Tomorrowland es una película de ciencia ficción para toda la familia que lleva el sello Disney al lugar de magia y fantasía que por tradición le corresponde.

Brad Bird dirige este enérgico viaje a través de dimensiones paralelas, mundos alternativos y pasados y futuros relativos. Bird hace un buen trabajo en general, aunque es cierto que la verborrea del último tramo de la película puede resultar demasiado densa para el sector infantil, que también forma parte del "para toda la familia" al que se destina la película. A nivel visual, es una maravilla de color, trabajo con ordenadores y puesta en escena y, teniendo en cuenta que gran parte de la película discurre a gran velocidad, obviando incluso la profundidad del relato, el aspecto visual cobra muchísima fuerza y se convierte en un bien de primera necesidad. Los personajes, como la historia, tampoco van muy allá y quedan metidos en el saco que se les atribuye al principio, pero se mueven con tanta agilidad a través de la pantalla que nos olvidamos de que no ofrecen demasiado por sí mismos. Y el gran acierto de Brad Bird es hacer que eso no nos importe en absoluto.


George Clooney no tiene que esforzarse demasiado. Los personajes, como ya he dicho, dependen más de su velocidad que de la densidad de sus capas y un tipo con las tablas que tiene el amigo George, sale airoso de eso con suma facilidad. Junto a él, a lo largo de la película, está Britt Robertson, que encaja como un guante en el papel que se le asigna y que consigue dejar destellos de actriz cumplidora. Raffey Cassidy, la chica de los enormes ojos, completa el reparto adaptándose a la humanidad mecánica que requiere su personaje. Hugh Laurie solventa la papeleta con tranquilidad, sin sudar demasiado para dejar fe de su buen hacer.

Resumiendo: Tomorrowland es una película de las que deberían haber más. Trae cierta nostalgia al cine familiar de los 80 y los 90, una historia dinámica y vistosa, añade unos personajes que van de frente y culmina con una resolución que, pese a meterse en un embrollo innecesario, acaba por ser satisfactoria.

Focus es una película de género indefinido que oscila entre el thriller y la comedia para no decantarse al final por ningún camino claro.

Glenn Ficarra y John Requa dirigen Focus y lo que hacen es, básicamente, convertir toda la película en un enredo. O, para ser más exactos, en un engaño. El guion, que ellos mismos escriben, no tiene demasiado que ofrecer y, además de nacer ya estancado, deja a la vista muchas flaquezas. Ficarra y Requa aburren durante un altísimo porcentaje de la duración de la película, pensando en un final que en sus mentes debió quedar muy espectacular pero que en la realidad se resume en una palabra: trampa. Hay mucha trampa en Focus y, hasta cuando no está pasando nada (que como digo es durante casi todo el rato), lo que ocurre es que la atención de los directores está en mentir al espectador. Los magos distraen con una mano y hacen el truco con otra, como los estafadores, y Ficarra y Requa tratan de hacer magia pero nos cuelan una estafa de la leche a base de situaciones que, analizadas cuando se ha visto el final de la película, carecen de sentido más allá del hecho de engañar al espectador de forma descarada. Ficarra y Requa no son sinceros y, al menos en este caso, demuestran poca inteligencia a la hora de esconder su gran truco, ya que éste aparece bajo una serie de escenas amañadas en la que no es que se nos oculte información, sino que directamente se nos dan datos que no se corresponden con la verdad. Ese es un tema que me quema mucho, personalmente. Solamente queda, en el plano positivo, la originalidad del truco en el estadio de fútbol americano. Nada más. Absolutamente nada.

Will Smith y Margot Robbie protagonizan la película y sobre ellos recae la parte cómica que tanto peso tiene (y tan mal metido está) en la película. Will Smith, que hace el papel que lleva años interpretando, está bastante correcto. Margot Robbie queda un poco pegote en ocasiones, pero cuando se junta con el Príncipe de Bel-Air, la cosa mejora, aunque cuando más luce es en las escenas que protagoniza junto a Adrian Martinez, que hace mejorar la película con sus apariciones y hace lucir sus escenas cómicas más como sketches que como partes de un todo. BD Wong está memorable en la mejor escena de la película, Rodrigo Santoro muestra un nivel muy bajo y Gerald McRaney se muestra solvente pese a la absurdidad que rodea a su personaje.

Resumiendo: Focus miente al espectador a la cara y trata de dejar un final de capa sobre capa en el que todos queden sorprendidos, lo cual resulta incluso ofensivo en vista de la escasa inteligencia mostrada por sus directores en esta ocasión y el poco respeto que muestran al público, que con dos dedos de frente y medio minuto para pensar, es capaz de encontrar las vergüenzas de esta atronadora estafa.

Musarañas es una de esas películas del nuevo cine español, el que ya no se atasca en los semáforos de siempre. Un producto bastante comercial con mezcla de géneros que trata de hacer pasar un mal rato divertido.

Juanfer Andrés y Esteban Roel debutan en el largometraje con una película que produce Pokeepsie Films, productora propiedad de Álex de la Iglesia y Carolina Bang. Aunque el dato parezca de pedante sabiondo, es necesario decir eso para entender hasta qué punto el universo de Álex de la Iglesia está presente en la película. No me cabe ninguna duda de que el productor dejó campar a sus anchas a sus dos nuevos padawans, como tampoco dudo en ningún momento de que el gusto de las dos partes es bastante similar y los que aquí dirigen querían agradar a su padrino. Es por eso por lo que en Musarañas vemos mucho momento que podría encajar en El día de la bestia o en Balada triste de trompeta, por poner un par de ejemplos. Andrés y Roel tienen calidad y parecen inteligentes a la hora de contar su película, pero se topan con el inesperado muro formado por su propio planteamiento que acaba siendo un camino de entrada en el que la salida ha sido tomada ya muchas veces. La película cae pronto en la repetición y en la previsibilidad y no por mucho repetir el mensaje acaba calando más hondo en el espectador. Más bien nos cansa. Hay que destacar un apartado de maquillaje y peluquería soberbio y un gran trabajo con los decorados, así como la habilidad de Andrés y Roel para que en cámara todo se funda de forma trabajada.

Macarena Gómez hace el que probablemente sea su mejor trabajo. Cuesta no temer la desquiciada mente de quien no vive en el mundo real y ella lo expresa con una habilidad impresionante a pesar de que su personaje acabe cayendo en bucle. Nadia de Santiago está también a un nivel muy alto y, aunque perdería en una hipotética comparación, acaba siendo un buen contrapeso cuando une fuerzas con Hugo Silva, que sin brillar de forma escandalosa, cumple con lo que se le pide. Las apariciones del gran Luis Tosar y la enorme Gracia Olayo completan el reparto.

Resumiendo: Musarañas es un intenso pero irregular ejercicio de tensión que acaba por perder fuerza a causa de su constante intento de demostrarla. Se repite y lo hace en abundancia, pero la dependencia que tiene la película sobre los hombros de una brillante Macarena Gómez resulta ser un afluente positivo para encauzar las aguas que se duermen a mitad del río.

Horns es una película sobre la venganza revestida con un traje de humor y fantasía y maquillada con polvos de thriller. Adapta una novela de Joe Hill.

Alexandre Aja no puede evitar eso que lleva dentro y que le lleva a querer gustar a todo el mundo. En Horns vuelve a intentar ser magnífico en cada tramo de la película, sea éste del género que sea, y acaba cayendo en una singular monotonía que aleja a la película del dinamismo de su historia. Aja nos lo da todo metido en bucle y convierte los segundos en minutos en algunos momentos, sobre todo a partir de la mitad de la película. Aunque empieza bien y aprovecha el efecto sorpresa de la propuesta, no tarda en desmoronarse ante una preocupante falta de ideas que acaba sepultando el producto bajo el peso de la rutina, por muy sobrenatural que ésta sea. Aja funciona medianamente bien en el decorado de thriller que monta para su historia, pero no lo hace tanto para preservar los secretos de la misma y eso acaba dejando ese apartado, tal vez el que más a la vista está de todos, en un resultado regulero.

Daniel Radcliffe hace uno de sus mejores trabajos, o tal vez el mejor, en este mundillo que es el cine. No significa que sea bueno, pues el actor inglés no puede evitar esa mueca de apretar los dientes y mover compulsivamente las cejas en cada escena, pero al menos está mejor que en la mayoría de sus apariciones. El elenco de secundarios lo componen Kelli Garner, muy acertada aportando cosas a su personaje, Max Minghella, que se muestra bastante indiferente, Joe Anderson, con buen trabajo en las escenas que capitanea y Juno Temple, que mejora la película cuando aparece aunque su personaje tenga más importancia implícita que en el escarate. Nombres como David Morse o James Remar completan el barco con unos trabajos notables.

Resumiendo: Horns es casi un aprobado en la mayoría de facetas que toca, siendo algo más en algunos momentos (como el principio del thriller) y algo menos en otros (como la insoportable comedia). Alexandre Aja da en Horns otra muestra de que no tiene el nivel que algunos le atribuían en el (para mí infumable) exitoso remake de Las colinas tienen ojos.

Machete Kills es la segunda película sobre ese hombre que fue agente federal y acabó convirtiéndose en leyenda llamado Machete.

Robert Rodríguez dirige (esta vez en solitario) este segundo viaje por el mundo de Machete y lo hace llevando las gamberradas y el surrealismo a un nuevo nivel. Si el tráiler que nos mete antes de empezar la película puede parecer una locura, Rodríguez lo convierte en realidad con una historia que empieza desde abajo y va subiendo escalones hasta colocarse en pleno viaje al espacio. El guion de Kyle Ward, que sustituye en ese apartado a Robert y Álvaro Rodríguez, nos trae un desarrollo en el que nada tiene sentido pero en el que, mejor o peor, todo encaja y acaba teniendo al menos una razón de ser. Lo que sorprende de Machete Kills es que el momento en el que un mexicano que va con un machete repartiendo mandobles acaba con armas futuristas yendo al espacio resulta estar muy bien traído. La locura tiene sus reglas en Machete Kills y eso es algo muy elogiable puesto que estamos acostumbrados a ver intentos de crear normas propias que acaban siendo víctimas de las trampas de sus creadores, habituados a saltárselas. Rodríguez, con el guion en la mano, lo que hace es dar sangre, mamporros, tiros, machetazos y violencia gratuita y divertida a raudales.

Danny Trejo sigue haciendo de Danny Trejo y eso, obviamente, se le da de putísima madre. Michelle Rodríguez y Jessica Alba siguen con dos trabajos muy flojos, pero lejos de dar la vergüenza que darían en otro tipo de producciones, aquí encajan como anillo al dedo, lo que podría aplicarse también a Amber Heard. Mel Gibson se mete unos cuantos billetes en el bolsillo y se lo pasa bien haciendo de malo absurdo con el don de ver el futuro y consigue que nos divirtamos con él. Sofía Vergara también disfruta y trae vitamina pa' los pollos en cada escena para todo hombre que asista al espectáculo. El reparto se completa con las divertidas (aunque unas más afortunadas que otras) apariciones de Antonio Banderas, Cuba Gooding Jr., Lady Gaga, Charlie Sheen o Tom Savini entre otros. El trabajo de Demian Bichir, para concluir, es una auténtica maravilla.

Resumiendo: Machete Kills está ahí para divertir a los que se divierten con ella. La saga Machete es el frenesí liberado de Robert Rodríguez y será una mierda para aquellos a los que no guste este tipo de barbaridades, pero para los que disfrutamos de las atrocidades sin sentido conscientes de sí mismas y destinadas a hacer reír, tenemos aquí un caramelito.

El diario de los muertos es un falso documental que inventa otro inicio para la célebre saga creada como continuación para La noche de los muertos vivientes.

George A. Romero dirige, no podía ser de otra forma. El director más prolífico del cine zombi monta un falso documental en el que se ve el nacimiento del apocalipsis zombi. Junto a unos estudiantes de cine, uno de los cuales vive cámara en mano, Romero nos presenta los acontecimientos con la máxima credibilidad posible, enfrascándolos en un mundo más actual y tirando de cámaras como las de tráfico, de seguridad o imágenes de televisión para dar una mayor perspectiva sumándolas a las que lleva consigo el grupo protagonista. La ambientación está conseguida y Romero lo convierte todo en documental gracias a la voz en off, ya que muchas escenas podrían considerarse totalmente cinematográficas y cobran sentido en el ambiente que las define gracias a la narración de una de las integrantes del grupo. El gore es una maravilla y la capacidad de los protagonistas para adaptarse a las nuevas circunstancias está llevada con bastante realismo. Sin embargo, lo realmente sorprendente y uno de los mejores puntos de la película es la habilidad de Romero para explicar la inmunidad que se adhiere a los personajes a la hora de hacer lo que hacen, así como su capacidad para seguir adelante sin apenas recordar a los que han quedado por el camino.

Joshua Close interpreta al personaje que lleva toda la película la cámara al hombro y, aunque apenas le vemos aparecer en pantalla y nos guiamos más por su tono de voz, hay que decir que tenemos bastante para valorar su trabajo de forma positiva. Michelle Morgan interpreta a la que probablemente podríamos definir como protagonista de la película y, salvo un par de momentos en los que exagera un poco sus gestos, hace una buena labor. En el reparto, dentro del grupo principal, quedan nombres como los de Amy Lalonde, bastante irregular, Shawn Roberts, ligeramente robótico, Joe Dinicol, un poco soso pero correcto o Scott Wentworth, cuyo trabajo se deja notar gracias a una sencillez potente.

Resumiendo: El diario de los muertos es un interesante viaje con notable ambientación y desarrollo y nos llega en forma de road movie y en formato documental que nos da una versión alternativa a los hechos que su director, George A. Romero, nos contó hace ya casi 50 años.

Creep es una película de terror británica que nos lleva al interior de los túneles que conectan las estaciones de metro. Una historia de terror mezclado con misterio que no acaba de decantarse por ninguna de sus vertientes.

Christopher Smith escribe y dirige Creep. Tras un par de cortometrajes, el director de Bristol se lanza a por su primer trabajo de larga duración y lo hace con las ideas claras pero con las formas todavía bastante verdes. Creep no acaba de arrancar en ningún momento y no se vuelve emocionante ni cuando se descubre el pastel. El misterio de diluye rápido con la aparición de la verdad, pero para el espectador es demasiado tarde puesto que el aburrimiento previo ha hecho mella y nos ha apartado ya de lo que pasa en la pantalla. El personaje principal, más que acercarse al espectador, lo que hace es incordiar, insultar la inteligencia de todo aquel que está mirando la película y tratando de tomarle cariño y eso se debe a su incapacidad para mostrar una lógica mínima que encaje con su personalidad, aunque sea, como es el caso, una personalidad aberrante y sin matices. El terror no aparece en ningún momento y los flojos intentos de Smith por crear una atmósfera oscura, sucia y húmeda tienen momentos demasiado infantiles en los que todo se reduce a "el bicho raro que vive en los túneles". El miedo no se palpa y es así porque no se desarrolla y Christopher Smith confía demasiado en que su propuesta consiga, por sí misma, aterrar hasta el punto de hipnotizar sin que el miedo cobre vida o tenga alternativas para mostrarse.

Franka Potente se casca la interpretación más floja que le he visto en su carrera y, eso, en este caso, es decir mucho. Su personaje está estancado desde el minuto uno, pero su trabajo puede que esté todavía por debajo, con una incapacidad para expresarse que la hace prescindible en todo momento. El elenco de secundarios lo forman Vas Blackwood, que es sin duda el más acertado, Jeremy Sheffield con un desempeño desastroso y Paul Rattray con un trabajo que va de más a menos. La criatura está interpretada de una forma un tanto extraña por Sean Harris.

Resumiendo: pese al ímpetu de Christopher Smith por hacer sentir la claustrofobia de los túneles a base de ecos y de cámaras al hombro que persiguen a la protagonista en "planos secuencia" (entrecomillo porque no lo son) un tanto reguleros, Creep se queda en el arsenal de cintas olvidables, de esas del estante del fondo del videoclub. Infantil intento de cine de terror mezcla de psicológico y físico con resultado bastante mediocre.

Barridos por la marea es el remake de Insólita aventura de verano, película italiana de 1974 dirigida por Lina Wertmüller.

Guy Ritchie dirige, dicen. Yo digo que aquí quien se la saca es Madonna. Cosas mías, a lo mejor. Madonna dirige la peor película que se le atribuye a la filmografía de su (por entonces) marido y lo hace con una incapacidad para lo que viene siendo todo que no tiene límites. A Madonna se la suda todo, ella es Madonna y si dice que dirige, dirige; y si dice que dirige bien, a ver quién es el chulo que se lo niega. Lo que hace aquí la reina del pop es una calamidad de proporciones épicas. No hay lógica en las situaciones, no hay narración por parte de las cámaras, no hay continuidad ni efecto acción-reacción... ¡Es que no hay nada! Es que cuesta decir algo que no sea eso, de verdad. Es que lo único aceptable que hay son las escenas en la cocina del barco, donde al parecer, Madonna dejó a Guy Ritchie hacer cosas ya que, las cosas como sean (debió admitir ella), era él quien iba a poner su nombre como director en los títulos de crédito.

Madonna protagoniza la película, también. Por si la calamidad de tenerla dirigiendo resultase poca, tenemos que someternos a la tortura de verla actuar. Y lo de actuar es por decir algo, porque podría decir que lo que hace es insultar a los profesionales de la interpretación y no estaría mintiendo en absoluto. Ahora iba a tratar de decir si resulta menos creíble como dictadora ricachona o como desvalida náufraga, pero aunque una cosa parece ir con ella y la otra no, Madonna, como actriz que se sintió, debió intentar meter cosas en ambos lados que, directamente, molestan al espectador. Y mucho. A su lado, Adriano Giannini, que interpreta el mismo papel que interpretó su padre en la película original de 1974, parece el puto Marlon Brando cuando, en realidad, sobreactúa constantemente y escupe al espectador en casi cada palabra.

Resumiendo: puede que Barridos por la marea sea la peor película que he visto jamás. La que tiene las cosas peor hechas desde la primera hasta la última, tal vez. Y me jode. Me jode porque a mí el estilo de Guy Ritchie me gusta y tener esto en tu filmografía es como tener un cáncer que no crece pero no te abandona.

Operación Swordfish es un thriller de acción en el que el pirateo informático compite con la espectacularidad de las explosiones por abrirse hueco en la trama.

Dominic Sena, profesional de larga experiencia en la dirección de videoclips, dirige Operación Swordfish. Y se nota, lo de los videoclips, porque el arsenal de cámara lenta que saca a relucir Sena es bastante cutre. El director, que venía de la también videoclipera 60 segundos, se monta aquí un ejercicio en el que la espectacularidad está por encima de la lógica. Su búsqueda de lo efectista parece no tener fin y va desde una escena con un personaje disparando a dos manos desde el coche hasta un sinsentido de ordenador que resulta que es muy potente por el simple hecho de tener muchas pantallas. En ese ordenador, que es la panacea, vemos una de las escenas nacidas del guion de Skip Woods y moldeadas por la infamia de Sena más rocambolescas: un hacker monta un gusano informático haciendo algo como un cubo con forma de gusano. Tócate los huevos, leré lerele lerelerá. La absurdidad de Operación Swordfish parece no tener fin y, cuando nos aproximamos hacia el final de la película, nos preguntamos si realmente alguno de los personajes tiene lógica en su concepción o si hacía falta tanto tomate para un simple par de huevos. Dominic Sena quiere montarse un videoclip a lo bestia y Skip Woods quiere que cada frase sea un golpe de efecto y eso en el cine es una quimera. Pero la ignorancia es muy atrevida y, aquí, uno y otro van sobrados de eso.

Uno de los peores John Travolta que recuerdo protagoniza Operación Swordfish. No hay nada en su interpretación que me haga inquietarme y, lo que es peor, sí hay muchas cosas que me dan bastante risa. Con Hugh Jackman me sucede que está a un nivel tan bajo en esta ocasión que se me hace hasta entrañable su intento por sacar algo positivo de un personaje que se ve envuelto en una situación de vergüenza ajena tras otra (desde la limpieza de sable hasta el bailecito sudoroso). Halle Berry, salvo enseñar chicha, tampoco aporta absolutamente nada positivo y sí trae bastantes cosillas de dudosa calidad. Don Cheadle, que completa el reparto principal, está también lejos de su nivel habitual. Será que un mal guion, escenas de puta risa y un director tan incapacitado para el cine como para aconsejar a los actores resultan ser, al final, losas demasiado grandes incluso para actores bastante correctos.

Resumiendo: Operación Swordfish es una vergüenza de película desde sus pretensiones hasta sus logros. Un montón de pasta tirada a la basura con un elenco de cierto nivel que rinde muy por debajo de su nivel. Dominic Sena no debería seguir puteando al mundo de esta forma.

La visita es el último gran "fenómeno Shyamalan", un producto que ha sabido venderse muy bien en la promoción y que ha despertado la curiosidad del público, logrando convencer a muchos de que iba a ser una gran película de terror.

M. Night Shyamalan, conocido también como Hombre Trampa, dirige La visita. El director nacido en India vuelve a meterse en ese cine que disparó su nombre hacia el estrellato y trata de resarcirse, con ello, de los batacazos que resultaron ser Airbender y After Earth. Shyamalan tiene una capacidad casi ilimitada para inquietar con una imagen e incluso alargar esa sensación hasta conseguir situaciones incómodas. El problema en La visita (y me atrevo a decir que en toda su carrera excepto en El bosque, su mejor película) es que la situación no se convierte nunca en un todo y parece que al final todo lo que propone acaba cayendo en saco roto porque él se preocupa más por el momento que por el global y lo de unir los puntos que definen el dibujo que crea en su mente no se le da demasiado bien. En La visita, Shyamalan tira un poco por el camino del humor en lo que es, sin duda, un homenaje (prefiero pensar eso y no recurrir al término "plagio descarado") a lo que en su momento hizo la saga Scream, incluyendo lo de tener a varios personajes debatiendo sobre conceptos cinematográficos. Craven en Scream daba una lección magistral; Shyamalan, aquí, demuestra que para él solamente existen tres puntos importantes en el cine: imagen, banda sonora y sorpresa final. Son tres puntos importantes, sin duda, pero no los únicos. Hay que contar una historia y hacerlo de forma convincente y cercana al sentido común, entre muchas otras cosas, y ahí Shyamalan patina casi siempre. Pero que sí, que eso no se lo quita nadie: con la imagen es un verdadero genio.

El reparto tiene un resultado demasiado desigual. Esa partida de juegos de mesa que se juega al final y que enfrenta a niños contra viejos no deja ver al vencedor, pero la película deja bien claro que la experiencia es un grado. Por un bando, los jóvenes Olivia DeJonge y Ed Oxenbould nunca llegan a conectar con el espectador, siendo ella la que aguanta el tipo durante bastante tiempo y él, llegando a resultar incómodo. Por los mayores, Deanna Dunagan y Peter McRobbie se prestan a ese terror de situación que propone el director y lo hacen con éxito, con varios grandes momentos de McRobbie y un auténtico recital a todos los niveles de Dunagan. La presencia casi testimonial de Kathryn Hahn se salda con un resultado positivo.

Resumiendo: La visita es otro fracaso de M. Night Shyamalan. El regreso del director a sus orígenes no se traduce en una buena película porque Shyamalan no hacía buenas películas ni al principio, por mucha sorpresa final que haya marcado su carrera. El toque de humor de la película es un pegote que no funciona y la historia se vuelve bastante aburrida y repetitiva. Eso sí: el tipo que monta los trailers de las pelis de Shyamalan tendría que llevarse un Oscar.

Suspiria es uno de los mayores clásicos del cine de terror de todos los tiempos. Un cuendo de hadas para adultos con el suficiente gore como para ser prohibida en multitud de países y con la suficiente calidad como para ser considerada, a día de hoy, la única película de gore que puede etiquetarse como obra de arte.

Dario Argento, el maestro, dirige Suspiria. Argento quería una película inquietante, que no dejase indiferente a nadie: una historia donde las víctimas fuesen niños. No se le permitió. ¿Qué hizo? Tirar de puertas pequeñas. Renunció a los niños, pero no al hecho de crear el efecto de que todo resultaba infantil, casi "disneyano", dotando de un plus de mal rollo a una película en la que la estética, cercana al expresionismo alemán, mantiene al espectador tan desubicado durante todo el rato que nunca llegamos a saber qué es lo que nos da tan mala espina cuando, a priori, en pantalla no está sucediendo nada. Los vivos colores, obra y gracia del technicolor que se usó para imprimir la película unidos a los tonos vivos que se obtenían de pasar los focos a través de sábanas coloreadas, dan a Suspiria la apariencia de algo en lo que nuestro "yo" infantil tiene mucho que ver, lo que hace que la veamos con otros ojos. La historia, pensada y guionizada por el propio Argento y por su entonces esposa Daría Nicolodi, empieza de una forma apabullante para después relajarse y dejar que el espectador se asiente antes de dar el segundo y definitivo acelerón, consiguiendo tres actos de desigual duración pero de igual relevancia. El gore es una verdadera maravilla y la violencia física y mental golpea con dureza a quien asiste a un espectáculo tan tremendo como valiente para su época. La banda sonora ayuda también a dejar salir al niño que llevamos dentro para comprobar cómo se acojona vivo al darse cuenta, sin que nada esté sucediendo, de que algo va muy, muy mal.

Jessica Harper protagoniza la película y fue elegida porque a Argento le recordaba a Blancanieves, lo que encajaba con su idea de hacer un cuento de terror para adultos. La actriz cumple, a pesar de ciertas debilidades, con su trabajo de ser el vehículo que nos lleva a través de esa academia maldita. Joan Bennett hace una labor estremecedora, poniendo los pelos de punta con cada aparición. Flavio Bucci, en su papel de pianista invidente, está muy notable. Stefania Casini acompaña durante un buen rato a la protagonista y acepta su rol complementario de ésta con la suficiente calidad como par servir de masilla. La aparición de Miguel Bosé es algo que me gustaría mencionar, sin entrar a valorar lo bien o lo mal que lo hace. Bueno, vale, lo hace de pena.

Resumiendo: iluminación viva y opresiva al mismo tiempo, grandes decorados con capacidad para producir claustrofobia, inquietante banda sonora con toques infantiles y mucha sangre, esos son los elementos de Suspiria, una película que es 90% expresionismo alemán y que su director, Dario Argento, consiguió hacer tal y como quería. Suspiria es una maravillosa obra de arte del cine de terror y una de las más influyentes obras del género en su edad adulta.

The Descent es una de las películas de terror más aclamadas por la crítica en los últimos años. Un ejercicio de ruido, sudor, sangre y estridencias que pretende convertirse en un producto sufrido. Para mí, está muy lejos de conseguirlo

Neil Marshall escribe y dirige The Descent. La historia nos presenta a un grupo de amigas que se van por ahí a explorar una cueva con el telón de fondo que supone la dramática historia de una de ellas, que perdió a su marido y a su hija hace cosa de un año en un peciliar accidente. El principio de la historia tiene la tensión propia de las cuevas, esos pasos estrechos y esa luz que brilla por su ausencia y que se convierte en un personaje más del relato. Sin embargo, los primeros 30 minutos, que son de largo los mejores, se van consumiendo bajo el peso de que no suceda nada más allá de lo básico y a partir de ahí, Marshall se inventa un par de movimientos que consiguen aumentar la tensión el espectador. Todo bien. El problema viene cuando el director y guionista cree que necesita algo más y se saca de la manga a la familia de Golum y se pone a perseguir a las chicas. No es un mal paso, no tiene por qué ser malo, lo que sí es malo es que Marshall meta la pata al pensar que, para acojonar, no hay nada como ser estridente. Gritos de las protagonistas a pleno pulmon, chillidos de los bichos, conversaciones que parecen estar llevándose a cabo mediante megáfonos... Todo duele en los oídos. Es muy lamentable que una historia que puede basarse en la angustia de una cueva y en aprovechar los cambios en los personajes quede reducida a una colección de gritos, a cuál más molesto, en la que los bicharracos no inquietan tanto como en un principio lo había hecho algo tan básico como la luz de una antorcha.

Shauna Macdonald protagoniza la película, aunque se reparte bastante la pantalla con Natalie Mendoza. La primera cumple bastante bien a pesar de ciertas muecas, pero la segunda es un verdadero desastre desde que la cámara la enfoca por primera vez, sobreactuando de una manera que resulta hiriente para el espectador. El reparto lo completan Alex Reid, Nora-Jane Noone, Saskia Mulder y MyAnna Buring con cuatro interpretaciones excesivamente maniatadas por la poca habilidad de Neil Marshall para dar algo de vida a sus personajes.

Resumiendo: The Descent es una película floja, un ejercicio de tensión fallido y una historia sin chispa. El guion de Neil Marshall es flojo, pero la dirección lo es todavía más, demostrando que los cambios que están metidos en calzador en la historia, están ahí porque, a la hora de contarla, su director necesita llenar con fantasía la única realidad: su falta de ideas.

Hard Candy es una de las películas más inquietantes de la primera década del siglo XXI. Una historia definida en Japón como la de "Caperucita atrapa al lobo feroz" que tiene en su propuesta una auténtica mina de oro y en sus trabajadores, verdaderos explotadores. Para bien, claro.

David Slade dirige la película y desde el primer momento supo qué película quería hacer. Quería que la expresión de los personajes quedara patente y para ello se sirvió de aumentos del brillo de la luz en el set de rodaje que fueron luego manipulados en posproducción, como también se moldearon después los efectos de color que denotan en cada momento el sentir de los personajes. El guion de Brian Nelson es la idea extendida del productor David Higgins, quien en cierto momento se preguntó qué pasaría si, entre dos personajes a priori predecibles, descubrieras que la situación es la contraria a la que esperas. Brian Nelson desarrolla bien la idea y da a los diálogos una verdad apabullante que va carcomiendo a los dos "luchadores" poco a poco, aunque haciendo mella en uno más que en otro. Eso lo recoge David Slade y lo convierte en un combate de pesos pesados en el que la aplastante lógica se manifiesta a través de la locura más sólida que uno pueda imaginar. De ahí nacen grandes escenas en las que las pulsaciones del espectador van a todo gas mientras uno de los personajes, dentro de su lógica y fría locura, echa el ancla de vez en cuando para dejar más clara, si cabe, su postura. Todo eso antes de volver a arrancar a lo bestia.

La pareja protagonista no podría haber sido mejor. Ellen Page hace un trabajo brutal, completísimo, lleno de pequeños detalles que dan forma física a la mente de su personaje y que hacen que ese físico, en apariencia frágil, se torne robusto ante la inapelable verdad que se desprende de su actitud totalmente enajenada. En la otra parte del ring, normalmente contra las cuerdas aunque con algunos asaltos ganados, encontramos a Patrick Wilson que ejerce un contrapeso que lleva el equilibrio (o desequilibrio) perfecto a una película que vive tanto de su idea y del gran trabajo tras las cámaras como del hecho fundamental de que su pareja principal esté a un nivel perfecto, sin fisuras, cumpliendo todos y cada uno de los requisitos, por pequeños que sean, y aportando además un plus de calidad que podría haberse perdido bajo el peso del gran trabajo de Slade en caso de un mal casting.

Resumiendo: Hard Candy es una película recomendable al 100%. Es uno de esos títulos que deberían figurar en todas las estanterías, sobre todo si lo que buscamos es un exponente del thriller psicológico violento encerrado en cuatro paredes. Hard Candy y la primera Funny Games de Haneke, la buena, la de 1997.

Poltergeist es el remake de aquel clásico de terror dirigido por Tobe Hooper allá por 1982. Ha llovido desde entonces y el género de terror ha ido tomando su propio camino, con lo que este remake se toma las licencias propias de "su edad".

Gil Kenan dirige Poltergeist y lo hace con mejores intenciones que maneras. El director londinense, que ya demostró en Monster House y en City of Ember que tiene estilo, se queda a medias en Poltergeist. Su trabajo cumple a la perfección los patrones del cine de terror moderno sin faltar al respeto al clásico al que está "revistiendo", pero nos deja, en esta ocasión, su trabajo más pobre en lo referente a la calidad pura y dura. El terror se moderniza visualmente, pero el concepto no lo hace y el resultado queda entre dos aguas, acercándose a un peligroso mundo en el que nada funciona como se pretende. A nivel narrativo, y pese a un muy buen inicio, la película no acaba de encontrar un ritmo con el que se sienta cómoda y parece ir dando acelerones como un conductor novato, metiendo mucha caña en algunos momentos y dejando otros rellenos de paja inservible. Lo que sí me gustaría destacar es la fantástica calidad visual de la película, más allá de lo acertado o desacertado de los planos, con una iluminación fabuloso y una combinación de colores muy bien elegida.

Kennedi Clements es la nueva "niña de Poltergeist" y a pesar de que su aspecto físico es un buen punto de partida para hacer memorable al personaje, la jovencísima actriz no hace un trabajo tan bueno como cabría esperar. Sam Rockwell no acaba de encajarme mucho en papeles de este tinte (memorable su "Billy el Niño" en La milla verde) pero, a pesar de eso, aquí no me desagrada su labor. Rosemarie DeWitt siempre está ahí pero nunca acaba de estar, resultando indiferente a los ojos del público debido al concepto de su personaje, algo que ella no subsana con su interpretación. El pequeño Kyle Catlett es seguramente el que mejor está en todo el reparto, que se cierra, en su página principal, con la labor mediocre de Saxon Sharbino. Jared Harris y Jane Adams completan las caras más visibles con dos trabajos aceptables y sin grandes alardes.

Resumiendo: Poltergeist es un remake, claro, pero supone el fiel retrato de lo que tanto se intenta hoy en día: coger un clásico, vestirlo con ropa actual, cambiar partes de su personalidad para modernizarlo y venderlo como homenaje con sello del nuevo autor. El caso es que, como la mayoría de películas que viven dentro de este "género", fracasa.

Sinister es un thriller de terror que mezcla subgéneros como el de las casas encantadas, el de los niños inquietantes y el del metraje encontrado. Con un argumento que se mueve entre El misterio de Salem's Lot y Terror en Amityville, la historia es lo bastante interesante como para llegar a un amplio sector de público.

Scott Derrickson dirige y lo hace mostrando su mejor versión. El director nacido en Denver vuelve a mostrar esa faceta tan turbadora que le llevó a debutar con Hellraiser V: Inferno (2000) dejando buenas pinceladas y que confirmó su potencial real en El exorcismo de Emily Rose (2005). En Sinister, Derrickson mide bien los pasos que debe dar antes de cada descubrimiento y, aunque se toma licencias de autor para dejar su sello en algunos giros, consigue un resultado más que satisfactorio en casi todos los sentidos. El de Colorado hace un uso inteligente de los planos medios (sobre todo) para cascar buenos sustos que llegan con el don de la oportunidad, haciendo bueno el trabajo previo en el que la tensión parecía no ser correspondida en el momento en el que los espectadores esperábamos. El manejo de la historia y del guion (que él mismo escribe junto a C. Robert Cargill) no aporta grandes novedades, pero sí consigue evitar gran parte de los clichés para, utilizando otros, lograr que pasen desapercibidos debido a las dudas que plantea en la vertiente "thrilleriana" de la película.

Ethan Hawke está a un nivel bárbaro, demostrando una vez más que la angustia es el estado de ánimo que mejor se le da interpretar. Su trabajo como "scream king", alternado con su despliegue dramático, hace de su interpretación algo interesantísimo. Juliet Rylance está, quizás, un poco más floja desentendiendo un poco las exigencias de su personaje y malinterpretando algunas de las presumibles intenciones de Derrickson para con su personaje. Los pequeños Michael Hall D'Addario y Clare Foley se convierten en una fantástica elección, destacando cada uno en un par de escenas puntuales en las que cumplen con creces las exigencias de las situaciones en las que se ven inmersos. James Ransone y Fred Dalton Thompson cierran el reparto principal con sendos trabajos muy notables.

Resumiendo: Sinister es una película de terror bastante notable que demuestra que, incluso cuando parece estar todo inventado, siempre se puede hacer algo distinto pese a usar el mismo material. Si con DO-RE-MI-FA-SOL-LA-SI y sus respectivos sostenidos y bemoles podemos ir desde Miley Cyrus hasta Dire Straits, con un ente aterrador, un par de niños y una casa grande, podemos llegar al fin del mundo.

Eliminado es una película de terror que se adapta a los tiempos que corren para meterse en el bolsillo a toda una generación y, de paso, desmarcarse de los clásicos títulos de su género.

Levan Gabriadze se pasa al género de terror tras hacer sus primeros pinitos como director con comedias. Hay que decir que Gabriadze es un tipo organizado y lo dispone todo con precisión, dejando que los acontecimientos sucedan en tiempo real y que estén entrelazados con una base lógica. Sin embargo, y por ser quisquilloso y poner un pero, hay que decir que el último tercio de película resulta un tanto forzado y ese punto al que se llega en el que afloran los convencionalismos (en forma de discusiones y de reacciones adolescentes carentes de sentido) disminuye el nivel global de la película. Y mucho, de hecho, a pesar de que luego remonte en su corto pero efectivo clímax. El guion de Nelson Greaves sienta a cinco jóvenes frente a un ordenador y da rienda suelta a Skype, Facebook, Instagram y otras plataformas teen de hoy día. Su interpretación de las redes sociales y del programa de mensajería son correctos, pero comete con Youtube algunos errores que podrían ser pasables. Los errores que no son tan fáciles de obviar son aquellos en los que nos dice, básicamente, que nada de lo que se explica tiene por qué ser explicado. A pesar de esos fallos, el trabajo de Greaves en general es bastante bueno. Gabriadze coge todo eso y lo une con destreza para presentarnos un falso plano (o pantalla) secuencia que engancha.

El reparto... bueno... Es un slasher, al fin y al cabo. No le pidamos peras al olmo. Shelley Hennig protagoniza la película y es, seguramente, la mejor de entre sus compañeros gracias, básicamente, a que sabe llorar y gritar. Moses Jacob Storm ejerce de copiloto y tampoco puede recaer sobre él un aluvión de comentarios negativos, si bien es cierto que tampoco positivos. Renee Olstead encabeza al grupo que se carga el reparto con una sobreactuación y una incapacidad para no mezclar emociones que dan un poco de cosita. Courtney Halverson no le anda a la zaga en ese apartado, malinterpretando todo lo que debe hacer su personaje. William Peltz es, en el apartado masculino, la máxima expresión de lo que es molestar al público con una histeria que nada tiene que ver con la de tu personaje, haciéndote insoportable en pantalla. Jason Wysocki cierra el reparto sacando insuficiente en aportación al personaje, en dotes humorísticas y en capacidad de expresión.

Resumiendo: Eliminado tiene cosas de verdadera obra maestra. Sin duda, vendrán muchas películas de este corte a partir de ahora puesto que, salvando las distancias, tiene potencial para ser "la nueva" Paranormal Activity (Oren Peli, 2007). Algunos dirán que lo de una película dentro de una pantalla de ordenador está muy reciente con Open Windows (Nacho Vigalondo, 2004), pero es que yo las películas tan manipuladoras y los directores tan tramposos no los tengo en cuenta.

Tusk es una comedia de terror sobre hombres, mujeres, morsas, leyendas de un viejo lobo de mar, perspicaces inspectores y la siempre divertida Canadá.

Kevin Smith dirige su película más bizarra. Había toques de locura en su filmografía, pero es en Tusk cuando descubre su vena más loca y, sin embargo, tal vez la más locuaz. El relato de Smith es ágil y aprovecha el ritmo que él mismo impone para saltar en el tiempo y el espacio (a pequeña escala) con fuerza. El cineasta de New Jersey nos presenta en Tusk una rara historia de cautiverio que tiene un fondo a lo Misery (Rob Reiner, 1990) y nos la muestra con cierto aire a Wes Anderson, omitiendo en este caso al narrador pero dejando un aroma en el aire similar pese a las distancias. Smith no hace que nos acojonemos ni que nos descojonemos, pero coloca durante muchos minutos en nuestras caras una risa, al principio casi por vergüenza, después por inquietud y, al final, por incredulidad. Otro de los puntos a favor del director es, precisamente, la capacidad de dar veracidad a un relato tan surrealista que en otras manos o con otro enfoque habría caído, sin duda, en el más espantoso de los ridículos desde el minuto uno. La puesta en escena es más que correcta y hay que darle a Kevin Smith mucho mérito por obrar el milagro y confeccionar con tino y con seriedad las escenas de tensión aunque formen parte de una película cuyo tono general es el humor. Salvando distancias, algo así como lo que pasa en Scream (Wes Craven, 1996). Chapeau para Smith.

Justin Long hace un buen trabajo exagerando lo necesario para dar cuerpo y alma a su personaje, que requiere de muchos y muy desgarbados tics. Haley Joel Osment, ese tipo corpulento que ha devorado al niño que un día fue, está bastante correcto en su poco exigente papel. Genesis Rodríguez tiene un par de escenas mirando a cámara más que notables y resuelve el resto de sus apariciones con calidad. Johnny Depp hace un trabajo bárbaro haciendo disminuir su ademán y adaptándolo a las necesidades de ese personaje mitad Inspector Clouseau mitad Hercules Poirot. Michael Parks es, sin duda, la gran estrella de la película puesto que sobre él recae tanto el hecho de dar seriedad a la locura reinante en el relato como la necesidad de dar veracidad, sirviendo de cimientos, a todo cuanto se construye a partir de él.

Resumiendo: Tusk es la mejor película de Kevin Smith en unos cuantos años. Puede que sea, junto a Jay y Bob el Silencioso contraatacan y Clerks II lo único que ha hecho en este milenio que nos recuerda por qué en su día fue considerado un director a tener en cuenta.

El destino de Júpiter es una nueva incursión en la ciencia ficción de esos genios que, hace ya unos añitos, nos regalaron aquella maravilla llamada Matrix. En esta ocasión, los alienígenas (aunque humanos) sustituyen a las máquinas en una idea no demasiado distinta pero sí bastante menos intensa.

Los hermanos Wachowski, Andy y Lana (AKA Larry), escriben y dirigen El destino de Júpiter. Hay que decir que, en principio, la idea no es del todo mala, pese a asemejarse en su concepto a una de las bases sólidas que formaron Matrix. Tal vez esa falta de originalidad sea la que más pese a lo largo del recorrido por la película, puesto que la autorreferencia sale a cada instante y no podemos mirar hacia otro lado cuando encontramos ideas de Guía del autoestopista galáctico, Star Wars o 2001: una odisea del espacio. También, en otro sentido, hay referencias troyanas e incluso de cine romántico para adolescentes crepusculitos. Si quitamos las partes y nos quedamos con el todo, El destino de Júpiter es un producto entretenido que vive de la repetición de situaciones, del desbroce de paja como modo de avance y de crear un espectáculo visual que te deja con la boca abierta. En lo referente a los personajes, el exceso de los mismos lleva por momentos a una ligera confusión (sobre todo por la gran cantidad de términos "nuevos") y las relaciones entre ellos están pintadas con brocha gorda, sin profundizar demasiado más allá de lo que se nos muestra a simple vista. Los Wachowski se guardan, en la familia de la protagonista, una vía de escape para desdramatizar y meter un tono de humor que, a mi parecer, debería haberse quedado en el cajón de los descartes: me produce mucha vergüenza ajena y, además, resulta a todas luces innecesario.

Mila Kunis protagoniza la película y no está tan mal como en sus peores trabajos ni tan bien como en los mejores. Se queda en simpática y eficiente, podríamos decir. Channing Tatum hace bastante bien lo de no mostrar emociones, algo que pide su personaje, ya que no es un tipo especialmente expresivo. Entre los secundarios, destaca un Eddie Redmayne que brilla por momentos, separándose de lo que es su personaje, alguien totalmente predecible y unidimensional. Eso de quedarse en el monoplano también puede aplicarse a los personajes de Douglas Booth y Tuppence Middleton, algo que limita mucho al primero y de lo que la segunda sale bastante airosa. Sean Bean cierra el reparto con un gran trabajo.

Resumiendo: El destino de Júpiter es una película bastante floja, pero sirve con creces a modo de entretenimiento. Tiene la acción necesaria para divertir y pese a esa familia de personalidad absurda, pese al pobre desarrollo de los personajes y pese a que resulta ser una macedonia de ideas sacadas de clásicos demasiado recientes, logra hacerte pasar el rato.

La profecía, esos son los apellidos de la última película de la saga Wishmaster, una tetralogía de muy baja calidad nacida tarde, cuando el género del slasher sobrenatural ya agonizaba.

Chris Angel dirige la cuarta entrega de la saga y lo hace como si estuviese rodando una TV movie con melodrama incluido. Por una parte, hay que reconocer que el villano tiene, por fin, bastante carisma, adquiriéndolo gracias a unos matices que no encontraba en las anteriores películas. Por otra parte, no hay nada que resaltar más allá de eso, empezando por esa barbaridad que es traer a un cazador y hacer que la raza djinn se exponga de una manera innecesaria. Los efectos especiales, ya en 2002, siguen siendo flojuchos, culpa del ínfimo presupuesto pero mostrados de forma innecesaria por Chris Angel, que repite los errores de la anterior película, sobre todo si hablamos de esa incapacidad atroz para mantener cierto ritmo y hacerlo con un mínimo de sensatez.

Michael Trucco es la cara bonita elegida para la forma humana del Djinn en esta ocasión y el chico no se desenvuelve mal del todo. John Novak vuelve a cargar con el peso (mucho peso) de la caracterización y ofrece más bien poco, aunque de nuevo está muy limitado por todo lo que lleva encima. Tara Spencer-Nairn es la protagonista de la película y la que más tufo desprende a película de la tele de un domingo por la tarde, siendo incapaz de mostrar absolutamente nada salvo su cuerpo. Jason Thompson cierra el reparto principal encarnando a un personaje bohemio con graves problemas de autoestima debido a un accidente y, con tanto donde hurgar, se queda en la superficie.

Resumiendo: Wishmaster es una de las sagas de peor calidad de su género. La idea principal tiene su miga, pero todos parecen empeñados en convertir a un personaje con tanto potencial como el Djinn en un tipo demasiado evidente, con menos cerebro que un ratón de ordenador. Es una verdadera pena.

La piedra del diablo es la tercera entrega de la saga Wishmaster, primera bajo la bandera de producción canadiense y primera de la saga, también, sin Andrew Divoff.

Chris Angel dirige este producto de serie B que tendría poco valor visual incluso si hubiese llegado a los cines 20 años antes. Este tipo de películas dependen mucho de la inventiva de sus directores para rellenar en imágenes lo que el presupuesto no permite, pero el señor Angel no está especialmente capacitado para hacer algo así. El relato es monótono, tarda en arrancar y cuando lo hace, es a trompicones; los efectos especiales son de tan poca calidad que sobre Chris Angel recae una responsabilidad (no cumplida) de encontrar alternativas a lo que viene siendo caspa pura; la historia deambula entre tópicos facilones; los personajes no tienen motivación ninguna... etcétera, etcétera. Un larguísimo rastro de errores que pesa demasiado y que hace que los aproximadamente 90 minutos de la cinta se conviertan en una tortura lenta y mal ejecutada.

A.J. Cook es la protagonista en esta ocasión y, aunque tiene algún momento salvable, por lo general no llega al mínimo exigible para producciones de eset tipo (y eso que son las menos exigentes). Jason Connery se convierte en el nuevo malo malote, pero eso de ser un demonio tan, tan malo, ridiculiza a su personaje hasta el punto de no dejar ver demasiado qué es lo que está aportando el actor. El Djinn físico, como tal, está encarnado por John Novak, que no es que se luzca demadiado bajo la tonelada de maquillaje, plástico y gomaespuma. Tobias Mehler, en su papel doble (es un decir) es más rancio que una bolsa de Doritos abierta 3 semanas atrás.

Resumiendo: Wishmaster 3 es tan mala como Wishmaster 2, pero diferente. Recorre otro camino para llegar, sin duda, al mismo páramo: el de la mediocridad como discurso, obra y exposición.