El mal nunca muere es el apellido de la segunda entrega de la saga Wishmaster. No son pocos los que consideran Wishmaster como una duología y que cierran la saga con esta película, ya que la tercera cambia incluso al actor que encarna al hombre de los deseos.

Jack Sholder dirige en esta ocasión y, como ya hizo Robert Kurtzmane en la primera, dedica su primer error a montar un batiburrillo de escenas sacadas de algunos clásicos de terror de la década de los 80 que encajan poco con un 1999, año de la película, en el que podíamos encontrar un salto visual tan importante como el que supuso la primera Matrix. Sholder, además, comete el mismo error que tuvo cuando dirigió la segunda entrega de Pesadilla en Elm Street, que no es otro que el de caricaturizar a su villano llevándolo hasta la parodia de sí mismo. La personalidad del Djinn es pura coña y se alimenta de que se encuentra con tipos a los que llamar "poco inteligentes" sería una salvajada, puesto que tienen lo suficiente para respirar, pero si tuviesen que compaginarlo con otra actividad complicada como, por ejemplo, caminar, morirían de un infarto cerebral. Todos los personajes son folios en blanco sin nada que aportar más allá de ir allanando el camino al "hombre de los deseos" y los diálogos se convierten en una tontería de niveles catastróficos que hace que Belén Esteban parezca Albert Einstein. Si nos centramos en la dirección, lo que vemos es una sucesión de planos que están ahí más por azar que por intención de mostrar algo y Sholder nos ofrece, además, un desarrollo que se basa en la reiteración hasta llegar al desenlace, donde da por bueno lo hecho por su predecesora y repite fórmula de forma descarada.

Andrew Divoff disfruta mucho de su papel de Djinn y en esta ocasión se pasa de rosca. Si su personaje ya es una caricatura de lo que fue en la primera (que tampoco es que fuese muy rico), Divoff lo lleva más al extremo, si cabe, y lo convierte en un villano ridículo. Holly Fields interpreta a la chica "buena" en esta ocasión y no me atrevo a valorar si lo hace bien o mal, puesto que apenas tiene que hacer algo mientras espera a que llegue el final de la película, aunque sí que puedo decir que cuando se le exige cierta expresividad podría dársele un aprobado que, sin embargo, no pasaría del suficiente. Chris Weber está ahí cumpliendo más o menos, sin esmerarse tampoco demasiado.

Resumiendo: Wishmaster 2 es incluso más mala que Wishmaster. Es mala con ganas. Se dedica a que sus "más" se centren en lo que hace menos, resultando que sumar un elemento positivo a uno negativo, resulta que el negativo aumente. Menos, mas más, es un menos mayor. Y así, con esa tontería ininteligible, me despido de la crítica de este bodrio que me he comido. Istmo.

Vaya resaca es una comedia con aire de road movie en la que una guapa periodista se encuentra, tras marcharse de un bar con un apuesto joven, en una cantidad incontable de situaciones increíbles que acaban de la forma más imposible.

Steven Brill dirige como el culo Vaya resaca. El guion, que es suyo, es otro atentado. El punto de partida nos hace creer que podemos ver una comedia interesante y alocada, pero en lugar de eso entramos en un remolino de repeticiones con idéntico desarrollo y mismo final que acaban por convertir a la película en un safari con monos de escayola. Y cuando digo "acaban", me refiero a cuando todavía no hemos alcanzado el ecuador del metraje. La historia baila con golpes forzados, los personajes aparecen como puntos de paso a los que no se saca ningún jugo y, cuando llegamos al final, a Brill se la suda haber intentado hacer una comedia gamberra, porque el happy ending le parece necesario. Otra cosa a destacar (para mal, obviamente) de Brill es su inexplicable incapacidad para dar fluidez a las escenas, partiendo de unos planos a los que no se les encuentra sentido y finalizando en una idea de montaje bastante discutible.

Elizabeth Banks es la leche. Ella sola, porque está sola durante toda la película, consigue que la cosa casi se sostenga a pesar de que las líneas de diálogo son armas de destrucción masiva. En el humor visual, Banks es de las mejores hoy en día, puede que la mejor. James Marsden aporta su granito de arena con un trabajo bastante natural. Gillian Jacobs y Sarah Wright están mucho mejor que sus personajes, lo que podría aplicarse también a Ethan Suplee y Bill Burr. Ken Davitian, Lawrence Gilliard Jr y P.J. Byrne destacan entre los actores de reparto.

Resumiendo: Vaya resaca es una castaña bastante potente. Con un reparto a tan buen nivel, cualquier director con buenas maneras, sentido común o solamente dos dedos de frente podría haber montado un producto como mínimo entretenido. Pero ese, según parece, no es Steven Brill.

Wishmaster es una película sobre la leyenda del Djinn, un genio malvado que concede cualquier deseo a cambio de putearte un poco y, ya de paso, adueñarse de tu alma para toda la eternidad. Una película rutinaria de terror más propia de los años 80 que de finales de los 90.

Robert Kurtzman, un hombre con una carrera corta tanto antes como después de Wishmaster, dirige la película. Todo es bastante casposo tras las cámaras, empezando por unas líneas de diálogo que dan risa floja y acabando por una resolución que hace que Dora la exploradora sea digna merecedora del Nobel de física, pero lo más chungo de todo es la dirección de Kurtzman, que lo mismo te casca un primer plano que te desenfoca el plano así porque sí. Algo que también hace Kurtzman es sacar todas las situaciones de las malas secuelas del cine de terror y slasher desde principios de la década anterior y juntarlos y batirlos todos esperando que el resultado tenga regustillo a otra cosa que no sea refrito batido. No es necesario decir, supongo, que no lo consigue. Lo más destacable, como en muchas producciones en las que tiene algo que ver, es la aportación de Greg Nicotero, ese artista monstruoso del gore que consigue que incluso en una producción rancia como es la de Wishmaster se pueda respirar aire puro y de calidad por momentos.

Tammy Lauren protagoniza la película poniendo mucho ímpetu en que se noten sus emociones. Mucho ímpetu. Mucho. Muchísimo ímpetu. Le pone mogollón de ímpetu la chica. El suficiente ímpetu como para que a los 20 segundos estés agotado de intentar que te caiga bien. Robert Englund pone una de las notas de calidad en el reparto, si bien su personaje aparece y desaparece de una forma tan tonta que no se llega a apreciar nada. Andrew Divoff se enfunda la bien trabajada apariencia del Djinn y dobla sus esfuerzos para mostrarse con apariencia humana intentando y consiguiendo que se noten los matices. Jenny O'Hara aporta un poco más de carisma al reparto con calidad.

Resumiendo: Wishmaster es floja. Era vieja ya cuando nació, olía a señor mayor y seguramente prefería el dominó a los videojuegos. Con algunos toques acertados de humor y un gore fantástico, la película se mueve entre momentos pasables y otros de difícil digestión.

Stan Helsing es una spoof movie canadiense que engloba los slashers más populares del cine. Esa premisa es la que intenta vender junto al clásico equipo formado por el protagonista, el afroamericano y las chicas guapas. En esta ocasión faltan el tipo cachas y el fumeta empedernido.

Bo Zenga profana este arte llamado cine con Stan Helsing. Suyo es el guion y suya la dirección. Mucho enchufe con algún que otro ejecutivo, eso seguro, porque no hay manera de entender que alguien compre un guion cuyos gags están tan requemados y son tan infantiles que resultan incapaces, a todas luces, de arrancar alguna media sonrisa en ningún espectador. Ni en el público de 10 años, supongo. Es una mierda como un piano. A veces las cosas son así y no hay más. El guion no tiene nada, pero absolutamente nada, más allá del tema Stan-Van Helsing. Los gags son de risa y están rodados con una ineptitud que da ganas de matar a más de uno. Si el guion de Zenga es una mierda, su dirección pasa a otro nivel, montándose el hombre su pájara mental en pantalla con cambios de plano sin pies ni cabeza, con una incapacidad enorme para dar vida a los gags y, dicho sea, con la difícil tarea de rodar sin apenas micros, reproduciendo en postproducción algún que otro ruído irritante que no se acerca a la realidad ni interpretándose como parodia. El maquillaje de los "monstruos", la relación entre los personajes, los diálogos... Joder, ¡es que no se salva nada!

Miento. Diora Baird se salva. Y se salva porque va de india, o de nativa americana, para ser más correcto. Su interpretación es un mojón, pero mirarla alegra la vista. Y Desi Lydic tampoco está mal, así para alegrar la vista y convertir la película en algo que, con esfuerzo, podría consumir algún hombre pero nunca, jamás, una mujer. Porque ni Steve Howey, que protagoniza Stan Helsing, ni el cómico Kenan Thompson, que secunda la moción, resultan demasiado atractivos para la vista. Y si hablamos de lo que ofrecen en pantalla, los improperios afloran en torrente. Leslie Nielsen, que cayó muy bajo en sus últimos años, siendo requerido para papeles ridículos en cada una de las Spoof movie que se rodaban a lo largo y ancho del planeta, está gracioso pero no tiene mucho que ofrecer debido a que está bañado en mierda por los cuatro costados.

Resumiendo: Stan Helsing es una mala Spoof movie. Parece redundante, porque las películas de parodias se han convertido en el culo del cine cómico desde hace ya algún tiempo, pero sigue habiendo alguna salvable, sobre todo en los inicios del género (tal y como lo entendemos hoy en día) y en otras, aunque pocos, hay algunos gags salvables. En Stan Helsing no hay nada. Nada. Absolutamente nada.

El misterio de Salem's Lot adapta la segunda novela de Stephen King. Otra vez. Remake de la popular miniserie de los 70.

Mikael Salomon dirige este remake y lo hace de manera muy, muy, muy de sábado por la tarde. Sin calentarse la cabeza, sin buscar algo nuevo y sin pensar en ningún momento que en pantalla no basta con tener una historia que contar. El guion de Peter Filardi sigue en un 90% igual al de la primera película, aunque el 10% restante, el que sí cambia, contiene puntos bastante relevantes para la historia, si bien no tanto para la película. Cuál de los dos es más fiel al relato de Stephen King es algo que no sé, puesto que es un escritor que a mí, personalmente, no me seduce nada en absoluto. Más bien al revés. Volviendo a la película, hay poco que decir: metraje desmesurado, desarrollo irregular, interés inexistente, misterio de evidente respuesta, personajes sin alma, picados y contrapicados sin sentido, fotografía espantosa, tono descuidado y situaciones forzadas. Nada de este remake merece mucho halago, sinceramente.

En el reparto encontramos alguna que otra cara conocida. Rob Lowe protagoniza la película sin intensidad y sin aportar mucho a su personaje, ya de por sí bastante vacío y rellenado solamente a base de flashbacks continuos. Donald Sutherland pone el punto carismático, aunque su labor está muy, muy lejos de ser una de aquellas a las que debe su fama. James Cromwell, otra de las caras más reconocibles para el gran público, es de lejos el mejor del reparto con una eficiencia absoluta y un control de los (escasos) sentimientos de su personaje que superan con creces al de sus compañeros. Andre Braugher está más que correcto manteniendo su papel, sin alardes pero sin deficiencias graves. Stevie Bidler se muestra irregular, con un buen comienzo y una evolución bastante negativa. El joven Dan Byrd y la peculiar Samantha Mathis, con dos papeles relevantes, aguantan el tipo aunque no sobresalen. El reparto lo cierra ese maravilloso genio llamado Rutger Hauer con una interpretación tan sólida como poco vistosa debido a los caprichos circenses del director Mikael Salomon.

Resumiendo: El misterio de Salem's lot, en esta versión Siglo XXI con internet y móviles, sigue siendo un muermo. No inquieta lo más mínimo y resulta olvidable con tantísima facilidad que uno solamente puede preguntarse si son tres horas invertidas en aprender lo que no se debe hacer o, directamente, son tres horas perdidas.

Purgatorio es una película más alojada en el hall de los principiantes, un salón recibidor habitado, en su mayoría, por películas de terror de escaso presupuesto. Las hay que hacen del defecto virtud y hay otras, como la que nos ocupa, que simplemente están ahí, pasando desapercibidas.

Pau Teixidor debuta en el largometraje con una labor muy, muy pobre. No me atrevería a decir que es mala, pero sí que no tiene sustancia, estilo, firma ni nada que haga que te fijes en ella. Para bien, al menos. Es tremendamente predecible en su intento de sobresaltar, insultantemente repetitiva en su corto desarrollo y desmesuradamente igual a cualquier otra cosa que se haya visto con anterioridad. Todo nace de un guion, obra de Luis Moreno, que hace del "porque yo lo valgo" su eslogan y que te empuja tanto a creer en algo que no crees que resulta incómodo y molesto tras pocos minutos de compañía. Ante eso, Teixidor, lejos de intentar ocultar carencias y tratar de exprimir virtudes como, por ejemplo, la nada desdeñable intriga colocada sobre un tapiz de sexualidad adolescente que desaparece sin dejar rastro, lo que hace es ponerte sus dos manos en la espalda también para que avances hacia un lugar al que, en realidad, no quieres ir. El forzadísimo desenlace, que llega acompañado de un casi ridículo momento happy, es un auténtico insulto. Hay muchas cosas mal en Purgatorio, pero ninguna es nueva; hasta en eso es una película sin alma.

Oona Chaplin barre de un plumazo la esperanza de ver su apellido perpetuado en el cine en forma de talento. Nada. Nada de nada. Ni intensidad, ni expresividad, ni cercanía. Nada. Es un robot automatizado puesto ahí para vagar por la película. El joven Sergi Méndez aporta un poquito más, pero está lejos de ser el niño enfermizo e inquietante que vemos en alguna película de estas características. Andrés Gertrudix desaparece pronto de la película, por suerte y Ana Fernández apenas tiene tiempo para dejarse ver.

Resumiendo: Purgatorio es una más. Otra de las que se olvida cuando aparecen los títulos de crédito. Aburre, cansa y llega a caer mal pero todo desde el estereotipo y nunca, en ningún momento, por declararse odiosa entregando sus propios argumentos. Este cine sobra.

El misterio de Salem's Lot es la segunda novela de ese escritor inflado por la prensa y el público y con el pelo raro llamado Stephen King. Titulada originalmente en la mente del escritor como Second Coming, al final llevó el título de El misterio de Jerusalem's Lot, quedando acortada a la postre para no quedar tan religiosa.

Tobe Hooper era una elección bastante buena a priori en aquella época. Cinco años antes, había deslumbrado con La matanza de Texas y todo parecía indicar que era el elegido para hacer algo gordo con esta miniserie. Al final, resultó que no. La cuestión parte de una base sencilla: no hay miedo en El misterio de Salem's Lot. Y no es que no se intente, qué va, simplemente es que no se consigue. Hay unos cuantos intentos puntuales de sustos instantáneos y se intenta crear una atmósfera cargada de inquietud, pero todo resulta excesivamente cómico como para ser tomado en serio. Si bien es cierto que El misterio de Salem's Lot se ha visto maltratada a un nivel bárbaro por el paso del tiempo, también lo es que, más allá de sus precarios medios para lo visual y su escaso talento para lo sonoro, el trabajo de Hooper deja muchísimo que desear en cuanto a ambientación, dejando que en las escenas relativamente irrelevantes salga a relucir su aire de director de slasher adolescente y, en los momentos cumbre, lo que brille sea una enorme incapacidad para sobresaltar. El hecho de que los personajes resulten aburridos tampoco ayuda a que nos preocupemos por los acontecimientos. El desarrollo, dejando solamente la columna vertebral, es bastante correcto hasta que llega el clímax, momento en el que todas y cada una de las historias de Stephen King (salvo tal vez Cadena perpetua) se convierten en un chiste malo.

David Soul (el rubio de Starsky & Hutch) protagoniza la película haciendo el clásico trabajo para televisión, sobreactuado, tenso y poco natural. Tras él, un sinfín de secundarios se van dando cita, unos con una labor aceptable (un joven Lance Kerwin, el gran Lew Ayres o la afinada Bonnie Bedelia) y otros con un desempeño bastante regulero (el robótico Ed Flanders, un acartonado James Mason o la nada acertada pareja formada por George Dzundza y Julie Cobb).

Resumiendo: El misterio de Salem's Lot son 3 horas de película sin mucho que contar más allá del planteamiento que, como siempre, le vino a su creados Stephen King así de repente a la cabeza. Como en la gran mayoría de sus relatos, tras una idea interesante, no hay más que paja. Y ni un director con la capacidad de Tobe Hooper, con lo que había sido solamente cinco años atrás, puede arreglar eso.

Terminator Génesis es la quinta entrega de la saga de los organismos cibernéticos creados por Skyney. O la tercera, según James Cameron, padre de la criatura junto a la inteligencia artificial. La película da la razón a papá.

Alan Taylor dirige y cumple. La acción está bien rodada y el desarrollo es bastante limpio, si bien es cierto que encuentra algunos baches a mitad de la película cuando salta de un lado a otro. Hay que reconocerle a Taylor un gran mérito al ofrecer un espectáculo visual sublime que no se conforma con serlo y busca conectar con el espectador tanto a través de los personajes como de las situaciones. De ahí nace un villano con gran carisma y un poder que se adapta, superando exponencialmente, al de unos protagonistas que tienen más recursos que nunca. El guion de Laeta Kalogridis y Patrick Lussier nos presenta una historia en la que la referencia a las dos primeras películas tiene un gran peso: de la primera, por tiempo; de la segunda, por paralelismos. Tal vez en ese sentido, en el de la historia y su desarrollo en forma de guion, queda la curiosidad de saber cómo habría sido una road movie a caballo entre las dos primeras películas, pero el nuevo giro que se le da a la historia con una nueva e importante alteración temporal resulta, a la postre, más atractiva de lo que por planteamiento parece ser.

Emilia Clarke es una Sarah Connor floja. Cierto es que el peso de Linda Hamilton en ese papel es grande y la sombra es tan alargada que siempre obligará a aparecer a las comparaciones, pero Clarke parece demasiado débil, como carente de esa furia que se le presupone y se le describe a una Sarah Connor convertida en leyenda en el universo de Terminator por algún motivo. Jai Courtney secunda la película con una labor un tanto alejada del carisma sencillo que, según creo (y tal vez vuelvo a comparar), debería tener Kyle Reese, pero a pesar de eso, cumple. Jason Clarke se convierte en un personaje "nuevo" pasando por varias fases y, al final, debe decirse que su desempeño es más que notable, ayudado por un personaje de indudable carisma que mejora con el cambio. Arnold Schwarzenegger, en versión joven, maduro y viejo (pero no obsoleto), hace una gran labor y consigue poner en pantalla esa ligera humanidad que anida, creciente, en el terminator más famoso. J.K. Simmons cierra el reparto principal como siempre: brillando.

Resumiendo: Terminator Génesis es una notable secuela de las dos primeras películas. Con la película de Alan Taylor se abren, como dice el epílogo, multitud de caminos con un futuro que no es seguro. Una nueva saga puede haber nacido con un potente inicio en forma de reboot camuflado, con cierto aire a spin-off y con el convencimiento de que la semilla de esta gran saga puede germinar también hoy en día.

Jurassic World es el intento por llevar el nombre de Jurassic Park hasta nuestros tiempos. Una superproducción con todas las de la ley que intenta crear su propia versión en este siglo para ganarse a las generaciones más jóvenes y ganar de paso unos cuantos dineritos seduciendo a los nostálgicos.

Colin Trevorrow dirige, o eso se supone. Cuesta creer que Steven Spielberg dé demasiadas libertadas a alguien cuya misión es relanzar y hacer renacer una de sus obras cumbre. Trevorrow no lo hace todo mal, pero sí que deja poco espacio para el acierto. Si empezamos por lo que le viene del guion (que él mismo supervisa), nos encontramos ya con varios fallos de base en cuanto al concepto, llegando a tal punto la cosa que, sin ser muy avispados, vemos que el esqueleto de la película es el mismo que el de Jurassic Park y casi todas las variaciones introducidas rodean peligrosamente el barranco de lo ridículo. La estupidez de Jurassic World empieza a manifestarse cuando nos presentan a los personajes y vemos, con asombro, que la película se va a convertir en una carrera de fondo por el cetro de la estupidez humana. A partir de que no hay nadie en la pantalla que interese, podríamos esperar un desarrollo fluido y con sentido común, pero en lugar de eso, lo que encontramos es la domesticación de algunos bichos, la creación de un súper villano en forma de megadinosaurio hiperinteligente (a ratos) y un desarrollo en el que Trevorrow se conforma con atontar al espectador a base de una sucesión de imágenes que, eso sí, son una verdadera pasada. Pero ya está, el CGI es la leche y no hay más. Incluso los toques de humor son flojos.

Chris Pratt, con su gran trabajo, encabeza un reparto acertado en general que rinde muy por encima de las posibilidades que ofrecen sus papeles. Bryce Dallas Howard también obtiene una nota alta y hace creíble la soberana estupidez que atesora, a veces a propósito y otras por accidente, su personaje. El pequeño Ty Simpkins sigue con su fulgurante carrera de niño prodigio del cine con una sencillez admirable y una inteligencia más que notable. Con Nick Robinson encontramos el primer pegote en el reparto, resultando alarmantes sus movimientos robóticos, atenazados y excesivamente firmes, casi acartonados. Vincent D'Onofrio e Irrfan Khan completan el reparto de manera muy acertada.

Resumiendo: Jurassic World es una cáscara vacía. Muy bonita, sí, pero vacía. No tiene cuerpo, no tiene alma y no tiene sentido común. Guarda las formas por su dinamismo y el gran trabajo de CGI que hay tras ella, pero el resultado es tan pobre que, por desgracia, pide a gritos no ser continuado. Tanto tiempo esperando a volver a ver a los dinosaurios con la tecnología actual y aquí los tenemos, pero vienen de probetas y son incapaces de cobrar vida más allá de los movimientos. Gruñen, pero no asustan.

La maldición de Rookford es una película de terror psicológico con fantasmas, recuerdos perdidos, personajes ambiguos y la suficiente cautela como para guardar sus propios secretos.

Nick Murphy dirige La maldición de Murphy y la escribe junto a Stephen Volk. Lo primero que hay que destacar en La maldición de Rookford a nivel técnico es su impecable fotografía, obra del catalán Eduard Grau. Toda la magia positiva de la película nace del arte de Grau. A partir de ahí, Nick Murphy dibuja con esmero algunas escenas y nos ofrece una parte central de la película bastante interesante y, sobre todo, con mucho estilo. No hay terror directo y en lugar de eso se busca más una sensación de inquietud y confusión que, en principio, resulta ser la opción correcta. Sin embargo, el espectador no tarda en darse cuenta de que se la están intentando colar a un nivel extremo y es ahí cuando Nick Murphy tira de trampas sin parar, bombardeándonos con mentiras y con paredes falsas que ocultan el verdadero sentido de la historia. El final que escriben Murphy y Volk es, directamente, una vergüenza, un insulto al espectador, sacando de la nada una historia que entra en la película como un elefante en una cacharrería al más puro estilo de las novelas detectivescas malas en las que todo valía porque tenían que tener un final. El intensivo cuidado que pone Murphy para seguir a su protagonista a través de los rincones de su persona y de ese lugar llamado Rookford choca de bruces con la pared de hormigón que separa el sentido común de la tontería más absoluta, una pared levantada ladrillo a ladrillo y mano a mano con su socio Volk.

Rebecca Hall hace un sensacional trabajo que hace creíble, incluso, esa patraña en la que deriva su personaje (y por consiguiente la película) en el tramo final. Ella parece saber tan poco de lo que oculta como nosotros mismos y eso es algo que hay que agradecer. Dominic West se muestra serio a pesar de que su personaje tiene algunas líneas de diálogo espantosas y su comportamiento roza constantemente la enajenación. Imelda Staunton es una actriz como la copa de un pino a la que los papeles con sentimientos potentes como bandera, sean cuales sean dichos sentimientos, le van como anillo al dedo y, en La maldición de Rookford, vuelve a demostrarlo. Isaac Hempstead-Wright se muestra muy inteligente con su trabajo, sobre todo teniendo en cuenta su corta edad.

Resumiendo: La maldición de Rookford es una película técnicamente muy notable que encuentra la muerte a manos de un guion tramposo y de la incapacidad de su director para darle un enfoque menos evidente. Con un reparto a un nivel altísimo, podría haberse convertido en una pequeña joya y, sin embargo, pasa de cabeza al cuarto oculto de las películas de las que nos olvidamos incluso cuando volvemos a vivir en ellas.

La saga Insidious avanza y, con esta película, alcanza el nombre de (momentánea) trilogía. Este tercer capítulo nos lleva unos años hacia atrás y nos cuenta un poco el origen de algunos de los personajes de la saga, alternando con su propia historia de parásitos del más allá.

Leigh Whannell toma el relevo de su amigo y socio James Wan y debuta en la dirección con un trabajo que, pese a estar lejos de lo que hizo su amigo Wan cuando empezó, no deja de ser interesante. Uno puede imaginarse a Wan y Whannell viendo horas y horas de película de terror cuando eran jóvenes, debatiendo sobre si esto o aquello estarían mejor así o asá. Ahora, con Wan ya consolidadísimo (y tocando varios palos), es Whannell quien demuestra su buen gusto y su capacidad para perfilar escenar con calidad, si bien es cierto que con el tema de los planos se le nota un poco verde y excesivamente ansioso por conseguir el susto perfecto. El propio Whannell escribe el guion, esta vez en solitario y hace bien en seguir con la fórmula original, pero se atasca ligeramente a la hora de hacer que la cosa evolucione y todo queda un poco repetitivo y suena a ya visto en esta misma franquicia. Incluso la historia, más allá de los acontecimientos, recuerda en exceso a algún que otro clásico del género. La iluminación sigue estando muy lograda, como en las anteriores entregas.

Stephanie Scott protagoniza la película yendo de más a menos casi a la misma velocidad a la que su papel se va viendo reducido a un estereotipo de manual. Dermot Mulroney apenas aporta nada que no salga de la boca de su personaje, quedándose muy corto en sus prestaciones. Leigh Whannell y Angus Sampson siguen formando una pareja con gran carisma. Lin Shaye, que es el principal nexo de unión entre esta película y sus dos predecesoras (aunque posteriores en sentido cronológico) hace un trabajo bárbaro, como siempre.

Resumiendo: Insidious: Capítulo 3 es una película de terror que da el pego y que no es peor que Insidious: Capítulo 2. Supone la carta de presentación como director de Leigh Whannell y la esperanza de que el relevo (prematuro) de James Wan en el género sigue teniendo buena pinta.

Los Minions es una de las películas más esperadas de 2015 tanto por los niños como por los no tan niños. Un spin-off a modo de precuela de unos de los personajes más divertidos que ha dado el cine en muchos años.

Pierre Coffin, quien ya dirigiera (junto a Chris Renaud) las dos películas de Gru, está acompañado en esta ocasión por Kyle Balda (que trabajó también con Renaud en Lorax), director de algunos cortometrajes que tenían a los minions como protagonistas. El guion corre a cargo de Brian Lynch y nos presenta a estos curiosos personajes desde sus inicios, pasando por multitud de populares villanos en la que es una de las mejores (y más largas) intros del cine en estos últimos tiempos. Coffin y Balda manejan de lujo la historia y hacen del humor de golpe y porrazo su bandera, manteniendo la esencia de los minions y haciendo que cada slapstick funcione igual o mejor que el anterior. Obviamente, no es lo mismo dejar una buena cantidad de gags durante una película con una historia propia, como pasa en las dos entregas que llevamos de Gru, que hacer el esfuerzo de convertir el gag en historia, que es lo que hay que hacer sí o sí en Los Minions, pero hay que decir que el ritmo se mantiene sólido y estable durante la hora y media que dura la película. Los chistes funcionan, los secundarios tienen gancho, los guiños a la sociedad están bien colocados y los minions explotan bien cada una de sus virtudes. Coffin y Balda completan con éxito una tarea nada sencilla.

Resumiendo: Los Minions no defrauda y se convierte en un clásico instantáneo. Puede estar ligeramente por debajo de las dos películas de Gru, si entramos en comparaciones, pero es innegable que el encanto y la magia de estos pequeños seres amarillos burlones amantes de las bananas sí que da, por si alguien lo dudaba, para que tengan su propia película.

El ángel de la muerte. Ese es el apellido de la decepcionante secuela de aquella grandísima sorpresa que resultó ser La mujer de negro. Más o menos lo mismo en esta segunda entrega pero peor confeccionado.

Tom Harper toma el relevo en la dirección con poco éxito. Harper abusa de lo que la primera película intentaba evitar: convencionalismos. El susto de retaguardia, la preparación para el sobresalto que no llega o el excesivo empujón que siente el espectador para que atienda a lo que sucede resultan elementos demasiado cargantes en una película que, lejos de aterrar, llega a aburrir por momentos. Tiene sus dos o tres situaciones en las que aprietas el culo, claro que sí, pero no más que en una película de terror comercial con buenas maneras. La esencia de la primera película, esa sobriedad, ese gusto por la mente del protagonista y esa calma nerviosa constante desembocan en excesos, indiferencia por la nueva cara visible de la película y un ligero aburrimiento por la irregularidad del desarrollo. Cambia también el director de fotografía (de Tim Maurice-Jones a George Steel) y también en ese apartado encontramos notables carencias si dejamos de lado que estamos viendo más una imitación que un trabajo espontáneo. Por otra parte, hay que destacar lo oscura que es la película; oscura de negra, oscura de que cuesta ver qué es lo que está pasando. A mí, que me fascinan las atmósferas sombrías, me resulta excesivo, casi dañino para la vista ese intento de crear la sensación de que cuando más oscuro está todo, más siniestro resulta. En mi opinión, es un arma barata que hay que saber utilizar para no cagarla. Y, en El ángel de la muerte, se pasan siete pueblos.

Phoebe Fox protagoniza la película con una interpretación muy notable que, sin embargo, choca con el escaso movimiento de su personaje, anclado en un par de ideas básicas. El guapo y joven escritor y actor inglés Jeremy Irvine y la curtida Helen McCrory están a un nivel excelente encabezando el apartado de secundarios, un apartado que completa el joven Oaklee Pendergast, cuyas prestaciones resultan ser una auténtica pasada.

Resumiendo: El ángel de la muerte es una floja continuación con aires de spin-off involuntario de esa maravilla que es La mujer de negro. La primera película es una obra maestra del cine de terror moderno y su continuación resulta ser, para pesar de muchos entre los que me incluyo, una secuela de tres al cuarto con más nombre que fundamento.

Fast & Furious 7 es la última entrega (hasta el momento) de una de las sagas más longevas y con más capacidad de evolución que ha conocido la industria del cine. Gozó de una involuntaria publicidad al producirse el fallecimiento del actor Paul Walker durante el periodo de rodaje.

James Wan dirige de nuevo y lo hace para llevar a la saga Fast & Furious a un nuevo nivel. Si en anteriores entregas vimos tintes de Ocean's Eleven o de Los mercenarios, aquí la cosa se pone ya en plan Misión Imposible. Tengo que decir que, si no ando corto de memoria, esta es la película en la que James Wan comete más errores en la dirección. Si bien es cierto que algunos vienen condicionados por la tragedia sucedida a Paul Walker y cuentan más como parches necesarios que como errores propiamente dichos, también hay que reconocer (incluso los que somos muy fans de Wan) que aquí se pasa siete pueblos y tiene varios ataques de director del todo innecesarios, sobre todo con movimientos de cámara en las escenas de acción (que son muchas) totalmente innecesarios, más mareantes que resultones y bajo ningún concepto hábiles. El guion de Chris Morgan, readaptado tras la pérdida de uno de sus protagonistas, se sobrepone bien a ese triste hecho y aprovecha la oscura casualidad que lleva a la película por unos derroteros en los que ese cambio necesario encaja sin fisuras. Sin embargo, a Morgan se le va la olla al convertir esto en una lucha contra un antagonista poco carismático y casi cercano a lo sobrenatural. Hay que destacar y mucho el gran trabajo de CGI a la hora de "reconstruir" el rostro de Paul Walker sobre sus hermanos Cody y Caleb. Una verdadera pasada. El final para el personaje interpretado por Walker es verdaderamente satisfactorio.

Vin Diesel cobra más protagonismo que nunca por razones obvias y su trabajo es verdaderamente bueno. Paul Walker rinde bien en sus escenas y el CGI hace de lujo su labor secundado por la buena aportación de Cody y Caleb Walker. Dwayne Johnson rinde también de maravilla y muestra que cada vez es un mejor actor en esto del mundo del cine de acción y que ya no debe estar limitado a dar mamporros pese a que los da como pocos. Jason Statham está realmente bien, rindiendo muy por encima de lo que ofrece su personaje, que se muestra totalmente vacío. Tyrese Gibson y Ludacris están perfectos en sus personajes secundarios (que aquí ya casi se funden), Elsa Pataky da la talla en su reducido espacio, Jordana Brewster aprueba con nota y Michelle Rodríguez hace la mejor interpretación que le he visto en mi vida. ¿Tan difícil era no sacar la barbilla y no entrecerrar los ojos a lo Ben Affleck? De los nuevos, destaca el siempre carismático Kurt Russell y la nueva adquisición, Nathalie Emmanuel, que está muy notable.

Resumiendo: Fast & Furious 7 sacrifica la calidad en favor del entretenimiento y lleva la evolución de la saga a un terreno peligroso en el que el punto de no retorno se asoma de forma amenazante. A este paso, el "Toretto's Team" nos acabará salvando de una invasión alienígena, luchando contra vampiros o combatiendo a golpe de volante en Irak.

D.E.P. Paul Walker

The Collection es la secuela de The Collector, una interesante propuesta gore hecha con imaginación que, en su continuación, no encuentra ese delgado hilo de brillantez que encumbró a la primera película.

Marcus Dunstan repite como director y se repite como el ajo. El guion, también de Dunstan junto a Patrick Melton, nos lleva en esta ocasión hasta la guarida del lobo para, ahí dentro, dar rienda suelta a un festival gore en el que nada tiene sentido salvo la autocomplacencia de su director y su involuntaria habilidad para, lejos de desarrollar la historia de la primera película, reducirla a su mínima expresión. Aquí, lejos del juego que Dunstan nos ofrece sin mucha habilidad, no hay absolutamente nada destacable. La sangre fluye a ríos y la locura se incrementa, pero por el camino perece el alma de esa primera película agónica en la que nos faltaba sitio para escondernos.

Josh Stewart vuelve a protagonizar la película con un trabajo más que correcto con el que se sobrepone a la tremenda involución de su personaje, apretado hasta convertirse en un mero héroe de chichinabo. Emma Fitzpatrick ejerce de copiloto y su labor es bastante buena pese a que lo lineal de su personaje la deja en unas condiciones bastante pobres a la hora de luchar por demostrar algo.

Resumiendo: The Collection es una pobre secuela y un paso atrás monstruoso a la hora de desarrollar un proyecto tan interesante como el que parecía presentarse con The Collector. Aquí tenemos el claro ejemplo de que no siempre más es mejor.

The Collector es una película de esas en las que lo pasas mal, cine de sufrimiento con toques gore, de los que pasan entre cuatro paredes (o casi) bajo la sombra de un asesino que no se casa de perseguir a las víctimas.

Marcus Dunstan debuta en la dirección con una película que hace honor a sus trabajos previos como guionista con el sufrimiento sangriento como premisa. El propio Dunstan se encarga del guion junto a Patrick Melton y entre ambos construyen la columna vertebral de una casa llena de trampas bastante imaginativas en las que el protagonista se ve atrapado. Dunstan filma con audacia las trampas y saca el máximo rendimiento posible a cada una de ellas, quedándose en la línea límite de tiempo en más de una ocasión, lo que demuestra descaro y mucho sentido de la escena. Hay momentos puntuales de tensión límite y, pese a que la película tiende a la repetición, el buen hacer de Dunstan hacen que el ritmo se mueva con soltura, alcanzando picos muy altos y dejando espacio para respirar antes de iniciar una nueva escalada.

Josh Stewart, ese Sean Penn en versión joven, protagoniza la película con mucho acierto y una sorprendente espontaneidad. Juan Fernández, siempre tras la máscara, se pone en la piel de un antagonista que deja huella por su frivolidad y su inventiva y lo hace cumpliendo con lo que se le pide. Michael Reilly Burke y Andrea Roth aprovechan sus escenas (una más calmada y otra más cañera para cada uno) para hacer una buena labor.

Resumiendo: The Collector da vida a un nuevo gran asesino del cine que, de haber nacido en otra época, bien podría haberse convertido en un clásico. En la actualidad, sus originales tretas tienen cierto regusto a refrito y el desarrollo de algunos acontecimientos de los que le acompañan suenan a lluvia sobre mojado, pero es innegable que el macabro sentido de la imaginación de su director Marcus Dunstan es incuestionable.

La cueva es una película española de esas opresivas, asfixiantes, claustrofóbicas y agobiantes rodadas cámara al hombro, una fórmula que se está desangrando a marchas forzadas debido a su efectismo visual y su capacidad para practicarse sin demasiado presupuesto.

Alfredo Montero dirige y escribe el guion junto a Javier Gullón. El guion no tiene mucha chica, digamos que en unas cuatro líneas lo puedes resumir si huyes de los detalles irrelevantes y te centras en cómo evoluciona la desesperación de los personajes y la medida que toman para sobrevivir. Con eso y con la cámara, Montero se monta un cubilete de 2x2 que te ahoga de una manera bárbara y hace que lo pases verdaderamente mal. Los estrechos agujeros de la cueva, el terreno rocoso y afilado, el calor que se palpa en el ambiente y la escasez de luz son elementos que Montero trabaja con brío. Sin embargo, también es cierto que la evolución de los personajes es inexistente más allá de su lógica desesperación, que las relaciones entre ellos no quedan marcadas en ningún momento salvo por frases de muy baja calidad y que llega un punto en el que la asfixia de Montero se vuelve hastío hacia la película por la necesidad no resuelta que tenemos los espectadores de encontrar algo más. Por otra parte, hay que valorar el hecho de que lo único por lo que La cueva funciona es por la cámara al hombro, y si bien eso debe catalogarse como gran acierto en esta ocasión, hay que preguntarse si habría película de no ser por ese recurso. La respuesta es un rotundo "no", lo que nos lleva a darle a los defectos la importancia que realmente tienen, que es mucha.

Marcos Ortiz, Jorge Páez, Xoel Fernández, Marta Castellote y Eva García-Vacas protagonizan la película. Las chicas cuentan con bastante protagonismo y lo resuelven de forma dispar. Marta Castellote no está demasiado atinada y, sin embargo, Eva García-Vacas hace una labor soberbia en los peores momentos de salud de su personaje. Marcos Ortiz (productor también de la película) es el que más cámara chupa, pero no por ello su trabajo gana en intensidad, sino que por momentos se desmorona como un castillo de naipes. Jorge Páez tiene un par de momentos bastante naturales, pero el resumen final de su trabajo es que fuerza demasiado y se sale del tiesto. Xoel Fernández, quien lleva la cámara en la película, aprovecha sus minutitos en cámara sin hacer ni mucho ni poco, ni bueno ni malo.

Resumiendo: La cueva es una atrevida propuesta que funciona muy bien durante una buena parte de su metraje pero que, cuando empieza a flojear, muestra unos defectos que habían estado ahí desde el principio ocultos por un ritmo frenético que al final acaba volviéndose contra la película. Y cuando lo malo se revela y lo bueno demuestra no ser tan bueno...

Byzantium es una película irlandesa sobre vampiros, amor, desengaños, soledad y sentimiento de culpa. Eso, entre muchas otras cosas. Una historia con una gran riqueza argumental con el siempre profundo tema del vampirismo como telón de fondo.

Neil Jordan dirige y lo hace encaminando su película hacia un sendero oscuro en el que la fotografía de Sean Bobbitt no tarda en convertirse en un personaje más, tan importante como el resto para captar las emociones que vuelan en el aire bajo la voz en off (a veces, las menos, innecesaria). Jordan nos dibuja un bonito retrato intimista a modo de road movie con pocas paradas pero con mucho recorrido interior de los personajes, que muestran su evolución aunque más que hacerlo en pantalla, ese cambio se nos da en forma de recuerdos y de acciones durante la película que son la reacción a una acción del pasado. Esa magia del relato en el que los saltos hacia atrás son una constante, es, a su vez, el impedimento más grande (junto a los momentos en los que sobra la narración en off) para que la película se convierta en un producto sólido y solvente durante todo el metraje.

Saoirse Ronan hace un trabajo descomunal, tan plagado de emociones cruzadas y tan lleno de sensaciones que su personaje analiza sin llegar a entender, que logra que el público se sienta como ella desde el momento en el que empezamos a saber qué es lo que le pasa. Gemma Aterton no se queda atrás y completa un binomio protagonista que alcanza el sobresaliente. Sam Riley está brillante también en un segundo plano y Jonny Lee Miller aprovecha también su espacio para dejar buen sabor de boca.

Resumiendo: Byzantium es una muy grata sorpresa. Cine negro plagado de emociones con la controversia del vampirismo y su insoportable inmortalidad como marco para que se desarrollen los acontecimientos. Neil Jordan, como ya hizo en Entrevista con el vampiro (1994), dirige con calidad una película que desprende aroma a clásico, asemejándose, aunque con enorme distancia, a la maravillosa Déjame entrar.

El consejero es un thriller mafioso con asesinatos, personajes pintorescos, intenciones ocultas, sangre y diálogos que monopolizan escenas. Una película con grandes pretensiones y poca capacidad para llevarlas a cabo.

Ridley Scott dirige y el guion corre a cargo de Cormac McCarthy. ¿Qué podría salir mal? Pues todo, en realidad. Es tan innegable su técnica y la profundidad de su historia como cuestionable el hecho de que, contando con esas dos grandes virtudes, no se haya podido sacar nada más. Ocurre que Scott empieza a contarnos la historia como queriendo mantener en vilo al espectador desde el primer minuto, resultando que al final lo que viene a pasar es que no entendemos mucho de qué va la película y, cuando llegamos a hacernos una idea, nos damos cuenta de que en realidad lo que pasa es que no nos interesa demasiado. Los diálogos presiden algunas escenas y parecen tener fuerza, pero cuando uno escucha todo lo que tiene que decir cada personaje, se queda con una sensación de vacío bastante desoladora. En ese apartado, el de los diálogos, cabe resaltar que sí hay uno que cumple con lo que pretende y es el del "consejero" con el alto cargo del cártel. Viendo ese diálogo, uno puede intuir que lo que se pretendía en todos los demás, era lograr un efecto similar. Pero no. Solamente es ese el que da en la diana.

Las cinco cabezas que capitanean el cartel son grandes nombres del cine. Michael Fassbender, protagonista, está sembrado a pesar de las limitaciones en forma de poca profundidad que muestra su personaje. Penélope Cruz salda la papeleta bastante bien, aunque lejos de sus mejores trabajos. Cameron Díaz ejerce a la perfección de femme fatale, con una naturalidad que llega a dar miedo. Javier Bardem hace un trabajo bastante pasado de rosca que, no obstante, es necesario para dar vida a su excéntrico personaje. Brad Pitt, con menos trabajo del habitual, demuestra que sigue estando en forma. Mención especial para Rubén Blades, protagonista de la mejor escena de la película con bastante diferencia.

Resumiendo: El consejero es una película sin demasiada chicha. Los personajes no llegan tan lejos como los actores y el desarrollo arranca tarde y se mueve dando tumbos, logrando desenganchar a cualquier espectador que haya conseguido seguirle el rollo a la película. Un auténtico fiasco.

Infiltrados en clase es una comedia teen policíaca con buenos toques de humor destinada a divertir sin demasiadas pretensiones.

Philip Lord y Chris Miller tienen duende para el tema del humor. En su primer largometraje no animado, tras la entretenidísima Lluvia de albóndigas, la pareja de directores se mete en el requemadísimo mundo de la comedia adolescente con una premisa, la de la infiltración, también pasada por la sartén una y otra vez. No hay nada nuevo en Infiltrados en clase, pero no puede decirse que la película no entretenga, puesto que sabe utilizar los tópicos para hacer reír con ellos y Lord y Miller aprovechan los estereotipos con los que trabajan para dar fluidez al relato. Además, hay varios gags muy conseguidos tanto por medio del diálogo como del golpe y el porrazo como del chiste escatológico. Lord y Miller aprovechan todo lo que tienen y lo exprimen para dar la diversión que se pide a una película como esta.

Jonah Hill y Channing Tatum están sembrados. Soy fan declarado del primero, pero al segundo no lo tengo en muy buena consideración. Aquí, sin embargo, se forma con las interpretaciones de Hill y Tatum una simbiosis similar a la que se forma entre sus personajes y es Tatum el que más gana porque es el que más tenía que aprender o, dicho de otra forma, el que tenía un margen de mejora mayor. Dave Franco es un secundario serio que trabaja con acierto, Brie Larson se muestra adorable con una labor sólida, Ice Cube casi resulta creíble en algún momento y DeRay Davis debe tanto a su personaje que es complicado valorar cuánto de lo que vemos procede del actor.

Resumiendo: Infiltrados en clase es una comedia ligera enfocada al público adolescente que se sirve de la inteligencia de sus directores para mostrarse distinta al resto de películas de su estilo pese a contar con más o menos las mismas armas. Philip Lord y Chris Miller son tipos cuyo humor chabacano nace de su gran inteligencia.