Estamos en la Alemania de la Guerra de los Treinta Años. El joven Krabat, en respuesta a un sueño en el que aparecen once cuervos normales y otro vacío que le habla y le da cuestionables consejos, acude a cierto lugar donde hay un molino. Allí, además de las actividades habituales para un molino, tienen lugar otras ya no tan normales. Porque a cargo del lugar hay un hombre vagamente siniestro muy versado en magia negra, que está buscando un aprendiz. El duodécimo, para más datos, puesto que ya hay otros once muchachos aprendiendo tan dudosas artes. En el grupo de jóvenes las relaciones no están tan bien como, quizás, deberían; pero aun así hay cierto clima de unión, y Krabat se granjea incluso un auténtico amigo, Tonda. Que sin embargo no está del todo conforme con lo que sucede en el molino, ni con aquel singular aprendizaje...

Uno de los grandes méritos de este filme alemán, cuya primera versión lamentablemente desconozco, es el particular ambiente que reina en el molino. Los doce muchachos están allí porque desean ser especiales, destacar por encima de la gente normal. Hay mucha ambición, y ya se sabe que en ella el Diablo encuentra grandes oportunidades de seducir a los mortales. Por consiguiente, desde el principio se advierte el Mal en el molino, algo que asusta pero a lo que es difícil resistirse. Porque Krabat ha encontrado un lugar al que cree pertenecer. "Ustedes son todo lo que tengo", le dirá en determinado momento a su amigo Tonda. En ciertos momentos, un clima festivo se impone por encima de cualquier diferencia que pueda existir entre los doce aprendices. Ese es el flanco más seductor del Mal. Pero también está el otro. Krabat lo irá notando de a poco, con todas y cada una de las advertencias de Tonda y a medida que todas ellas demuestren ser sensatas cuando, tal vez, parezca que ya es demasiado tarde para desandar el camino. Si lo será realmente, no lo contaremos aquí.

Otro gran acierto es la sobriedad en los efectos especiales. Son muy pocos, pero correctamente usados, muy lejos del carnaval que usualmente se observa en filmes de Hollywood. Por el contrario, la fotografía es la que aquí luce de gala en sus soberbias tomas de paisajes que dejarán boquiabierto al espectador a la vez que producirán la sensación de que, realmente, alrededor de los personajes hay magia, y mucha.

En lo interpretativo no hay grandes hallazgos. Probablemente sus roles no les demanden demasiado, porque lo cierto es que tampoco podemos extender dedos acusadores sobre ningún intérprete, si nos esforzamos por ser honestos. En lo que a mí concierne, mirando diez años hacia atrás y quizás todavía más allá en el tiempo, KRABAT Y EL MOLINO DEL DIABLO es no sólo una auténtica obra maestra, sino la mejor película fantástica que se haya rodado en ese lapso.

Tras leer en Internet entusiastas críticas de esta película que en Argentina demoró en estrenarse, procedí a ver los correspondientes trailers que me interesaron lo bastante para adquirir el libro en que se basó el filme. El libro no me gustó mucho, es mucho más crudo que la película y en general de mal gusto. No así podemos hablar, sin embargo, de su versión fílmica. Esta es mucho más sutil y hace que el resultado sea poético y bello. Lo que no quiere decir que no produzca algún buen sobresalto. De hecho, lo que a mí me sorprendió fue que en dos oportunidades en que yo sabía lo que iba a ocurrir, sin embargo brinqué de tal manera que se hubiera dicho que me habían tomado por sorpresa.

De cualquier forma, aunque se trata de un filme de vampiros, difícilmente podría caratulárselo dentro del rubro "Terror". En realidad coincido con aquéllo que leí en alguna parte describiendo a DÉJAME ENTRAR como "un cuento de hadas salvaje, oscuro y frío" con algún apunte social que vale la pena valorar en una obra como ésta. Porque la trama gira en torno a Oskar, un muchacho que es continuamente hostigado por algunos de sus compañeros de curso. Tal vez no sea extraño, en consecuencia, que su principal pasatiempo consista en coleccionar recortes periodísticos sobre asesinatos seriales y monstruosos. Sin duda, él anhela en cierta forma poder desquitarse de sus temidos victimarios, acabar en forma drástica con los padecimientos que le infligen.

Y un buen día conoce a su vecinita, Eli, más o menos de la misma edad que él. Solitaria y extraña, empezarán mal su relación, pero poco a poco eso irá cambiando. A fin de cuentas, de alguna manera sólo se tienen el uno al otro. Y así, inevitablemente, terminarán enamorados. Pero Eli no es lo que Oskar supone...

Ya al libro, aunque no me haya conformado del todo, había que reconocerle el mérito de abstenerse de los empalagosos excesos de la saga CREPÚSCULO, y si bien aquí la historia de amor entre Oskar y Eli destaca más que en su formato original, el literario, lo cierto es que en ningún momento la trama se pone edulcorada o aburrida. En cambio, lo apuntábamos arriba, gana en poesía al evitar toda la truculencia y el morbo que impregnaba la novela original. Y no porque se haya alterado radicalmente el argumento; se lo trata de diferente manera, y nada más.

DÉJAME ENTRAR, mesurada, con buen gusto y con actuaciones correctas, se erige así en uno de los mejores exponentes de la actual filmografía vampírica. Y por suerte, el público supo reconocerlo. Es que a veces, milagrosamente, se hace justicia...

Hay en esta película una escena verdaderamente impagable, la de Lucius Fox (Morgan Freeman) respondiéndole con ironía al abogado que pretende chantajear a Bruce Wayne. Luego, está la tan mentada actuación del finado Heath Ledger como El Guasón. No digamos que lo hace mal, pero creemos que la alaraca que se hizo al respecto es exagerada. Se dice que Ledger está irreconocible. Es verdad, pero todo el tiempo está maquillado, incluso más allá de la lógica argumental (que El Guasón sea arrestado y a ningún policía se le ocurra quitarle el maquillaje y sacarle una foto a cara lavada para identificarlo, es un absurdo de antología) y en esas condiciones creo que es más fácil olvidarse de quién es el que está interpretando a tan siniestro personaje. Si tan sólo en una escena se le hubiera privado del maquillaje, el hechizo se hubiera roto, la magia hubiera desaparecido. Por lo demás, mentes pequeñas, simplistas y prejuiciosas que previamente veían a Ledger como un carilindo incapaz de una buena actuación, forzosamente tenían que sorprenderse al verlo caracterizando al célebre villano. Aunque se debe reconocer que un amplio historial de apariciones en pésimas películas donde el actor se lucía poco y nada tampoco alentaban a ponerle un voto de confianza.

Por lo demás, EL CABALLERO OSCURO no defraudará a quienes sean de aquellos que, cuando un tren atropella a una persona, corren con mucha urgencia y entusiasmo a ver cómo quedó el infortunado, y aún así, cobardemente, rechazan la idea de ser malas personas; para los que se niegan a admitir que les importa muy poco que alguien haya muerto horriblemente, tal vez dejando atrás gente que dependía de él, con tal de regodearse en el espectáculo morboso de las vísceras y la sangre. Y es que este tipo de espectadores hará juego con la película, hipócrita a más no poder en su intento de persuadirnos de que Harvey Dent es un héroe. Si de veras los realizadores lo creyeran así, con seguridad el filme giraría en torno a Dent, pero este personaje les importa un comino, excepto porque está predestinado, ya desde la historieta en que se basa, a convertirse en Dos Caras. El supuesto héroe, en cambio, es Batman, que de existir realmente él y el mundo pesadillesco que describe esta película, tal vez lo sería de verdad, a su modo. Pero por suerte la realidad todavía no está tan degradada, por mucho que lo intente, como el universo ficticio de EL CABALLERO OSCURO; por lo que Batman no es más que la encarnación del apetito de violencia de ciertos espectadores.

Con esto no quiero pasar por puritano. Una cierta dosis de violencia hay en todos nosotros, y la épica existe precisamente debido a esa dosis de violencia. Pero para todo hay un límite, y aunque es difícil precisar dónde está ese límite, lo que no es difícil es precisar que esta película desagradable lo dejó atrás desde hace rato.

Quien considere que esta película aburrida como contar cubitos de hielo merece un rotundo 1 hará bien en tratar de leer el libro en el que se basa. Comparada con el susodicho, la versión fílmica es todo un derroche de adrenalina y emociones fuertes. Básicamente, sin embargo, el formato en celuloide sigue casi milimétricamente eargumento imaginado por Stephanie Meyer, en el que los únicos personajes interesantes con Jakob (si es que se escribía así), su padre y James. Este último tiene a cargo los únicos momentos emocionantes tanto del libro como de la película, pero en ésta aparece bastante antes que en la novela original. O eso creo. la verdad es que el libro me aburrió tanto que tuve que saltearme páginas y páginas. El filme no es para tanto, si bien produce cierto sopor casi desde el comienzo, los únicos momentos en que uno tiene ganas de gritar que acabe el suplicio están al final, y cuando uno ya está a punto de cambiar de canal, llegan los muy bienvenidos créditos, por lejos lo mejor de la película.

Quién sabe, tal vez el problema esté en parte en mí. Ya no soy adolescente (decididamente!!!), no soy mujer; los años me cansaron bastante, lo suficiente para no desear la inmortalidad ni la juventud eterna, sino sólo vivir unos cuantos años más y luego acostarme como para dormir, y ya no despertar más, al menos en este mundo o esta vida. Es la mía, por lo tanto, una mentalidad que muy difícilmente puede disfrutar de esta historia de amor teenager entre un vampiro que encima es casi indestructible y una humana. Aun así, me parece que tanto personajes como situaciones son bastante chatos, unidimensionales.

Para concluir, una humilde pregunta: ¿podría saberse por qué se llama CREPÚSCULO?

El opus inicial de Sam Raimi, EVIL DEAD (en Argentina, DIABOLICO) fue un filme de terror de bajo presupuesto y más ingenio que recursos, bastante visceral y hoy película de culto. Años más tarde, la secuela de aquella película, EVIL DEAD II: DEAD BY DOWN (NOCHE ALUCINANTE para los argentinos) parecía más una parodia que una continuación del original, debido a su desopilante humor y a su inicio, que nos traía al único sobreviviente de la primera entrega, Ash, volviendo a la cabaña donde había soportado tantos padecimientos a manos (es un decir) de fuerzas situadas más allá de la comprensión humana, como si no recordara nada de lo ocurrido allí. Hacia el final, el libro causante de tantos males, el Necronomicon Ex Mortis, transportaba a Ash hacia la Edad Media.

Lo que nos lleva a esta tercera entrega de la saga, mezcla de terror, humor, epopeya y romance. Capturado por los hombres de Lord Arthur, un señor feudal del Medioevo, Ash es identificado como el hombre anunciado por el Necronomicon para encabezar la lucha contra el Mal. El nada quiere saber de esto: lo único que le interesa es regresar a casa. Enterado de que el Necronomicon, que se encuentra en una tierra siniestra y maldita, es la clave para terminar con la seguidilla de posesos, muertos vivos y afines, Ash, cual caballero de resplandeciente armadura en misión santa, parte en su búsqueda... Los hechos: el libro es también la clave para volver a a casa, por eso va en su busca. Cuando, siguiendo instrucciones de un hechicero, llega el momento de pronunciar ciertas palabras antes de apoderarse del Necronomicon, no las recuerda bien. Es el acabóse.

¿Cómo se califica a una película cuyo argumento no tiene pies ni cabeza y ni siquiera es encasillable en determinado género? En este caso, tuve en cuenta que el filme cumple con los requerimientos del género predominante en cada tramo, provocando estremecimiento cuando la trama se desvía más hacia el terror, risa cuando gira hacia la comedia, etc. El clima de Medioevo onírico y tenebroso está recreado con maestría; y Ash, por qué no decirlo, es mi ídolo absoluto. Torpe como el Chapulín Colorado, pero innegablemente emprendedor y práctico, comenzó a lucirse en el filme anterior, cuando se aserraba con una motosierra su propia mano poseída y, tras vendarse, continuaba luchando contra las fuerzas incorpóreas que lo hostigaban. El tipo ya está ducho y ahora no se lo intimida así nomás. Eso de lidiar con muertos vivientes, poseídos y otras yerbas ya es paraél cosa de todos los días.

No es tan diferente del típico hombre de la calle. Nosotros tampoco somos ideales como héroes, tal vez hasta parezcamos chapuceros y caricaturescos en ese rol, pero nos la arreglamos bastante bien enfrentándonos a jefes negreros, gente malhumorada y otros terrores cotidianos tan espeluznantes aunque menos vistosos que los de la ficción...

Suele haber una confusión respecto al concepto de romanticismo, que no necesariamente implica que haya una hiostoria de amor en el medio. Romántico es todo aquello en cuya percepción media lo emocionar antes que lo emocional. Decir que las auroras boreales son las antorchas que encienden los muertos para ayudar a los vivos en las cacerías, como escuché decir por ahí, es una interpretación romántica de dicho fenómeno, por dar un ejemplo.

Una noche estrellada puede inspirar pensamientos similares a científicos y románticos: ¿habrá alguien allá arriba? El científico pensará en la naturaleza de las formas de vida que pueda haber en el Universo, el romántico pensará, emocionado: NO ESTAMOS SOLOS. Y con un sentimiento de enorme soledad y vacío empieza esta película, el de Jenny Hayden (Karen Allen), aún inconsolable tras la muerte de su esposo Scott (Jeff Bridges). Una noche en que se tortura recordando al difunto, un objeto cae desde el cielo: una nave cuyo ocupante sobrevive y se acerca al hogar de Jenny, clonando la forma de Scott a partir de células de cabellos. A partir de allí, el alien intentará, como E.T., retornar a su hogar con la ayuda de Jenny mientras el gobierno intenta darle caza para investigarlo. Y por el camino, ambos terminarán enamorándose.

Las películas de amor no son santos de mi devoción, pero en este caso se trata además de una película romántica. Tanto, que no me importan los defectos que puedan hallársele. Porque, por ejemplo, los cabellos se componen de células muertas, y para la clonación se necesitan, hasta donde sé, células vivas. Y esas misteriosas esferitas plateadas con las que el hombre de las estrellas soluciona casi todo pueden resultar un tanto increíbles, por ser generosos. Así que a quien vote negativamente esta crítica tal vez yo mismo deba darle la razón. Racionalmente, tal vez este filme no valga tanto. El problema es que soy un romántico. Sin duda una noche me encontraré con una invisible Jenny mirando al cielo, como yo, cada uno por sus propios motivos. Y ambos pensaremos: NO ESTAMOS SOLOS.

Y a quien nada de esto le importe, es el propio alienígena el que le responde, desde el celuloide, que lo mejor que tenemos es nuestra diversidad. Total, cada día estamos más globalizados, y seguimos con tantas guerras, y más, que cuando estábamos más diversificados...

Para la pobre Cynthia (Jayma Mays) ha comenzado una verdadera pesadilla tratando de suplir en el puesto que Lisa Reisert (Rachel McAdams) ocupa en el Hotel Lux Atlantic. Un cargo de importancia, algo así como encargada. Todo pasa por ella. Realmente difícil.

Claro que a la pobre Lisa, que tiene fobia a volar en aviones y se ha visto obligada a hacerlo debido al fallecimiento de una parienta, le va mucho peor en cuanto conoce a quien será su compañero de asiento, Jackson Rippner (Cillian Murphy). No se adelanta nada diciendo que es el malo, porque enseguida se puntualiza la similitud de ese nombre con el de Jack the Ripper (Jack el Destripador) y además, la cara lo vende. Nunca se vieron más espeluznantes ojos de víbora en rostro tan carilindo. Se comprende que Lisa se deje seducir por él, pero al mismo tiempo uno se agarra la cabeza, pues sabe que no le irá bien confiando en semejante sujeto.

Y no le va. Ya acomodados en el avión, Jack revela a Lisa, como quien cuenta a un amigo qué ha desayunado esa mañana, que su trabajo consiste en eliminar políticos y otras personas de igual notoriedad y molestas para determinada gente influyente, y que su víctima inmediata se alojará en el Lux Atlantic. Jack quiere de Lisa que haga una llamada para cambiar a dicha víctima de la habitación en la que se hospeda habitualmente a otra en la que será más fácil liquidarlo junto con su familia. Caso de no hacerlo, el padre de Lisa será asesinado.

El thriller no suele ser uno de mis géneros preferidos, pero esta película me dejó sin aliento, por lo que considero que es mayor todavía el mérito de Wes Craven, el famoso director de SCREAM, A NIGHTMARE ON ELM STREET y la primera versión de THE HILLS HAVE EYES. Algunos de los filmes nombrados y sin duda muchos otros de su autoría fueron muy buenos, pero no sé si éste no los supera a todos.

Mención aparte para Cillian Murphy, aterrador en la piel de Rippner. La verdad, luego de su labor en esta película y su interpretación del Espantapájaros en BATMAN INICIA no creí posible verlo haciendo de bueno y poder creerle, pero ahí está su interpretación en SUNSHINE, entre otras, para desmentir tal conjetura. Verdaderamente asombroso...

A ver si alguien recuerda este célebre corto animado de la Warner: el pelado Elmer, allí un millonario que pierde la chaveta y se cree un conejo, anda por todos lados disfrazado de ese animal. Personal de un manicomio intenta atraparlo para someterlo a un tratamiento que le devuelva la cordura. Por error atrapan al conejo Bugs Bunny, siendo éste sometido a un tratamiento que lo convence de ser el millonario Elmer. Con lo cual, luego es Bugs Bunny quien persigue, tratando de darle caza, a Elmer disfrazado de conejo.

Alguna semejanza guarda tal glorioso cortometraje con este filme, pero aquel era mucho más divertido y, sobre todo, más breve. En la interminable 12 MONOS, Bruce Willis es James Cole, quien dice venir de un futuro en el que algo así como cinco mil millones de personas han muerto, arrasadas por un temible virus. De hecho, se muestran imágenes de ese futuro, pero podrían tratarse de las fantasías de un loco. Cole habría retrocedido a 1996 Y previamente, por error, a 1990, con intenciones de impedir la plaga. En ambos casos, en su camino se cruza una psiquiatra interpretada por Madelaine Stowe que, por supuesto, no le cree una palabra y trata de convencerlo de que todo eso es una irrealidad inventada por él. Para cuando empieza a creerle, ¿qué ocurre?: que Cole se ha persuadido de estar loco. Luego ambos creen estar locos y luego ambos creen estar cuerdos, o cosa por el estilo. Si con esto se intentó introducir en la trama un elemento de comedia, se tuvo éxito, pero para entonces ya no me importaba. Faltando (o eso quiero creer, porque el argumento no daba para más) muy poco para el final, ya no la soporté, y dejé de verla, así que no sé, ni me interesa mucho, cómo termina. En ese punto ya casi ni sabía cómo me llamaba.

Ocho años atrás, Sam Bowden (Gregory Peck), abogado, se interpuso entre un depravado, Max Cady (Robert Mitchum), y su víctima de turno, una niña. Cumplida su condena, Cady vaga por las calles de nuevo, decidido a vengarse de Bowden. El problema es que no hace nada específicamente malo o ilegal, nada que permita hacerlo detener. No hace más que merodear en los sitios de los que Bowden y su familia son habitués para poner nervioso al primero. Pero Bowden sabe de las intenciones de venganza de Cady. Desesperado, no ve,para proteger a su familia, más alternativa que tomar le ley en sus manos. Rubicón moral tanto más peligroso cuanto que es abogado y, por lo tanto, uno de los menos indicados para ese tipo de acciones. Sin contar que Cady, decidido a no dar un solo paso en falso, ha aprendido tanto de leyes como el propio Bowden.

CAPE FEAR, tal el título original de la película, sumerge al espectador en un clima más y más opresivo a medida que avanza la narración. Es que el tema de la película, el del ciudadano común desamparado frente a las leyes que apoyan a los criminales antes que a sus víctimas y la encrucijada entre ceñirse a dichas leyes y soportar en silencio los daños más graves o infringirlas e ir a la cárcel pero salvaguardando el bienestar físico y psíquico de los seres queridos, es tremendamente actual, y ha dividido a la sociedad en dos bandos. Es imposible no comprender la postura de Bowden, se esté del lado en que se esté.

Gregory Peck interpreta correctamente a Bowden, pero sin duda la gran estrella del filme es Robert Mitchum. Su Max Cady es terrorífico hasta la médula; su sola mirada inspira escalofríos. A Mitchum, se sabe, el rol de malo siempre le sentó de maravilla, como ahora le pasa, por ejemplo, a Cillian Murphy. Son actores que vienen como anillo al dedo para estos papeles.

Hace unos días se proyectó en mi país, por televisión, este filme, bajo el título de LIMITE DE TERROR. ¡Por fin!, porque tenía buenas referencias de él y deseaba verlo. No podemos menos que mencionar la remake de este filme dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Nick Nolte y Robert de Niro. No la vi, pero confieso que tampoco muero por verla. Robert de Niro cumple en ella el mismo rol que Mitchum en ésta. No quiero desmerecerlo, pero la actuación de Mitchum me parece insuperable, y para colmo tengo entendido que en la nueva versión se vincula al temible Cady con lo religioso. ¡Hummm!...En nombre de la religión se hacen muchas monstruosidades, es cierto, pero en ciertos casos me parece un recurso ya demasiado remanido, visto ya, por ejemplo, en CARRIE y más recientemente en SILENT HILL, por poner los ejemplos que me vienen a la memoria en este momento y que sin duda no serán los únicos. Me huele a que director y/o guionista no encontraron otro recurso para intentar eclipsar el aura siniestra de Mitchum en la primera versión, ni otro elemento ¿novedoso? que introducir en la trama...

Esta película es muy interesante de comentar, porque tiene prácticamente tantos aciertos como fallas, todos ellos en grado superlativo. Empecemos entonces con los aciertos. La Humanidad siempre ha creído que bajo lo que llamamos realidad hay otras realidades superpuestas suya, que ignorados por los mortales deambulan entre éstos distintos tipos de criaturas sobrenaturales. UNDERWORLD pretende recrear una centrada en la existencia de vampiros y de una raza de hombres-lobo, los Lycans, trabados unos con otros en una guerra que lleva siglos. Puede decirse que todos los méritos del filme son los detalles que hacen creíble la existencia de esta realidad desconocida para los humanos, y a los que podríamos considerar sus verdaderos efectos especiales: la oscuridad creando un aire de misterio; la atmósfera intimista, casi secreta en que se desarrolla casi toda la trama, en las madrigueras de ambos bandos; la minuciosidad con que se nos revela la historia pretérita de ambas razas y de su conflicto; la extraña fisonomía de algunos de los miembros del elenco (caso por ejemplo de los actores que encarnan a los vampiros Viktor y Amelia) que les confiere una apariencia sobrenatural; la idea de que vampiros y Lycans han desarrollado su propia tecnología tanto para subsistir y mantener el anonimato (la sangre artificial de la que se nutren los vampiros) como para eliminar a sus enemigos (el sofisticado armamento de que se valen en la etapa actual de la guerra). Añadamos a esto la sobriedad de la banda sonora, que más que procurar el cebamiento del espectador para que éste corra a adquirirla en la disquería más próxima, procura sobre todo intensificar el misterio, el suspenso, la tensión.

Desafortunadamente, del reverso de la moneda tenemos también mucho que decir. Volvemos a encontrar aquí, una vez más, a los vampiros cruzados con tigres dientes de sable. Los Lycans, por su parte, más que hombres-lobo parecen hombres-león, ya que rugen más de lo que aúllan. Selene, la protagonista, posee tal habilidad excesiva para eliminar a sus enemigos Lycans, que no se comprende cómo éstos han logrado sobrevivir en tan gran número a las matanzas a manos de los vampiros. El abuso de efectos especiales (nos referimos ahora al rubro técnico) atenta contra la credibilidad del relato. Y ya que para Viktor, Amelia y Lucian se buscaron rostros tan llamativamente inusuales, ¿no se podría haber hallado un rostro interesante antes que carilindo para interpretar a Michael, jugado por el ñoño Scott Speedman?

Todo lo apuntado en el segundo párrafo de esta crítica produce una auténtica hecatombe en una puntuación que, lo hemos visto, venía muy bien. De todas formas, UNDERWORLD y la saga que inició no merecen el desdén con que la suele tratar la crítica profesional. Muy otra sería la opinión de esos señores si esta película la hubiera hecho Scorsese, Ivory, de Palma o Cameron, por poner algunos ejemplos.

Si algún llanto inspira realmente TITANIC, ello se debe a que pudo ser una película bastante mejorcita aunque quizás no muy trascendente. Leonardo Dicaprio no será mi actor preferido, pero tampoco es de ésos cuyas labores histriónicas mueven a la sonrisa burlesca. Al comienzo de la película, Jack Dawson (el personaje que interpreta) y su amigo Fabrizio ganan unos boletos para el viaje inaugural del "inhundible" transatlántico. Son simpáticos y su júbilo es contagioso. Hasta aquí vamos muy bien.

Tenemos por otro lado a la joven Rose (Kate Winslet) cuya madre, diríamos en Argentina, quiere cagar más alto que el culo. Se trata de una familia bien venida a menos, con mucha alcurnia y cero dinero. Para que el prestigio familiar (y la economía) no zozobre igual que el barco en el que viajan, la dama ha prometido en matrimonio a la encantadora Rose con un superficial y odioso joven ricachón, Caledon (Billy Zane). Pero la muchacha en cuestión no está de acuerdo.

A la primera mitad del filme, con Jack y Rose conociéndose y enamorándose con la complicidad del personaje que interpreta la magnífica Kathy Bates, no encuentro nada que reprocharle. Eso sí, que no me quieran vender que fue una historia real, ¿no? Es una especie de versión alternativa de la Cenicienta en la que el pobrete es el Príncipe Azul pero igual la desvalida sigue siendo la damisela. Sin embargo, de tanto en tanto no está mal ver historias así. Si vamos al caso, son mucho más irreales los hombres-lobo, los extraterrestres y los unicornios que se ven en muchos éxitos de taquilla y de crítica.

Pero a partir del famoso impacto con el iceberg la película se vuelve un bodrio melodramático total, y para colmo interminable, cansador. La edulcorada tragedia resultante del choque no es la única culpable. El tema es que el personaje de Billy Zane es tan malvado que ya pasa a ser exagerado e increíble. Luego, en las escenas del hundimiento, algunas escenas huelen a disparate.

Es increíble que la que por ahora es la mejor película de vampiros, al menos para un servidor, no sea una megaproducción de un archifamoso director, sino esta casi desconocida obra maestra que recién hace pocos días pude, tras arduos esfuerzos, ver y apreciar. No obstante, aquí en Argentina, cuando se estrenó con el nombre de CUANDO CAE LA OSCURIDAD, cosechó críticas muy buenas, pero en términos de taquilla fue un fracaso. El hecho de que así y todo se haya proyectado hacer una remake (¡Horror! Habrá más producción, sin duda, y menos talento) demuestra que se trataba de un filme de calidad.

NEAR DARK es la historia del joven cowboy contemporáneo Caleb (Adrian Pasdar), quien en un intento por seducir a una joven que resulta llamarse Mae (Jenny Wright) es mordido por ésta. Viéndose obligado más tarde a regresar solitario y a pie a su hogar, su padre y su hermana lo ven de lejos, tambaleante y despiudiendo humo bajo el sol de la mañana. En ese momento, es secuestrado al paso por un vehículo en el que se encuentra Mae con lo que podríamos llamar su familia de vampiros, liderada por Jesse (Lance Henriksen).

La película es una combinación de varios géneros: fantástico, western, romance, road-movie. Alguna escena parece haber sido descaradamente copiada luego en ENTREVISTA CON EL VAMPIRO, en tanto que se siente alguna influencia de esta obra en VAMPIROS, de John Carpenter. El elenco fue elegido con mucha astucia. Si no integrado por actores de gran fama (salvo Henriksen), sí al menos puede decirse que cada uno es perfecto para el rol que le tocó. Lance Henriksen y Jenette Goldstein están alucinantes y paternales en su rol de líderes de la familia de chupasangres, Bill Paxton se ve sanguinario y cruel, Joshua Miller es un niño vampiro que luce viejo. En los papeles protagónicos, Adrian Pasdar y Jenny Wright tal vez son los que tienen menos trabajo. Ella es bonita y misteriosa y él un muchacho carilindo, y no mucho más. El guión tampoco lo requería.

Debe apuntarse que se trata de los vampiros más creíbles del cine, pero no asustan, aunque temo que ningún vampiro de celuloide ha logrado ese efecto en mí, salvo una versión de Drácula oriunda de no recuerdo qué país de Europa Oriental. En conjunto, la apariencia de NEAR DARK es la de una fantasía trágica y romántica a la vez.

La música de Tangerine Dream realza la atmósfera enigmática de cada escena, en particular de las nocturnas.

No me es posible dejar de lado mi costado más pasional, ése que nos hace amar u odiar cualquier cosa, y hacer una crítica objetiva de esta película. Sin duda a todos nos pasa a veces. De algunas películas podemos hablar de las actuaciones, la fotografía y otros rubros técnicos porque somos imparciales. A otras las odiamos u amamos. Tal vez EL SEÑOR DE LOS ANILLOS de Jackson tuviera algunos méritos, no sé, pero la odié de entrada por lo que me parecía una falta de respeto a uno de mis libros preferidos, y no fui ni soy capaz de ver nada más, y aunque lo viera, no me interesaría. Por supuesto, a Jackson, por tal crimen, le desearía lo peor; si bien, si prometiera no reincidir, lo soltaría previo paso por una sesión de azotes y por la silla eléctrica. En el fondo, tengo un corazón de oro...

En el otro extremo están las películas que amo. Pueden tener defectos, pero no los veo o no me interesan, como puede no interesarnos que haya mujeres más hermosas que esa esposa nuestra que nos ha acompañado en las buenas y en las malas y ha criado a nuestros hijos. Y una de esas películas es la que nos ocupa.

Amo a Toy Story porque un poco me veo a mí mismo en la piel de Andy. Recuerdo, cuando en mi niñez, las dudas que tenía sobre lo que ocurría en mi cuarto una vez yo lo abandonaba. Estaba seguro de que mis juguetes cobraban vida a mis espaldas, que conversaban entre sí, que trazaban planes. Esas dudas se incrementaban multiplicadas hasta el infinito cuando ocasionalmente extraviaba un juguete. Para mí, era ni más ni menos que el fin del mundo. No me importaba que prometieran comprarme uno igual o mejor. Quería el que había perdido. Era irremplazable. Y cuando ya llegaba a la conclusión de que no había caso, de que tendría que resignarme, el juguete aparecía en el lugar menos pensado, un sitio en el que había revisado no menos de veinte veces. Por supuesto, era absurdo imaginar que había buscado mal. Sólo cabía una explicación posible: el juguete había ido de paseo por ahí. Ahora estaba de regreso.

Lo que trato de decir es que TOY STORY me lleva de vuelta a algunos de los momentos más felices de mi vida, y en estas condiciones me es imposible ser imparcial. Amo esta película porque me recuerda que mis juguetes fueron mis amigos cuando no tenía otros. Amo esta película porque me devuelve toda la magia de mi niñez. Intento, juro que intento acallar ese amor; pero no me sale. El sentimiento se ha puesto de pie, ha tomado el micrófono y tomado la palabra arrollando por el camino al raciocinio. Mejor lo dejo hablar. Con ese bravucón es mejor no meterse.

Para quienes compartan sentimientos similares, allí va mi deseo de que este comentario sea para ellos como una bandera tras la cual marchar. Vayamos hacia la magia. Vayamos hacia nuestra infancia: está mucho más cerca de lo que imaginamos.

Sin lugar a dudas ésta es la mejor película fantástica que vi en mi vida, superior incluso a tanques como Star Wars. Durante años me pregunté cómo la habían hecho. Luego de ver un documental al respecto, me sigo preguntando lo mismo.

En efecto, esta película, que en varios países, Argentina incluída, se conoció como EL CRISTAL ENCANTADO, fue hecha por los creadores de Los Muppets, pero el nivel logrado con los muñecos supera en mucho al de Los Muppets, porque por momentos dan la impresión de estar vivos. El aspecto técnico de la película es muy interesante, pero por desgracia excede el espacio disponible para una crítica y también, me temo, mis posibilidades de comentarista.

Las escenas iniciales nos trasladan al Castillo del Cristal donde, hace mil años, un único fragmento se desprendió del Cristal del título que, semejante en tamaño y forma a un menhir, flota desde entonces sobre una columna de aire y fuego. La rotura del Cristal fue un acontecimiento traumático y de dimensiones casi apocalípticas, el fin, aparentemente, de una Edad de Oro. Entonces, se nos dice, fue cuando aparecieron los siniestros y crueles Skeksis, la raza gobernante, y los Místicos, sabios y benévolos. Luego veremos que el número de individuos es idéntico para ambas razas, y que cuando muere uno en un bando, otro tanto ocurre en el otro.

Para asegurar su permanencia en el poder, los Skeksis decidieron exterminar a la raza de los Gelflings debido a una profecía según la cual uno de éstos acabaría con su terrorífico predominio restaurando el Cristal. Pero ha llegado el tiempo en que la profecía debería cumplirse y los Skeksis descubren con alarma que un Gelfling, Jen, ha sobrevivido a la matanza, criado por los Místicos. Sin pérdida de tiempo envían a sus soldados, los Garthim, a subsanar ese detalle que pone en jaque su futuro en el poder.

Contar más sería un pecado, pero cabe agregar que no todos comprenderán la profundidad del argumento de esta película. CRISTAL OSCURO es mucho más de lo que está a la vista; se trata sobre todo de una hermosa metáfora de estados emocionales por los que muchos hemos pasado. Se requiere abrir los ojos del corazón para entenderlo realmente. Pero quienes sean miopes del corazón podrán disfrutar del festín visual que supone ver CRISTAL OSCURO. Puede verse mil veces, pero siempre se acaba encontrando algo que uno antes no había notado.

No pertenece al género fantástico, y sin embargo, desde el momento en que Evelyn (Kathy Bates) escucha con arrobamiento el sonido de un tren que sólo puede existir en su mente (porque luego nos enteramos de que el tren ya no pasa por ese lugar), encantadores, dulces fantasmas del pasado parecen invadir el filme y la vida de la ya mencionada Evelyn. No en vano el compositor Thomas Newman, quien compuso la banda sonora, intituló GHOST TRAIN, "Tren Fantasma", a la melodía que acompaña los títulos iniciales.

Los recuerdos que todo ser humano lleva consigo, en efecto, tal vez sean sobre todo precisamente eso: un vehículo que nos trae de vuelta hechos y personas del pasado y los retiene mucho después de que ya se han ido. Y los trae de una manera muy especial, porque los defectos de la gente (sobre todo de los que que ya han muerto) parecen más pequeños y triviales a muchos años de distancia, como si sus almas se hubieran despojado de una pesada carga.

Este filme de Jon Avnet (a quien pedimos que dirija más filmes como éste y se abstenga de producir engendros como la horrorosa CAPITAN SKY Y EL MUNDO DEL MAÑANA) de alguna manera se centra en todo esto y en el poder de algunas historias sobre el espíritu humano. En este caso son las historias acerca de Idgy y Ruth, que en el libro de Fannie Flagg en que se basa el guión estaban unidas por una relación lesbiana si no estoy mal informado, pero que aquí, a gusto del espectador, podrían estar unidas simplemente por una inmensa amistad. En cualquier caso, el tema central de la película no es la relación entre dos personas de un mismo sexo, ni intenta polemizar al respecto.

Idgy y Ruth llegan a Evelyn a través de los relatos de una anciana a la que conoce por casualidad, mientras junto con su esposo visita a una parienta política no muy dócil ni amigable. En el fondo, Evelyn está sola. Padece tal vez la más triste de las soledades, la que se sufre estando incluso en compañía de otros. Poco a poco, eso irá cambiando. Incluso estando solo puede uno no sentirse solo. Se puede estar con Dios, con dulces e invisibles presencias como esos queribles fantasmas que llegan hasta Evelyn a través de la anciana o, simplemente, con uno mismo.

Cosa enigmática y maravillosa es el espíritu humano. Cosa sorprendente y mágica, una auténtica aventura en la que todo es posible, es la vida. Esta increíblemente bella película nos recuerda todo eso.

Puede que no haya mucho que decir a favor de esta película, pero comencemos por lo poco que haya: hay unas sensacionales salidas y puestas de sol. Además, es muy ingenioso el clima de western que envuelve esta guerra entre vampiros y cazavampiros. Y Thomas Ian Griffi tiene una fisonomía extraña y algo siniestra, que lo vuelve idóneo para un papel como el de Jan Valek, el líder de los no muertos.

Pero hay dos rubros en los que la película tiene severas falencias que hacen imposible anotar más tantos a su favor. El primero tiene que ver con los efectos especiales, exagerados como de costumbre. Los vampiros de marras son el sueño de cualquier pirómano que se precie. Muertos, resultan tan peligrosos como vivos (en la medida en que pueden estarlo esos seres de la noche), aunque por otras razones, ya que sin proponérselo nos arriesgamos a que nos incendien medio vecindario con sus estallidos postreros. Entonces, regla número uno para hacer de Van Helsing: tener siempre un extintor a mano. A risa hay que tomárselo, porque se ha querido impresionar y se consiguió el efecto contrario.

Luego tenemos el guión, motivo de fracaso de al menos el noventa por ciento de las películas de vampiros, y verdadero responsable, en realidad, de esta versión inflamable de los chupasangres. Vamos a soslayar el eterno look tigre dientes de sable que los susodichos ostentan, porque es una gansada típica y al menos el argumento no pretende de ellos que con tamaña dentición igual resulten seductores. Pero sus enemigos, siempre en aras del efectismo y el gran espectáculo, parecen pensar con los pies a la hora de deshacerse de ellos. Sin contar que para hacerse el duro, Jack Crow echa mano de clichés que a esta altura resultan infantiles y ridículos.

He aquí una auténtica rareza de adaptación: la película es superior al libro. Huston, en efecto, no sólo juega hábilmente con el misterio haciendo que desde el inicio el espectador sienta curiosidad por ver al famoso capitán Ahab del que tanto se habla y del que al principio se nos muestra poco (sobre todo se oye su célebre pata de palo), sino que, además, insufla gradualmente a su filme un estremecedor clima tétrico de presagios oscuros y desastres velados que estaba ausente en la obra de Melville.

Hablar del capitán Ahab inevitablemente es imaginar a ese Gregory Peck de mirada pétrea, que expresa poco y sobre todo, rabia y ansias de venganza, que este filme ha legado a la posteridad. Ahab es Peck. Nadie podrá desplazarlo de ese rol. Cualquier otro sería una mala imitación.

Tan fascinante como Ahab resulta Moby Dick, a la vez inocente cetáceo y pesadillesco monstruo de las profundidades. También él, por muy nombrado, despierta la curiosidad. Todos alguna vez hemos visto ballenas en los documentales. Pero queremos ver a ésta. No hay otra igual. En el momento en que emerge, maravilloso y terrible, nos embargan a la vez la admiración y el miedo. Ni los dinosaurios de Jurassic Park nos harán sentir algo así, tal vez porque un dinosaurio en definitiva es idéntico a cualquier otro dinosaurio de su misma especie. En cambio, no hay nada igual ni parecido a Moby Dick, la Ballena Blanca, que prácticamente ha enloquecido a Ahab.

Por Dios, que ni se les ocurra hacer una remake de este filme. No hay nada igual ni parecido a Moby Dick, dijimos más arriba. Lo decimos también por la película.

Bueno, supongo que Keaton ya no está para hacer de nuevo de Batman. Lo curioso es que cuando en su época se anunciaba que él lo iba a interpretar, me pareció casi chistoso. Cuando vi aquella versión de Tim Burton, me tuve que callar la boca. Es que, creo, Burton tenía razón al decir que en un personaje que está casi todo el tiempo detrás de una máscara lo esencial es la mirada.

Bale, claro, es un Batman más carilindo que Keaton, pero ese detalle creo que importará sólo al público femenino. A mí no me termina de convencer, pero no importa porque lo dicho va para toda la película, excepto para el Acertijo eficázmente jugado por Cillian Murphy y esa alucinante, siniestra mirada que le vimos también en VUELO NOCTURNO.

La interminable historia de los comienzos de Batman me resultó aburrida y prescindible. Mención aparte para Liam Neeson. La verdad sea dicha, no lo considero un buen actor, pero haciendo de hombre común al menos no se le nota tanto, mientras que cualquier papel de héroe o de villano decididamente le sienta mal.

Podría explayarme en algunas exageraciones argumentales que, francamente, resultan risibles hasta para una película de superhéroes. Pero la verdad es que sería demasiado comentario para poca película.

Increíble que el mismo hombre que halagó los ojos de los espectadores con la técnicamente admirable primera versión de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS se salga con esta horrorosa memez pasable como obra televisiva pero inaceptable para alguien que ya tenía apuntado en su haber el mencionado logro.

Claro, EL SEÑOR DE LOS ANILLOS fue un fiasco de taquilla, a pesar de sus méritos visuales. Eso desanima a cualquiera. Debo agregar que el hecho de que se ponga a esta película (como he visto hacer) al mismo nivel de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, también desanima a cualquiera. Lo primero que debe comentarse es el aspecto ténico. Los personajes son tan inexpresivos que parecen hechos del hielo del título, y sus movimientos animados no son nada del otro mundo. Recuerdan los que solían verse en cierta serie animada de Tarzán en la década de 1970.

El argumento, encima, es bastante chabacano. Parece que el malvado hechicero Nekron, secundado por su no menos malvada madre Juliana y una horda de subhumanos, quiere dominar el mundo mediante el hielo. Los buenos resisten con el fuego como arma en una línea de volcanes. O algo así. No me acuerdo bien, y les aseguro que no vale la pena ir a fijarse.

Tanto se ha promocionado la intervención de Frank Frazetta en este filme... ¿Para qué? A mí me darñía vergüenza haber tenido alguna participación en él. En fin...

Alguna vez, todos nos hemos topado con un cascarrabias del que, al verlo en acción, opinábamos que su vida no parecía tener más finalidad que amargarnos la nuestra. Con nuestra natural y humana inclinación a ver las cosas en blanco y negro, lo tildábamos de insoportable, lo padecíamos como podíamos y tratábamos de zafar de él tan pronto como pudiéramos. También está el caso de los que, tal vez como una vendetta celestial, vamos en camino de seguir los pasos de ese mismo cascarrabias, pero ése es otro tema.

El cascarrabias en cuestión vuelve a nosotros a través de esta película en la piel de ese gran actor que es Al Pacino. El cascarrabias es en este caso un coronel retirado que ha quedado ciego hace ya varios años luego de un accidente. Quien lo ha de soportar es el joven Chris O´Donnell, aquí encarnando a un estudiante pobre que beca mediante cursa en un colegio para niños bien llamado Bird, y que es de esos establecimientos que se precian de sus tradiciones y su buen nombre y honor.

Fortuitamente, este muchacho y u condiscípulo suyo (jugado por Philip Seymour Hoffman, quien luego interpretara al indigesto Capote en la película homónima) son testigos de una barrabasada de tres de sus compañeros de estudios. Por desgracia, conocida la fechoría, los autores de la misma siguen anónimos, pero trascienden los nombres de los testigos. Caso de que éstos no delaten a los culpables, se las verán en dificultades. Es una forma de decir. El que las tendrá será el estudiante pobre.

Yo no sé si Chris O´Donnell es un gran actor, pero innegablemente este rol de muchacho bueno le viene como anillo al dedo. Como si no tuviera ya suficientes dificultades, para engrosar sus escuálidas finanzas responde a un aviso en el que solicitan a alguien para cuidado de personas. ¿Y quién le toca?... Exacto, el coronel retirado ciego y cascarrabias. Que apenas queda solo en la casa (aparte del muchacho bueno) se dispone a partir en viaje hacia Nueva York arrastrando a su renuente lazarillo de ocasión. Hay que decir que el ciego se las arregla mejor que muchos que tienen vista excelente, pero a él, según veremos luego, lo amarga su invidencia.

Es el punto de partida de la relación entre ambos. No será fácil. Tampoco para el espectador. Por momentos, darán ganas de irrumpir en la pantalla para achurar al ciego, PERO... Bueno, si quieren saber más, vean la película. Sólo diré que se trata de una de esas obras que rebosan Humanidad a diestra y siniestra, que conmueven, que hacen bien al corazón. Y eso vale por un millón de efectos especiales. Si comparten esta última opinión, no se pierdan esta película.