Seré sincero: no le tenía fe a esta película, básicamente porque tenía referencias de que abundaba en monstruos de toda laya. Cuántos hay finalmente o de qué clase, no interesa decirlo aquí, pero vale la pena aclarar, eso sí, que la excusa para introducirlos suena creíble en el contexto de una película fantástica. Más interesante aún es el desarrollo de la trama, que quizás no sea novedoso o revolucionario, pero sí muy eficaz, no obstante echar mano a recursos muy vistos pero, insistimos, siempre contundentes.

Precediendo a los monstruos susodichos está la espesa niebla del título, la cual se hace especialmente abundante hallándose el grueso del elenco en un supermercado. Pronto empezará a ser evidente que no resulta saludable salir a tan nebuloso exterior, en especial después de que algún personaje sea despanzurrado por esas cosas que merodean por ahí al amparo de la niebla. Una atmósfera de siniestro misterio es, entonces, el primer acierto. El segundo será el clima de encierro en el supermercado. Que la convivencia nunca es fácil es algo sabido, pero cuando es forzada, lo es más todavía. Y la guinda de este pastel viene a ser el espeluznante personaje encarnado por Marcia Gay Harden, quien compone a la señora Carmody, una fanática religiosa de ésas que atribuyen toda desgracia al castigo divino y parecen regodearse en la creencia de que Dios se complace en atormentar a quienes son, supuestamente, sus hijos amados; una mentalidad, por desgracia, más común de lo que podría pensarse. No es agradable estar encerrado junto a semejante ejemplar, sobre todo si su fanatismo es contagioso y pone en riesgo la integridad física (y demás está decirlo, mental) de quienes están alrededor.

Entre monstruos ficticios y otros demasiado reales, mucho más temibles éstos que aquéllos, transcurre LA NIEBLA, a la que sólo puedo reprocharle -dejando de lado ciertos efectos especiales un tanto repugnantes, pero ya habituales en el actual cine de terror- el final. Decididamente, no me gustó. No adelantaré nada, ni aun en un "spoiler", pero sí aclaro que no se trata de que escape a la lógica en el marco de la trama, ni nada por el estilo. Sencillamente, es algo personal. Ese tipo de finales no me gustan, es todo.

El matrimonio formado por el psiquiatra Ben (Dylan McDermott) y Vivien (Connie Britton), se trasladan con la hija adolescente de ambos, Violet (Taissa Farmiga) a una nueva casa, con la esperanza de reiniciar su vida luego de varios infortunios familiares, entre ellos el alumbramiento de un hijo muerto por parte de Vivien y una infidelidad de Ben. Han adquirido su nuevo hogar a precio muy barato, por haber sido escenario de varios crímenes. Pero no tardan en sucederse visiones misteriosas (por ejemplo, la de un hombre enfundado en un traje de látex para uso en sexo sadomasoquista, traje que al instalarse la familia habían encontrado en la casa y arrojado a la basura) y visitas no deseadas ni invitadas y que entran y salen de ella como si fuera suya, entre ellas una niña con síndrome de Down, Adelaide o "Addy" (Jamie Brewer), la madre de ésta, la desagradable Constance (Jessica Lange) y el adolescente Tate Langdon (Evan Peters), un paciente de Ben cuyas recurrentes fantasías homicidas inquietan sobremanera al especialista, sobre todo cuando éste se entera de que el muchacho ha iniciado cierta relación con Violet. Una misteriosa ama de llaves, Moira (Frances Conroy) espesa el misterio: cuando Vivien la contrata, asegura haber servido a todos los dueños anteriores de la casa, y por otra parte Vivien la ve como una mujer de cierta edad, mientras que observada por Ben parece joven y sensual. A todos ellos se suma un anterior propietario de la vivienda, Chad (Zachary Quinto), alguna vez procesado y encarcelado por asesinar a su familia en la casa en cuestión, y ahora liberado por padecer una enfermedad terminal. Chad merodea la casa e insiste a Ben en que debe abandonarla de inmediato, o sufrirá un desastre de índole sobrenatural (él asegura haber oído "voces" ordenándole cometer los asesinatos).

Que esta serie no asusta en lo más mínimo es un hecho. Sí es, como de alguna manera anuncia el título, un compilado de horrores o al menos de cosas desagradables, desde la infidelidad de Ben hasta las fantasías homicidas de Tate. Nadie en la serie parece llevar una vida feliz o normal. Personalmente opino que esta serie ni de lejos es lo mejor que podría haberme sucedido en lo que a TV se refiere: hubiese preferido más sustos y menos morbosidad. Pero se debe reconocer que a diferencia de, por ejemplo, la no menos morbosa DEXTER, AMERICAN HORROR STORY está envuelta en un clima de misterio y suspenso que la hace atractiva por mucho que uno se resista a este tipo de programas. Entretiene, cómo no, ¡vaya si entretiene!... Claro que, si uno está deprimido después de ver en el noticiero una sucesión de crímenes, violaciones y cosa por el estilo, más le vale pasar por alto esta serie de la que nadie esperaba que fuera un canto a la vida, pero que exagera al irse para el otro extremo.

En 1948 Giovanni Guareschi escribía un libro maravilloso, grande en calidad aunque su estilo tuviera una sencillez acorde con su temática, y que hoy en día no es debidamente valorado. DON CAMILO, que de él hablamos, ilustraba con gran humor y humanidad la vida en los pueblitos campesinos de las orillas del Po, donde ni siquiera las querellas entre vecinos eran para tomarse muy a la tremenda. Cuatro años más tarde, el director Julien Duvivier llevaría al celuloide las historias incluidas en dicho libro, al que seguirían otros, igualmente trasladados a la pantalla grande.

En el rol protagónico tenemos al genial comediante Fernandel en el que se convertiría sin duda en su papel más recordado, el Don Camilo del título, un cura de enorme fe y espíritu cristiano, pero de métodos poco ortodoxos e involucrado en política pueblerina. La misma lo enfrenta a un alcalde comunista, Pepón (Gino Cervi), buen hombre a su manera, pero rudo y obstinado (entre otros defectillos). Y mediando entre otros está el Cristo crucificado del altar mayor de la iglesia (voz en off de Ruggero Ruggeri), quien no deja pasar la menor falta a Don Camilo, quien después de todo es su siervo y debe hacerlo quedar bien, aunque el partido rojo, por ateo, parezca oler un tanto a azufre. En torno a ellos giran las vicisitudes de los demás habitantes del pueblo, enrolados en el bando del cura o en el del alcalde y por lo tanto tan ferozmente enfrentados como ellos, pero aliados cuando la situación lo requiere.

La película no respeta el orden de los episodios tal como aparecen en el libro, pero a nadie le importa y quizás muy pocos lo hayamos advertido, porque lo que realmente importa es que se ha captado el espíritu de la obra, cosa que no puede decirse del filme que sobre el mismo personaje se hizo en 1983 con Terence Hill como Don Camilo. Quien por momentos se sature del efectismo aturdidor de Hollywood y busque algo diferente, encontrará en DON CAMILO un retrato de tiempos mucho más tranquilos que éstos que corren y, por consiguiente, será como un remanso de paz para su alma.

Por hache o por be, jamás tuve oportunidad de ver siquiera una película de Francois Truffaut, hasta la que nos ocupa ahora; mis intentos por apreciar, en dos oportunidades, VIVEMENT DIMANCHE (que en Argentina se estrenó como CONFIDENCIALMENTE TUYA) se vieron frustrados una vez por una visita inoportuna y una segunda vez por un corte de luz. Tratándose de un director de tanto renombre, la curiosidad era muy grande, y por fin pude satisfacerla con esta película que además me interesaba de modo muy particular, por estar basada en un hecho real. En efecto, que en los bosques del sur de Francia fue hallado errante, en 1790, un niño que no sabía hablar y con trazas de salvajismo, que fue conocido como Victor de Aveyron (por la localidad donde fue hallado), es algo muy conocido.

Truffaut, quien rodó esta película en blanco y negro, demuestra, por su sobrio tratamiento de un tema que Hollywood hubiera exagerado más allá del límite de la credulidad de los espectadores, merecer la fama que tiene. No hay efectismo ni sensacionalismo, sólo un misterio que investigar (y que, dicho sea de paso, continúa siéndolo hasta el día de hoy): Victor (Jean-Pierre Cargol), ese niño cuyo verdadero origen se desconoce y que recibe trato social de fenómeno y atracción de masas, hasta que un médico, Jean Itard (Truffaut, en una composición notable para un director) se apiada. Claro que en Itard, con la compasión humana, se mezcla también el interés científico, que por momentos interferirá con aquélla; aunque para lo estrictamente humano, contará con la colaboración de su ama de llaves, la señorita Guerin (Françoise Seigner). Por su parte, concentrará sus esfuerzos en el progreso intelectual de Víctor.

Prácticamente todo el filme exhibe un engañoso aire documental que atrapa al espectador, centrándose en el trabajo de Itard junto al niño. Ahora bien, ¿cómo terminó la cosa? Por desgracia, no hará falta "spoiler": nunca película tan genial tuvo un final tan estúpido, en el que no se aclara la suerte final del protagonista. Podría concluir con una escena del niño almorzando, o bañándose, o jugando, que para el caso sería lo mismo. Esa conclusión imprecisa es lo único enojoso del filme y lo que, a mi entender, justifica que no se le otorgue el máximo puntaje. Sigue siendo una gran película, por supuesto, pero ese final es como un único punto negro sobre una impecable y resplandeciente albura: de acuerdo, es sólo un punto, no seamos injustos... ¡Pero cómo resalta sobre la superficie blanca, maldita sea!

Iba a ponerle un 5 porque, por lo menos, entretiene a falta de otros méritos; pero el problema es que PERCY JACKSON Y EL LADRÓN DEL RAYO, la película, apesta a afano a Harry Potter. También el libro en que se basa el filme, eso es cierto, pero al menos el libro lo disimula un poco mejor, aun estando a lenguas de distancia de la saga pergeñada por la gran Joan K. Rowling. Pues bien: da la casualidad de que Chris Columbus, responsable de la adaptación fílmica del primer libro de la saga del aprendiz de hechicero es el mismo que ahora nos trae el primer eslabón de la saga de Percy Jackson en versión celuloide, pero mientras que en el primer caso se respetaba muy fielmente el libro original, aquí los cambios son muchos y alteran tanto el argumento original, que uno se pregunta cómo lo continuarían, luego de tantas transgresiones, si siguieran filmándose los restantes libros, cosa que, según tengo entendido, no sucederá.

Como Harry Potter, Percy (Logan Lerman) es una especie de "nerd", un perdedor con problemas familiares, sociales y escolares; como él, un día descubrirá que, para bien o para mal (diría que para ambos, pero en lo personal, más para bien que para mal) no es un mortal común. En el caso de Percy, el asunto es que un buen día se entera de que es hijo de Poseidón (Kevin McKidd), el dios olímpico de los mares; que su mejor amigo, Grover (Brandon T. Jackson) es un sátiro (mitológicamente hablando) y que su profesor de latín (Pierce Brosnan) es un centauro. En suma, todas los seres de la mitología grecorromana son reales, y ahora, él será un continuador de esa mitología. Y sus líos como semidiós olímpico no se hacen esperar: a Zeus (Sean Bean, a quien vimos en "El Horror de los Anillos" en el papel de Boromir) le han robado el rayo original, matriz de todos los demás rayos, y el principal sospechoso es Percy.

Ni qué decir que, robo a Rowling o no, el libro original -y quizás también su versión fílmica- pueden ser eficaces a la hora de infundir aliento a chicos apocados, perdedores también ellos, que quizás se identifiquen con el protagonista y cobren ánimos. Eso es un punto a favor, y por lo demás, si uno está mortalmente aburrido y no hay otra cosa en la televisión, la película puede ser soportable, aunque más no sea para burlarse despiadadamente en los pasajes más ridículos, como la aparición en escena de las zapatillas aladas (Decididamente es un producto yanqui, a un vulgar producto de consumo le atribuyen cualidades sobrenaturales). Los efectos especiales aturden, pero están bien hechos. Y ¿es una gran película? ¿Hace falta que diga que no?...

Las obras de Howard Phillips Lovecraft, uno de los más grandes escritores de horror de la literatura de todos los tiempos, nunca gozaron de buena fortuna a la hora de ser llevadas a la pantalla. Salvo EN LA BOCA DEL MIEDO (1995), que en realidad no era adaptación de un relato suyo, pero cuyo clima de opresivo espanto era fiel al estilo del genio de Providence, no he visto ninguna versión fílmica que llegase siquiera a los talones del cuento que le servía de inspiración. CTHULHU, el nuevo fiasco de la lista, es una malograda adaptación de LA SOMBRA SOBRE INNSMOUTH, una de las obras cumbres de Lovecraft, que originalmente narraba el infortunio sufrido por un joven que, habiendo emprendido un viaje con propósitos culturales, iba a dar a un siniestro poblado a orillas del mar, habitado por gente afectada por misteriosas deformidades y sobre el que pesaba un espeluznante pasado de rituales prohibidos, uniones carnales con seres monstruosos e inhumanos y mujeres jamás vistas en plena calle, del que el protagonista al principio no sabía qué creer, ya que se enteraba del mismo a través del increíble relato de un viejo borrachín medio loco llamado Zadok Allen.

Las imágenes del trailer del film, enigmáticas, sugestivas y subyugantes, eran ciertamente promisorias, y son en realidad casi lo único rescatable del filme, que no sólo ha perdido el clima opresivo del relato original, sino que además ha sido modificado radicalmente desde su mismo inicio, ya que el protagonista (a quien por alguna extraña razón se ha convertido innecesariamente en homosexual) es oriundo del pueblo donde transcurre la historia - que, creo recordar, ni siquiera conserva el nombre original, Innsmouth-, y no llega allí en viaje cultural, sino para investigar una secta de nefasta apariencia que lidera su padre.

No niego que adaptar a Lovecraft a escenarios actuales es bastante difícil, pero de todos modos el resultado obtenido en este caso es un poco el colmo. La película se ocupa más de los dramas personales del protagonista -los cuales ni siquiera son interesantes- que de la trama terrorífica que debería ser la principal línea argumental, y que a partir de cierto punto se vuelve incoherente hasta para quien haya leído LA SOMBRA SOBRE INNSMOUTH.

Podrá parecer que es injusto emitir un juicio negativo a partir de un solo capítulo, pero el problema es que no se trata de cualquier capítulo sino del inicial, el que debe enganchar de algún modo al público; y ocurre que el comienzo de FALLING SKIES, la tan promocionada serie producida por Steven Spielberg, no sólo es aburrido y mediocre, sino que además, no infunde mucha esperanza acerca de eventuales repuntes en lo que hace a calidad. Ciertamente fue impactante la apertura, vista hasta el cansancio en los avances de la serie, en los que se conocía el inicio de esta enésima invasión extraterrestre a través de los dibujos y el relato en off de un niño. Esto indudablemente resultó impresionante en su sencillez, pues por desgracia es moneda corriente que en estado de guerra o bajo un régimen opresivo los niños, con espantoso realismo, dibujen lo que ven, en vez de imágenes más acordes a lo que debería ser la infancia. Pero es el único punto a favor que ofreció el comienzo de esta serie reiterativa y sosa.

Es difícil discernir si el elenco actúa a desgano o si un guión extremadamente flojo les impide aportar más convicción; como sea, las interpretaciones son débiles. Supuestamente, los protagonistas con combatientes de la resistencia contra los alienígenas, y en cambio parecen un montón de viandantes algo desaseados y revoltosos embarcados en un picnic algo movido. A lo que se ve, soportan bastante bien las tribulaciones; las malandanzas de los invasores no los han traumado o conmovido mucho. Cómo será que en este sentido era más creíble el reciente documental de NatGeo, INVASIÓN EXTRATERRESTRE, donde a través de unas pocas escenas, los humanos sobrevivientes lucían sufridos aunque heroicos.

Mención aparte para los extraterrestres, exactamente iguales a los de Día de la Independencia, La guerra de los mundos y afines: no sólo malísimos, sino también de apariencia monstruosa. Por una vez, el guionista de turno podía haber puesto a trabajar sus neuronas, creando por ejemplo unos extraterrestres de aspecto raro pero bello a su manera. O unos extraterrestres empujados a una guerra necesaria para su subsistencia, pero no exactamente malos. De esa manera esta serie hubiera podido proporcionar de verdad grandes momentos, porque la épica más creíble concede oportunidad de lucirse a la misericordia, al respeto por el enemigo valiente y a la reflexión profunda sobre las miserias de la guerra. Queda claro que nada de eso podemos esperar de esta serie sólo apta para mentes simples, conformistas y amantes del efectismo. Los demás, difícilmente soportemos más de un capítulo sin que se nos caigan los párpados pasados los primeros minutos.

La reposición de esta serie por TCM me concedió la oportunidad de evaluarla debidamente, ya que debo admitir que ni en mi niñez ni adolescencia le presté atención. Y debo reconocer que es mucho mejor de lo que imaginaba, aunque en ello influye que las películas y series actuales sobre invasores extraterrestres son auténticos fiascos. Es cierto que no se entiende bien por qué estos extraterrestres, poseedores de una tecnología mucho más avanzada que la nuestra complican tanto una invasión que podría resultarles sencillísima (podría haber una explicación potable, que examinaremos enseguida). También resulta tentador preguntarse de qué vive el protagonista, David Vincen (Roy Thinnes)t, ya que dedica todo su tiempo a alertar al resto del mundo, con poco éxito, de las intenciones de estos invasores, sin que se lo vea ejercer su profesión de arquitecto. Esos son puntos dudosos que no podemos soslayar.

Sin embargo, tiene otros dos tantos a favor. Uno se refiere a la apariencia de estos extraterrestres. Los de AVATAR eran lindos porque eran los buenos de la película, pero siempre que los alienígenas la juegan de malvados, su apariencia suele ser inevitablemente monstruosa. Aquí, tal vez porque la serie data de tiempos en los que los efectos especiales y el maquillaje no producían monstruos muy creíbles (pero sea por la causa que sea, bienvenido sea que se haya dejado de lado, por una vez, tanta imbecilidad reiterativa), vemos a los invasores en la forma humana que han adoptado para infiltrarse entre nosotros, y nada más.

El segundo punto, a favor de esta serie tiene que ver con la sicología de los alienígenas invasores.

...Porque, es cierto, a veces lo lacrimógeno era ya excesivo o me lo parecía, y algunos personajes me resultaban caricaturescos... Pero ocurre que en el mundo actual nada que no tenga violencia a raudales o personajes superpoderosos parece tener validez, y antes que con vampiros carilindos y medio putazos, invasores extraterrestres monstruosos y agobiantes o increíbles aventureros de lo paranormal, me quedo con esta serie que al menos resaltaba valores de los que nuestro mundo actual está urgentemente necesitado. ¿Que la serie es exagerada? ¡No jodamos! ¿Más exagerada que "Supernatural"? No, y sus personajes me resultan más interesantes y más queribles. ¿Que si es mi serie favorita? No. Lo fue siendo chico, luego me resultó cansadora y hoy la revalorizo, eso es todo. Pero no es poco.

Esta miniserie fue una de las mejores producciones para TV que yo recuerde. Inspirada en la novela homónima de James Michener (tan voluminosa que consta de dos tomos) CENTENNIAL, nombre de un imaginario pueblo en el Estado de Colorado en torno al cual gira el argumento, cubre un período de alrededor de doscientos años de historia del Oeste norteamericano. El pueblo y los personajes, pero los hechos que se suceden capítulo tras capítulo son episodios muy conocidos en la historia del Oeste (la llegada de los pioneros, conflictos con indígenas, apogeo del cowboy, guerras entre ovejeros y ganaderos, desertificación de la pradera, etc.). La versión televisiva de la novela prácticamente obvia dos capítulos en los que se habla de la historia geológica y paleontológica del Oeste, ocupándose sólo de la historia humana.

El numeroso elenco incluye a Robert Conrad (de la serie "Los Tigres Voladores") encarnando al trampero Pierre Pasquinel; a Richard Chamberlain ("El pájaro canta hasta morir", "Las minas del rey Salomón") en la piel de Alexander McKeag, amigo de aquél; a Barbara Carrera (chica Bond en "Nunca digas nunca jamás") haciendo de la india Canasta de Barro; a Richard Crenna (conocido por su papel como el antiguo superior de Rambo) como el coronel Frank Skimmerhorn; a Gregory Harrison (de "Razorback") dando vida a Levi Zendt (uno de los personajes más queribles de la miniserie), Timothy Dalton (fracasado James Bond de "007: Su nombre es peligro" y "Con licencia para matar") interpretando a Oliver Seccombe, y Anthony Zerbe ("El Hombre Omega", "La zona muerta" y "La leyenda del indomable" entre otras, aunque puede que muchos lo recuerdan más por la serie "The young riders") como Morgan Wendell, entre otros.

Puesto que cubre un período temporal muy grande, inevitablemente ningún personaje dura más de tres o cuatro capítulos, cinco como mucho (y no recuerdo ninguno que haya sobrevivido tanto). Mueren cuando ya se han ganado el corazón del espectador, que los ha visto llegar y luchar por salir adelante y aportar su grano de arena para el desarrollo de una civilización. Eso implica que el propio espectador se pone un poco también él de duelo cuando los ve desaparecer, sobre todo en el caso de McKeag, de los mestizos Jake y Mike Pasquinel, de Levi Zendt y de Oliver Seccombe. La miniserie tiene también otros momentos muy duros, como la mirada amarga del jefe Aguila Perdida al final del último capítulo en el que interviene (si mal no recuerdo, el nombre del capítulo era "La matanza") o el aterrador final de la familia Grebe en Campamento Avanzado. Sintetizar aquí el argumento es casi imposible, a menos que digamos que trata de las historias entrecruzadas de gente que sueña, lucha, sufre, vive y muere, elevadas a una dimensión épica; pues quizás, de todos los héroes, ninguno lo es más grande que el hombre común. Es la impresión que deja esta excelente miniserie.

No diré que si en vez de una serie se hubiera hecho un telefilme de hora y media o dos horas de duración se hubiera obtenido un hito fílmico, pero sí una buena opción para matar el tiempo una tarde lluviosa. De hecho, cuando vi el primer capítulo me pareció interesante, pero ya no tanto el segundo, y a partir del tercero la cosa empezó a ponerse ridícula.

Es que, para empezar, los protagonistas no resultan interesantes salvo para adolescentes de ambos sexos, en el caso de las chicas porque tienen ahí a los muchachos carilindos de turno con los que babearse, y en el caso de ciertos varones, tal vez para imaginarse en otros roles más ajenos a una rutina que odian, y con un mundo fantástico como escenario. Para los demás es evidente que los dos hermanos Winchester salen airosos de todos y cada uno de sus encuentros con las fuerzas del mal, a velocidad récord para colmo, sólo porque lo dice el guión. Encima, los actores que los encarnan deben haber ganado varios premios a la inexpresividad. Por algo casi no se los ha visto en otros papeles. Es más Jared Padalecki, que encarna a Sam, lo vi sólo en la nueva versión de "Martes 13"; al otro, sólo en esta serie.

En fin... Se nota que la TV actual no tiene en cuenta las preferencias de aquellos cuya fecha de nacimiento se remonta al período Jurásico. Y peor todavía, se nota que yo estoy entre esos dinosaurios.

Esta película es otra de las supuestamente basadas en hechos reales, lo que parece que milagrosamente es cierto esta vez. El filme, estrenado en Argentina como LA CAÍDA DEL HALCÓN NEGRO, es la adaptación cinematográfica de un libro homónimo del periodista Mark Bowden, y que narra un episodio militar ocurrido durante una misión humanitaria en Somalía bajo el gobierno (en E.E.U.U.) del presidente Clinton; concretamente, la Batalla de Mogadiscio, durante la cual noventa y nueve soldados yanquis quedaron atrapados en plena capital somalí entre una población nativa que los rechazaba en forma enconada. El libro, por cuestiones ajenas a Bowden, ya era por momentos muy confuso, y se hacía necesario volver una y otra vez sobre lo leído para entender algunas cosas; sin embargo, al cumplía con su cometido de ofrecer un panorama medianamente coherente, en cuanto a los hechos básicos, de aquellos sucesos.

No así podemos hablar, lamentablemente, de este filme. Mantiene la confusión del libro en que se basa, y esto tampoco es culpa de Ridley Scott ni de nadie; sencillamente, se trata de la reconstrucción de una batalla improvisada, y en tales circunstancias no hay más que caos. En este sentido, quizás se pueda perdonar la tergiversación que hace el guión (en el que creo recordar que colaboró de algún modo el propio Bowden) de algunas figuras mencionadas en el libro, caso del sargento Matt Eversmann, aquí interpretado por Josh Hartnett. Si Eversmann era un idealista, como lo presenta el filme, el libro no lo decía; pero quizás el guionista intento personalizar más los personajes para hacerlos más identificables a los ojos del espectador y compensar de alguna manera el caos del que hablábamos antes. En esto puede que se tenga algún logro, pero igual el punto de partida argumental no se entiende ni con la mejor buena voluntad, a menos que se haya leído el libro que inspiró esta película. Los norteamericanos estaban en misión humanitaria; ¿por qué entonces, TODA la población y no sólo los partidarios de Aidid, el líder somalí, estaban tan decididamente en su contra? Dudo que algún espectador lo haya entendido, pero también es poco factible que a alguno le interese.

Es que este tipo de películas, orientado mayormente al público masculino, es más bien frívolo y estupidizante; en lo que cumple el mismo rol que las telenovelas dedicadas al público femenino. En este caso, si hay acción, tiros, corridas y un muerto aquí y otro allí, nada más importa. No en vano esta historia, que comenzó como un informe periodístico serio, terminó generando un juego de acción, no recuerdo si para computadora, para Play Station o qué diablos. Se trivializó una tragedia para beneficio de masas mentalmente inmaduras y siempre hambrientas de pasatismo, y el paso que lamentablemente siempre separa la seriedad de la tontería en este caso lo dio este filme. Para quienes gusten de ese tipo de productos, BLACK HAWK DOWN puede ser muy recomendable, pero para nadie más.

No es mal filme para ver cómodamente en casa si no hay nada menor en la TV y si no se dispone de mejor programa, por ejemplo, por ser una tarde lluviosa y no dar ganas de salir, por no tener un buen libro que leer, etc., pero no le vayan a pedir mucho seso al argumento, porque no lo tiene. CASANOVA es una versión libre, llamémosla así, de la vida del que quizás sea el más famoso de los seductores. En realidad, la trama es un invento y ni de lejos parecida a lo que fue la vida real de Casanova, quien a pesar de haber cortejado a muchas mujeres, siempre era de a una por vez y siempre creyendo que la mujer de turno sería su amor para toda la vida. El filme de Lasse Hallström, sumamente superficial, es una comedia ligera que por momentos hace reír y mucho merced a situaciones absurdas, y en otras lleva demasiado lejos el disparate. En cualquier caso, no se precisaba recurrir, para filmar algo así, a estrellas como, por ejemplo, Jeremy Irons, quien quizás por no estar muy convencido de lo que hace ni siquiera luce. Hay que decir que el guión en sí mismo no es un derroche de talento ni deja margen para que nadie se luzca demasiado, pero eso no me impide concluir que la actuación de Irons en esta película queda eclipsada hasta por el desempeño de los extras.

Eso sí, visualmente la película tiene gran belleza, y lo mismo la banda sonora integrada por célebres piezas del barroco. Alcanza, como dijimos, para verla por televisión, pero no para desplazarse a verla en cines.

Voy a ser breve, porque la cosa tampoco merece mucho espacio. Desde que Anne Rice irrumpió en la literatura con sus vampiros carilindos y sexys, ese subgénero del terror ya no volvió a ser el mismo, pero al menos Rice era original en lo suyo y los vampiros seguían siendo amenazantes. Muchas películas y series más tarde, esa imagen ha caído en una rutina atroz y sólo es atractiva para mujeres deseosas de ver chicos lindos, gays y cultores del sueño imposible de la inmortalidad y la juventud eterna. Esta serie es para ellos. Los demás, tendremos suerte si no nos quedamos dormidos en el primer capítulo.

Un hombre próximo a casarse (Tom Tryon), conduciendo de regreso de su despedida de soltero, es atacado por una extraña criatura que adopta su apariencia y lo sustituye a partir del día de su boda; qué ha sido del verdadero novio, no se sabrá por el momento. Su esposa (Gloria Talbott) no tardará en darse cuenta de que algo anda mal, de que no es ése el hombre con el que se casó. Esto es obviamente algo más que una metáfora, y también se dará cuenta luego de un cierto tiempo. El ser con el que se ha casado forma parte de un curioso plan de invasión alienígena: se trata de una raza que agoniza porque se han quedado sin mujeres. Al mimetizarse con los hombres casaderos del pueblo, esperan procrear y perpetuarse a través de esta descendencia híbrida.

El problema es que esta raza de monstruos, al hallarse en cuerpos humanos, con el tiempo empiezan a experimentar sensaciones humanas; entre ellas, quizás, el amor. Tal vez sea por eso que cuando la mujer se da cuenta de que su esposo es en realidad un extraterrestre, éste, luego de confirmar sus sospechas, frustra todos los intentos que hace ella para prevenir a las autoridades sobre lo que está ocurriendo, pero no la elimina, como sería prudente.

Podrá tener el título más tonto del Universo y sus alrededores, podrá ser un filme de bajo presupuesto, podrá tener efectos especiales casi chistosos... Y sin embargo, diez superproducciones actuales escogidas al azar, todas juntas, quizás no sean ni la mitad de entretenidas que ME CASÉ CON UN MONSTRUO DEL ESPACIO EXTERIOR, que además deja espacio para la reflexión y, como no, para el sentimiento. Porque termine como termine esta película, cosa que no adelantaremos aquí, una cosa es segura: un monstruo que aprende a sentir como humano (en el buen sentido de la palabra, se entiende. El problema es que, en general, tal vez en el propio ser humano a veces haya más de monstruo que de humano) definitivamente no es tan monstruo. Aunque esté en el bando enemigo.

Pocas veces, como en este caso, se ha visto tanto desperdicio de elenco. Es cierto que EL HOMBRE DE LA MÁSCARA DE HIERRO también era un fiasco con grandes estrellas, pero hasta esa floja película me parece una obra maestra del séptimo arte comparada con esta otra. De las actuaciones, la más rescatable me parece la de Stephen Rea, un actor versátil y que luce tan distinto según el papel que le den que, si por estar distraido uno no ha visto su nombre en el reparto, a veces podría uno no creer que es él. En el papel del malo de turno está John Hurt, ya un tanto sobreactuante, pero aceptable en medio de todo. Natalie Portman es Padmé, de "La Guerra de las Galaxias", vestida con ropa de la Tierra: su actuación no aporta nada. Claro que lo más ridículo es que pongan a un actor de cierto relieve como lo es Hugo Weaving, para interpretar a un personaje que todo el tiempo lleva puesta una máscara, y que por lo tanto no precisa la menor expresividad. Es el colmo del sinsentido; era lo mismo poner a un portero o a un lavacopas para interpretar el papel.

Claro que hasta eso sería lo de menos: el problema es el argumento, que en lo personal me produjo récords de aburrimiento. John Hurt, alguna vez víctima del totalitarismo del Gran Hermano en "1984", la juega ahora de tirano llegado al poder por vías tortuosas y dispuesto a retenerlo con mano de hierro. En el grotesco papel de un anarquista apodado V está, detrás de la máscara de la que hablábamos antes, Hugo Weaving. Cómo se las arregla V para llevar a cabo sus atentados contra el gobierno sin cómplices que lo ayuden, habrá que explicarlo por la magia del cine o, tal vez, del cómic, ya que este pastiche se basa en una historieta publicada por DC. Ya sabemos que a veces hay que aceptar ciertos convencionalismos para no arruinar una buena historia; pero en este caso ni siquiera hay buena historia que arruinar, porque los personajes no resultan simpáticos, agradables, atemorizantes, dramáticos ni nada sino sólo, precisamente, aburridos. Al punto, que vi varias veces la película, pero jamás entera: o la agarraba ya empezada, o me dormía antes de que llegase el anhelado final, o ambas cosas. Eso sí, como cada vez veía una parte distinta, entre todas esas veces fue como si la hubiera visto una sola vez completa, y pude al menos entender el argumento. Bah, pensándolo bien... Como si me hubiera perdido de mucho no entendiéndolo...

Un espíritu diabólico atrapado en un cuerpo humano (Robert John Burke) vaga por el desierto de Namib con una indumentaria ciertamente llamativa y un tanto siniestra, que incluye sombrero de cowboy y capa. Para liberarse de su prisión material, necesita hallar víctimas a las que asesinar y recolectarles el alma. Su modus operandi favorito consiste en hacer autoestop y seducir a las bellas buenas samaritanas que lo recogen. Su extraño y sangriento peregrinaje lo llevará hasta Wendy Robinson (Chelsea Field), joven sudafricana que carga con un marido abusivo e insoportable (Rufus Swart). Ahora bien, siguiendo al demonio del desierto está un policía, Ben (Zakes Mokae), atormentado por sucesos del pasado que lo acosan en sus pesadillas. El intentará impedir el asesinato de Wendy y detener la estela de crímenes dejada por el maligno espíritu.

EL DEMONIO DEL DESIERTO es un film de culto que, parece, recién ahora está obteniendo el reconocimiento que merece. La trama, quizás, tiene menos crédito que los rubros técnicos puestos al servicio de la misma, particularmente en el caso de la fotografía de Steven Chivers, que capta los paisajes del desierto en toda su espléndida y por momentos inquietante belleza, y la música a cargo de Simon Boswell (quien compuso, entre otras, la banda sonora de "Phenomena", del gran Darío Argento); una y otra, combinadas, consiguen crear una atmósfera sugestiva y tétrica que es decididamente el punto más destacable de la cinta.

Las actuaciones en general son simplemente convincentes, pero hay que decir que la trama no impone grandes exigencias al elenco, pese a lo cual quiero destacar la labor de Zakes Mokae, a quien antes sólo había visto en "La serpiente y el arco iris" y a quien, hablando con franqueza, no me imaginaba en el rol de uno de los "buenos" y que aquí demuestra poder desempeñarlo con absoluta solvencia.

Al detective gay Donald Strachey (Chad Allen) lo contacta un joven, Paul Hale (Jared Keeso) a fin de que encuentre a una persona. A tal fin lo cita de noche en cierta calleja solitaria de la ciudad, pero no llega a revelarle a quién quiere que encuentre: antes de que ello suceda, un vehículo se les tira encima y ambos huyen, cada uno por su lado.

La siguiente noticia que Donald recibe de Hale es a través del policía: el joven ha muerto, no se sabe si se suicidó (lo que más tarde será la versión oficial) o si "lo suicidaron". Por supuesto, Donald tiene motivos para creer que se trata de esto último y se pone a investigar por su cuenta. Sus pesquisas lo llevan primero hasta la homofóbica madre del difunto (Morgan Fairchild), y luego hasta una fundación que dirige el Doctor Trevor Cornell, supuestamente con el fin de "curar" la homosexualidad. Paul se hacía tratar en esa fundación a instancias de su madre, al parecer obteniéndose con él logros espectaculares; sin embargo, tras una violenta discusión entre él y Cornell, Hale iba a abandonar la fundación, de la que era imagen publicitaria.

Para llegar al fondo de este asunto, Donald decide hacerse tratar con nombre falso en la fundación, lo que despierta ciertas inquietudes en Tim Callahan (Sebastian Spence), quien es su pareja y teme que Cornell le meta ciertas ideas raras en la cabeza.

Basada en personajes creados por el escritor Richard Stevenson, SHOCK TO THE SYSTEM es un telefilme que se vio por cable con el nombre castellano de GOLPE AL SISTEMA. Además de su trama detectivesca, gancho inicial de aquellos que a priori no se interesen por la homosexualidad, el fin tiene otros grandes méritos, uno de los cuales es precisamente la forma en que se trata ese polémico tema. El filme no condena la homosexualidad, pero admite que para ciertas personas puede no resultar deseable por diversos motivos, y que aunque se diga que se trata de una "elección", en realidad difícilmente pueda considerársela como tal; y allí está, para confirmarlo, el personaje de Grey (Stephen Huszar) quien se hace tratar en la fundación porque se ha casado y tiene dos hijos y ama a su familia, pero sexualmente se siente atraído por los hombres.

Otro acierto es la relación entre el protagonista y su pareja, que viven plenamente su homosexualidad y, aun cuando tengan sus dificultades, como en toda pareja (homosexual o no) son felices. Esto es más interesante que la melodramática relación de los cowboys gays de BROKEBAKE MOUNTAIN. Donald y Tim se ven tan desenfadados y simpáticos como cualquier otra persona. Eso los acerca a todos los públicos y hace que la película, pese a su temática, no resulte excluyentemente (y aburridamente) gay.

Por último, no podemos dejar de mencionar uno de los más sabrosos ingredientes del filme, el humor; como por ejemplo, en la impagable respuesta de Donald al policía que le sugiere que de verdad debería hacerse tratar en la fundación del Doctor Cornell.

Arnie (Keith Gordon) es un adolescente de ésos que en Estados Unidos son conocidos como "nerds" y que en castellano podríamos definir como perdedores. Desagraciado, con lentes, tímido, soporta el acoso de varios de sus compañeros de colegio, en parte ayudado por el respaldo que le ofrece la amistad de Dennis Guilder (John Stockwell) que es su antítesis: atlético, bien parecido, ganador. Un buen día, Arnie encuentra un viejo auto Plymouth hecho una auténtica ruina y, por alguna razón inexplicable, se encapricha con él y lo compra pese a que Dennis trata de disuadirlo. De a poco, el auto en cuestión irá exhibiendo un costado cada vez más siniestro, tanto como el mismo Arnie, quien dando un giro de ciento ochenta grados pasará a exhibir una personalidad completamente distinta a la que mostraba hasta entonces. Ahora él también será un ganador; pero además, será insolente, agresivo y, poco a poco, incluso malo, todo ello merced a su obsesión con el auto en cuestión, a quien ya su anterior propietario había bautizado "Christine".

No es sencillo explicar por qué esta película de verdad estremece. Al fin y al cabo, no es la primera ni será la última película cuyo argumento gire en torno a un auto con vida propia e incluso diabólico. Sin embargo, podemos hacer algún intento. La música compuesta por John Carpenter, tan obsesiva como el propio Arnie, ciertamente ayuda a tenernos en vilo cuando Christine entra en acción. Pero quizás lo fundamental sea un hecho muy concreto: son muchos los hombres corrientes que se obsesionan por un auto y que al ponerse frente al volante experimentan una transformación tan horrible como la del célebre Doctor Jeckyll, y la podemos ver en Arnie. En la vida real, un auto sólo es peligroso cuando quien lo maneja es una verdadera bestia. Sin contar que a muchos nos parece extraño que alguien pueda fascinarse a tal punto por un vulgar vehículo, que lo anteponga a cualquier otra cosa.

Esto nos lleva al rubro actoral. Hay carilindos que además son buenos actores, pero éste no es el caso de John Stockwell; sin embargo, por suerte su papel no le exige mucho. Más eficaz es el trabajo de Alexandra Paul en el rol de la atribulada novia de Arnie. Sin embargo, quien se lleva el máximo galardón es Keith Gordon: gracias a él vemos a un querible aunque perdedor Arnie transformarse en una persona fría, cínica y desagradable primero, y luego en un demente total; lo más espeluznante de la película, creo, es esa progresiva transformación de su mirada.

Todo explica, me parece, por qué esta película es y será uno de los grandes clásicos del terror. Aunque, por desgracia, el Arnie de ficción nada tiene que hacer junto a tantos émulos de la vida real...

No he terminado aún de leer el segundo volumen de la trilogía literaria que inspiró esta película (creo que se ocupa de los dos primeros tomos de dicha trilogía, en realidad), pero debo decir que hasta donde leí, ARN, EL CABALLERO TEMPLARIO es muy fiel al texto. Arn Magnusson, su protagonista, es un personaje creado por el escritor sueco Jan Guillou, y no alguien que existió realmente, como algunos piensan. Sin embargo, la confusión es comprensible, porque tanto los libros como la película fueron hechas con un realismo del que Hollywood debería tomar ejemplo, ya que no recuerdo que lo haya exhibido antes en las más recientes películas épicas, y mucho menos en aquella execrable KINGDOM OF HEAVEN, que justamente lograba lo contrario: fantaseaba tanto con personajes históricos, que en definitiva todo parecía invención de un guionista trasnochado, cosa que probablemente fue en gran medida.

Pero en fin, la película que aquí se evalúa es ARN, EL CABALLERO TEMPLARIO, y empecemos diciendo de qué va: en los albores de lo que luego sería Suecia, Arn, hijo de nobles suecos, sufre, siendo todavía niño, un accidente que todos suponen que será fatal. Su madre (y a regañadientes, el padre) prometen a Dios que pondrán al niño a su servicio si lo deja vivir. Cuando Arn sobrevive, la promesa demora en cumplirse, pero se cumple, y Arn es entregado a una comunidad de monjes que lo educan al modo cristiano, aislado prácticamente del resto del mundo. Se le enseñan muchas cosas prácticas y útiles, que en el libro aparecen más detalladas; y entre otras cosas, uno de los frailes, que antes fue un guerrero Templario, lo adiestra en el manejo de las armas.

Como no está allí por su propia voluntad, a Arn no se lo destina al monacato, y a cierta edad vuelve al hogar paterno. Allí, entre el resto de la gente común, padecerá por la mentalidad inocente con que se formó en el monasterio. No entenderá que dos asesinatos merezcan una absolución simple y en cambio, por unirse carnalmente a una joven de la que se enamora, Cecilia, se lo excomulgue por veinte años, como si hubiera cometido el más abominable de los crímenes. Período durante el cual deberá servir militarmente en Tierra Santa, en la Orden de los Templarios.

Se verá defraudado quien espere encontrar en esta película la interminable catarata de acción que caracteriza a las películas épicas de Hollywood. ARN, CABALLERO TEMPLARIO, tiene algunas escenas de este tipo, pero su trama se centra en los conflictos humanos. Que pueden tener algo de épico, y creo que es el caso, porque la misma vida encierra bastante lucha; pero dar más detalles sería un crimen, aun, creo, cuando fuera en un spoiler.

En el reparto, Joakim Nätterqvist y la encantadora Sofía Helin encarnan convincentemente a los protagonistas, mientras que sobresale la gran Bibi Andersson en el papel de esa implacable burja que es la Madre Rikissa.