La batalla de los cinco ejércitos es la tercera y última entrega de El Hobbit, la precuela de esa gran trilogía que es El señor de los anillos. Concluye en alto una saga que ha estado bastante por debajo de lo esperado.

Peter Jackson dirige de nuevo esta tercera entrega y aquí el director campa a sus anchas con ejércitos de elfos por aquí, ordas de orcos por allá, legiones de enanos por tal... Eso se nota y el disfrute de Jackson es el mismo que plasma en el espectador, con un frenético clímax en el que la acción y el desarrollo de la trama se combinan con una calidad más que notable para dejarnos un muy buen sabor de boca en esta tercera y última entrega de esta nueva (aunque anterior a) trilogía de El señor de los anillos. Jugar con grandes espacios (igual los abiertos que los cerrados) vuelve a ser una gran baza para Jackson, que convierte todo lo que hay en pantalla en un personaje, bien por la influencia en alguno de los principales o bien su capacidad para servir de amenaza o de esperanza para el desarrollo de los acontecimientos. La narración de lo puramente explicativo de la película sigue sin tocar un techo muy alto y encontramos, del mismo modo, cosas que nos faltan y otras que, si bien no nos sobran, tampoco echaríamos en falta en caso de no tener. Hay bastante paja, esa es la verdad, y se echa de menos un pelín de desarrollo en algunas de las subtramas. Es lo que pasa cuando hacer una trilogía tan larga en metraje sobre una novela que no tiene tantísimo que contar más allá del viaje del joven Bilbo Bolsón.

Martin Freeman sigue como protagonista a un muy buen nivel, aunque aquí el papel estelar se lo reparten entre unos cuantos tanto por relevancia en pantalla como por calidad en el trabajo. Ian McKellen, un monstruo descomunal, hace la que es, para mí, su mejor interpretación a lo largo de la "hexalogía". Richard Armitage sigue la buena evolución mostrada en la primera película aunque la involución desproporcionada de su personaje (pese a ser una de las piedras angulares de la película) deja algo tocado el resultado final. Luke Evans se proclama como uno de los grandes triunfadores en esa competición ficticia (y no tanto) que representa el reparto de cualquier película. Evangeline Lilly y Orlando Bloom hacen un muy buen trabajo que funciona igual de bien cuando están juntos que cuando aparecen (en contadas ocasiones) por separado. Kate Blanchett, Christopher Lee y Hugo Weaving, con poco trabajo, aparecen en la que es, para mí, una de las tres mejores escenas de esta segunda trilogía. Lee Pace completa el reparto principal con un desempeño muy bueno.

Resumiendo: La batalla de los cinco ejércitos está a la altura de La desolación de Smaug, colocándose ambas un peldaño por encima de Un viaje inesperado. Como trilogía, forman una divertida historia de aventuras de fantasía de muchísima calidad que aprovecha sus recurso visuales hasta el extremo pero que a nivel cinematográfico, donde importan tanto los puntos como las comas, se queda un poco cortita. Sobre todo teniendo en cuenta que viene tras una de las trilogías más grandes de todos los tiempos.

Capitán América: El soldado de invierno es la segunda entrega en los cines de las aventuras del "primer vengador". Una secuela potentísima en la que se consigue todo lo que se busca.

Anthony y Joe Russo toman el relevo de Joe Johnston en la dirección y el cambio no podría haber sido más positivo. Los hermanos Russo son unos virtuosos de la acción, a la que dan una importancia argumental tremenda dentro de El soldado de invierno y eso es algo que suma constantemente, haciendo que cada segundo que pasa haga mayor la sensación de disfrute extremo del espectador. Por otra parte, en el tinte "thriller" que marca la película, el sistema narrativo es bastante bueno pese a su previsibilidad y los acontecimientos se desarrollan con un excepcional sentido del tiempo que hace de la historia un apartado muy, muy completo. El guion está bien estructurado y los diálogos son cada vez más potentes a medida que avanza la película, con lo que los golpes de efecto de los Russo resultan perfectos combinando una preparación de las escenas sobresaliente y una lectura del guion a nivel visual que es una verdadera maravilla. Los efectos especiales son una auténtica pasada y quedan enfrascados en pantalla de modo que la película desprenda un aire a cine de acción clásico que resulta impagable.

Chris Evans está de matrícula de honor. Hay que ver cuánto bien a su carrera han hecho las barras y estrellas... La interpretación de Evans no muestra interrupciones y se desenvuelve con soltura tanto en momentos trepidantes como en otros en los que su personaje crece interiormente ante nuestros ojos. Scarlett Johansson hace una gran labor en la película de Marvel que más espacio deja para su despampanante talento y para su insuperable capacidad de seducción. Samuel L. Jackson sigue siendo un Nick Fury cojonudo (o Nick Fury un Samuel L. Jackson cojonudo, no lo sé) y Robert Redford llega para convertirse en un villano de los de antes, de los de cine negro moderno, de los que desbordan carisma y sudan maldad con solamente mirarlos. Anthony Mackie llega a la Marvel para quedarse y lo hace con paso firme. El reparto lo cierra, prometiendo grandes momentos futuros con una mirada realmente trabajada y mejorando sus prestaciones respecto a la primera película, Sebastian Stan.

Resumiendo: El soldado de invierno es superior a El primer vengador en casi todo. La excepción es, obviamente, que aquí no tenemos a ese pedazo de crack que es Red Skull, pero la historia que encontramos en esta segunda entrega de la saga es mucho más densa, los personajes están muchísimo más trabajados y la acción, que en la primera ya era sublime, ahora es inmejorable. Los Russo darán alegrías junto a Marvel.

Los huéspedes es una película más sobre casas encantadas. Se esfuerza en desmarcarse del género y, aunque al principio está cerca de conseguirlo, eso acaba por hacer de ella un recital de clichés de la evasión.

Ti West, al que muchos consideran como una de las grandes promesas del cine de terror, dirige Los huéspedes. No es que todo esté mal en la película, ni mucho menos, pero hay pocas cosas que estén bien. La pareja protagonista es bastante irritante y tanto su infumable relación como los personajes por sí mismos resultan ser infantiles, sin profundidad y carentes de cualquier interés. A partir de ahí, esa sucesión de (lo que se pretende que sean) situaciones inquietantes con personajes (que intentan ser) peculiares, acaba por aburrir al más pintado. No hay ritmo en Los huéspedes y eso se debe a que Ti West, principalmente en su labor como director, nos va contando en cada momento aquello que le apetece y no lo que las buenas maneras de los buenos directores invitan a narrar. El guion, obra del propio West, no tiene nada más allá de un par de nombres sin mucho gancho y algunas situaciones con cierta chispa que, lejos de ser innovadoras, destacan porque hacen que nos vengan a la mente títulos de cine de terror que seguramente ha consumido el director. La fotografía es el único punto bueno en el que no hay lagunas, puesto que otros apartados, en los que destaca la edición de sonido, son realmente pobres.

Sara Paxton protagoniza con más fe que posibilidades Los huéspedes. Flojo trabajo para una actriz que se encuentra con el merengue de intentar darle algo de credibilidad a un personaje que se mueve entre el chiste sin gracia y la tensión que provoca indiferencia. Pat Healy ejerce de compañero de fatigas y ese aire de graciosete que debería desprender el personaje resulta cansino desde el minuto uno, demérito compartido entre el actor y su director.

Resumiendo: Los huéspedes tiene ciertos destellos de buenas ideas y algún que otro momento de calidad aislado, pero en general es una película bastante mediocre en la que todo parece moverse por el simple hecho de que tiene que tener un final.

Chef es una película familiar sobre la cocina, los valores y el trabajo en equipo. Una simpática y bienintencionada comedia que funciona de forma solvente.

Jon Favreu dirige (y protagoniza, pero eso más abajo) Chef. Hay que decir sobre Favreau que sabe dejar su sello en la película y que, lejos de las superproducciones con efectos especiales que tan bien se le dan, demuestra ser un buen cuentacuentos y nos relata una historia para todos los públicos con los ingredientes necesarios y cada uno en su medida para que el plato no tenga sobras ni carencias. En ese sentido, hay que decir que Chef flojea ligeramente tras cumplir su primera media hora de metraje, pero vuelve a remontar gracias a la naturalidad con la que se nos muestra la relación de un padre y su hijo, aderezado con un simpático amigo del padre y con la participación eventual de la madre del niño y ex-mujer del personaje principal. Digamos que el resultado coral es fruto de que Favreau explota los puntos fuertes de cada uno de sus personajes y, como si fuesen ingredientes de un buen guiso, los mezcla para que el sabor sea debido a una pizca de cada uno de ellos, similar a todos pero único al final. Buena distribución la de Favreau y calidad a la hora de contar Chef, lo que la convierte en una película muy digna que sabe estar por encima de su historia. Una historia que, en otras manos, podría haber sido extremadamente convencional.

Jon Favreau protagoniza (y dirige, pero eso más arriba) Chef. La simpatía que desprende su personaje y la calidad a la hora de interpretarlo del actor y director hacen que la película ya empiece con la gran baza de que su protagonista nos cae bien. John Leguizamo ejerce de secundario simpaticote, campechano y chistoso, un papel que ha interpretado ya unas cuantas veces y que al final parece que ha acabado dominando como un maestro.El joven Emjay Anthony también aporta lo suyo, que es mucho, para montar esa relación padre-hijo tan llena de naturalidad, de ternura y de verdad. Sofia Vergara y Scarlett Johansson son las representantes del género femenino en la película y ambas están sublimes, Vergara resultando una muy grata sorpresa con un trabajo muy cercano y Johansson haciendo un trabajo camaleónico una vez más y haciendo ver que no hay papel ni tesitura que se le resista. La sublime aparición de Robert Downey Jr es canela en rama.

Resumiendo: Chef es una buena película con una historia más que decente, un director en estado de gracia y un reparto a un nivel superlativo que hace que los espectadores nos unamos a todos ellos desde el momento en el que aparecen. Con todos los ingredientes y con una buena preparación, es imposible no sacar un buen plato.

Sharknado 2 es la segunda entrega de la saga de los tornados llenos de tiburones creada por la productora The Asylum para Syfy. Creada como una parodia ya totalmente autoconsciente, funciona a medias.

Anthony C. Ferrante se pone a los mandos de esta segunda parte de la (de momento) trilogía Sharknado. Su trabajo es bastante similar al que vimos en la primera película en términos generales, pero el hecho de que el guion de Thunder Levin sea una comedia que ya no disimula, hace que el director tenga que prestarse mucho más al gag directo que, curiosamente (o no tanto), resulta no ser tan efectivo como el chiste involuntario en el que caía una y otra vez la primera película. En Sharknado 2 se hace aquello del "big, bigger, bigges" y se intenta que todo sea muy a lo bestia, con la cabeza de la Estatua de la Libertad rodando por las calles de Manhattan y el pararrayos del Empire State sirviendo como arma de destrucción masiva, entre otras cosas. Los personajes se abocan de forma exagerada a la comedia y no funcionan tan bien como cuando eran unos héroes llenos de una comicidad involuntaria que los hacía especiales. Ese protagonista, capaz de aterrizar un avión así porque sí, que dispara bombas con tirachinas y que es capaz de empalar a un tiburón en lo alto del Empire State tras surfear sobre él, es el nuevo enemigo natural, por sus grandes logros, del mismísimo Chuck Norris.

Ian Ziering vuelve a protagonizar la película y ese aura de superhéroe casi inmortal que ahora empapa a su personaje hace que el actor se pase de rosca en multitud de ocasiones, creyendo, según parece, que Sharknado 2 es una película seria. Tara Reid se sienta de nuevo en el lugar del copiloto y hace un trabajo aceptable en el que simplemente sirve de apoyo al protagonista con buenas maneras y se convierte en la versión femenina del gran Ash, de Evil Dead (Sam Raimi, 1981). Los secundarios están encabezados por Vivica A. Fox, que hace una labor decente y poco más. Mark McGrath, cantante de Sugar Ray, hace de padre de familia, amigo y cuñado del protagonista con un desempeño bastante correcto. Kari Wuhrer interpreta a la hermana del protagonista con un trabajo tan poco exigente que apenas deja ver su labor. Courtney Baxter y Dante Palminteri interpretan a los sobrinos del héroe y sus interpretaciones tampoco se dejan ver demasiado, aunque lo malo destaca más que lo positivo en ambos.

Resumiendo: Sharknado 2 es más absurda que la primera pero bastante menos divertida. La aceptación de su condición de cine cómico hace que salten a la palestra (más incluso) las limitaciones de un guionista, un director, un equipo de producción y un presupuesto que no son efectivos a la hora de hacer lo que pretenden, pero sí son la leche cuando fallan.

Sharknado es una de las obras maestras de la "factoría Asylum". Una película sobre tres tornados que cogen a los tiburones del mar y los van repartiendo por Los Angeles a modo de plaga bíblica. Un despropósito tan loco como divertido.

Anthony C. Ferrante, director asentado ya en The Asylum, dirige Sharknado. La película es una deliciosa oda al despropósito desde el primer plano hasta el último punto del guion. La historia, escrita por Thunder Levin, tiene unas lagunas que podrían hacerte explotar el cerebro si trataras de entenderlas y presenta unos diálogos de un nivel tan, tan, tan bajo, que el marcador se rompe y hace que se conviertan en buenas líneas cómicas en bastantes ocasiones. El reciclaje de planos made in Asylum hace de nuevo acto de presencia y cualquier imagen, por "fácil" de obtener que sea, la vemos repetida exactamente igual una y otra vez. Ferrante nos lleva a través de su road movie con un padre surfero que dispara mejor que cualquier francotirador, su mujer florero que no hace más que enseñar palmito, su y hija que está enfadada porque papi no va a verla, su hijo que es un fenómeno que vuela con un helicóptero al lado de los tornados pese a ser novato en eso, su empleada con pinta de stripper que oculta un oscuro secreto que todos sabemos desde el principio, su amigo graciosete que tiene un corazón tan grande que no le cabe en el puño y el vejete borracho de turno que se cruza un porrón de kilómetros para ir desde su casa en Hollywood hasta un bar en Santa Mónica simplemente porque tiene buenas vistas de chicas ligeras de ropa. A partir de ahí, pasan cosas como que se destruyen huracanes a bombazo limpio, que hay tiburones que se te meten en el salón de casa o que el protagonista, con una pistola, pega unos tiros que tienen impactos de bazooka. Muy top, todo.

El reparto no está del todo mal. Ian Ziering protagoniza la película y resulta que está a buen nivel salvo por las frases ridículas que tiene que pronunciar. Los secundarios están encabezados por la exuberante Cassie Scerbo, que está correcta. Tara Reid, sex symbol de primera fila no hace mucho, se mete ahora como una de las cabezas visibles de Sharknado y lo hace sin mucho trabajo, dedicándose a poner cara de preocupada y poco más, cumpliendo con lo que se le pide. John Heard, actor de larga experiencia en producciones de mayor nivel, aparece aquí un poco desmejorado, haciendo una labor solvente que no está ni por encima ni por debajo de la media de la película. La también cantante Audrey Peeples marca el declive del reparto con un trabajo muy forzado, Jaason Simmons lleva la mediocridad en su interpretación desde el principio de la película hasta el "final" y Chuck Hittinger se casca un auténtico desastre que empieza con la irrupción de su personaje como Mesías y termina con lo tenso que está el actor para hacer cualquier cosa (su movimiento de brazos al pilotar el helicóptero es épico).

Resumiendo: Sharknado es una película que hay que ver. Varias veces, además. Un cúmulo de despropósitos que, por momentos, toma consciencia de sí misma y se expone con gags bastante acertados. Sin embargo, las mayores risas vienen cuando todo debería ser dramático. Como dicen en la película sobre Los Ángeles y yo aplico al planeta entero: zombis, terremotos, pandemias... todo eso es mierda comparado con un apocalipsis en el que lluevan tiburones del cielo. Así quisiera morir yo.

Freak Show es el apellido de la cuarta temporada de la popular serie American Horror Story. Desarrollada en un circo de los de forzuda y mujer barbuda, está plagada de personajes muy peculiares.

Ryan Murphy y Brad Falchuk son de nuevo las cabezas visibles en el trabajo tras las cámaras en esta cuarta temporada. Su trabajo es ligeramente inferior en calidad al de las tres primeras, pero siguen fieles al exitoso estilo de la serie y consiguen, de nuevo, un gran punto de partida sobre el que hacer girar la historia. Del mismo modo, idean tramas y subtramas que se complementan con eficacia y nos traen de nuevo a una gran cantidad de personajes ambiguos y de reacciones en cadena que hacen que lo blanco se vuelva negro y viceversa con bastante frecuencia. ¿El error? El de siempre: varias de las subtramas concluyen de forma prematura sin llegar a sacar el partido que se les ve. Destaca principalmente lo poco que se estira la historia de uno de los payasos más perturbadores que ha dado la televisión y resulta curioso que el personaje más poderoso de la serie tenga una contribución al desarrollo de los acontecimientos tan relevante como poco pronunciada en pantalla. En general, y en esto Freak Show es inferior a sus predecesoras, se da más protagonismo a algunos personajes con poca chicha que a otros que, con su simple presencia, llenan la pantalla. El final, que viene en caída libre tras un par de capítulos bastante flojos, consigue remontar en la segunda mitad del último episodio, resultando muy notable.

En el reparto repiten viejos conocidos y entran algunos nombres nuevos. Sarah Paulson mejora con respecto a Coven y su personaje de dos cabezas y dos personalidades es llevado con buenas maneras. Evan Peters se consagra (otra vez) en la serie con una labor espléndida llena de potencia. Finn Wittrock resulta una muy grata sorpresa en la primera mitad de Freak Show, pero cae en un preocupante conformismo en la segunda que desemboca en una caída de su trabajo hasta caricaturizar a su (en principio) muy impresionante personaje. A Angela Basset se le vuelve a poner un personaje muy teatral para que dé rienda suelta a su exagerado ademán, pero la actriz vuelve a pasarse 50 pueblos y, en esta ocasión, llega a dar la vuelta al mundo de tanto sobreactuar. Michael Chiklis hace un trabajo muy serio dentro de uno de los personajes menos extraños pero más interesantes de la serie por el rol que desempeña, haciendo de bisagra en varias subtramas. Denis O'Hare brilla de una manera especial y hace que su estafador psicópata resulte muy divertido. Mat Fraser demuestra muchísima calidad. Jyoti Amge (la mujer más pequeña del mundo) ofrece maneras y simpatía frente a las cámaras. Kathy Bates vuelve a demostrar que es una diosa, Frances Conroy se luce con otro trabajo espléndido y Emma Roberts mejora de manera impresionante comparando su trabajo con el que hizo en Coven. Wes Bentley y John Huston, interpretando a personajes eventuales, hacen un gran trabajo y el reparto principal se cierra con la soberbia labor del gran Neil Patrick Harris. Por último, destacar a John Carroll Lynch, que interpreta al mejor personaje de la serie.

Resumiendo: Freak Show es ligeramente inferior a sus predecesoras, pero sigue teniendo suficiente encanto y magnetismo para enganchar. La diferencia está en que aquí los errores de las tres primeras temporadas se acentúan y las virtudes no muestran una evolución demasiado grande.

Exodus: Dioses y reyes es una película sobre la archiconocida historia de Moisés y su pueblo. Una adaptación un poco libre del segundo libro de la Biblia.

Ridley Scott dirige una de sus películas más flojas. Hay mucho de Gladiator o, mejor dicho, había mucho de Moisés en Gladiator, pero aquella llegó antes al cine y es Exodus en la que, sin querer, Ridley Scott se plagia a sí mismo de una manera tan descarada que el esqueleto de la película deja de importar en el momento en el que nos damos cuenta de que no vamos a asistir a ninguna novedad en ese aspecto. El guion, que pasó por demasiadas manos (opinión personal) resulta flaquear en momentos importantes y hace que lo que se nos está contando vaya un poco de lado a lado en más de una ocasión. Es por eso, y por lo ya mencionado de que todo huele a refrito, por lo que Exodus interesa más bien poco desde el punto de vista argumental. Luego, pues sí, tenemos decorados de la hostia, efectos especiales brutales, escenas de blockbuster rodadas con calidad y algún que otro destello de calidad en la fotografía (para mí, lo mejor de la película), pero no es suficiente para aguantar las dos horas y media de faraonadas que nos presta Ridley Scott. Y es que, creo que va siendo hora de admitirlo: Ridley Scott no es ni la mitad del director que un día fue. El reino de los cielos no era Gladiator; Robin Hood no era Gladiator; Exodus no es Gladiator. No hay que esperar siempre el mismo nivel, pero no sirve aquello de plagiarse a sí mismo constantemente con la esperanza de que, cambiando el filtro de color, la película parezca diferente.

Christian Bale hace un buen trabajo, aunque hay momentos en los que parece que estás viendo al Caballero oscuro y no al hombre que hizo libre a los esclavos en Egipto. Su trabajo, sin embargo, se basa en una contención que Bale siempre ha sabido dominar como pocos. Joel Edgerton, para mi gusto, es un pegote de mucho cuidado y se carga muchas de sus escenas, incluyendo aquellas en las que juega al ping pong verbal con Bale. En segundo plano está María Valverde, nuestra representante patria (gracias por el enchufe, Pe) que rinde a un buen nivel en un personaje en el que encaja gracias a su peculiar belleza. John Turturro y Ben Kingsley ponen la calidad suprema desde segunda fila con un carisma y una técnica interpretativa que nos deja boquiabiertos. Andrew Tarbet y Sigourney Weaver, desde un plano más alejado, nos dejan también dos buenos trabajos. La estrella de la película, para mi gusto, es el pequeño Isaac Andrews, que muestra unas maneras dignas de alguien con mucha más edad.

Resumiendo: Exodus: Dioses y reyes es una superproducción muy bestia a nivel visual que no encuentra apoyo narrativo para convertirse en un "todo" regular. Una película muy por debajo de sus posibilidades con un director en horas bajas y un reparto que flaquea en varios puntos importantes.

Mejor otro día adapta una novela del escritor, profesor de literatura ingles y crítico musical Nick Hornby. Nos cuenta la historia de cuatro aspirantes a suicidas que se encuentran en una azotea.

Pascal Chaumeil, director francés al que acompaña una notable división de opiniones por parte de la crítica, dirige Mejor otro día. Hay que decir que el trabajo de Chaumeil tras las cámaras es contagioso y hace que todos los elementos acaben siendo como su dirección: ligeros, con momentos brillantes, llegando siempre con buenas cartas de presentación y diluyéndose cuando más se les exige. La película empieza bien y Chaumeil muestra que es mejor presentador que desarrollador, puesto que tras un interesante punto de partida en el que eleva la química entre los personajes a su máxima potencia, todo se va deshaciendo como un azucarillo en una taza de café. Y, como en una taza de café, el producto queda lo suficientemente endulzado como para resultar sabroso. Si eso es o no es suficiente, dependerá del gusto del espectador, puesto que algunos conocerán lo suficiente sobre el estado de alguno de los personajes como para sentir cierto grado de identificación y podrán ver cosas que otros no vemos. Habrá espectadores, sin embargo, a los que se les quede corto el desarrollo de las cuatro piezas principales y echen de menos un humor más negro y una sensibilidad más sensible que sensacionalista. A favor de Pascal Chaumeil hay que decir que, por momentos, el tempo en los cambios de plano es una auténtica maravilla. En favor de Ben Davis, director de fotografía, hay que decir que su trabajo es maravilloso. Así, a secas.

Pierce Brosnan, Toni Collette, Imogen Poots y Aaron Paul son las cuatro patas de la mesa. "Los suicidas de la azotea", como son llamados en la película. Es difícil separar a unos de otros ya que, pese a que sus personajes son muy atractivos por separado, el director hace que trabajen en exceso como conjunto y se pierde mucho de las interpretaciones de cada uno en medio de tanta partida a cuatro bandas. Brosnan bien, con temple; Collette tiene una gran sensibilidad para estos papeles y siempre lo plasma de lujo; Paul se está encasillando bastante en lo de tipo duro introvertido y, aunque eso parece estar cerrándole otras puertas, es cierto que ese registro lo domina; Poots hace un trabajo simpático y muy bien matizado pasando por todas las gamas de colores que toca su personaje, siempre extremo.

Resumiendo: Mejor otro día es una película bonita de ver. Tiene su punto. Puede llegar a resultar aburrida, o incluso vulgar y hasta me atrevería a decir que frívola debido a su poca implicación, pero no deja de ser una de esas historias que a todos nos gusta ver. Es un muy buen titular.

Presencias extrañas es el remake de Dos hermanas, cinta coreana que representa, para mí, el pico más alto del cine de terror puro moderno.

Los hermanos Charles y Thomas Guard debutan en el largometraje dejando una sensación muy pobre. Si miramos Presencias extrañas como remake, nos encontramos con que hay poco material original que sea respetado y lo nuevo, que es casi todo, es inferior al de Dos hermanas a un nivel alarmante. Si miramos Presencias extrañas como película, encontramos una producción muy poco efectiva en la que la fotografía, el suspense y la capacidad para dar vida a escenas fuertes son tres atributos que no aparecen en el diccionario de los Guard. El susto por repetición no funciona, la música cumple la función que dicta el manual, los personajes van dando tumbos y la historia carece de interés. El guion chochea de forma escandalosa (con un flashback ridículo que trata de servir explicaciones) y los Guard imprimen un aire teen a la película que no le hace ningún favor salvo que seas un adolescente salido que lleva a su amiguita al cine para que se apoye en él cuando cierra los ojos (si es que eso llega a suceder).

Emily Browning es lo único destacable para bien en la película. Y es muy destacable, porque deja ya pistas de que en una película de terror potente podría ser una buena aliada para cualquier director de calidad. Arielle Kebbel, sin embargo, parece equilibrar la balanza y nos deja un trabajo vacío, desangelado, con la misma intesidad que pueda tener un tulipán remando a contracorriente. Elizabeth Banks completa el tridente femenino y, del mismo modo en que demuestra que se puede tener un bonito escote sin tener un busto prominente, aporta igualmente evidencias que no nos dicen gran cosa. David Strathairn cierra el reparto principal con un desempeño muy, muy gris en el que el simple hecho de pensar que hay vida dentro de ese hombre ya nos resulta una sorpresa.

Resumiendo: Presencias extrañas es mala. Es mala como película de terror puesto que falla en todos y cada uno de los puntos que el género exige, es mala como película (a secas) ya que ofrece un pésimo nivel técnico y es abominable como remake, puesto que lo que ofrece diferente a la original (que es muchísimo) es tan malo como ir el domingo a misa a dispararle al cura y salir haciendo la croqueta. Además, es más un "basada en" que un remake tal y como conocemos el concepto y eso es un poco tratar de engañar al espectador, que espera con curiosidad ver una nueva versión de ese superclásico, de esa obra maestra que es Dos hermanas.

Emergo es una película de terror española que no se esconde al decir que es, sin duda, una de las hijas del fenómeno creado con Paranormal Activity. Aunque tira de cámara al hombro con toques de Proyecto de la bruja de Blair y tiene algunos toques de El ente, resulta ser un producto bastante "nuevo".

Carles Torrens, director catalán, debuta en el largometraje con Emergo, película escrita por Rodrigo Cortés (Buried, Luces rojas). Para abrir mercado, la película está rodada en inglés y cuenta con un reparto internacional. El guion viene de manos expertas y, curiosamente, es el punto débil de Emergo. Y lo es porque no explica nada aunque use tecnicismos para dar a conocer datos. Esto, por decirlo de otra manera, viene a significar que se habla de todas las opciones y de la que resulta ser la correcta, pero en ningún momento tenemos nada sólido a lo que agarrarnos para dar forma a la idea principal de la historia. Torrens, con las cámaras, da una gran lección de frescura y de talento, reutilizando ideas ya vistas y moldeándolas para hacerlas suyas. Hay dos o tres escenas verdaderamente terroríficas en las que vemos que Torrens tiene una fijación enfermiza con hacer buen uso del tiempo, fundamental en las películas de terror directo. Eso, sumado a una gran inteligencia a la hora de elegir los planos, los movimientos de la cámara al hombro y la brillante utilización del sonido y del espacio hacen que Emergo tenga estilo propio y mucha, muchísima calidad. Hay que decir que el inicio es brillante y, tras eso, asistimos a una parte central un poco menos potente que, no obstante, remonta cuando cruza la línea de 2/3 y acaba por todo lo alto.

Kai Lennox protagoniza la película y hace un trabajo soberbio sobre el que recae muchísima responsabilidad ya que su personaje es de los que ocultan cosas a simple vista y es labor del actor esconder cuáles son sus secretos. Gia Mantegna (hija del gran Joe Mantegna) y Damian Roman interpretan a los hijos del protagonista y sus trabajos son como sus papeles: fuertes pero poco vistosos. Michael O'Keefe encabeza, con un trabajo serio pero un poco frío, al grupo de parapsicólogos que mueven la historia y que se completa con los buenos trabajos de Rick Gonzalez y Fiona Glascott.

Resumiendo: Emergo es un muy buen ejercicio de terror con picos de genialidad que se diluye, tal vez, en su afán por explicarse a sí misma aquello que no logra hacer entender al espectador. Tan cargada de tópicos como hábil para disimularlos y reconstruirlos, la película resulta ser una muy grata sorpresa y el aviso de que el cine de terror cuenta con una nueva promesa, que es española y que se llama Carlos Torrens.

Oculus: El espejo del mal es una película de terror de esas que te dejan un poco con el cuerpo raro, con la sensación de un mal rollo que no sabes bien si viene por el qué se te ha contado o por el cómo. Y, de hecho, no sabes si el "qué" es suficiente o si el "cómo" es eficiente.

Mike Flanagan dirige su segundo largometraje y su trabajo resulta bastante difícil de describir. Por una parte, hay que elogiar su gran capacidad para que el espectador apriete el culo a un nivel como para cascar nueves, pero por otro lado hay que preguntarse si la historia es la que trae consigo las escenas más potentes o si son esas escenas las que nacen y obligan a crear a su alrededor una historia que, en realidad, no se sostiene demasiado y cae constantemente en un mar de situaciones forzadas. Flanagan tiene pericia para preparar al espectador, aunque peca de inexperiencia cuando abusa de los planos cortos antes de soltar uno de los sobresaltos que tiene bajo la manga. Demuestra que casi su única arma para el terror visual es la de dejar fuera de plano aquello que tiene que asustar. A partir de ahí, hay que preguntarse si el miedo que pueda producir Oculus es por su atmósfera o es porque, en realidad, el nivel de adrenalina ha subido bastante en ocasiones puntuales. Yo, personalmente, me decanto más por la segunda opción en vista de que el conjunto de la película me resulta muy forzado y tan pretendidamente confuso que acaba por convertirse en una vía de escape para el director que, no obstante, no resulta ser una puerta de entrada para el espectador. Flanagan se facilita las cosas a sí mismo tanto que acaba olvidando que la historia que está contando necesita un mínimo de coherencia narrativa que no se ampare en los flashbacks, las alucinaciones y las perspectivas.

Karen Gillan y Brenton Thwaiter protagonizan la película. Gillan seduce, pero no enamora. Seduce por ella misma y por el concepto que se nos da de su personaje, pero en cuanto empieza a disfrutar demasiado de su trabajo produce que el espectador no acabe de sentirse cómodo con ella. Thwaites, por su parte, tiene la capacidad infinita de co-protagonizar la película sin que nos enteremos muy bien de si está ahí y, si está, de si se siente asustado, o curioso, o angustiado... o vivo, porque con tal acartonamiento resulta difícil vaticinar algo respecto a sus constantes vitales. Katee Sackhoff hace un buen trabajo y, por el contrario, Rory Cochrane desempeña su labor más cuestionable de cuantas he podido ver. La joven Annalise Basso es, para mí, la mejor de la película. El reparto lo cierra el pequeño Garrett Ryan Ewald con acierto.

Resumiendo: Oculus es un buen ejercicio de terror que pasa olímpicamente del sentido común en favor de una experiencia amparada en el desconocimiento y la oscuridad. Con claras influencias de algunos clásicos, tiene su nota distintiva y pone su sello propio para acabar resultando un producto aceptable con tintes de buen cine de terror.

Dos tontos muy tontos es una comedia de las de gag facilón. Una road movie con altos en el camino con la que echarse unas risas si consigues rebajar tus pretensiones que, con el tiempo, se ha convertido en un clásico.

Los hermanos Peter y Bobby Farrelly dirigen y escriben (aunque en el guion participa también Bennet Yellin) Dos tontos muy tontos. No hay demasiado que decir sobre lo que es su trabajo: sucesión de gags, humor chabacano y mucho interés en la conexión de sus dos protagonistas. No hay mucho más, la verdad. Todo gira alrededor de las gracietas de los dos tontos de turno y, aunque es cierto que puede decirse que no hay nada de atractivo en el humor de Dos tontos muy tontos, yo, personalmente, debo añadir (a título muy personal) que es complicado encontrarse con una comedia que sea tan básica y a la vez tan resultona sin llegar a enamorar. A mí me pone el humor de Dos tontos muy tontos: me mola que un tío se quede con la lengua pegada a una barra de hierro congelada, me gusta que la cisterna del inodoro no funcione cuando un personaje se ha hinchado a laxante, me divierte que haya una competición por ver quién es más tonto mientras asistimos a ese atisbo de cine negro de fondo que convierte la película en un episodio como otro cualquiera de Las tortugas ninja de los 80 y los 90.

Jim Carrey y Jeff Daniels forman una divertidísima pareja. Carrey se ofreció voluntario para convertirse en la diana favorita de los críticos de vino añejo y puro habano en un año en el que, además de Dos tontos muy tontos, estrenó La máscara y Ace Ventura. Su sucesión de muecas fue objeto de un ensañamiento que parecía no entender que el hombre simplemente llevaba al extremo aquello que se le pedía. Daniels, por su parte, ejerce de fantástico compañero en un trabajo adorable. El elenco de secundarios lo encabeza, con calidad, Lauren Holly, y en ese apartado desfilan con más o menos acierto nombres como los de Victoria Rowell, Charles Rocket o el gran Mike Starr.

Resumiendo: Dos tontos muy tontos es la comedia vulgar llevada hasta el extremo. Se entiende perfectamente a quien la considere infumable, del mismo modo que es comprensible que haya muchos, entre los que me encuentro, que consideren que su baja calidad artística no resulta un impedimento para que se convierta en un muy buen pasarratos.

Session 9 es una película de terror psicológico que queda en ese apartado reservado al cine inclasificable que, tras ser consumido, queda suspendido en un mar de dudas sobre si es brillante o es una castaña.

Brad Anderson dirige Session 9. Anderson es un pedazo de director con una capacidad para crear tensión que parece no tener límites. En Session 9 nos vuelve a dejar evidencias de esa capacidad tan suya para contar historias que, durante mucho tiempo, no sabemos muy bien a dónde se dirigen pero que, por el hipnotismo de Anderson, enganchan de una manera sobrehumana. Su trabajo de distorsión de la realidad es tan admirable como reprochable (en esta ocasión) su nulo interés más allá del magnetismo que produce el absoluto desconocimiento por aquello que nos están contando. Una de las características principales de Anderson es la de mostrar lo que quiere que se vea y esconder con agilidad lo que necesita para el final, pero también es cierto que el cineasta de Connecticut peca, en ocasiones, de vestir con mimo sus escondites pero dejarlos tan a la vista que, como único recurso, tiene que obligar al espectador a mirar hacia otro lado. Y eso, amigos, es trampa. Pero yo, que soy de los que condena las trampas desde mi humilde silla chirriante y mi desgastado teclado, admito que hay momentos en los que el fin justifica los medios. Y, en Session 9, se da ese caso. Y he dicho que el fin justifica los medios, no que los justifique el final, ya que en Session 9 es flojo a un nivel peligroso.

El reparto no está nada inspirado. Hay que poner por delante que los diálogos de los personajes hay veces que tocan el ridículo con las dos manos y que se encuentran con escenas más o menos sueltas en las que es complicado meterse en la piel de los personajes. A partir de ahí, David Caruso, como rostro más reconocible (al menos para el público "actual"), hace un trabajo bastante pobre, aunque me veo en la obligación de decir que siempre que me enfrento a este actor lo hago con cierto recelo debido a que pocos o ninguno de sus trabajos me han gustado. El escocés Peter Mullan por momentos parece poder levantar el vuelo, pero cae una y otra vez en la exageración. Stephen Gevedon parece un pez nadando en un árbol, totalmente perdido. Josh Lucas es el más correcto y no tiene demasiado tiempo en pantalla. Brendan Sexton III cierra el reparto con un trabajo muy ochentero, casi tanto como su apariencia.

Resumiendo: Session 9 es una buena película. Session 9 es una mala película. Brad Anderson hace un grandísimo trabajo. Brad Anderson hace un muy mal trabajo. Cualquiera es válida. Incluso cualquier combinación entre ellas es válida. El caso es que no nos despegamos del asiento aunque nos bombardeen con diálogos de serie de dibujos para niños. Por algo será, supongo.

La resistencia de los muertos es la segunda entrega de la saga remakeada (por sí mismo) que comenzó, en principio, con La noche de los muertos vivientes para empezar de nuevo, 40 años después, con El diario de los muertos.

George A. Romero escribe y dirige. No se acaba de adaptar Romero a este nuevo enfoque que él mismo quiso dar a su gran saga zombi y en La resistencia de los muertos nos presenta una trama que, además de ser bastante confusa en algunos sectores, es bastante aburridilla. Nada que no se le perdone a Romero, pero bueno, es lo que hay y hay que decirlo. Así, a grandes rasgos, La resistencia de los muertos es un ejercicio gore en el que el tema de las familias enfrentadas y ese aire western que sobrevuela toda la película, con forajidos y cowboys (y cowgirls) incluidos, sirven de marco para que empiece la fiesta. No hay mucho interés y la crítica social, siempre metida en el cine de Romero (y en cierto modo, por extensión, en el cine zombi) se reduce muchísimo hasta dejar al espectador con la duda de si apoyar a los O'Flynn o a los Muldoon. No hay mucho más, esa es la verdad.

El reparto pues bueno, ahí está. Kenneth Welsh y Richard Fitzpatrick interpretan a los cabecillas de las familias O'Flynn y Muldoon respectivamente y lo hacen con aplomo aunque aportan poco a nivel dramático pese a que sus personajes son los únicos, por su situación y su historia común, en despertar algo en el espectador. Alan Van Sprang vendría a ser el protagonista, aunque da la sensación, como casi todos sus compañeros de reparto, de estar atrapado en un cuerpo sin mucha vida al que es difícil aportar algo sin romper el molde. Devon Bostick es un secundario graciosete poco explotado que, a nivel interpretativo, podría ser el que sale mejor parado de todo el reparto. Kathleen Munroe ahí está, interpretando a una vaquera sexy sin aportar grandes cosas. Athena Karkanis, con su morbazo en dosis industriales, hace un trabajo de rol en el que la evolución no es más que una palabra de cuatro sílabas y la aportación no es más que una rima de la anterior.

Resumiendo: La resistencia de los muertos es flojucha. Entretiene, ¿eh?, tampoco nos llevemos a engaño... La cosa está en que, en determinados momentos, nos acostumbramos a un cine por parte de romero tan potente a nivel visual como poderoso a nivel mental. Y eso, aquí, pues como que no.

Noé es una adaptación libre de la historia de ese tipo que construyó un arca y se llevó a los animalicos con él. Enfocada desde un punto de vista muy personal.

Darren Aronofsky dirige Noé. Llevaba tiempo gestándose en la cabeza del director de origen hebreo la historia de un Noé cruel, despiadado, devoto hasta niveles homicidas y con una inteligencia bastante limitada en lo referente a aquello del pensamiento libre. De ahí nace un guion en el que su particular, macabra y (en mi opinión) bastante acertada visión de Noé sirve de base para construir un relato que trabaja a lo grande desde el principio. No hay nada que se quede pequeño en la película y, por supuesto, Aronofsky no se permite ir con medias tintas, básicamente porque nunca lo ha hecho. Destacable a nivel positivo en Noé, encontramos un CGI que es un verdadero escándalo, sobre todo cuando nos percatamos del alto porcentaje de imágenes de las que vemos en pantalla que han sido generadas en pantallas de ordenador. En lo negativo, por desgracia, hay bastantes cosas que destacar: falta de ritmo, personajes más bien pobres, batallas interiores con mucha chicha pero poco desarrollo y, sobre todo, un último tercio de película en el que coinciden todos los defectos para cargarse, de forma definitiva, lo que tenía mimbres para haber sido una gran película y no quedarse con el cartelito de película grande.

El reparto es la leche, eso sí. Russell Crowe brilla convertido en un Noé que toma prestadas muchas cosas de su memorable Máximo Décimo Meridio (Gladiator, Ridley Scott, 2000). Jennifer Connelly demuestra que es una grandísima actriz en lo que a dramones se refiere, algo de lo que su personaje va empapado casi desde el principio. Douglas Booth es (o yo al menos así lo interpreto) el tercer cabeza de cartel con un trabajo que gana mucho cuando su personaje da un paso al frente. Logan Lerman, pese a permanecer mucho tiempo en pantalla, está un poco como quien ve llover y en ningún momento se le dan oportunidades para demostrar si la cosa va bien o mal y, en cierto modo, él se queda en su círculo de tranquilidad sin asumir riesgos. Emma Watson se desempeña con la irregularidad como bandera, dejando momentos de impresionante calidad, asociados a las grandes escenas, y otros en los que llega a resultar bastante incómodo ser espectador de sus maneras. El joven Leo McHugh Carroll pasa totalmente desapercibido, demostrando una importante dosis de indiferencia mostrada por Aronofsky de cara a la gran mayoría de los personajes. Ray Winstone, con una interpretación muy seria y con más madera de villano de lo que a priori evoca su personaje y Anthony Hopkins, con su simple presencia, cierran el reparto principal.

Resumiendo: Noé acaba siendo una superproducción tan resultona como incapaz de tender puentes con el espectador. El poco interés que muestra en los personajes secundarios (de los que solamente interesan ligeramente Sem y Tubal) acaba dejando imperfecto el retrato de su protagonista, al que se describe con energía desde dentro descuidando que somos todo aquello que nos pasa.

Loreak es una película nominada al Goya que va, precisamente, contra la grandilocuencia y el dinamismo que de un tiempo a esta parte parecen haber empezado a exigir los premios del cabezón.

José María Goenaga y Jon Garaño dirigen Loreak y lo hacen de forma impecable. Hay que decir que no puedes esperar virtuosismo en la labor de Goenaga y Garaño, pero sí un enorme romanticismo y una sensibilidad demoledora que hacen que esta producción, rodada en euskera, se convierta en un título indispensable para cualquier aficionado al género que se precie. El drama de Loreak viene de la potencia de la imagen, que trabaja sobre la impecable fotografía de Javier Agirre, un tipo con un talento probado en múltiples ocasiones. En el guion, además de los propios Goenaga y Garaño, participa Aitor Arregi y, entre los tres, se inventan una historia simple de causa y efecto en el que la condición humana domina con mano de hierro, tanto para bien como para mal, el desarrollo de los acontecimientos. Si algún pero se le puede poner al guion y, en este caso, también a la dirección por extensión, es el hecho de que la potencia en el dibujo de los personajes no encuentra continuidad en su evolución, que queda limitada a lo que sabemos desde que aparece cada uno por primera vez.

Nagore Aranburu, Itziar Aizpuru e Itziar Ituño protagonizan la película. Itziar Aizpuru es la que destaca por encima de sus compañeras desde el primer momento, dejando patente que hay personajes que, con un buen trabajo de casting, tienen mucho terreno ganado. Itziar Ituño muestra una labor irregular, con picos bastante altos y caídas excesivamente pronunciadas. Nagore Aranburu es el gran "pero" de la película, atrapada en la sucesión de acontecimientos en el interior de su personaje, maniatada y obligada a realizar un gran trabajo, que no llega, para plasmar todo lo que se le pide.

Resumiendo: Loreak es, sin duda, una de las mejores películas de su año en España. Profunda, sensible e inteligente, crea un big bang floral que da pie a una historia de las que es mejor ver cuando llueve. El desarrollo de los personajes me deja bastante tibio y la historia no encuentra en ellos el aliado al que busca con ahínco.

El corredor del laberinto adapta el libro homónimo de James Dashner, el primero de lo que acabaría convirtiéndose en una saga bastante popular y con mucho tirón.

Wes Ball dirige esta película que mezcla partes de Cube, Lost, La isla y El señor de las moscas. Las tres están presentes de forma más que notable en la historia que se nos cuenta, donde hay muchas referencias a obras modernas que van apareciendo en la trama en mayor o menos medida. El guion corre a cargo de Noah Oppenheim y de James Dashner, escritor de la novela en la que se basa y lo cierto es que tiene una estructura bastante interesante que lo convierte en un poderoso utensilio de cara al resultado global de la película. La dirección de Ball es correcta, captando la magia del cine fantástico de la época dorada (aunque en menor medida) y convirtiendo las casi dos horas de metraje de El corredor de laberinto en un interesante viaje de color, sombras y esperanza. Ball consigue una unión sólida con los personajes y hace que se desarrollen frente a la cámara con naturalidad, lo que nos hace entender incluso a aquellos que, en principio, podrían catalogarse como villanos en algunas fases de la película o incluso considerarse como los malos del cuento. El desarrollo es fluido y el misterio se mantiene bien en manos de Ball, que tal vez deja en el clímax, ya con más personajes, las peores sensaciones de lo que es su movimiento de la imagen una vez fuera de ese claro de verdes prados y árboles altos.

Dylan O'Brien protagoniza la película con bastante calidad, marcando todos los pasos de su personaje con sencillez y de una forma muy cercana. Kaya Scodelario, co-protagonista a la postre, hace un buen trabajo también aunque por momentos se echa en falta un poco más de intensidad. Thomas Brodie-Sangster (el niño de la batería de Love Actually) le pone ganas y se le nota que intenta dar pinceladas a su personaje, pero estorba en más de una ocasión por lo artificioso de su trabajo. Will Poulter es otro de los que no acaban de dar la talla, con un desempeño un tanto sobreractuado en el que la riqueza de un papel con tantas interpretaciones morales como el suyo acaba derivando en una notable indiferencia por parte del espectador. Ki Hong Lee cumple con creces con su trabajo de rol y se une a los jóvenes que sí aportan más de lo que restan en un reparto tan descompensado como mal guiado por parte del director Wes Ball.

Resumiendo: El corredor del laberinto es una película con cositas interesantes que sirve para iniciar una saga cinematográfica que, si la taquilla lo permite, podría llegar a convertirse en todo un clásico de culto. La película funciona mejor cuando juega con la intriga que cuando simplemente debe dejarse llevar.

Perdida adapta el best seller (Gone Girl, en su título inglés) de la escritora y periodista americana Gillian Flynn. Una historia turbia, descorazonadora, salvaje, macabra y con un toque de humor muy negro que es llevada a la gran pantalla de una forma excelente.

David Fincher es el encargado, algo que siempre llega a los oídos del espectador como la promesa de buen cine. Y lo es. Fincher hace tres, incluso cuatro películas (contando el final) en una. El sentido del ritmo que tiene el director de Denver es algo que podemos encontrar en muy pocos rincones y, en Perdida, da un auténtico recital, una master class en la materia. Cuando llevamos recorridos apenas 50 minutos de los casi 150 que dura la película, ésta podría acabar ya. Debido al abanico desplegable que es la historia de Perdida, y a lo bien estructurada que está su narración, vemos cómo varias historias van naciendo y concluyendo dentro del hilo principal y cómo los personajes evolucionan de una manera bárbara. Ese factor, el de la evolución de los personajes, toma todavía más cuerpo dado que todos se nos presentan desde un punto de vista poco (o nada) preciso, dejándonos con pinceladas de brocha gorda que desde el principio nos dejan claro que hay mucho en Perdida que no se nos está contando. La gran virtud, o una de tantas, de Fincher en Perdida es que, sin contar lo que no quiere, no engaña a nadie escondiendo nada, puesto que ese juego de sombras en el que vive la película es el esqueleto de la misma y no un simple adorno con el que ser resultona. El uso de la banda sonora en los flashbacks, la brillante fotografía y el estilo cambiante de la misma, el pulso narrativo constante y la combinación entre frenesí y relajación oscura que ofrecen las cámaras hacen el resto. Y el reparto, por supuesto.

Ben Affleck da un gran paso atrás. Está, en Perdida, mucho más cerca de ser el Ben Affleck de su época moza que el Ben Affleck que evolucionó como actor cuando se convirtió en director. Aun así, correcto el actor californiano. Rosamund Pike es la verdadera estrella ante las cámaras de Perdida: cómica, convincente, astuta, aterradora, desafiante, desconcertante o loca como una puta cabra son solamente algunos de los estados interpretativos que atraviesa Pike. Hay que remontarse a la Aileen Wuormos interpretada por Charlize Theron en Monster o a la Gertrude Baniszewski de Catherine Keener en An American Crime para encontrar una interpretación femenina de un nivel como el que ofrece Pike. Palabras mayores, sin duda. El elenco de secundarios lo forman un convincente (aunque con demasiados tics reconocibles) Neil Patrick Harris, un muy entregado y bien aprovechado hombre de cine como es Tyler Perry, una arrebatadora y segura de sí misma Kim Dickens o un acertado y atento a los detalles Patrick Fugit.

Resumiendo: Perdida no es la mejor película de David Fincher, ya que tal honor lo sigue ostentando esa obra maestra llamada Seven. Sin embargo, este trabajo sobre la humanidad y la inhumanidad inherente a toda persona viva que es Perdida, alcanza el escalón en el que se encuentran otras películas brillantes como son Zodiac, The Game o El curioso caso de Benjamin Button. Incluso puede que esté más cerca de El club de la lucha que de las tres mencionadas. Casi nada.

La mujer de negro es una película de terror que adapta una novela de Susan Hill. La historia fue llevada a la televisión en 1989 en Reino Unido con un gran éxito y, 13 años después, llegó a los cines esta nueva versión.

James Watkins, quien debutara con la aclamada (para mí de forma excesiva) Eden Lake, dirige La mujer de negro. Su trabajo es muy bueno. Desde la A hasta la Z, Watkins crea un clima que te atrapa, te deja inmerso en el lugar al que te lleva la historia, te hace comprender (o intentarlo) a los personajes y te trata con la inteligencia que requiere todo espectador. Watkins hace un trabajo de ambientación y captación de público espectacular, recluyéndonos en el grisáceo panorama que lo envuelve todo y que vive de los cielos nublados, las mareas altas, los rincones oscuros y, sobre todo, de una fabulosa fotografía y un uso de la iluminación que es fundamental en la película. Además, Watkins utiliza todos los recursos de los que dispone para unirlos con un muy buen sentido del ritmo y una más que notable sensibilidad a la hora de contar cine de terror. Parece que sus capacidades son bastante amplias y juega bien sus cartas para conseguir, con el mismo éxito, largas escenas de tensión y cortos momentos de terror visual puntuales que hacen que, desde poco antes de la mitad de La mujer de negro, tengamos el corazón a mil y el culo más tenso que una vaca en el McAuto. La aportación de los secundarios y la excelente creación (y desarrollo) de una "mitología" propia por parte de los habitantes del pueblo son partes indispensables, también.

Daniel Radcliffe es el gran bluf. No es un buen actor. Casi ni llega a decente, muchas veces. Fue Harry Potter porque lo fue durate muchos años, pero no es que no haya sabido salirse del personaje, es simplemente que no tiene recursos interpretativos. Abrir mucho los ojos, esconder los labios y tragar saliva son insuficientes cuando te encuentras con una historia tan completa y bien desarrollada como esta, sobre todo cuando tu personaje es clave y, además, está dibujado sobre el papel de una forma más que potente. El elenco de secundarios sí da la talla: Ciarán Hinds hace un trabajo superlativo, Tim McMullan cumple todos los requisitos que se le piden y Janet McTeer tiene momentos gloriosos en sus dos enormes apariciones.

Resumiendo: La mujer de negro mejorará, y mucho, con el tiempo. Tiene un aroma a clásico que no se esfuma fácilmente y cuenta a su favor con el hecho de ser, pese a sus similitudes, distinta al resto de películas sobre casas encantadas. El buen cine de terror está renaciendo y, tras grandes éxitos del terror "frenético" en el que el sobresalto aguarda a cada instante, una película que se tome tiempo para desarrollar el concepto y usarlo como arma principal, como es La mujer de negro, demuestra que el género sigue reverdeciendo viejos laureles.