Iron Man es la segunda película sobre el multimillonario Tony Stark y su traje chulo. Concebida apostando por una línea continuista, logra sus objetivos sin llegar a ofrecer tanto como su predecesora.

Jon Favreau dirige de nuevo y su trabajo sigue siendo fabuloso, sobre todo en las múltiples escenas de acción que, en esta ocasión, se multiplican por aquello del "big, bigger, biggest" que tanto gusta a los americanos y al público de las superproducciones en general. Los villanos también se multiplican, pero no así su calidad como personajes. Uno de ellos, el que pone la pasta, carece de carisma e incluso de ese encanto tan particular que tienen los bobalicones; el otro, el genio malvado que ejerce de cerebro y de brazo ejecutor al mismo tiempo, se ve mermado por unos objetivos personales tan definidos que apenas dejan cabida a ningún tipo de matiz. El trabajo por ordenador está igual de bien conseguido que el de la primera entrega, aunque aquí su valor se multiplica puesto que gran parte de la película requiere sus servicios. No faltan las explosiones (hay muchas y de muchas clases), los disparos, los chistes de turno del protagonista ni los impresionantes cuerpo a cuerpo, o máquina a máquina, como quiera llamarlo cada uno. Además, en Iron Man 2, se evidencia de forma absoluta el proyecto The Avengers, algo que se llevaba mascando durante mucho tiempo y de lo que ya pudimos ver algunas pinceladas en la primera entrega.

Robert Downey Jr. es uno de los grandes pilares de la película puesto que, en esta ocasión, su personaje cobra más relevancia por lo personal que por lo eventual, algo que juega a su favor. Mickey Rourke interpreta al villano principal y, si bien su trabajo es correcto, está lejos de convertirlo en brillante. Gwyneth Paltrow sigue a un gran nivel, así como Scarlett Johansson, que se deja ver por primera vez en el universo Marvel y sale muy bien parada. Don Cheadle sustituye a Terrence Howard y su trabajo está a la altura. Samuel L. Jackson, pese a su poco trabajo, aporta presencia. Sam Rockwell, correcto y poco más. Jon Favreau, director de la película, aparece como personaje de apoyo con un trabajo notable.

Resumiendo: Iron Man 2 no es tan buena como la primera pero sigue conteniendo los mismos ingredientes. Unos en mayor cantidad y otros ven reducida su aportación, pero el conjunto sigue siendo sabroso y disfrutable.

Iron Man lleva a la gran pantalla la historia de uno de los héroes más extravagantes de Marvel, tanto con el traje como sin él. Una película que no podía apartarse del blockbuster por nada del mundo y, obviamente, no lo hace.

Jon Favreau dirige muy bien esta película entendiendo lo que requerirán los que se dispongan a verla. La acción está rodada con soltura pero coreografiada al milímetro, dando la sensación realista que solamente puede conseguirse cuando hay un gran trabajo de preparación detrás de las escenas. Pese a que hay golpes, explosiones, disparos de todo tipo y llamaradas por todas partes, nunca se pierde de vista el ojo del huracán y la acción no deja oculto ningún detalle. Se echa en falta, tal vez, un poco de desarrollo dramático de los personajes principales, más como individuos que como colectivo, pues sí nos quedan claras las relaciones que los unen. La historia, centrada en los orígenes de Iron Man, es más informativa que entretenida. Quiere que el personaje se muestre desde su principio, aunque para eso tenga que relegar el tema de héroe contra villano a un segundo plano que, no obstante, se va acrecentando a medida que avanza el metraje hasta llegar a un final intenso pero no demasiado tenso. Las pinceladas de humor de Tony Stark son menos mordaces que en algunas de sus otras apariciones, pero siguen teniendo su salsa.

Robert Downey Jr. era el actor destinado a interpretar a Tony Stark mucho antes incluso de que ambos nacieran. Su personaje le viene como anillo al dedo y eso queda reflejado en el resultado. Gwyneth Paltrow está soberbia, aunque el escaso margen ya mencionado del que disponen los personajes frena un poco su brillantez. Jeff Bridges, ese monstruo interpretativo, desaprovecha (y esta es una opinión muy personal) una gran oportunidad de ser un villano legendario y lo hace porque, primero, no exprime ni la mitad de su potencial y, segundo, su personaje no deja de ser algo borroso. Terrence Howard cierra el reparto principal con un trabajo muy acorde a lo idealizado que está su personaje. El bueno de Stan Lee, dueño y señor del universo Marvel, no falta con su cameo.

Resumiendo: Iron Man no es una gran película, pero sí un grandísimo entretenimiento. Como superproducción que es, puede presumir de ser consciente del público al que va destinada y de poder dejarlo atónito. Además, tiene un encanto más que palpable que hace que queramos más de Iron Man. Y claro, tenemos bastante más...

Asesinato... 1-2-3 es un típico thriller estadounidense. De los malos, concretamente. Asesino vs policía y tal, con la diferencia de que aquí nos muestran a los autores del crimen desde el inicio.

Barbet Schroeder dirige un atentado contra la humanidad. A Schroeder, curtido en mil batallas, no se le despega el tufo a telefilm ni con agua caliente. Vamos a partir, para opinar de la película, del guion de Tony Gayton: el tipo quería escribir una historia en la que, pese a que los asesinos los conocemos al principio, el final resulte sorprendente y el viaje sea en tensión constante. En su lugar, lo que pasa es que los sucesos llegan así porque sí, chasqueando los dedos, ahora me conviene esto, lo escribo y santaspascuas, me suda el nardo que sea forzado. Eso, en bucle. Todo pasa porque sí, porque a Tony Gayton le parece intenso, porque puede hacer lo que quiera por aquello de "la maté porque era mía". Los personajes, para intentar (sin éxito) huir de estereotipos, se convierten en bichos raros con idas de olla que no logran definir nunca ninguna línea de sus respectivas personalidades. Schroeder lo que hace con eso es beber de la filosofía de Gayton: como soy el que mando, hago lo que me salga de los cojones, aunque vaya en contra de cualquier principio básico del cine. El amigo Schroeder empieza a meter flashbacks cuando le sale de su viril atributo para explicar la historia, como si cada espectador recibiese una paguita mensual por ser retrasado. La necesidad de Schroeder de que entiendas lo que pasa deja clarísimo que él sí creía que estaba haciendo una buena película, por lo que no quería confusiones entre los tontos de turno que estamos al otro lado de la pantalla. Dos lumbreras, Schroeder y Gayton.

Sandra Bullock muestra la versión Mr. Hyde. La de Miss agente especial y cosas así. O bien no entiende a su personaje (ni ella ni nadie) o bien simplemente es que lo intentó pero no pudo hacer nada con él. Ben Chaplin la secunda, siendo de largo el mejor de la película y, a título personal, diré que lo único que no es mierda pura. Ryan Gosling, que aquí todavía no había descubierto que su punto fuerte era la inexpresividad (bien llevada), lucha por levantar a un personaje lleno de contradicciones y lo cierto es que está lejos de conseguirlo. Michael Pitt está de diez: de diez tiros en la cabeza, uno al ladito del otro, a ver si se le pasa la tontería de querer ser Marlon Brando cuando no tiene con qué.

Resumiendo: Asesinato... 1-2-3, como título de la película, se queda corto. Por mi parte, y siempre a nivel cinematográfico, deberían quedar sesgadas las vidas del 99'9% de los participantes de este 11-S contra la inteligencia humana que es Asesinato... 1-2-3.

Elysium es un blockbuster en toda regla. Una superproducción futurista con tintes de catástrofe que toca dilemas morales demasiado obvios en los que, al posicionarse, se pierde encanto.

Neill Blomkamp es un tipo que gusta de la denuncia social y de la ciencia ficción, por lo que es muy fan de unir ambas. En Elysium el problema más grande, a mi entender, es que esa denuncia debería ser mucho más sutil, habría que pasar de puntillas sobre ella y no recurrir a grandes evidencias amparadas en personajes trilladísimos que desvirtuan totalmente la propuesta. El guion no es malo ni mucho menos, pero peca de aquello tan grave de no aportar nada nuevo. Lo que nos cuenta Elysium nos lo han contado millones de veces y, dicho sea de paso, la ciencia ficción es un género que nos lo ha contado de forma infinitamente mejor una y otra vez. Tras las cámaras, Blomkamp hace uso de todos los recursos de los que dispone y nos regala una experiencia divertida y dinámica, pese a que en su afán de protesta pierda un tanto de vista la ejecución de su queja en la factura de la película en favor de un reguero de acción que consiga enganchar a las masas menos conscientes de la causa. Ahí, en ese equilibrio bien pensado pero pésimamente elaborado, reside la decepción que puede ocasionar la película.

Matt Damon es una versión menor de sí mismo. El protagonista, con motivaciones tan importantes como requemadas en el cine de acción, no exige nada al actor. Jodie Foster, tenemos que hablar: a todos nos parece muy bien que seas lesbiana, yo soy de los Bulls y tengo un amigo que se está terminando de tatuar el brazo. Ya está, Jodie, joder, es un dato como cualquier otro. No hace falta que cada vez que vayas a comprar el pan lo digas. No le haces ningún favor a la sociedad remarcando la sexualidad como un distintivo, porque eso, para bien o para mal, siempre acaba siendo contraproducente, deriva en el etiquetado, y eso es malo, Jodie. No se puede luchar por la igualdad poniendo la particularidad de cada uno por encima de las del resto. Ahora, después de divagar, diré que su trabajo en la película es de los más flojos que le recuerdo. Sharlto Copley mola como villano, aunque su personaje sufre el mismo mal que el interpretado por Damon y, ahí, poco puede hacer un actor. Alice Braga cierra el reparto principal siendo, de lejos, la mejor de la película gracias al ligero margen que ofrece su personaje.

Resumiendo: Elysium ya la has visto. No había Elysium, y puede que no estuviese Matt Damon, pero ya la has visto. Blomkamp, intentando aprovechar la condición de superproducción con la que cuenta la película, intenta impartir cátedra sobre lo que son las clases y la desigualdad en el mundo a todos los niveles. El resultado es una película con una inteligencia mediocre que gira sobre sí misma sin demasiado sentido.

American Horror Story es una serie de televisión que logró conquistar a las audiencias desde su primer día en antena. El motivo fue jugar con lo macabro y convertir el surrealismo en miedo.

Ryan Murphy y Brad Falchuk son los creadores de la exitosa serie. Ambos dirigen algunos episodios y son, en definitiva, quienes toman las decisiones. AHS tiene un inicio brillante. El primer episodio, especialmente su primera secuencia, es de una elegancia majestuosa. Cuando nos adentramos en la serie, descubrimos nuevos personajes a cuál más oscuro e interesante. Son precisamente los personajes el alma de la serie, puesto que la trama principal no ofrece demasiados desafíos para el espectador. En el momento en que pasamos el ecuador de la serie (o de su primera temporada, para ser más correcto), la calidad sufre un pequeño traspiés y todo parece quedar reducido a quién hará la animalada más gorda. Eso no es del todo negativo en vista de que cada episodio se sostiene a la perfección por sí mismo y, como he dicho, la trama principal importa más a sus creadores que al espectador, si bien tampoco llega a resultarnos indiferente. El único problema que presentan los personajes, concretamente los tres nuevos inquilinos de la casa es que, hasta casi el final de la temporada, no sienten la inquietud que debieran ante los espeluznantes sucesos que allí ocurren. Otro punto favorable de AHS es su fabuloso montaje, una de sus mayores señas de identidad.

Dylan McDermott parece un poco perdido, más incluso que su personaje, pero logra salvar los muebles pese a todo. Connie Britton tampoco brilla demasiado, tal vez presa de formar parte de la parte de la trama menos atractiva. Taissa Farmiga es, a mi gusto, la que hace mejor trabajo dentro de la nueva familia que vive en "la casa del crimen". Los secundarios son, sin duda, las grandes estrellas de la serie. Jessica Lange consigue un hito sobrehumano al lograr estremecer al espectador y, sin embargo, conseguir que éste entienda parte de sus actos. Sublime es también el trabajo de Frances Conroy, que comparte personaje con una acertadísima Alexandra Breckenridge. Evan Peters es otro de los grandes triunfadores, interpretando un papel con una carga emocional y una complejidad mental que supondría un reto para cualquier actor. Como personajes habituales, pero ya con menor peso, encontramos trabajos notables como los de Kate Mara, Denis O'Hare o Zachary Quinto y tenemos, también, un par de joyas con el resultado que nos ofrecen tanto Lily Rabe como Jamie Brewer.

Resumiendo: American Horror Story es una serie de excelente factura que tiene destellos de obra maestra pero que deriva más en un divertido drama que en una historia de terror. Menos terrorífica que dramática, sí, pero no por ello falta de buenas formas a la hora de afrontar el miedo. Muy recomendable.

Caníbal adapta una novela de Humberto Arenal en la que el argumento no requiere demasiada explicación cuando se lee el título.

Manuel Martín Cuenca dirige Caníbal y su trabajo es casi insuperable. El director almeriense nos presenta la mente del psicópata en un escáparate totalmente hermético. Sigue a su protagonista a sol y a sombra, sin descanso, pero deja que sea el espectador quien trabaje. Uno de los aciertos de Martín Cuenca es el de hacer una película inteligente a base de hacer pensar a quien la ve. Él no juzga, no ofrece datos del pasado del protagonista, no lo hace interactuar con demasiada gente; simplemente se limita a que veamos su vida, que no es poco, e intentemos adivinar qué es lo que pasa por esa mente tan compleja o, quién sabe, puede que tan simple. El trabajo con las cámaras, así como la iluminación, se convierten en dos actores importantísimos en la función, presentándose a cada escena con gran protagonismo. A mí, personalmente, lo que más me ha gustado de Caníbal es cómo Manuel Martín Cuenca consigue que dudes de aquello que dabas por sentado en la película; es algo que consigue sin recurrir a cháchara inconsistente ni a giros forzados, sino que para lograr tal fin, lo único que hace es esperar, hacer que esperes a la película al mismo tiempo que ella te espera a ti.

Antonio de la Torre es un monstruo, no voy a descubrirlo yo ahora. El fabuloso actor malagueño es uno de los más capacitados de su generación, lo que viene a significar, dadas las circunstancias, que es de los mejores de la historia de España. Aquí, su estremecedora interpretación hace que no puedas apartar la mirada intentando escudriñar en lo inescrutable de un personaje tan perfectamente definido por parte de Manuel Martín Cuenca como entendido por Antonio de la Torre. Esa aparente simplicidad, bajo la que se esconden capas y capas de misterio y de matices, hacen que el protagonista sea un personaje dificilísimo de interpretar, salvo si eres un bestia como de la Torre. Olimpia Melinte, pese a que tiene delante una de las mejores interpretaciones masculinas del cine español en años (curioso, o no tanto, siempre en papeles de villanos) no desentona. La actriz rumana consigue plasmar con su trabajo todos los tonos que necesita su personaje para no ser arrastrado por el torbellino que es Antonio de la Torre.

Resumiendo: Caníbal es una película sublime. Una obra maestra, sin duda. Una experiencia que no dejará indiferente a nadie. Oscura, turbia, angustiosa, fría y calculadora. Todo eso sin dejar de ser sensata, inteligente y conmovedora. Brillante.

16 calles es una mezcla entre película de compañeros de trabajo mal avenidos y thriller maduro. Una agradable experiencia con la que pasar el rato y, si uno se deja, incluso emocionarse.

Richard Donner dirige su última película con mucha clase y, sobretodo, con muchísima inteligencia. El guion de Richard Wenk, en caso de haber caído en malas manos, podría haberse convertido en algo bastante insustancial, puesto que no se aportada nada excesivamente novedoso. Donner, sin embargo, hace del defecto virtud y consigue que la película se mueva a la misma velocidad que su protagonista, lo que ayuda a que la narración tome fuerza y no se desvanezca en ningún momento. El director consigue, además, que los clichés del género adopten la posición de refuerzos argumentales, y esto lo logra con un cuidado enfoque de las relaciones entre los personajes, haciendo que encajen pero que no estén destinados a complementarse. Hay acción, con sus disparos y sus persecuciones tanto a pie como en coche (e incluso autobús) y no falta la guerra entre el protagonista y alguien de su pasado convertido ahora en villano, pero a esta última parte se le da la vuelta completamente, pues es el protagonista el que cambia de bando. Los tres personajes principales están muy cuidados y sus virtudes bien explotadas, lo que hace que, siendo tan inverosímil como es la historia, tenga un punto de credibilidad.

Bruce Willis es un genio haciendo los papeles de tipos cansados que hacen las cosas porque en esta vida hay que hacer de todo. Si son policías, tanto mejor. Aquí se sale, de verdad. Mos Def está brillante (mucho mejor en VO) y su trabajo se traduce en un personaje que encuentra respuesta en su intérprete a cada uno de sus requisitos. David Morse cierra el reparto (porque al resto no da para valorarlos). Morse es, a mi entender, uno de los actores más infravalorados de su generación. Su capacidad para ser un bonachón incapaz de matar a una mosca es ilimitada, del mismo modo que su capacidad para hacer de malo cabronazo y sin escrúpulos tampoco parece tener fin. Además, a nivel dramático, es un actor muy notable.

Resumiendo: 16 calles es una película bastante buena. El guion coge los clichés del género, el director los limpia y los reutiliza a su antojo y logra un producto de fácil consumo, con la inteligencia necesaria y siempre consciente de sus límites.

Vivir es fácil con los ojos cerrados nos cuenta la historia del profesor de inglés Juan Carrión Gañán, o al menos se inspira en ella, para convertirse en un relato de positivismo que llena al espectador de buen rollo.

David Trueba escribe y dirige Vivir es fácil con los ojos cerrados y está mucho más acertado en la segunda faceta que en la primera. Tras las cámaras, Trueba nos presenta una película ágil, simpática y con mucha química con el espectador. Eso lo consigue gracias a que explota al máximo a sus personajes gracias a aprovechar la intimidad que da a la película su vertiente de road movie. La soledad de los tres personajes se plasma más en imágenes que en las líneas de diálogo, pese a que algunos de ellos son verdaderamente brillantes. La historia, sin embargo, no tiene tanta fuerza como se podría llegar a imaginar. Eso es debido, en parte, a que pese a la exploración de los personajes y a lo bien que los recibimos, notamos mucho más sus alegrías que sus tristezas, lo que conduce, inevitablemente, a que nuestras alegrías no puedan ser tan grandes como deberían debido a la falta de contraste. El montaje es hábil y Trueba sabe perfectamente cómo mover la cámara para resaltar los puntos de interés. La banda sonora es correcta. Sin embargo yo, personalmente, echo en falta temas de los Beatles para servir de apoyo narrativo, sobretodo teniendo en cuenta que John Lennon es algo así como el Macguffin de la película.

Javier Cámara está colosal en una interpretación que se encuentra, sin duda, entre las más completas de su carrera. Su personaje está presente, de un modo u otro, en todo lo que sucede en Vivir es fácil con los ojos cerrados, así que Cámara se enfunda el traje de superactor que lleva consigo a todas partes y da un auténtico recital. Natalia de Molina es una grata sorpresa como actriz interpretando con las manos, la mirada o la sonrisa, pero vocaliza lo justo, apenas separando los dientes de arriba de los de abajo, lo que más que dar personalidad a su personaje acaba resultando bastante incómodo. Francesc Colomer, el (ya no tan) niño de Pa negre, es la tercera punta del tridente y su trabajo convence más por el interés que pone en él el joven actor que por resultado. Ramón Fontserè está magnífico sirviendo de parador a la película y Jorge Sanz aporta lo necesario en su corto papel.

Resumiendo: Vivir es fácil con los ojos cerrados es una película positiva, de esas que alegran con solo verlas. Cuenta, además, con un protagonista interpretado de forma sublime por Javier Cámara y el diseño de producción de la película es excelente, pero como historia deja menos poso que como trabajo. Y eso es algo raro, teniendo en cuenta que David Trueba es un tipo que emociona cada vez que habla, puesto que sus palabras son de hombre sabio que, sin embargo, nunca deja de soñar.

88 minutos es un thriller sobre un asesino, el tipo que hizo que le condenaran y un montón de sospechosos. Sé que no es un gran resumen, pero es que no hay mucho más.

Jon Avnet parece tener una habilidad especial para destrozar thrillers. Ocurre con 88 minutos como ocurre, también, con Asesinato justo. El bueno de Avnet hizo un trabajo genial años atrás con Tomates verdes fritos, pero esa tendencia de los últimos tiempos a meterse en thrillers le está pasando factura a su reputación, bien sea porque no es tan bueno como parecía o bien sea porque en este género hay cineastas que son verdaderos genios. Jon Avnet nos presenta el clásico thriller en el que el protagonista tiene que ir a contrarreloj, algo que sirve de soga para ir ahogando al espectador con la tensión si se hace bien, pero que también puede provocar que el espectador busque esa misma soga para darse muerte tras asistir a un cagarro como el que nos presenta aquí el señor Avnet. Con 88 minutos pasa que el protagonista nos importa una mierda y que los secundarios, todos sospechosos de forma totalmente forzada, nos despiertan la misma simpatía que una piedra, una bombilla o un cenicero. La diferencia con la piedra es que ésta es sólida; la diferencia con la bombilla es que tiene luces... El cenicero, en cambio, es un recipiente vacío, exactamente igual que los personajes. Me quedaré con eso. Por otra parte, el ritmo de la película es torpe, el guion de Gary Scott Thompson es incongruente y se mete en berenjenales innecesarios y, para rematar, el clímax es lo más alejado a la tensión que puedas imaginar, casi tan liviano como ver a Epi y Blas echando una partida de mus.

Al Pacino está encrespado, como un yonki necesitado de coca que tiene que terminar sus quehaceres antes de salir a por su bolsita. Pacino hace la película porque le pagan, pero su entusiasmo es mínimo y eso, incluso para un actor de su calibre, es demasiado negativo. El intento de convertir a todos los personajes en sospechosos hace que Alicia Witt se vea totalmente cohibida, sin posibilidades, por lo que sus intentos de aportar algo son en vano. A Leelee Sobieski la encontramos en 88 minutos mostrando su peor versión, esa que se toma demasiado en serio a sí misma y que sobrevalora su talento, conduciéndola a que lo que ella trata de representar como matices se convierta en un magnífico ejemplo de lo que es sobreactuar. Amy Brenneman es, posiblemente, la más correcta del reparto, algo que no es decir mucho teniendo en cuenta que está en la línea que separa el aprobado del suspenso. Deborah Kara Unger no goza en pantalla de mucho tiempo y no consigue aportar demasiado (lo que me parece otro error de Avnet) y Ben McKenzie hace lo que puede dentro de un ser humano poseído por un estereotipo.

Resumiendo: 88 minutos son demasiados cuando no tienes nada que contar. En la película sucede que su guionista, Garry Scott Thompson, utiliza relleno para sumar líneas a su guion y su director, Jon Avnet, no se da cuenta del engaño y lo eleva a la máxima potencia. 88 minutos es la película que hay que ver sí o sí para saber cómo no debe hacerse nunca un thriller.

Guerra mundial Z es una mezcla de blockbuster puro y duro y cine zombi. Combina relativamente bien ambos géneros pese a que se decanta por el primero.

Marc Forster dirige y lo hace verdaderamente bien manejando acción real y otra generada por ordenador. Los primeros 10 minutos de Guerra mundial Z son una auténtica obra maestra, con un detonante para la historia que nos sorprende, nos abruma y nos descoloca para hacernos entrar en una tensión que se mantiene en el cuerpo durante gran parte de la película gracias, también, a que en su recorrido nos encontramos con nuevos picos de tensión. El único error que comete Forster a mi juício, o al menos el más destacable, es intentar convencer al espectador de que adopte sentimientos en determinados momentos de la película en los que no debería forzarnos, puesto que si sus imágenes no son lo suficientemente potentes, recurrir a ralentizar la imagen y a un hilo musical que inspire melancolía resulta un tanto insultante. El guion es lo más flojo de Guerra mundial Z, puesto que es más un intento por recopilar todas las situaciones que han querido que se den en la película que de crear una historia que tenga suficiente con su capacidad narrativa. Eso, poco a poco, va haciendo que la película vaya perdiendo la motivación del espectador.

Brad Pitt está soberbio pese a que yo, personalmente, le prefiero en otros papeles más vistosos y menos típicos. Ahí es donde muestra su auténtico potencial. Aquí, su personaje está muy limitado, lo que siendo el protagonista nos deja bien claro que tampoco va a haber especial interés en desarrollar a los secundarios. El reparto está plagado de pequeños papeles interpretados con más decencia de la que ofrecen los personajes sobre el papel. Mireille Enos está a un nivel notable y Daniella Kertesz saca matrícula de honor en una interpretación que vive de su expresión facial. A partir de ahí, hay poco que rascar en cuanto al reparto, mayormente porque a nadie le da tiempo a ser valorado como es debido.

Resumiendo: Guerra mundial Z ha sido, para mí, una grata sorpresa. Con unos efectos especiales deslumbrantes, unos puntos del recorrido con gran tensión y un ritmo frenético, el entretenimiento está asegurado. De la secuela se encarga Bayona. Buen punto de partida y buen director. Esperemos que nada salga mal.

Gravity adapta la novela de Tess Gerritsen (con polémica incluída, puesto que la película no lo incluye en los créditos). Nos presenta el universo como nunca antes lo habíamos visto con el pretexto de contar una potente historia humana. Aissss... casi...

Alfonso Cuarón dirige la que, para muchos, es su mejor película hasta el momento. El trabajo del cineasta mexicano es excelente tras las cámaras, eso es cierto, pero hay que reconocer que gran parte del mérito de Gravity está en el trabajo con ordenador. Los efectos especiales son una absoluta barbaridad y constituyen, sin ningún tipo de duda, el punto fuerte de Gravity. Es una maravilla ver tanto realismo en algo que no existe físicamente. Cuarón contribuye creando algunas escenas de tensión excepcionales, en las que el espectador no puede hacer nada más que contener la respiración ante lo que está viendo. Sin embargo, el guion parece más un pretexto en la película que una parte de ella y la ansiedad real de la protagonista es difícil de sentir más allá de las escenas en las que lo visual supera a lo mental. No hay nada en los planos ni el el montaje que contribuya tanto como debería a que sintamos lo mismo que ella.

Sandra Bullock está realmente bien, aunque le falta medio escalón para llegar al excelente. Eso, en una película volcada a nivel de producción en los efectos especiales y en el "modo documental", es una verdadera putada. Si al personaje de Bullock ya, de por sí, le falta fuerza, la inmortal actriz no consigue rellenar ese espacio. O al menos no del todo. George Clooney, como complemento, sí suma todo lo que debiera, aunque su personaje no sirva de mucho más allá de intentar que recaiga sobre él parte de la carga mental de la protagonista.

Resumiendo: Gravity es una maravilla técnica, una impoluta creación visual y una de las películas más interesantes de su año. Sin embargo, su insuficiente fuerza personal lastra la película hasta cierto punto. Aun así, totalmente recomendable.

La maldición de Chucky significa el regreso a las pantallas de uno de los asesinos más divertidos de todos los tiempos. Esta sexta entrega de la saga vuelve a sus orígenes, primando el terror por encima de la comedia aunque sin olvidarse de los chistecillos habituales.

Don Mancini, padre de la criatura, dirige su segunda película en la franquicia. La anterior, La semilla de Chucky, era la segunda comedia y dio carpetazo a esa minisaga compuesta por las entregas cuarta y quinta. Aquí Mancini nos vuelve a presentar a Chucky desde el silencio, como se hiciera en la primera película, casi a modo de reboot para la nueva generación de espectadores. Mancini hace una película de terror de A-B-C, sin complicarse ni excederse. Sigue los patrones básicos, entre los que se encuentran los muertos evidentes que empiezan la película vivos, el ligero suspense, las cámaras en mano y los sobresaltos acompañados de crescendos musicales. En lo que Mancini sí destaca es en la estética, bastante más oscura incluso que en la primera película. Además, el director se sirve de los avances tecnológicos para darle a Chucky una expresividad que da incluso algo de mal rollo. Pese a que podría dedicar la película a mostrar cómo la expresividad del muñeco diabólico se ha convertido en algo casi humano, Mancini prefiere ser fiel a una de las bases de la saga: que se vean solamente partes de Chucky, bien sea una mano cogiendo un cuchillo o bien sus pies mientras se esconde. La violencia de la película es bastante fuerte por momentos, destacando un asesinato que precede a un descacharrante homenaje a Al final de la escalera, una de las mejores películas de terror de todos los tiempos.

Fiona Dourif (hija de Brad Dourif, quien presta voz a Chucky) protagoniza la película y lo cierto es que está bastante bien, más si tenemos en cuenta que por lo general no se cuida demasiado la interpretación dentro del cine slasher. Ese es un gran punto a favor de La maldición de Chucky, puesto que todos están correctos como mínimo. Danielle Bisutti está colosal, Brennan Elliott se adapta de cine a su papel de padre casi testimonial, Maitland McConell es la que muestra un nivel más bajo, pero aun así aprueba y, por último, la pequeña Summer H. Howell interpreta a la niña de la película, el blanco para ese asesino con cuerpo de muñeco llamado Charles Lee Ray. La aparición estelar de Jennifer Tilly es maravillosa.

Resumiendo: La maldición de Chucky logra un gran resultado en su idea de relanzar y hacer renacer una de las sagas más importantes del cine slasher. Película cuidada, que conoce y aprovecha sus puntos fuertes, que conoce y minimiza sus puntos débiles y que establece una simpática conexión con el espectador sin dejar de tener esa mala hostia tan característica de Chucky.

Desmontando a Harry es Woody Allen. ¿Quieres saber cómo es el cine de Woody Allen? ¿Cómo es su vida? ¿Cómo funciona su cabeza? Échale un vistazo a Desmontando a Harry. Ahí está todo.

Woody Allen es uno de los tipos con más imaginación para esto del cine que puedo recordar. En Desmontando a Harry, el polifacético artista nos hace una disección y exploración microscópica de un personaje vividor, neurótico y mucho más amigo de la ficción que de la realidad. Se describe a sí mismo con la habilidad de quien ha sabido conocerse por completo y se expone con la pericia de quien no teme a nada. Su incalculable inventiva hace de Desmontando a Harry una película con su propio universo, una historia en la que la ironía, el sarcasmo, lo ácido y lo absurdo se muestran como elementos tan necesarios como el propio oxígeno. Allen construye con manos de artesano a un personaje al que luego despelleja con la precisión de un cirujano a ritmo de jazz mientras la palabra, siempre llena de ingenio, cubre el silencio constantemente. El éxito de su autorretrato modificado es palpable desde el primer minuto.

El propio Woody Allen, quién si no, protagoniza su película. Nervioso, inquieto, inseguro, charlatán... Es que no hay nada que se le de mejor a Woody Allen que hacer de Woody Allen, sobre todo en una película dirigida por Woody Allen en la que se cuenta la historia de Woody Allen. Mucho Woody Allen, sí, pero es que esta es su película de cabo a rabo y todo lo demás son añadidos. A pesar de eso, hay que destacar trabajos perfectos como los de Elisabeth Shue, Billy Cristal, Demi Moore, Judy Davis, Julia-Louis Dreyfus o un jovencísimo Tobey Maguire, además de la debutante Jennifer Garner. Para hablar de grandes trabajos en el reparto, tendría que poner el nombre de todos, esa es la verdad.

Resumiendo: Desmontando a Harry es una comedia en estado puro. Es 100% Woody Allen. Eso es sinónimo de: calidad, buen cine, diversión, locura, inquietud, universos paralelos, más locura... y genialidad.

El castigador, o The Punisher para los que así lo preferimos, adapta uno de los cómics favoritos de los fans de Marvel. Un personaje carismático, una historia potente, viñetas oscuras, violencia extrema... Nada que ver con la película, para entendernos.

Jonathan Hensleigh debuta en el largometraje y su trabajo es difícil de empeorar. No tiene nada claro de qué trata esto de contar la historia de The Punisher y, en lugar de buscar aroma a thriller, a cine negro puro y a violencia extrema pero elegante, Hensleigh se decanta por una película en la que el color es uno de sus máximos enemigos. A ese enemigo se asocia Hensleigh y, cuando a eso unimos un juego de planos y unos travellings ridículos, nos queda un poco una mierda. El director se empeña en que su personaje principal sea la leche y, pudiendo conseguir eso mismo con una perspectiva distinta, se decanttra.a por un patético intento para conseguir que cada escena en la que abre la boca el tipo de la calavera sea épica. El guion, del que el propio Hensleigh es el máximo responsable (junto a Michael France y Michael Tolkin), ofrece un desarrollo abocado a la catástrofe, guiándose solamente por el ansia de explotar cosas, disparar y engrandecer a los personajes dibujándolos desde los diálogos, cosa casi suicida teniendo en cuenta que, en The Punisher, cada línea de diálogo es un monumento a la vergüenza ajena.

Thomas Jane intenta ser tan intenso que le da la vuelta al marcador. La tortura interior de su personaje no la siente el espectador más allá de la tortura que es la película en sí misma. John Travolta es el único que se libra de la quema, un tipo con buenas maneras que, al estar curtido en mil batallas, tiene aplomo de sobra para nadar entre la mediocridad de la producción. Rebecca Romjin-Stamos, pese a hacer un trabajo aceptable, se ve masacrada por un personaje sin ningún tipo de meta. Will Patton está tan limitado por su personaje que apenas puede permitirse un intento por conseguir algo con su interpretación. Ben Foster y el recientemente fallecido John Pinette están acertados, pero sus personajes, que no son más que dos estereotipos andantes, no dan más de sí. Laura Elena Harring cierra el reparto con un trabajo bastante pobre.

Resumiendo: El castigador es una mala adaptación del cómic y una mala película. Partiendo de la base de que la película adapta la etapa menos violenta de la ya larga vida de The Punisher, hay que decir que hasta puede tener un pase en ese sentido. Lo que sucede es que, si te saltas algo de lo que adaptas porque el lenguaje cinematográfico es distinto a todos los demás, debes asegurarte de que estás en lo correcto. Si no, pasa lo que pasa, que metes El castigador en la cima de mierdas de películas de Marvel, sentado inmediatamente al lado de Elektra.

La era del rock (a partir de ahora Rock of Ages, título original) lleva al cine un popular musical dirigido por Chris D'Arienzo plagado de canciones de los 80 fácilmente reconocibles para cualquier ser humano.

Adam Shankman no es un gran director y, en Rock of Ages, sus puntos flacos son bastante visibles. Sin embargo, el dinamismo con el que dirige la película es un puntazo y si a eso le sumamos el excelente trabajo de montaje en post-producción, el resultado son unos números musicales que dan el pego y parecen perfectamente coreografiados. Es cierto que Shankman no está a la altura en lo relativo a la ejecución del guion, dejando que el entusiasmo de sus personajes principales parezca esfumarse en ocasiones, pero nada de eso parece importar demasiado cuando estalla una nueva canción. Ahí es donde Shankman sale ganando, puesto que la película está tan cargada de números de voz (y a veces baile) que la diversión no está en la bien planteada pero mal definida historia de amor, sino en el homenaje a la música de una década histórica. Las canciones, por su parte, son personajes puntuales de la película, ayudando a contar determinadas situaciones. Hay que destacar que las versiones, lejos de atentar contra los clásicos, los tratan con respeto y hay alguna de ellas absolutamente impresionante, como la que mezcla More than Words (Xtreme) con Heaven (Warrant), cambiando casi por completo ésta última para adaptarla a la primera.

Julianne Hough ofrece una candidez adorable y buenas maneras. Diego Boneta es menos actor que cantante, pero así y todo deja buenas sensaciones aunque la mayoría de ellas sean sobre el escenario, que es donde más cómodo se siente. Tom Cruise es una de las grandes estrellas de la película ya que, lejos de sobreactuar en un personaje que ya de por sí es extremo, se ciñe a lo que se le pide, demostrando una vez más que esos papeles son los que mejor se le dan. Catherine Zeta-Jones, brillante como gata en celo que se disfraza de puritana. Bryan Cranston, alcalde (marido de Zeta-Jones en la película) es uno de los que más hace con menos, puesto que su personaje es un simple añadido que, sin embargo, se abre paso gracias al trabajo del actor. Russel Brand y Alec Baldwin son las otras dos estrellas (además de Cruise) de la película y brillan muchísimo por separado, pero cuando se juntan se forma un auténtico boom generado por una complicidad fantástica. Paul Giamatti es un hombre para todo y siempre está a un gran nivel, pero cuando se trata de hacer de capullo, lo suyo pasa a ser legendario. Malin Akerman, que interpreta a una reportera con la ropa interior un poco suelta, está sobresaliente. Mary J. Blige cierra el elenco principal con un trabajo muy serio. Todos ellos, además, hacen gala de voces impresionantes y hay que recordar que solamente Diego Boneta y Mary J. Blige se dedican a la música de forma profesional.

Resumiendo: Rock of Ages es el Grease del Siglo XXI. En una época en la que todo son refritos, remakes y reboots, era casi obligatorio hacer un musical en el que la banda sonora estuviese formada por clásicos de otra época. Podía hacerse a lo burro o podía hacerse con el mayor de los respetos. El musical de Broadway que da origen a la película optó por lo segundo y tanto Warner Bros como New Line Cinema (que son muy de adaptar) llevaron ese respeto al gran público. Para mí la película, entendida como tal, es floja... pero desde el punto de vista de musical melancólico es difícil de superar. Me encanta.

Shakespeare in Love es una de las pocas películas que puede presumir de haber ganado siete premios Oscar, además de otros tantos prestigiosos galardones como tres Globos de oro o tres BAFTA. Se nos cuenta una historia de ficción sobre William Shakespeare mezclando la comedia y el drama.

John Madden, director británico de cine y teatro, está tras las cámaras en Shakespeare in Love con una técnica impecable. El guion, de Marc Norman y Tom Stoppard es una maravillosa comedia de enredos de época que nos dibuja una historia con un alto contenido cómico enfrascado en un drama romántico. Madden, en el que es seguramente su mejor trabajo, recurre al diálogo fluido como hilo conductor y a sus genuínos Romeo y Julieta como poderosas bases. A partir de ahí, con unos personajes secundarios que complementan la historia de forma brillante, la película se desarrolla con fluidez y con la tensión necesaria para sostener el interés más allá de los continuos gags y de una puesta en escena brillante que deslumbra más todavía gracias a un trabajo de vestuario extraordinario y a unos decorados construidos con mimo y acierto.

Joseph Fiennes y Gwyneth Paltrow protagonizan la película. Fieness está soberbio, metidísimo en un personaje que requiere de muchos matices para plasmar su evolución. Paltrow está sobresaliente, cándida pero decidida y con una capacidad bárbara para encontrar los detalles de su personaje. Lo más destacable de ambos es, sin embargo, una química apabullante, demoledora. Entre los secundarios, el trabajo no baja el listón. Geoffrey Rush está simpatiquísimo, Ben Affleck se ciñe a su personaje con esmero, Colin Firth se maneja con brío en su labor de villano, Tom Wilkinson aporta galones y sentido del humor y Judi Dench está imperial.

Resumiendo: Shakespeare in Love es una película con un diseño de producción sensacional, una dirección muy coherente, un guion astuto y un reparto sensacional. Sin embargo, no es la obra maestra que parecen acreditar los cada vez más irresponsables Premios de la Academia. Eso sí, es un entretenimiento bárbaro.

Siete almas es una película hecha para llorar. Sincera, sentimental y directa. Encantará a vuestra madres y a vuestras abuelas, acostumbradas a telefilms baratos.

Gabriele Muccino dirige Siete almas y lo hace con las cosas claras. Desde el principio, Muccino sabe que tiene que buscar ya no la lagrimita sino la cascada lacrimógena y con tal fin nos presenta su trabajo en la película. Tanto a Muccino como a su guionista, Grant Nieporte, les importa un rábano pasarse por la axila cualquier atisbo de sentido común. La coherencia no tiene cabida en la historia que se nos cuenta, así como tampoco la moralidad si nos ceñimos a su concepto más estricto. Aquí todo va sobre redención enfocada desde un punto de vista forzosa y forzadamente sentimental. Partiendo de ahí, hay que reconocerle a Muccino sus esfuerzos por esconder la evidencia, así como su buen trabajo logrando la química de los personajes principales (más allá del trabajo actoral). Por otra parte, Muccino también acierta con el ritmo y consigue que las dos horas de películas mantengan la intensidad y que la narración esté plagada de frases que hay que escuchar, por muy artificiales que suenen. Mención especial merece la banda sonora, acertadísima.

Will Smith hace un grandísimo trabajo en uno de sus mejores papeles dramáticos y lleva en volandas a la narración. Rosario Dawson es el complemento perfecto para Smith (su química es verdaderamente flipante) y esa fragilidad que imprime la actriz es altamente necesaria para su personaje y, por extensión, para la película. Los secundarios están a un nivel altísimo, desde un Woody Harrelson adorable hasta un Michael Ealy que brilla en cada una de sus apariciones, pasando por Barry Pepper, quien aprovecha su poco espacio.

Resumiendo: Siete almas es puro sentimiento. La película va directa a tu corazón y, a pesar de sus pocas luces, consigue llegar hasta él. No puede decirse que sea sentimentalismo barato, pero sí habría que preguntarse si se puede renunciar a la lógica para llegar a la lágrima. Yo opino que no.

Faust: La venganza está en la sangre adapta un cómic de Tim Vigil y David Quinn sobre demonios en la Tierra, gore y sexo explícito. Fue la primera película de la ya fallecida productora española Fantastic Factory.

Brian Yuzna, director extraño, se encarga de la adaptación de Faust con un guion de David Quinn, uno de los creadores del cómic. Yuzna, para los que no hayáis visto nada suyo, es un tipo que gusta del gore de serie B, que disfruta con trabajos de bajo presupuesto y que ofrece al espectador cine de muy baja calidad. En Faust, Yuzna sigue haciendo de las suyas con un trabajo mal planificado y con pocas luces, pero por lo menos consigue un resultado divertido. Faust es una película mala, sí, pero no por ello es un mal entretenimiento. El hecho de que Yuzna intente hacer humor con los diálogos y las situaciones rocambolescas consigue que se dé la curiosa situación de que te acabas riendo pero no necesariamente de aquello de lo que en teoría deberías reírte. Los efectos especiales y los de maquillaje, dado el presupuesto de la película, son aceptables.

Mark Frost protagoniza la película y lo hace más o menos bien, exagerando su desdoblamiento de personalidad pero dentro de los límites. Isabel Brook encabeza a los secundarios con un trabajo correcto. Andrew Divoff es el villano y su trabajo es, de lejos, el mejor de todo el reparto. Jeffrey Combs, famoso por Re-Animator y que trabajó en las secuelas de este gran clásico con el director Brian Yuzna pone el punto carismático a la película con una labor aceptabe. Mónica Van Campen, actriz catalana conocida por aquel famoso anuncio de "Busco a Jacq's", es la que pone la salsa en la película interpretando a una lujuriosa mujer con más curvas que talento.

Resumiendo: Faust es mala, pero tengo que reconocer que a mí me encanta. Me río con ella, disfruto de la sangre, me entretengo con su guion facilón... La vi por primera vez al poco de estrenarse y desde ese momento la perdí de vista y la estuve buscando hasta que un día, sin más, cayó en mis manos. Esa anécdota, que no os importa, os la cuento por la simple curiosidad que se dio: la vi el dia 30 de abril, el mismo en el que empiezan los hechos de la película. Una curiosidad tan absurda como la película en sí misma.

Carrie es el remake de la película de 1976 de Brian de Palma y adapta (como aquella, obviamente) un relato de Stephen King. Dirigida a un público actualizado, esta nueva versión es, cuanto menos difícil de ver.

Kimberly Peirce tiene delirios de grandeza de difícil digestión. Las mejores escenas de la película son aquellas que intentan ser un calco de las de la película original. ¿La diferencia? En las de Brian de Palma había estilo, originalidad y atrevimiento; en las de Peirce simplemente hay un abuso de la cámara lenta (con repeticiones desde varios ángulos incluidas) que se adentran en el reino del esperpento. El mensaje de la película, implícito en la atmósfera de la película original, intenta aparecer aquí a base de palabras que suenan forzadas hasta el límite. Si deshojamos la margarita y obviamos que Carrie es un remake, si intentamos juzgarla como película "autónoma", lo que nos encontramos es una floja película de terror blando adolescente que no explota su mejor baza (la relación madre-hija) y que evidencia una personalidad adolescente como producto, estando tan orgullosa de sí misma y cuidando tanto su imagen que al final se convierte en un mar de carencias con aspecto cutre. Quisiera repetir, para que quede claro, el tema de la cámara lenta. ¿Por qué? Porque Brian de Palma también la utilizó, pero para todo en esta vida hay que tener talento. La ralentización que nos ofrece Peirce es más propia de algún slasher comercial que de la revisión de uno de los grandes clásicos del cine de terror.

Chloë Grace Moretz es una diosa. Motiva, y mucho, saber que hay tanto talento encerrado en tan poca edad y que, por consiguiente, nos esperan muchos años de grandes interpretaciones por parte de una actriz excepcional. Julianne Moore está brillante y consigue levantar a su personaje, dibujado de forma tan extrema que es imposible apreciar nada en él salvo por el trabajo de Moore. Los secundarios están a un nivel un tanto irregular: Gabriella Wilde hace una labor correcta pese a vivir en un personaje que enjaulado, Portia Doubleday pone tanto empeño en resultar odiosa que cruza el límite que convierte su trabajo en un auténtico despropósito, Judy Greer es la que mejor nivel muestra de entre el elenco secundario (también es la única que no está ahí por su cara bonita) y Ansel Elgort intenta, sin éxito, dar vida a su personaje.

Resumiendo: Carrie es un remake más o menos fiel, pero Kimberly Peirce destroza todo aquello en lo que trata de innovar. Como película, sin entrar en comparaciones, es verdaderamente floja y camina por la senda de la ridiculez con demasiada ignorancia. En líneas general, esta Carrie de 2013 es, básicamente, Carrie para amantes de Crepúsculo.

Un mar de líos es la típica comedia romántica llena de buenas intenciones que se ve un domingo por la tarde. Una película comercial, consciente de sí misma y que se consume con la misma facilidad con la que se olvida.

Garry Marshall, un tipo muy de comedia romántica, dirige Un mar de líos y lo hace llenando la pantalla de convencionalismos. Hay que decir que la película ha envejecido terriblemente mal y que el color tiene un aire a cine porno, pero más allá de eso, Marshall nos deja un producto sencillo, derivativo y entretenido. El guion corre a cargo de Leslie Dixon y en él se nos cuenta una historia de esas en las que uno de los personajes principales atraviesa una situación (amnesia, en este caso) por el que se ve envuelto en un viaje de autoconocimiento. Tenemos dos protagonistas enfrentados al principio, con personalidades similares pese a sus enormes diferencias y, a partir de ahí, simplemente se deja rodar la rueda para que todo vaya por el cauce marcado. Marshall no se calienta la cabeza demasiado (eso es algo aplicable a todo su cine), poniendo algo de énfasis en las escenas más simpáticas pero sin mear fuera del tiesto.

Kurt Russell está francamente bien, mostrando la otra cara de la moneda del tipo duro al que tantas y tantas veces ha interpretado. Goldie Hawn está mucho mejor cuando le toca ser humilde, tanto a nivel interpretativo como a nivel de belleza. Edward Herrman está, hasta cierto punto, tan ridículo como su personaje, solo que no del mismo modo. Los pequeños están interpretados por Brian Price, Jared Rushton, Jamie Wild y Jeffrey Wiseman, formando un divertido póker infantil. Michael Hagerty cierra el reparto con un trabajo muy divertido.

Resumiendo: Un mar de líos es la convencionalidad hecha película. Pese a lo rocambolesco de su planteamiento, no deja de ser la típica comedia romántica y, como tal, sigue el sendero de la previsibilidad. Fácil de ver y difícil de recordar. Un sano pasatiempo.