente mezcla géneros sino que se centra en contar un perturbador relato. Y en hacerlo fenomenal.

(finalizo en el spoiler sin spoiler)

Hasta ahora, Gilliam ha realizado 3 largometrages por década.

80s: "trilogía de la imaginación" (nombre bajo el cual podría entrar todo el trabajo de este hombre).
En cada una de estas, una persona (un niño, un adulto y un anciano) intenta, mediante la imaginación, escapar de una sociedad que le atormenta o que no le gusta.
1-Time Bandits
Cosa humorística algo infantil, que al parecer gusta más si eres pequeño, con muchos toques pythonianos.
2-Brazil
LA obra maestra de Gilliam, una oscura historia de ciencia-ficción, donde todo parece estar medido al milímetro. Muchas escenas fantasiosas, pero que dejan bien claro al espectador atento que son sólo eso: Fantasías.
3-Adventures of Baron Munchausen
Muy humorística, divertida y simpática (más que time bandits), se inspira en las hazañas que contaba el legendario impostor del título.

90s: "trilogía americana"
Tres pelis que dirigió en EEUU, por primera vez con guiones escritos enteramente por otras personas.
4-The Fisher King: No vista.
5-Twelve Monkeys
Espectacular peliculón de ciencia-ficción, con guión increíblemente bueno, casi al nivel de Brazil.
6-Fear and Loathing in Las Vegas: No vista.

00s:
Aún no le han puesto nombre a esta tercera trilogía, pero claramente se ha visto marcada por un uso agresivo de imágenes generadas por ordenador (lo cual tiene lógica, porque el tipo de imágenes que generalmente quiere conseguir este director son muy difíciles de producir manualmente), y en general por las mismas temáticas y puestas en escena que ha tocado hasta ahora.
7-The Brothers Grimm
Premisa un tanto loca, pero ejecución al estilo de los blockbusters veraniegos. Un poquito de toque personal, pero seguramente su obra más comercial. Resultado: De todo menos aburrimiento.
8-Tideland
No vista, pero entre que algunos la califican de "Tedioland" y otros de terroríficamente inquietante, no sé qué esperarme.
9-The Imaginarium of Doctor Parnassus
Bueno. No es de las mejores. Es muy fiel al estilo que ha llevado el dire hasta ahora. Pero es demasiado intensa todo el rato, parece como si le diera demasiada importancia a todas las escenas. Para que una escena dramática funcione, es importante ir de menor a mayor intensidad, o si no no se entiende dónde están los puntos clave. Parte de la culpa de esto lo tiene la música. Y no me he enterado realmente de lo que ha pasado porque me daba la impresión de que cambiaba las "reglas del juego" todo el rato.
Pero las secuencias están MUY bien rodadas (como todas las de Gilliam, claro). Si estuvieran mejor hiladas, sería un peliculón.

Ahora que acabamos de cambiar de década, veremos por donde tira. De momento, parece que está volviendo al cortometraje y... ¿huelo a Don Quijote por ahí cerca de una vez por todas?

Este es un largometraje documental grabado por la esposa de Francis Ford Coppola (de nombre Eleanor), una crónica del rodaje de Apocalypse Now, la película de Coppola de 1979 inspirada por la novela corta de Joseph Conrad “El Corazón de las Tinieblas”.
El título del documental es un juego de palabras que hace alusión al título de la novela.

Narra la agonía y el éxtasis de aquel rodaje. Vemos tomas que nunca se usaron, escenas que fueron abandonadas, discusiones privadas entre el director y sus actores, los gritos de socorro y las confesiones de la desesperación, e incluso algunas conversaciones entre el director y su mujer que ella grabó en secreto.

No había visto Apocalypse Now en el momento de ver el documental, y cuando finalmente la vi es posible que lo hiciera desde un punto de vista distinto al que tendría sin conocer el documental, pero la aprecié mucho, y se ha convertido en una de mis películas favoritas. Adoro tanto la versión original de dos horas y media como la extendida que se estrenó en 2001, la versión “Redux” de tres horas y media. Ambas tienen matices bastante distintos.

Pero volviendo al documental; es remarcable el hecho de que no es necesario conocer la película original para entender el documental y empaparte de las conclusiones que saca su creadora Eleanor. Es maravilloso lo que se aprende de realización y sobre todo de producción al ver este producto audiovisual que tantos problemas tuvo en todas las etapas de su concepción.

Se ven derrumbadas todas las defensas de Coppola y sin embargo se le representa como un gran cineasta y un valiente. También se revelan las pruebas que hubieron de superar sus actores: Vemos un borracho y ensangrentado Martin Sheen improvisando un desglose mientras que el resto del equipo se preocupa de la posibilidad de que pierda el juicio y cargue contra Coppola o su cámara. Sale en las noticias que Sheen está exhalando su último aliento después de un ataque cardíaco grave. Y Coppola grita de indignación que la condición de Sheen ha sido filtrada a la prensa especializada y que la noticia podría desbaratar la producción: "Si muere, no quiero oír más que buenas noticias hasta que yo mismo confirme que se ha muerto." En otro momento del documental vemos a Dennis Hopper, su mente a la deriva en un mar de drogas, incapaz de recordar sus líneas y sin embargo improvisándolas brillantemente. Marlon Brando, contratado por nada menos que un millón de dólares a la semana, aparece sin la preparación adecuada y da lugar a debates sin fin. Brando comienza bien una escena y luego se distrae mientras la cámara sigue en funcionamiento. Masculla entre dientes:
"... Y ese es todo el diálogo que se me ocurre para hoy".

(Sigo en el apartado de SPOILERS por falta de espacio)

Esta es la película más ambiciosa y más cara de Amenábar, pero me parecía a mí que también la menos aclamada y la menos exitosa en taquilla.

Me da la impresión de que la mala crítica se debió a que hace una representación histórica de los cristianos bastante diferente, digamos, de la que nos tenían acostumbrados los clásicos como Ben-Hur, Quo Vadis, Los Diez Mandamientos, Rey de Reyes... En ellas los cristianos son gente de gran bondad, con gran capacidad para perdonar y poner la otra mejilla, pero en Ágora, sin embargo, los cristianos son los malos. Gente fanática, retorcida e intolerante.

La película trata sobre el auge de los cristianos y el cambio político radical que hubo en aquella época. La protagonista supuestamente es Hipatia, pero en realidad nos encontramos ante una obra coral donde los protagonistas son varios.

Pero aunque no los pinten nada bien, no veo que la película esté pensada para atacar específicamente a los cristianos. La prueba está en que los romanos multiteístas están representados como igual de malvados y fanáticos. De hecho durante la primera hora son ellos los que dan comienzo al baño de sangre.

Hipatia es el único personaje glorificado: Una mujer que no cree en nada, lo cuestiona todo, y trata de discernir las leyes del Universo mediante métodos empíricos.

Así que yo veo que todo esto está pensado como un ataque a las religiones en general, a todas las religiones, porque son capaces de mover masas de gente -gente fiel a su religión- que en algunos casos cometerían los peores de los crímenes si su líder o su Dios se lo pidiera.

La obra maestra de este director es "Eternal Sunshine of the spotless mind" (En España "Olvídate de mí").
"Human Nature" no es tan buena --fue el debut del director, había que dejarle practicar, ¿no?-- pero me ha encantado.

Cuenta la historia de tres personajes:
-Rhys Ifans: Una suerte de Tarzán/"niño salvaje" que ha vivido en la jungla toda su vida, sin contacto alguno con otros seres humanos, salvo su padre, que de todas formas se creía un gorila.
-Patricia Arquette: Una mujer barbuda que no tiene claro si se avergüenza de sí misma o está orgullosa de ser quien es; y adora la naturaleza.
-Tim Robbins: Un científico que ha crecido en una familia muy conservadora y está obsesionado con enseñarle buenas formas a las ratas, convencido de que así estará más cerca de salvar a la salvaje Humanidad. Ah, y al principio de la peli ha fallecido, y cuenta su versión de la hitoria en retrospectiva desde una especie de purgatorio.

La reflexión de esta inteligente y desternillante película es que, sin normas, se desata la Naturaleza Humana. No deja claro si eso es bueno o malo, porque nos ofrece ejemplos de ambos resultados.

Y, según la película, ¿cuál es el impulso más predominante en lo más profundo de la Naturaleza Humana?

Esta fue una de las pocas veces que entré al cine sin tener la más remota idea de qué me iba a encontrar. Normalmente llego a las películas informado y requeteinformado sobre lo que me voy a encontrar, pero esta vez me invitaron de sopetón y no tuve tiempo para buscar. Y está bien hacer eso de vez en cuando: no tienes expectativas sobre si va a ser buena o mala, o siquiera de qué género va a ser. Según el póster, podía ser una de acción, una de suspense, un drama político, yo que sé.

Al final era un drama, con una gran dosis de suspense y acción hacia el final.
Resultó que la película trata de una pequeña familia feliz, cuyo padre es Russel Crowe, y cuya madre meten inesperadamente en la cárcel por un crimen que no está del todo claro si lo cometió o no.
Russel Crowe está tres años viviendo solo con su hijo, y luchando por la inocencia de su mujer, pero llega un momento en que el sistema legal no le deja hacer nada más, y lo único que le prometen es que tendrá que aguantar otros 20 años. Así que decide sacarla de la cárcel por su cuenta y riesgo. Sin avisar a nadie de sus planes, ni a su hijo, ni a sus padres, ni a su propia mujer.

De la película me gusta el principio, los primeros 15 minutos o así, porque hace uso de la narrativa no lineal: Empieza in medias res, y te va desvelando los detalles de la vida de estas personas mientras que ya te ha empezado a contar la historia, eso está bien.
En cuanto empieza a organizar la escapada, sin embargo, la historia se empieza a hacer un poco tediosa. Nada le sale bien al protagonista, le dan palizas por todos lados, la mujer se aleja de él y de su hijo… Es muy frustrante, y no sirve para nada, más que para inducirme a sospechar que no vamos a ver un final feliz.

Hablando del hijo, debe ser lo peor de la película. No dice nada, no hace nada… ¿Para qué está el personaje del hijo?
Pero por fin, los últimos dos días, cuando al fin va a sacarla, viene la mejor parte. Hay tiroteos, hay persecuciones en coche, a pie, en tren, tenemos acción, y tenemos buen suspense. Los personajes llegados a este punto ya me daban igual, pero gracias a que esta parte tiene mucha tensión y está muy bien llevada, me vuelven a preocupar.

En resumen, una película interesante. No será un hito en la historia del cine, el año que viene nadie se acordará de ella, y le habría quitado muchísimo metraje de la parte de en medio, demasiado larga, pero la historia está muy bien construida, hay giros inteligentes, como el de la llave maestra, y todos los fallos que tenga se redimen por los últimos cuarenta minutos, que son trepidantes.

(NOTA: Esta crítica está transcrita palabra por palabra de la videocrítica que incluí el año pasado en este vídeo: http://www.youtube.com/watch?v=pBxBfgz_5bs)

Según la información que adquirí por adelantado, para disfrutar de Star Trek II no es necesario haber visto Star Trek I, ni la serie de televisión de los años 60: Es autoconclusiva. (Y además es el primer capítulo de una trilogía que concluye en Star Trek IV). Así que me la vi antes que la primera parte y, adivina qué: ¡Me gustó bastante!

Sin llegar al nivel de lentitud ni de genio de 2001: Una Odisea del Espacio, la película sí que es bastante “tranquilita”, se toma su tiempo. Supongo que la Primera mucho más, pero ésta también. Habiendo visto Megamind en los cines hace poco, se agradece un descanso del ritmo desenfrenado de algunas producciones de hoy en día. Dios, ¡Megamind sí que era histriónica! Aquí se toman el tiempo para dejarte apreciar la puesta en escena; dejan espacio a los personajes para que se desarrollen y para que les dé tiempo a captar la simpatía del espectador…

He dicho que es autoconclusiva, y es verdad, pero hay algunas referencias que un recién llegado a la serie no capta. Por ejemplo: El villano de la película, el personaje malvado, el que aporta la “Ira” del título, Khan, viene realmente de un capítulo de la serie antigua que se llama “Space Seed” (“Semilla del espacio”). Inmediatamente después de terminar la película me fui a Youtube para ver el capítulo y así conocer los orígenes de este peculiar personaje y la rivalidad entre él y el almirante Kirk.

Y la rivalidad entre estos dos es realmente uno de los puntos fuertes de la película. Tiene muchas influencias del libro “Moby Dick”. Khan está obsesionado por matar a Kirk tanto como el capitán Ahab lo estaba de capturar a la ballena blanca. De hecho, la última frase de Khan está cogida literalmente del libro.

Otra referencia literaria la encontramos en uno de los títulos que se barajó para la película antes de su estreno: “El País Desconocido” (“The Undiscovered Country”). Es un término que utiliza el personaje de Hamlet en la obra de teatro de Shakespeare para referirse a la muerte. Al final la terminaron titulando “La Ira de Khan”, pero “El País Desconocido” llegó a ser el título de la sexta película de la saga, que ya la veré.

Y este filme tiene muchísima temática de muerte y tragedia.

(Continúo en la sección de Spoilers)

Una curiosa propuesta: La noche de dos mujeres enamoradas sin salir de una habitación.

Aparentemente, el guión es un remake de una peli sobre la noche de una pareja heterosexual en una habitación. Para mis gustos visuales, es una placentera vuelta de tuerca. Especialmente cuando se quitan la ropa casi enseguida, y desde entonces no se la vuelven a poner.

La historia podía haberse hecho vieja enseguida y a pesar de todo aburrirme sobremanera, pero consigue mantener mi atención mediante el suspense. No, no, viciosillos, no el suspense sobre cuando se van a acostar OTRA VEZ, sino el suspense sobre la identidad real de estas dos mujeres. Tampoco es que sean agentes secretas ni nada por el estilo, pero desde bien pronto queda claro que están ocultando muchos datos de su vida pasada. No hay ningún tipo de flashback visual (a no ser que contemos aquella vez en la que ven un vídeo grabado desde una cámara), pero cada una va contando su vida, o versiones de la misma, según avanza la película, hasta que por fin podemos discernir de dónde viene cada una.

Son historias de diferente carga dramática, que te pueden llegar hasta el corazón a un nivel u otro.

Claro que llega un momento, sobre todo hacia el final, cuando la cosa ya empieza a resultar un pelín repetitiva, cuando ya se quieren del todo, cuando los diálogos se empiezan a volver PASTELOSOS.

Le pondría a lo mejor un 7 después de todo, pero hay un aspecto que me pone de los nervios y que no puedo dejar de comentar: La banda sonora.

La banda sonora de toda la película cuenta con únicamente DOS PUTAS CANCIONES. Y esas dos canciones no se callan en ningún momento. Cuando crees que ha llegado un minuto de silencio y puedes disfrutar un poquito más de la historia, se repite una de las dos canciones. Y cuando se termina esa, vuelve a la anterior. Y luego te recuerdan el estribillo de la primera. Terminé odiando la banda sonora con todas mis fuerzas. ¿No se pudieron permitir licenciar, no sé, al menos dos ó tres canciones más? ¿O pagar a un compositor que les proveyera de algún tipo de banda sonora instrumental? ¿O no repetir ninguna de las dos canciones más de una sola vez, y dejar el resto en silencio, sólo con el sonido del roce de las pieles de estas fantásticas mujeres? ¡Yo habría votado por esto último!

De una época totalmente distinta a la mía, de un género que no suelo apreciar, y con unas características que no apelan en absoluto a mi sector de audiencia.

Una dirección de fotografía muy característica, con tonalidades muy alegres que están claramente diseñadas adrede: Colores rojos, verdes y azules muy vivos.

Un guión olvidable, para ver en el cine en 1963 con tu familia y simplemente pasartelo bien un rato.

También es la primera vez que veo a Rocío Durcal en la pantalla (del televisor). Con una cara permanentemente risueña, canta muy bien, pero estaría mejor si no gritara tan a menudo ciertas vocales.

Empieza de golpe, en medio de la acción. No necesita presentarnos a los personajes principales, porque ya les conocemos de “Arma Letal 1”, que se encargaba extensamente de desarrollar y explorar la emergente relación entre los policías Riggs y Murtaugh.

Tiene mucha más acción y humor que su predecesora, está repleta de los llamados “one-liniers” (frases unilaterales escritas para ser memorables) y “punch-lines” (escenas diseñadas como el final de un chiste). Se nota en todas partes que el guionista es el mismo de “Indiana Jones y la Última Cruzada”. Si la hubiera visto de pequeño, como aquella, de seguro que me habría aprendido de memoria todas las pegadizas frases. (Ver Indiana Jones 3 conmigo es un suplicio, porque siempre estoy adelantando lo que va a decir cada personaje).

Los villanos son infinitamente más interesantes que en “Arma Letal 1” (si leísteis mi crítica de aquella, recordareis que esa era mi principal queja), y encima la misión se hace personal para el personaje de Mel Gibson (la razón de ello iría en la sección de spoilers), lo que da a la acción la carga dramática que se merece.

En general una notabilísima película de acción y humor; no obstante hubo dos cosas que no me gustaron, que describo en la sección de los spoiler:

Nada que decir en contra de este peliculón.

Una fotografía en blanco y negro magnífica. Veo bastante evidente que Stanley Kubrick trataba de homenajear el estilo visual del género de cine negro, que ya había explorado en su anterior película, “The Killing” (bastante inferior).

El argumento, con un discurso muy pesimista y deprimente sobre la naturaleza humana, relata un caso en el que la gente al mando se emborracha de poder, se preocupa por el “qué dirán”, y sus actos los paga la sangre derramada de sus subordinados.

Está basada en una novela; desconozco si esa novela a su vez está basada en un hecho real, pero tendría mucha lógica debido a su crudo realismo. Como en “Cadena Perpetua”: “Me gustaría contaros un cuento de hadas, pero…”. Da qué pensar sobre si este tipo de situaciones tan penosas son una realidad en las guerras de ayer y hoy, lo que es bastante probable. Y recuerdo que también sucedía algo parecido en la posterior “Largo domingo de noviazgo”, de Jean-Pierre Jeunet.

Respecto a la interpretación, sublimes tanto de los antagonistas como las de los condenados, y diría que Kirk Douglas está mejor aquí que en “Espartaco”.

No es una película al uso, ya que no tiene ningún tipo de narrativa dramática real.

Más bien nos encontramos ante un documental, con un narrador muy escueto, sobre la relación entre dos homo sapiens sapiens de distinto género que son muy felices, practican sexo seguro, esnifan cocaína, y asisten a nueve conciertos en vivo y directo, en Inglaterra.
También, por alguna razón, a los editores se les han colado imágenes de otro documental inconcluso sobre la Antártida, que no tiene ninguna relación con el anterior.

Contiene largas escenas de sexo real y explícito y ningún tipo de argumento, pero a pesar de este hecho no se la puede clasificar como película pornográfica porque… supongo que porque el sexo está tratado de una manera muy natural en lugar del que muestra la artificialidad pornográfica, y porque la mitad de la duración se gasta en conciertos y breves secuencias antárticas.

El sexo está decente, pero por lo demás creo que hacía mucho que no me aburría tanto con una película.

Por fin he tenido ocasión de ver esta peli, y es verdad eso que decían, que merece estar entre los clásicos del cine de acción, como “Predator” y “La Jungla de Cristal”.

Se centra en el dúo de policías protagonista, así que es del subgénero “buddy-cop”. Danny Glover es un padre de familia, muy respetable y responsable, y Mel Gibson es un deprimido agresivo cuasi-suicida, que tiene sin embargo buen corazón, y es tan bueno en su trabajo que está oficialmente considerado como un “Arma Letal”. (Curioso, yo pensaba que el título se referiría a algún tipo de arma que fuera a utilizar el villano…)

La primera mitad es buenísima, porque nos van dando a conocer a ambos personajes, y su desarrollo está fenomenalmente construido, mientras van de misión en misión, como en una serie.

Durante la segunda mitad ya llega el conflicto principal, con el terrorista malvado y cierto secuestro, y lo que está perfecto respecto al desarrollo de los protagonistas, sufre una gran carencia por parte de los villanos. No nos dan miedo, porque prácticamente no les conocemos de nada. Seguramente esto sea bueno en vista de todas las continuaciones que hubo basadas en el dúo principal.

Pero sobre todo el personaje de Mel Gibson me ha encantado y fascinado. La escena del suicida en el tejado, la del francotirador, el helicóptero, la pelea final, las conversaciones con Danny…

Me ha dejado con muchísimas ganas de descubrir las tres secuelas que, según dicen, también son muy buenas, por eso de que en todas estuvo involucrado el mismo equipo creativo.

Los dos últimos capítulos de la serie animé "Neon Genesis Evangelion" fueron muy polémicos por el cambio de registro y porque, precisamente, tienes que estar atento para captar el mensaje. También por la falta de presupuesto, pero ese es otro tema.

Tanto defraudó a muchos de los fans ese final, que los creadores de la serie decidieron cambiarlo. Así, se estrenó en 1997 este largometraje, "The End of Evangelion".

Los acontecimientos de esta película reemplazan, o complementan, o suceden al mismo tiempo que los dos últimos capítulos de la serie original (El debate continúa. Yo me inclino a pensar que los complementan, y por eso me gustan ambos. Sí, el final original también). Con un presupuesto mucho mayor y una premisa más, uh, comercial, fue un éxito. También tuvo sus críticas, mayormente centradas hacia el aumento de la violencia gratuita y el erotismo, y también hacia el tal vez aún difícil-de-comprender-a-la-primera desenlace.

Esta serie ha dado mucho de qué hablar. A primera vista parece que va de mechas (robots gigantes). Si te acercas un poco más, parece que va de un grupo de tres niños que controlan tres mechas y luchan con ellos contra las fuerzas del mal. Y si te enfrascas en la serie, te darás cuenta de que el argumento tiene menos que ver con luchas contra monstruos y más con luchas internas; el plato fuerte se nos sirve en la forma de la personalidad de cada personaje, y en su viaje emocional.

Esto puede defraudar a algunos que se esperan una serie más desenfadada y menos profunda. Yo mismo acababa de ver Tengen Toppa Gurren Lagann, una serie de la misma productora (GAINAX) cuya marca de fábrica es la espectacularidad y el más difícil todavía. Aún sigue siendo mi serie favorita, pues no he visto jamás, ni creo que vaya a ver muchas veces, batallas de tales dimensiones como las que suceden en los últimos episodios, y la evolución tan brutal a la que asistimos hasta llegar a estos.

Evangelion es de otro palo, pero después de verla entiendes claramente por qué es un clásico. Además, sirve perfectamente para repetir una vez más a ese grupo de adultos tan tradicional y orgulloso que los dibujos animados no son sólo para niños. A un niño le resultaría difícil comprender Evangelion. De hecho, hay muchos adultos que no lo comprenden. Los dos últimos capítulos fueron muy polémicos por el cambio de registro y porque, precisamente, tienes que estar atento para captar el mensaje. También por la falta de presupuesto, pero ese es otro tema.

Tanto defraudó a muchos de los fans ese final, que los creadores de la serie decidieron cambiarlo. Así, se estrenó en 1997 el largometraje The End of Evangelion. Los acontecimientos de esta película reemplazan, o complementan, o suceden al mismo tiempo que los dos últimos capítulos de la serie original (El debate continúa)

En cualquier caso, esta serie se ha convertido en una franquicia muy exitosa, se ha adaptado al cómic (un cómic aún inconcluso por cierto), se han vendido muñequitos y se han hecho spin-offs y adaptaciones de toda clase.

El último proyecto relacionado es Evangelion 1.0: You Are (Not) Alone. Es el primer largometraje de una tetralogía (serie de cuatro películas) que en su conjunto se conocen con el nombre de Rebuild of Evangelion. Dirigida por por Hideki Anno, el creador de la serie original, y todo su equipo, es una reimaginación de todos los acontecimientos de la serie.

La primera vez que me vi esta genial serie, tuve el placer hacerlo de una sola tacada, durante un maratón nocturno.

Nos la trajo el mismo estudio de animación que creó la también genial pero tónicamente distinta Neon Génesis Evangelion (que me vi más tarde).

El estudio Gainax. Yo, sinceramente, me imagino a todos los dirigentes sentándose en torno a una mesa y diciendo: “Bueno, señores, vamos a hacer la serie más jodidamente genial del planeta. ¿Alguna idea?”

De esa hipotética reunión estoy seguro de que surgieron muchas ideas sobre los ingredientes que debe tener una buena serie, o al menos una serie popular.

Humor, aventura, romance, épica, ritmo, todo en grandes cantidades.

Tiene que gustar a todo el mundo, niños y mayores, por lo que debe ser apta para todos los públicos sin dejar de lado los temas adultos.

Una de las formas de hacerlo, aparte de la inclusión de una violencia que no llegue a la incalificablemente explícita Elfen Lied, es que haya muchas tet... que haya preciosas amazonas pero no desnudos. ¡Mirad a Yoko, juas!

Tiene algunas similitudes con un cómic famosísimo que me encanta, Dragon Ball (insisto: el cómic, no el anime, que me parece demasiado lento). Al igual que en la obra de Akira Toriyama, los responsables de Gurren Lagan se cuidan de que en cada capítulo los personajes aumenten su poder (en Dragon Ball se aumenta de poder cada cierto número de capítulos; ese incremento sin embargi tiene lugar en todos y cada uno de los episodios del anime Guren Lagan), y cada vez las batallas son más espectaculares, y los enemigos más brutales, peligrosos y despiadados. Y tanto protagonistas y antagonistas sufren transformaciones. No exactamente al estilo de Freezer, pero los robots que pilotan los personajes de Gurren Lagann cambian mucho de forma, aumentando su tamaño y su molabilidad, sobre todo hacia el final.

Muchos episodios de Gurren Lagan dan la sensación de ser el clímax de la serie, debido a la espectacularidad de las batallas finales. Pero por imposible que parezca, la historia no dejará de subir de intensidad hasta llegar al mismísimo final.

(Sigo en la sección de spoiler, sin spoilers)