No soy para nada el público objetivo o “target” de esta película, ya que normalmente veo cine para evadirme del mundo real (y eso que el cine es mi vida), y esta es una película social, realizada únicamente para los tiempos que corrían en su momento, aunque el mensaje sigue siendo válido.

La temática es la lucha por la igualdad. El mérito de esta película es que trata este tema a dos niveles de profundidad: por un lado unos mineros se rebelan contra el sistema buscando la igualdad en el trabajo, y por el otro sus propias mujeres se rebelan contra ellos buscando la igualdad entre hombres y mujeres.

Las interpretaciones de los actores están tremendamente desigualadas. Así tenemos a la protagonista, Esperanza, interpretada por Rosaura Revueltas, que hace un papel estupendo, pero luego está el actor que hace de su marido, que muy evidentemente no se había puesto delante de una cámara en su vida (y, según IMDB, tampoco lo volvió a hacer jamás).

El discurso está construido como el de una película propagandística, lo cual tiene lógica, ya que trata de transmitir o afianzar unos ideales muy concretos. A pesar de que el director y la mayoría de los actores son sudamericanos, todos hablan en inglés en la versión original, ya que el mercado principal a quien estaba dirigido era el estadounidense. Qué lástima que este filme fuera prohibido precisamente en Estados Unidos, ya que el equipo artístico fue víctima de la “caza de brujas” del senador McCarthy.

Me temo que a mi sector de audiencia normalmente nos aburren este tipo de obras, y además este caso anda lejos de ser un filme perfecto a nivel técnico. Así que se queda con un 6 por mi parte. Pero si yo fuera su público objetivo le pondría un 10 sin dudarlo, puesto que cumple perfectamente sus funciones.

DE QUÉ VA: La séptima película de Star Trek. La primera que no tiene un número romano en el título, y la primera que no tiene a Kirk, Bones y Spock de protagonistas. En su lugar, tenemos a los miembros de la serie de televisión “La Nueva Generación” (que no he visto). Lo interesante de esta película es que mezcla ambas generaciones (la original y la nueva), más o menos, y es la última vez que veremos jamás a William Shatner interpretando al capitán Kirk. (También tienen un cameo Checov y Scotty, pero no Spock. Ése presuntamente aparece en Star Trek 11).

LO MEJOR: Está decentemente rodada. Es un placer ver al capitán Kirk en sus últimos momentos, aunque empiece a estar un poquito fondón. Si hubiera visto “La Nueva Generación”, estaría expectante por ver a los capitanes Kirk y Picard juntos en pantalla. Está gracioso el personaje de Data, y me gustan las escenas que transcurren en Nexus.

LO PEOR: No llega al nivel de Star Trek I-VI ni de lejos. (Hay gente que considera la V como la peor, pero esa a mí no me disgustó…). No está rodada con ningún sentido de la épica (como la 1, 2, 3 y 6) ni con suficiente humor (como la 4 ó 5), salvando al personaje de Data.

Pero lo peor de lo peor es...

Parece que todas las obras de este director son pretenciosas y lentas, pero “Sky Crawlers” es la que se me hace insoportable.

Las batallas aéreas están bien, como lo están los aviones diseñados del revés, pero el énfasis nos lo ponen en los momentos de transición, que hemos visto en todas y cada una de las películas de género bélico, y que aquí se hacen lentos y aburidísimos.

Lo de dejar un plano estático en silencio funciona para obras anteriores del director (“El huevo del ángel”, que me vi ayer sin saber que era de él mismo) por su surrealismo y detallismo, pero aquí todo es demasiado ordinario, demasiado conocido; lo hemos visto mejor hecho y más ágil.

La historia estaría bien, de admitir el director su simplicidad. Es un concepto interesante, el de un gobierno que clona niños para que peleen entre ellos, porque el populacho necesita guerra incluso en tiempos de paz, pero me podías haber contado lo mismo en 40 minutos.

En serio, ya me he dado cuenta que ese personaje tiene la costumbre de doblar el periódico de esa forma concreta, no me lo pongas dos veces más, que me duermo.

Me la pasaron en versión original con subtítulos en francés, idioma que no controlo, así que cada vez que alguien abría la boca, tenía que fiarme del Google Traductor. Estoy seguro de que además los subtítulos tenían faltas de ortografía…

Por suerte esta película es prácticamente muda; es una de esas películas de ciencia ficción con larguísimos planos en silencio. También es extremadamente surrealista, hasta el punto de que a veces es imposible tener idea de lo que se está viendo.

En un extraño mundo vacío, postapocalíptico, una niña blanca como el mármol pulido tiene el único propósito de cuidar de un huevo de ave, y se lo lleva a todas partes bajo su vestido, dando la impresión de estar embarazada.
También hay un tipo con capa y báculo, muy serio, que parece saber de qué va la cosa, más o menos, o no. Él sigue a la niña y la presta ayuda de vez en cuando, hasta que ella le permite acompañarle, y enseñarle de dónde viene el huevo. O, eso es lo que he podido deducir, porque el guión de esto es francamente inaccesible en un primer visionado.

El mundo por el que transitan está desolado… Una ciudad japonesa en ruinas, vacía y a oscuras, abandonada a la invasión de la naturaleza vegetal. De vez en cuando aparecen unos hombres grises, ajenos a los protagonistas, que se dedican a intentar cazar sombras de peces gigantes, infructuosamente. ¿Son fantasmas del pasado? ¿Son seres reales? ¿Son la niña, el huevo y el hombre invisibles a ellos?

A mitad de la película, por fin el hombre se pondrá a hablar y dará una pista sobre cuál es en realidad la temática de la película, citando directamente su fuente de inspiración, pero inmediatamente después se vuelve a callar y nadie dice nada más, dejándonos sólo con las magníficas animaciones e ilustraciones.

Documental que echaban esta noche por la tele, que me ha permitido culturizarme un pelín más sobre el cine de nacionalidad española, que diría que es uno de los que menos consumo.

Habla de cuando surgió la Escuela Oficial de Cine, y los directores que salieron de allí: Basilio Martín Patino, José Luis Borau, Miguel Picazo, Manuel Summers… todos hablan escuela donde había mucho compañerismo y libertad de expresión, que también las hay en el módulo audiovisual que estoy estudiando, pero que son difíciles de imaginar en 1955.

Estos artistas aparentemente aprovecharon la oportunidad para hacer un cine más crítico que el de aquél entonces, y plantar cara a la censura; que, como bien dice Patino, hasta entonces sólo se había tenido que preocupar de eliminar cosas pueriles como besos o escotes.

También comentan que esa Escuela fue una reacción al problema que hay también ahora pero que por aquel entonces sería más acusado: Todo el mundo veía el cine estadounidense e ignoraba las pelis españolas.

Creo que todos los de esta generación hacían cine neorrealista, pero no estoy lo suficientemente informado, así que van a mi lista de películas pendientes: “La tía Tula”, “Del rosa al amarillo”, “Los Golfos”, “Nueve cartas a Berta”, “La caza” y “Crimen de doble filo”. Y “23-F”, a ver qué ha aprendido el tal Chema de la Peña de todos estos artistas.

¿Nadie en filmaffinity se ha visto esta película? ¿En serio? ¡Muy mal! ¡Os habéis perdido uno de los documentales más reveladores que existen sobre la Historia del Cine de Animación!

Muchos creen que “Blancanieves y los siete enanitos” fue el primer largometraje de dibujos animados, pero no es así. Antes de Disney, el dibujante de crítica social Quirino Cristiani se había encargado de crear él solito el primer largometraje de animación mudo (“El Apóstol”), después el segundo largometraje de animación mudo (“Sin dejar rastro”) y, por último, el primer largometraje de animación sonoro (“Peludopolis”), que además era un musical. Entre muchas otras películas y cortometrajes.

Pero no encontrareis ninguna de sus obras en filmaffinity porque a día de hoy ya NO EXISTEN, siendo víctimas de incendios o requisadas y destruidas por el gobierno argentino.

Se presume la calidad de sus obras porque el propio Walt Disney quedó impresionado y le ofreció un empleo, pero él declinó la oferta porque era un tipo muy testarudo. Lo único que se conserva de él es un cortometraje llamado “El mono relojero”, seguramente uno de sus peores trabajos, por ser uno de los pocos que precisamente hizo por encargo.

Pero todo eso, mucho más detallado, se cuenta en este magnífico documental, que como amante del cine no debeís dejar de ver.

La factoría Disney declinó la petición de empleo de Bill Plimpton porque su manera de dibujar y animar las personas y las cosas es demasiado personal y rematadamente fea.

Esta película cuenta la relación entre un pagafantas y una estudiante, y el acoso constante de un matón que se quiere llevar a la chica. Creo recordar que me comentaron que, más que una parodia a “Grease”, esto es una especie de remake o plagio de otra película de acción real no relacionada cuyo título no recuerdo, que estoy seguro de no haber visto.

Una curiosa historia de amor que hacia el final comienza a adquirir tonalidades fantástico-terroríficas…

Sí, es otra de esas películas desastrosas, pero muy divertida de lo mala que es. Con los personajes totalmente absurdos yendo de un lado para otro esperando a ser devorados por el monstruito, y John Rhys-Davies haciendo de malo.

La primera la empecé a ver por la tele una vez, y no pude terminarla por la razón que fuera, pero Anaconda 3 no me ha metido muchas ganas por verme aquella, ni la 2ª o la 4ª...

Sabemos que Ambrose Bierce es un antepasado de Earl McGraw (que hace su primera aparición cronológica en Kill Bill) porque está interpretado por el mismo actor, Michael Parks.

Claro que Bierce, como personaje histórico que es, también ha aparecido interpretado por distintos actores en otras obras “conocidísimas” como pueden ser: “Old Gringo”, “¡Ah, Silenciosa!”, “The Paper Dinasty”, “Civil War Stories” y “An Ocurrence in Chihuahua City”.

Pero vamos a centrarnos (de momento) sólo en la mitología creada por Robert Rodríguez y Quentin Tarantino, el personaje que yo sigo asumiendo que es un antepasado de Earl McGraw. Lamentablemente, a pesar de creerse el protagonista, aquí a Bierce no le vemos hacer mucho… (quizá sí que habría que echarle un vistazo a la lista del párrafo 2 un día de estos)

Esta peli también cuenta la vida y obra de Satanico Pandemonium, antes de su icónico baile en “Abierto Hasta el Amanecer 1”.

Lo malo de esta película es que no hay sorpresa… ya sabes lo que va a ocurrir… ya sabes que en algún momento va a dejar de ser un western y aparecerán vampiros… Pero lo peor es que no dejan de recordártelo con constantes flashforwards y foreshadowings. Lo que molaba de la primera era la sorpresa inesperada.

Mola mucho más la fan-edición que monté por mi cuenta. La titulé simplemente “La hija del verdugo”, se la pongo a mis amigos sin revelarles a priori su relación con “Abierto hasta el amanecer”, y además la insoportable forajida desdentada muere ahorcada a los 35 minutos, en lugar de sobrevivir sin sentido hasta casi el final.

Diría que esta es la primera aparición cronológica de Earl McGraw, porque no me suena que sus hijos aparecieran en la escena que protagoniza el sheriff (Bueno, está el hijo Edgar, pero la hija no aparece hasta “Death Proof”). Es el encargado de investigar el asesinato de “La Novia”, que… resulta no estar tan muerta como parecía, así que, ¡asunto resuelto! ¡Que ella misma resuelva sus diferencias con aquellos que han intentado matarla!

Y La Novia, Uma Thurman, se hace una lista con las cinco personas a las que más odia, y en esta película la vemos cargarse a las dos primeras. (Primero a la segunda en un flashforward, y después, de manera mucho más elaborada, a la primera.)

Las dos de Kill Bill son obras maestras. La primera repleta de acción estilizada, la segunda cargada de diálogo tarantinesco. ¿Cuál prefiero? ¡Da igual! ¡Ambas son bienvenidísimas!

Otra de estas películas que pegan un giro de 180º a la mitad, al estilo de “Psicosis” y “Abierto hasta el amanecer”.

Una película de casquería intencionalmente mal hecha, pensada para ser proyectada junto a “Death Proof”. Divertidísima si tienes estómago para aguantarla.

Dicen que los protagonistas de esta peli son Rosario Dawson con una ametralladora en lugar de una pierna, un tipo que se hace llamar “El Rey” o “El Wray”, y que por ahí escondidos están Tom Savini y Bruce Willis, pero estamos aquí para hablar de una de las co-protagonistas, la enfermera llamada Dakota Block.

Está casada con un hombre sádico y perverso, que recurrirá a la zombificación para hacerse aún más odiable, y tiene un hijo interpretado por el hijo en la vida real de Robert Rodríguez.

(Lo suyo es vérsela sin tener la más remota idea de qué va, pero si estás leyendo esto seguramente ya es tarde…)

Esta película es terriblemente mala, pero hay una razón por la que merecería verla si estás realmente aburrido (aparte de la documentación sobre la vida de los McGraw): los rarísimos puntos de vista de la cámara.
El guionista-director es Scott Spiegel, co-guionista de la genial “Evil Dead II” (en España “Terroríficamente Muertos”), notable entre otras cosas por aquellos planos en los que la cámara está situada en lugares extraños; aquí ese tipo de planos son constantes: dentro de una calavera, en el cable de un auricular, metiéndose por una cerradura, etc.

Sobre el argumento: Si consideramos que tanto “Planet Terror” como “Abierto hasta el amanecer” son parte del canon particular de Tarantino y Rodriguez, a estas alturas el planeta Tierra tiene un grave problema de zombies y vampiros.

Por suerte, tenemos a Dakota Block protegiendo la mitad del mundo que está asediada por los zombies (fuera de plano), y a Edgar McGraw encargándose de la mitad infestada de vampiros.

Más que novelas para niños, lo que Roald Dahl hacía eran novelas en las que morían niños, y de maneras grotescas. Me dieron mucho miedo “Charlie y la fábrica de chocolate” y “El gran gigante bonachón” cuando me los leí por primera vez porque en ambos morían, o se daba a entender que morían, bastantes niños pequeños.

La película, igual. Cuando la vi alquilada del videoclub –hace muuuuuuuuucho- no supe que estaba basada en un libro de Roald Dahl. Una película que me aterrorizó pero me fascinó al mismo tiempo y dio rienda suelta a mi imaginación, un poco como la genial “El pequeño Nemo”.
Años más tarde, aunque aún de pequeño, mientras leía el libro, no dejaba de mosquearme acordándome de que alguna vez había visto alguna película que se parecía bastante a lo que me estaba leyendo. (No las relacioné enseguida porque se comercializaron con títulos diferentes en España). Y luego me la volví a y me volvió a fascinar, cómo mostraba un mundo de gigantes que venían a devorar niños y dejaban los huesos debajo de las camas, cómo sólo había un único gigante bueno, que decía que era mejor soltar gases por el culo en lugar de por la boca, o al revés, un curioso anuncio de Coca-Cola.

Hace mucho, pero mucho, que no me veo esta película, pero no me he olvidado de ella. Quizá debiera volver a echarle un vistazo un día de estos, aunque sólo fuera para ver qué tal me parece de mayor.

Un filme muy singular que os recomiendo, aunque no recuerde ni la calidad de la animación.

Malísima, deplorable, incompetente, negligente, infumable, insoportable, insultante, ¡pero tan divertida de ver con los colegas!

Los diez o quince primeros minutos, que constituyen una narración de voz interminable, no hay quien se los vea sin soltar un taco.
Por lo demás no te aburres nunca, porque está repleta de escenas de acción que incluyen espadas hechas de papel que los protagonistas se cargan con los dientes, y el montaje de vídeo es increíblemente frenético, con algunos planos de medio segundo de duración.

No te aburrirás. En todo caso sufrirás un dolor de cabeza.

Una serie de animación que tiene únicamente 6 capítulos, una duración total de aproximadamente dos horas. Te la ves en menos que tardas en decir “Jackie Brown”, por poner un ejemplo.

Una animación extraordinaria; yo diría que tenían el presupuesto para hacer una super-producción de 26 episodios (como ellos mismos hicieron con Evangelion o Tengen Toppa Gurren Lagann), pero decidieron gastárselo en hacer los 6 capítulos mejor animados de la historia de la televisión, aunque quizá estoy exagerando un poco.

Un ritmo frenético, una cantidad de referencias populares inabarcable, una seria reflexión sobre la madurez humana, robots gigantes que salen literalmente de las cabezas de la gente, son sólo algunas de las muchísimas cosas que sacaréis de estas intensas dos horas.

El argumento. Durante los cinco primeros episodios no hay. O, mejor dicho, no hay forma humana de que sepas qué cojones está pasando en la pantalla. O te encanta o lo odias, basándote únicamente en la imaginería visual, o en cómo percibes las metáforas. Y, entonces, si estás atento, en el último episodio (y un poco del penúltimo) te lo explican todo. Todo cobra sentido, no es broma.

Como he dicho, o te encanta o lo odias, no parece haber término medio, pero para descubrir si te gusta… vas a tener que verlo.

Esta es la serie que me inmunizó contra casi cualquier tipo de violencia física y psicológica en la ficción.

Siempre digo que seguramente este fue el metraje que le pusieron al protagonista de “La naranja mecánica” para lavarle el cerebro.

El “opening” es así como muy bonito, con homenajes a la obra de Gustav Klimt (admito que he tenido que mirar el nombre del artista en wikipedia), y ópera clásica para acompañar.

Entonces empieza el primer capítulo. La primera imagen nos muestra un brazo recién cercenado en el suelo. En la segunda imagen vemos al tío al que le acaban de arrancar el brazo, que observa horrorizado a lo que quiera que sea que le ha mutilado. La tercera imagen es un contraplano: nuestro monstruo es una mujer completamente desnuda, con la cabeza completamente cubierta por un casco conectado a un sinfín de cables. Entonces, al tío le estalla la cabeza.

A partir de ahí, no hacemos más que subir y subir el nivel de violencia. No creas que el capítulo que estés viendo es el peor de todos: el siguiente encontrará la manera de sorprenderte con el gore, o hacerte llorar aún más por las crueldades a las que son sometidas los empatizables protagonistas.

Estoy seguro de que esta obra no es lo más chocante que hay en el mercado audiovisual. Pero, desde que la vi, ya no lloro con ninguna película. No es que lo hiciera muy a menudo de todas formas.

Osamu Tezuka es considerado el precursor (por muchos literalmente “el Dios”) del manga y el anime. Desde 1946 ya estaba dando la tabarra con cómics pioneros con cualidades que jamás se habían visto hasta entonces, y más tarde fue uno de los escasísimos mangakas que pudo adaptar él mismo sus propias obras en dibujos animados.

Hasta donde yo sé, el tipo era agnóstico, no adoraba ninguna religión en concreto.
Sus cómics y animaciones, aún con dibujos que en Occidente se percibían como infantiloides, casi siempre narraban historias muy dramáticas, con un fuerte mensaje de amor por la vida, pero en cualquier caso, una de las historias puramente religiosas que creó fue un cómic muy largo (unos 10 tomos), sobre la vida de Budda.

No obstante, sus obras eran tan buenas que el mismísimo Vaticano le encargó que produjese una serie de dibujos animados sobre la Biblia… y esto es lo que nos ocupa ahora. Escribió y dirigió el primer episodio en 1989, e inmediatamente después murió, así que fueron los demás profesionales de su estudio de animación quienes se encargaron de completar los 25 episodios restantes.

Ahora mismo soy ateo, pero de pequeño no lo era, y esta es una de las series que me vi de pequeño una y otra y otra vez, hasta casi desgastar los VHS, y me encantaban. No descubrí que esto era de Osamu Tezuka hasta hace bien poco; yo de pequeño pensaba que esta serie sería francesa o algo, como las de “Érase una vez”.

Casi todos los capítulos tienen personajes diferentes (ya ves, si tienes que cubrir toda la cronología de la Biblia…), pero había un zorrillo, tipo mascota, que era un personaje recurrente muy divertido; mi hermano, mis primos y yo siempre bromeábamos sobre si el zorro era inmortal, o si se trataba de varias reencarnaciones del mismo animal.
Me acuerdo de cuando es desterrado del Edén junto con Adán y Eva por equivocación, o cuando casi se muere cuando la torre de Babel se está viniendo abajo…

Por supuesto que las historias se toman un montón de licencias artísticas, en algunos casos descacharrantes. Especial mención al episodio del Becerro de Oro, en el que los creyentes se ponen a cargarse a los blasfemos con espadas de luz. Épico.

Es una de las películas más chocantes que he visto, seguramente una las más chocantes jamás hechas en la historia del cine.

También es una buena película de terror, que si bien el argumento es así como un poco "exploitation", está muy bien dirigida e interpretada, que consigue lo que aparentemente se propone: Tenerte en suspense, asustarte, asquearte, sorprenderte, horrorizarte.

Creo que la razón por la que no me afectó demasiado es porque no soy padre y estoy prácticamente inmunizado frente a la vioencia ficticia después de verme Elfen Lied.

Leí por ahí que los creadores dijeron que querían transmitir un mensaje político, que es una metáfora sobre el gobierno serbio, a eso yo digo "BULLSHIT!!", pero mantengo que es una buena película de terror.

No se la recomendaría a casi nadie, especialmente a gente muy sensible.