Hay películas que son muy buenas, pero también desagradables; que quizás uno las vea por ser testimonio de realidades espantosas, de hechos que no tendrían que ser, pero que no son gratas. Este es el caso de TROPA DE ÉLITE, que cuenta con los avales de un Oso de Plata en el festival de Berlín, de ser la película brasileña más taquillera en su país de origen y de basarse en un libro homónimo que también fue muy exitoso allí y del que convendrá hablar en primer término.

La tropa de élite del título es el Batallón de Operaciones Policiales Especiales o BOPE, que en Río de Janeiro lidia con narcotraficantes y otras lindezas locales. Si bien se los respeta por tener fama de incorruptibles, la verdad es que su accionar, tal como lo describe el libro (dos de cuyos autores pasaron por las filas del BOPE, por lo que no cabe dudar de que digan la verdad) resulta de lo más siniestro por su violencia y falta de escrúpulos que los lleva a veces a matar tranquilamente a inocentes que tienen la desgracia de estar en medio de una guerra entre el batallón y sus enemigos. Dado que éstos son tan espeluznantes como el BOPE y no combatirlos es alentarlos a seguir con sus criminales actividades (y evidentemente, sin violencia no se los puede combatir), uno ya no sabe qué es peor o qué forma habría de poner fin a semejante espiral de creciente violencia.

La película debió tomarse unas ciertas licencias respecto al libro, que era un tanto errático en su argumento: daba la impresión de que los autores no seguían un orden coherente y se limitaban a hablar de cosas a medida que se les iban ocurriendo. Por lo tanto, en este aspecto la película es superior al libro. Además, y al menos en su primera parte, en el libro la trama se seguía desde la óptica de un miembro del BOPE cuyo nombre nunca se especificaba con claridad. De algún modo, ese personaje parece haberse escindido en dos en el filme: el protagonista, capitán Nascimento (Wagner Moura), que quiere dejar su puesto por estar a punto de ser padre y debe elegir alguien que lo reemplace, y uno de sus posibles sucesores, Matías. Por sus sentimientos viscerales y su decisión de dejar el BOPE (aunque por otros motivos) el protagonista del libro se acerca a Nascimento, pero por ser estudiante de Derecho se parece a Matías.

Ahora bien, si en forma hubo que alterar el libro para trasladarlo a la pantalla grande, quede claro que, sin embargo, en espíritu permaneció inalterado. Están presentes el entrenamiento inhumano de los miembros del BOPE, las torturas, el terrorífico "microondas", el activismo hipócrita de ciertas personas y la duda rabiosa e impotente de si no será peor el remedio que la enfermedad, más la inevitable incógnita: admitiendo que efectivamente fuera peor el remedio, ¿cómo hay que tratar la enfermedad?

Francamente, si hay algo que no entiendo ni entenderé jamás, es cómo un actor de trayectoria como Dennis Quaid, quien seguramente no estará falto de dinero ni de ofertas laborales, aceptó participar de este engendro que ya deja de ser un bodrio común y pasa a ser un Señor Bodrio. Sienna Miller quizás tenga la excusa de no ser tan famosa. Y en cuanto a Brendan Fraser y Arnold Vosloo, no sorprende encontrarlos aquí, reincidiendo en otra "hazaña" de Stephen Sommers, con quien ya habían colaborado en LA MOMIA y LA MOMIA REGRESA. Esta última no tuve el dudoso placer de verla, pero debemos reconocer que la primera de las mentadas, aunque absolutamente estúpida, era tolerable para verla una vez, aunque más no fuera para criticarla sin piedad. No es el caso de G. I. JOE, con la que cada tanto tuve que recurrir al zapping.

Del famoso dibujo animado que dio pie a este largometraje con actores nunca soporté más de dos o tres capítulos, pero, o bien soy un desmemoriado, o ni el dibujo animado alcanzaba los niveles de exageración que se aprecian aquí. Llega un momento en que la credibilidad del género fantástico se derrumba estrepitosamente, si no se la sabe manejar; cuando eso sucede, el aburrimiento se viene en avalancha. Es exactamente lo que sucede aquí, de principio a fin. Los malos son tan malos que resultan increíbles; los supuestos buenos, presuntamente, han de salvarnos de ellos, pero con un accionar tan brutal y torpe, tan falto de estrategia y de prudencia, más vale que nos refugiemos en un agujero negro, que allí estaremos más seguros que defendidos por semejantes energúmenos. Obviamente, el guión exige que se eliminen sutilezas como el espionaje, porque si no, no tienen lugar las consabidas escenas de combate destinadas, en teoría, a dejar boquiabierto al espectador. Lo logra, pero no como los responsables del filme pretendían. Simplemente, no se puede creer que se derroche tanto celuloide en filmar una gansada de tal envergadura. La máxima es la base de Cobra en el Océano Glacial Artico. Si tenemos en cuenta la cantidad de dinero, de recursos humanos y de material y maquinarias que exigiría la construcción de dicha base -admitiendo que se contara con la tecnología, claro-, debemos concluir que los servicios de inteligencia de la ficción de G. I. JOE deberían despedir a todo su personal, ya que ¿cómo no fueron capaces de detectar que se estaba construyendo algo así?... Pero el mencionado personal puede descansar tranquilo, que están convenientemente acomodados con el guionista y el director, los cuales de veras acreditan méritos para ser despedidos en el mundo real. ¿Habrá sido G. I. JOE un éxito de taquilla? Dios no lo haya permitido...

Dylan McDermott, en la pantalla (no importa el tamaño de la misma) no tiene suerte cada vez que se muda de domicilio con su familia de ficción de turno. Lo confirmó en AMERICAN HORROR STORY, pero ya había protagonizado una experiencia previa en THE MESSENGERS. Y también en este caso, como en AMERICAN..., el motivo de la mudanza es un problema familiar, centrado en cierta negligencia de la hija adolescente, Jess (Kristen Stewart, actriz cuando menos aceptable una vez que se la logra apartar de los estúpidos vampiros de CREPÚSCULO). Junto con su padre, Roy (McDermott); su madre, Denise (Penélope Anne Miller) y el niño más pequeño, Ben (Theodore Turner), Jess se ha mudado a una granja de girasoles, sin saber que la familia que vivió allí antes que ellos murió asesinada (lo que se ve al inicio). Casi enseguida empezarán a sucederse hechos misteriosos, de los que Roy queda al margen, mientras que Denise empezará sin otro problema que una persistente mancha en la pared. En cuanto a Ben, un problema que involucra a su hermana lo privó del habla, pero es evidente que algo raro nota. Sin embargo, Roy y Denise no se dan cuenta, y por lo tanto, cuando la parafernalia sobrenatural encuentra en Jess su víctima predilecta, interpretan que trata de llamar la atención, que no se adapta al nuevo hogar y cosas por el estilo. La sospecha parece tanto más fundamentada cuanto que John (ídem Burwell), un individuo empleado como ayudante por Roy, ha tenido oportunidad de ver a Jess aterrada y confusa, sin que mediara razón aparente. Inevitablemente se concluye que la adolescente padece algún problema psicológico.

Y psicológico es, precisamente, el tipo de terror predominante en este filme, que privilegia la sutileza y el misterio por encima de lo explícito y del golpe bajo. Aquí no encontraremos los excesos que tan comunes son en el género hoy en día y prácticamente lo arruinan, no hallaremos maquillaje ni efectos especiales en grandes cantidades. Sí encontraremos cuervos que se comportan extrañamente, presencias que no se sabe si son reales o imaginarias y la mirada expresiva de Ben, que parece sugerir que, aunque se pretenda lo contrario, no se trata de simples fantasías de Jess. Si está harto de exorcistas varios, fatídicos días 13 y monstruos repugnantes tipo Alien, puede que esta película sea para usted.

A esta altura del partido, y tratándose de películas yanquis, casi prefiero que no destaquen en el rubro "Efectos especiales": cada vez que alguna película abunda en los susodichos, lo más probable es que no se haga uso, sino directamente abuso de ellos, y que el argumento no exista En el caso de AVATAR hay que reconocer un innegable mérito: buena parte de ellos se los ha empleado de forma bastante poco usual, en el sentido de que, si bien se los ha usado para dar vida a criaturas cuya descripción haría pensar en monstruos horribles -por estar dotadas, por ejemplo, de múltiples ojos-, lo cierto es que en pantalla más bien parecen seres vivos que habitasen en un nicho ecológico inexplorado para la raza humana, pero por lo demás tan normal como cualquier otro. En cuanto al argumento, se trata de una trama ecologista (precisamente) desarrollada en un marco de ciencia-ficción: los seres humanos han explorado el espacio y en pro de sus intereses económicos, cierta compañía intentará desalojar de su hogar a cierta comunidad extraterrestre de cuerpos antropomorfos, caras de gato y piel azul, los Na´vi; por las buenas si es posible, por las malas o pésimas en caso de fracasar la primera opción. Científicos bienintencionados, pero inadvertidamente manejados por militares convertidos en mercenarios, han creado en laboratorio cuerpos Na'vi que mantienen en animación suspendida y que salen de ese estado cuando temporariamente se les traspasa una psique humana. La idea es usar esos cuerpos experimentalmente para acercarse a los nativos y entenderse con ellos; pero obviamente los intereses de los científicos difieren de los de la compañía y sus mercenarios. En medio de estos bandos está Jake (Sam Worthington), un soldado inválido que aceptará ser parte de ese experimento y empezará militando en el bando mercenario, para luego pasarse a la vereda de enfrente.

Indudablemente, el resultado podría haber sido peor. Cuando se oye tanto ruido, uno desconfía de la cantidad de nueces que recolectará al final. Teniendo en cuenta ese detalle, la recolección supera las expectativas. De ahí a que AVATAR sea "la" película, hay un gran abismo. Se agradece el mensaje ecologista, aunque éste probablemente me importe sólo a mí, pero el combate final se exageró demasiado (lo que se está volviendo una constante en el cine de acción, aun cuando no lo protagonicen Chuck Norris o Sylvester Stallone) y quede claro que, de haberse producido en la vida real y en las condiciones que se ven en la película, muy otro sería el resultado. En este sentido, el final parece edulcorado e ingenuo.

Ah, una última aclaración: temo que la estructura argumental no resistirá las dos secuelas proyectadas. Se debió parar en esta primera entrega, pero ya se sabe que la taquilla manda.

Hay muchas formas de evaluar un producto cualquiera, si en este caso se me permite el término "producto" a cualquiera de las artes, y en este caso se debe aclarar que quien intente ver esta película sin previa información del llamado universo Marvel, quedará en ascuas y quizás valore negativamente este filme, que es una especie de continuación simultánea de cuatro filmes: IRON MAN, THOR, CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR y EL INCREÍBLE HULK. Quien esté más o menos familiarizado con dicho universo, se las arreglará bastante bien al menos para entender esta película, aun cuando no haya visto todos los filmes mencionados. Es casi seguro que los fanáticos más acérrimos de esos personajes de Marvel -o simplemente los más adictos al cine de superhéroes- asignarán a LOS VENGADORES el máximo puntaje. A tanto personalmente no puedo llegar, pero sería torpe e injusto soslayar los muchos aciertos que tiene esta película. Una posible dificultad que el guión sortea bastante bien, por ejemplo, es el de centrarse en un grupo protagónico en vez de un único personaje principal. El filme concede espacio suficiente para que cada Vengador exhiba su personalidad distintiva, lo cual no debe ser nada fácil, aun cuando las películas que confluyen en ésta puedan haber allanado el trabajo. Tampoco debe resultar sencillo reunir en un filme con actores elementos mitológicos y de ciencia-ficción logrando que el resultado no sea un rotundo bodrio. LOS VENGADORES supera también este desafío. En lo personal, encontraría la película perfecta si no fuera por la exagerada acción del final, pero debe admitirse que muchos estarán en desacuerdo conmigo y encontrarán el plato fuerte precisamente en esa acción desmedida.

El argumento gira en torno a una amenaza extraterrestre provocada por y liderada por el hermanastro de Thor, Loki. Para contrarrestar dicha amenaza, Nick Fury se apresura a resucitar el Proyecto Vengadores, que promovía una reunión de personas "con habilidades especiales" (superhumanos, bah) con el fin de organizar un equipo capaz de luchar contra los más formidables enemigos. No será fácil, porque existe gran incompatibilidad de caracteres entre los reclutados, que Loki buscará aprovechar, al final inexitosamente, por supuesto. Tal vez el gran irónico mensaje de la película sea precisamente ése: hay que ser un superhéroe de historietas para dejar diferencias de lado en pos del bien común. En la vida real Loki conseguiría su propósito en cinco minutos. Temo que no hay muchas esperanzas de que este filme resulte aleccionador para nadie en ese sentido, pero el intento está y merece ser destacado.

Las películas sobre minusválidos, mentales o de otra clase, a menudo tienden a caer en un melodramatismo empalagoso, Por suerte no es el caso de RAIN MAN, que se inicia cuando al joven y tarambana Charlie Babbitt (Tom Cruise) una herencia, la que le deja su padre al morir, parece caerle muy oportuna en un momento en que sus negocios están en la cuerda floja. No obstante, para su amargura, pronto se enterará de que, excepto un Buick descapotable y unos rosales, la herencia ha ido a parar a un desconocido beneficiario. No es enteramente una sorpresa, ya que las relaciones entre su padre y él estaban deterioradas desde hace tiempo, pero igual Charlie decide averiguar a manos de quién y por qué razón ha ido a parar la herencia paterna. Sus investigaciones lo llevarán de sorpresa en sorpresa: administrando dicha herencia está el director de una clínica de salud mental, y en dicha clínica se halla un tal Raymond (Dustin Hoffman), un autista que resulta ser un hermano que Charlie ignoraba tener, aunque guardaba vagos recuerdos de un personaje misterioso, Rain Man (deformación de Raymond, precisamente) que le cantaba para calmarlo cuando lloraba siendo muy pequeño; pero en ese momento no sabe aún que ambos, el hermano recién descubierto y el supuesto personaje imaginario, eran en realidad un solo y único ser.

Muy poco escrupuloso, Charlie se lleva a Raymond (lo secuestra en realidad, pero sin recurrir a la fuerza) con miras a obligar al director de la institución a darle la mitad de la herencia. Pero en el pecado tendrá su castigo, ya que no es fácil la convivencia con alguien inmerso en un mundo propio y cuyo sentido de las importancias y prioridades decididamente es muy personal y tragicómico; como la necesidad de que la ropa interior se compre en determinada tienda y sólo en esa. De a poco, sin embargo, los sentimientos irán variando de la codicia hacia la ternura, particularmente cuando descubra que él era el Rain Man y que lo recluyeron en la institución mental luego de que dañara accidentalmente a Charlie, todavía un bebé por ese entonces.

Tom Cruise, como actor, siempre me pareció bastante monolítico, sin aristas, rutinario. Esta película no alteró gran cosa mi opinión sobre él, aunque en la memorable escena en que se baja del auto y se pone a gritar de exasperación me hizo reír. En cambio, a Dustin Hoffman el papel le exigió mucho y supo darlo con creces. Luce como un autista verdadero, y hace que uno se olvide de que es un actor llamado Dustin Hoffman. Sin dudas, es su actuación más memorable. Logra que uno, sucesivamente, se exaspere, se sorprenda, se emocione y se encariñe con Raymond tanto como Charlie en la ficción. Y sumado a ello que la película no juega con el sentimentalismo barato y remanido, del tipo "discapacitado supera su tragedia a fuerza de voluntad y amor", y hasta tiene momentos de irresistible comicidad, decididamente no es una película más del montón, sino una imperecedera obra de arte.

Creo que no pasa Navidad sin que Hollywood nos castigue lanzando una película que es siempre la misma, eterna y aburrida, o parte al menos de la misma premisa: Santa Claus (Papá Noel, en Argentina) existe en el mundo real. Sin embargo, suele suceder, la que inició el fenómeno era (es) una muy buena comedia fantástica, que en Latinoamérica se conoció como MILAGRO EN LA CALLE 34, y digamos de paso que el mayor milagro fue en realidad que dicho título fuera fiel al original, MIRACLE ON 34th STREET: no sucede muy a menudo. Claro que el milagro, en la ficción cinematográfica, es de índole bien distinta: es época navideña, y cuando Doris Walker (Maureen O'Hara, empleada de cierta categoría en los almacenes Macy's en Nueva York, descubre que cierto empleado que debía personificar a Santa Claus está más borracho que una cuba, emplea, para sustituirlo, a un tal Kris Kringle (Edmund Gwenn, quien por este papel recibió el Oscar en el rubro Mejor Actor de Reparto), un anciano que está convencido de ser el auténtico Santa Claus y se muestra indignado por la embriaguez de quien asumió la tarea de representarlo. Ahora bien, el desempeño de Kringle como Santa Claus en Macy's demostrará ser poco ortodoxo, ya que no vacilará en remitir a la gente a la competencia si sabe que en ésta hallará el juguete que no encontraron en la tienda. Pero esa actitud cautivará a la clientela, persuadida de que Kringle obedece órdenes de los dueños de Macy's y que éstos, infundidos por el espíritu navideño, prefieren anteponer la felicidad de los niños a eventuales subas en las ventas. Pero de hecho, al expandirse la noticia, los clientes premian esa hipotética generosidad comprando más en Macy's.

Simultáneamente, Susan, hija de nueve años de Doris, empieza también a persuadirse, como muchos otros, de que contrariamente a lo que su madre le inculcó, Santa Claus existe y es precisamente Kringle. Pero la propia Doris, en el mejor de los casos, considera a aquél un enajenado mental, y de hecho cierta cadena rival de Macy's intentará demostrar que lo es.

MILAGRO EN LA CALLE 34 (no me acostumbro al otro título) es un entretenido y divertido clásico del blanco y negro, ingenuo, sí, pero de una ingenuidad agradable, llevadera y, por qué no, encantadora si no se consume en exceso. Seguramente, Hollywood seguirá sacando infinitas copias, recopias y recontracopias de la buena idea que esta película supo capitalizar. Cerremos los ojos a ellas para no odiar al original... Que, por cierto, no merece las silbatinas con que sí merecen ser castigadas sus burdas imitaciones.

Unicamente loas merecen los guionistas Waldo Salt y Norman Wexler por haber respetado notablemente el libro de Peter Maas en el que se basó Sidney Lumet para esta famosa, conmovedora película (sin que ello deba interpretarse que el público termina de verla llorando cual regaderas) que nos cuenta un caso real y paradigmático de un policía que se tomó muy en serio el juramento de su profesión. Era un idealista que debió enfrentarse desde el comienzo contra todo lo negativo de la actividad policial: los detalles de burocracia que impiden un accionar eficaz, la brutalidad policíaca. Hasta aquí, sin embargo, todo era soportable. Sin embargo, la cosa cambió tras su ingreso en la policía secreta, que en Nueva York estaba corrupta hasta la médula. El no quiso participar de esos negociados turbios, pero fue mal visto por sus compañeros por ello. Cuando finalmente se decidió a denunciar la pudredumbre del departamento, debió franquear infinitas barreras, evasivas y negativas abiertas o solapadas por parte de diversas autoridades. Y superado todo eso y formulada la denuncia, su vida corrió serio peligro.

La juventud suele despotricar hasta el hartazgo contra el sistema y ver en la policía al enemigo, pero la historia que narra esta película, con un siempre sólido Al Pacino en la piel de Frank Serpico, el protagonista, es un testimonio aun vigente de que no hay que ver las cosas en blanco y negro, y que hasta los elementos más representativos del tan mentado "sistema" pueden estar en contra del mismo y, lo que es más importante, luchar contra él con admirable denuedo. Y personalmente creo que esto es lo que hará que esta película perdure como un gran clásico a través de los tiempos.

Mordechai Jefferson Carver padeció en la niñez hostigaciones reiteradas por parte de su profesor, sus compañeros de escuela y otros, cristianos todos ellos, debido a su condición de judío. Pero hasta para las comedias es válido aquello de que "lo que no nos mata, nos fortalece", y Mordechai, al crecer, se convertirá en un duro, capaz de hacer frente a cuanto antisemita se cruce en su camino. Por esta razón, es reclutado por organizaciones judías cuando sobreviene una crisis: el cargo de Santa Klaus, hereditario en la ficción de HEBREW HAMMER, es ocupado por un intolerante que planea destruir la festividad judía de Hannukkah.

Si bien el punto de partida es absolutamente rebuscado, sirve como excusa para una trama cómica que no abunda en lugares comunes. De hecho, lo destacable de la película, a mi parecer, es aquello que en su momento generó discusiones bizantinas sobre supuestos trasfondos ideológicos: la parodia que se hace de los habituales estereotipos judíos, tanto más cuando corre a cargo de un director judío (Jonathan Kesselman) y un protagonista judío (Adam Goldberg, quien por momentos exhibe unas expresiones realmente impagables, sobre todo hacia el final). La capacidad de los individuos, en este caso en representación de todo un pueblo, de reírse de sí mismos, siempre resulta encomiable. Por otra parte, no es el judaísmo lo único que se toma en solfa en la cinta, y ahí está, para probarlo, una escena que toma el pelo a cierto cine de acción con héroes recios muy similares unos a otros: Mordechai entra en un bar donde tendrá que vérselas con unos cuantos malandras llenos de esvásticas, y tras efectuar la consabida "limpieza", abandona el sitio con imperturbable tranquilidad, no sin antes... Bueno, no lo contaremos aquí, pero sí traeremos a colación EL CUERVO (1994, Alex Proyas) y EL CASTIGADOR (2004, Jonathan Hensleigh) como dos de las películas de las que esa escena parodia sendos momentos, entre muchas otras que no recuerdo ahora.

En lo actoral, además del Adam Goldberg en el rol protagónico sobresale Nora Dunn, por breves que sean sus apariciones, encarnando a la madre de Mordechai.

Ultimamente, son varias las películas que he tenido que ver "por etapas", es decir, por fragmentos a lo largo de reiteradas emisiones televisivas, ya que inevitablemente me duermo durante todas y cada una de dichas emisiones. La que ahora nos ocupa ya es un clásico en ese sentido, creo que con ella he batido mis propios récords de sueño. THE COVENANT, en Argentina conocida como PACTO INFERNAL, comete en primer lugar un abominable sacrilegio en sus referencias a Ipswich, un topónimo tomado de Lovecraft, quien dio ese nombre a una supuesta localidad de Nueva Inglaterra relacionada con sus historias de terror. Evidentemente se trata de la misma Ipswich de THE COVENANT, puesto que en ambos casos el sitio está próximo a la tristemente célebre ciudad de Salem. De más está decir que el argumento gira en torno a la brujería, un tema ya demasiado trillado para asustar si no introduce novedades o si no tiene la suerte de ser paladeado por públicos cagones. Y THE COVENANT no sólo no innova sino que, adhiriendo a la corriente en boga y ejemplificada sobre todo por series de TV como SUPERNATURAL o THE VAMPIRE DIARIES, recurre a la exitosa fórmula que suma protagonistas lindos y atléticos y una historia de jóvenes con poderes sobrehumanos. Lo cual tal vez deleite a adolescentes de sexo femenino o gays, máxime si los protagonistas tienen ocasión de exhibir aquí y allá sus bien formados cuerpos, pero será insuficiente para cualquier otro espectador. Para peor, en lo interpretativo no hay nadie que se luzca, ni aun Taylor Kitsch, un actor que nunca fue descollante hasta ahora (hay que decir que tampoco le dieron oportunidad los papeles que le tocaron en suerte), pero que en otras ocasiones supo demostrar que es precisamente eso, un actor. Bueno, notable o mediocre, pero un actor. Steven Strait, por el contrario, parece empeñado en disimular su condición de tal y haber involucionado desde su participación en SKY HIGH, donde al menos no ostentaba la total cara de pavote que insiste en mostrar aquí. Y definitivamente otro que involucionó, en su caso desde A NIGHTMARE ON ELM STREET 4: THE DREAM MASTER (1988) es el director Renny Harlin: la citada película no sería una maravilla, pero tampoco era tan soporífera como ésta o como EXORCIST: THE BEGINNING (2004). Resumiendo, está muy bien si se es una fémina adolescente o un insomne recalcitrante, pero los demás, mejor abstenerse.

Lo mejor de MI PIE IZQUIERDO es evidentemente la actuación de Daniel Day-Lewis encarnando al pintor y escritor irlandés Christy Brown, aquejado de parálisis cerebral; el título del filme remite, precisamente, a la única extremidad del cuerpo de Brown que le fue realmente útil por permitirle expresarse artísticamente; el resto estaba afectado por triplejia. Dicha actuación le valió a Day-Lewis el Oscar 1989 al Mejor Actor, que recibió, dicho sea de paso, con un público aplaudiendo de pie. Ahora, toda una película no puede evidentemente ser juzgada en virtud al desempeño de uno de sus protagonista, y sin embargo en el caso de MI PIE IZQUIERDO habría, a priori, muy poco que recriminarle: está de veras muy bien hecha. El problema es la fidelidad a los hechos reales, que a esta altura y tratándose de Hollywood debería inspirar una saludable desconfianza, pero que muchos espectadores insisten en tragarse como si de un remedio recetado por su médico de cabecera se tratara, con los ojos cerrados prácticamente. También en este caso es complicado ser específico, porque lo reprochable en la película no es tanto lo que muestra, como lo que sugiere al final.

Algunos de los eternos detractores de la animación de los Estudios Disney, en su momento, vapulearon este filme por considerar algo así como que "frivolizaba" NUESTRA SEÑORA DE NOTRE DAME, la obra de Víctor Hugo más conocida por su personaje más cálebre, Quasimodo, el sufrido campanero de la Catedral de París. Empecemos por ahí, frivolización no hay; sí tenemos, por supuesto, una adaptación para el público infantil. Al que le guste, bien, y al que no, también. Ya es tiempo de terminar con la crítica necia, con los palos asestados por simple placer o irreflexivamente. Los ya mencionados detractores por lo general se dividen en dos bandos, los que creen que la animación de Disney resulta demasiado cruel para el público infantil y los que piensan que es demasiado edulcorada. Ninguno de ambos extremos, considero que no oculta la faceta más cruel de la vida, pero que intenta preparar a los chicos para hacerle frente, y este filme es un buen ejemplo de ello.

Quasimodo, en efecto, es aquí un personaje tierno, pero tremendamente feo. Sus posibilidades de enamorar a la bella Esmeralda, a su vez segregada por ser gitana, descienden por debajo de cero. Estas realidades permanecen tan inalteradas como en la novela, como también su mensaje humanitario, la cruel condena social a los diferentes. Sin embargo, la trama no cierra luces de esperanza donde puede haberlas, resalta lo más negro de la condición humana pero también cuanto pueda haber de bueno en ella. Creo que es el equilibrio justo. No me parece saludable criar a los niños en mundos de ensueño, porque el despertar podría ser mucho más duro que cualquier crueldad plasmada en celuloide; pero si todo lo que pudiéramos transmitirles es que la vida es tétrica y fea, ¿qué sentido tendría, para empezar, traerlos al mundo?

Intentando esquivar otras polémicas (con la Iglesia en este caso), la Disney alteró un poco al "malo" de la película, Frollo, que en la novela era el archidiácono de la Catedral y aquí se ha convertido en un ministro. Se trata de un personaje muy interesante, porque otros villanos de Disney se saben malvados y se regodean con ello. Frollo es más complejo: atormentado de pasión por Esmeralda, se engaña a sí mismo, considerándose una persona justa y correcta, y llegando a creer que la gitana lo ha embrujado.

Esto nos lleva a las eternas canciones con las que los Estudios Disney a veces saturan y aburren al público adulto. En este caso son mucho más llevaderas, algunas incluso impactantes, como "Las campanas de Notre Dame", que abre el filme, y "Luz celestial/ Fuego infernal". Acordes con la trama y la ambientación de la película, suenan oscuras y apropiadamente medievales, lo mismo que la música incidental compuesta por Alan Menken.

A pesar de las constantes y para mí irritantes exageraciones, no es fácil discernir en qué medida esta película es sátira y en qué medida sólo una leve magnificación de nefastas realidades actuales. El film parte del supuesto (bastante real, por cierto) de que las personas inteligentes, en el tiempo presente, meditan bien antes de traer hijos al mundo y pueden incluso fallecer sin descendencia; mientras que los más pocosesos procrean en abundancia. En la trama, un experimento militar congela a un joven oficial del ejército de los E.E.U.U., Joe (Luke Wilson) y a una prostituta, Rita (Maya Rudolph), sumiéndolos en un estado de hibernación. No han sido seleccionados por méritos especiales sino, por el contrario, por creer que nada se perdería si algo saliera mal y murieran durante el experimento. Presumiblemente, el letargo debería durar un año, pero varios incidentes se combinan para que los conejillos de Indias humanos despierten recién 500 años después, en una sociedad donde Joe -tan desestimado por sus mandos que lo consideraron perfectamente prescindible- tiene un coeficiente mental altísimo comparado con el resto de la gente. Esta se ha vuelto rematadamente imbécil: no se toma nada demasiado en serio, habla con lenguaje y gestos adolescentes y se deleita con la violencia, el sexo y la TV (que transmite pura violencia y sexo).

Ese punto de partida es lo más interesante de IDIOCRACIA, más que nada por las un tanto perturbadoras reflexiones que inspira, ya que parece que hacia ese futuro precisamente estamos encaminados actualmente. Ni de lejos haría de esta película una de mis preferidas. Visualmente es fea sin discusión, y yo diría que demasiado exagerada. Pero sobre este último punto hay un problema, porque, como ya dije antes, no sabría decir dónde empieza la verdadera exageración, lo que resulta sumamente preocupante. mejor dejémoslo así.

¡VIVEN! está basada en el libro del mismo nombre, de Piers Paul Read, que relata minuciosamente el famoso desastre aéreo ocurrido en 1972 en la Cordillera de los Andes. Para quien ignore de qué estamos hablando (si es que hay alguien que lo ignora), en el avión accidentado, un Fairchild de la Fuerza Aérea Uruguaya, viajaba un equipo de rugby que se dirigía a Chile a disputar una contienda deportiva, algunos allegados e incluso alguna persona que no tenía nada que ver con ese asunto. El gobierno chileno inició una búsqueda de restos y de sobrevivientes, finalmente decidió que difícilmente hubiera tales sobrevivientes y renunció a seguir buscándolos. No obstante, había tales sobrevivientes, y ésta es su historia.

Aunque inspirada en el libro de Read, que cubría todos los aspectos relacionados con el accidente, la película lleva más el sello de los sobrevivientes, que en su momento se vieron decepcionados por considerar que la fe y la amistad que los empujaron a luchar fieramente contra la adversidad no estaban plasmadas en la obra. Personalmente disiento de ello, pero es verdad que la inconducente y bizantina polémica suscitada en su tiempo por la antropofagia a la que debieron recurrir los sobrevivientes para subsistir, el consiguiente manoseo de los buitres de la prensa amarillista, la angustia impotente de los familiares y amigos de los pasajeros de aquel vuelo, la búsqueda -a veces de manera no convencional- con la que ellos siguieron adelante incluso cuando el gobierno de Chile se dio por vencido y todas las demás cuestiones relacionadas con el hecho estaban igualmente plasmadas en la obra, haciendo quizás que los árboles impidieran ver el bosque. Pero la película, que contó con la asesoría de uno de los sobrevivientes, Nando Parrado -encarnado en ella por Ethan Hawke- se centra exclusivamente en el desastre y sus protagonistas, haciendo que todo lo bello y humano adquiera un primer plano. No se omite nada, no se ocultan los terribles dilemas morales que asaltaron a los sobrevivientes a la hora de trasgredir uno de los más ancestrales tabúes de nuestra especie, ni los roces que por momentos amenazaron separar a los sobrevivientes. Pero lo que resalta es que allá arriba, tan cerca de Dios, su Presencia fue como un fuego que purificó sus almas, inyectándoles fe, coraje y solidaridad, sin los cuales toda supervivencia hubiese sido probablemente imposible.

Extrañamente, se han cambiado algunos nombres de los protagonistas de la tragedia. Ni la señora de Alfonsín ni Federico Aranda, por ejemplo, se llamaban así. No importa. Este es un filme que hace bien al corazón, y para el que Hollywood se basó, esta vez de verdad, en un hecho real, y por lo tanto no vale la pena cuestionarlo demasiado.

Esta película es un "spaghetti-western"; como tal, de entrada es imposible tomarla muy en serio. Es cierto que el mismísimo Stephen King llegó a alabar EL BUENO, EL MALO Y EL FEO (1966), de Sergio Leone, pero fue él el primero en reconocer que en dicha cinta se hacía una primorosa ensalada rusa con la geografía del Oeste norteamericano. Esta otra película de la que hablamos ahora es incluso mucho menos famosa que EL BUENO Y EL MALO Y EL FEO, y cuenta con dos estrellas memorables que participaron sólo en este filme y no son humanas. Una de ellas es la "Marcia dei McGregor", el glorioso tema compuesto por Ennio Morricone especialmente para esta película. La otra es el "Reina Ana", del que hablaremos a continuación.

La película se inicia con un par de viejos, marido y mujer, asediados en su rancho por una horda de malandras. Combativos, proceden a defenderse con lo que tienen a mano, y hete aquí que entre las cosas que tienen a mano hay un cañón, el cual disparan. Un grupo de siete muchachos (armados tal como lo describe el título) escuchan el tronar del cañón, que reconocen enseguida: es el "Reina Ana" del que hablábamos hace un momento. Convocados por tan poderoso trueno, los muchachos acuden en auxilio de los dos viejos, que vienen a ser algo así como los líderes (locales, al menos) del clan MacGregor. A su debido tiempo tiempo veremos que hay unos cuantos de estos escoceses sueltos por los alrededores.

Después del "Reina Ana", los dos personajes más carismáticos son los dos viejos MacGregor. Pronto aparecerá una chica bonita, como corresponde, y con ella se quedará alguno de los MacGregor, el héroe de la película, después de, esto también es lógico, enfrentarse al malvado de turno y su consabido séquito de matones.

Damas y caballeros, no estoy adelantando nada de la película, porque desde el principio se sabe que exactamente esto ocurrirá, y de todos modos todos estos personajes NO son interesantes. Lo que no hay que contar es si vuelve a entrar en escena, y cuándo, el "Reina Ana", o qué destino les aguarda a los dos viejos MacGregor. De hecho, que la chica con la que se queda el héroe se llama Rosita es lo único de lo que, milagrosamente, me acuerdo; y eso porque en algún momento la damisela mete la pata y su galán le reclama: "¿¿¿Qué has hecho, Rosita???". Pedirme que además recuerde el nombre del galán en cuestión, a quién o a quiénes combate y todas las vicisitudes de la cinta hasta el obvio happy end, es mucho pedir. la película entretiene en el momento, pero después uno nunca más se acuerda de ella, salvo por la "Marcia dei McGregor". Y por supuesto, por el "Reina Ana".

A principios de la década de los '70 la televisión británica producía películas de terror que simplemente ponían los pelos de punta mediante recursos muy elementales, pero siempre eficaces. Para empezar, se ambientaban en enormes y viejos caserones todavía sin iluminación eléctrica, y alrededor de los personajes todo se veía tan oscuro y siniestro, que no parecía imposible que en cualquier momento fuera a surgir un monstruo de cualquier lúgubre rincón. Secundariamente, había un extraordinario manejo del suspenso, ocasionalmente realzado por la música incidental. Ambos puntos son válidos para esta estremecedora versión de la historia de Dorian Gray, que cuenta en su haber con otros méritos, a saber: Lord Henry Wootton, en la novela original de Oscar Wilde un sincero amigo del protagonista, aquí es indefiniblemente malvado; huele a azufre. Esta infracción al argumento original no está tan fuera de lugar, ya que en el mismo Wootton era de todos modos un cínico cuyas reflexiones eran la causa de la corrupción de Dorian. A este personaje le da vida Nigel Davenport, que le aporta un sutil aire siniestro. Luego, está Shane Briant encarnando al mismísimo Dorian. Su rostro era en aquel tiempo físicamente agraciado, pero desprovisto del aire de nene bueno de, por ejemplo, Leonardo Dicaprio; por lo que cuando interpreta a su personaje ya inclinado hacia el mal y comentando con aire indiferente alguno de sus crímenes, luce como un auténtico Lucifer, soberbio y desdeñoso de los mortales comunes.

Todo lo expuesto hace que este telefilme, artísticamente hablando, sea un arrollador tanque contra el que sea imposible competir. He visto otras versiones fílmicas de la novela de Wilde, y todas ellas eran un fiasco comparadas con esta versión de Glenn Jordan. No vi la más reciente, la que en 2010 dirigió Oliver Parker, con Ben Barnes haciendo de Dorian, pero, la verdad... no le tengo confianza.

Quienquiera que haya visto unos cuantos documentales acerca del rey Arturo, sobre todo por History Channel -o leído unos cuantos libros sobre el tema-, sonreirá un tanto cínicamente cuando al inicio de esta película algún cartelito intente convencernos de que vamos a ver algo basado en recientes descubrimientos, o cosa por el estilo (no recuerdo los términos exactos de este enésimo intento de Hollywood por hacernos creer lo increíble). El Rey Arturo, me refiero al personaje, es más leyenda que historia, pero ya en 1975 hubo un intento fílmico (creo que TELEFÍLMICO, mas precisamente) de mostrarnos un Arturo que podría haber existido. La cinta, muy meritoria por cierto, se llamaba KING ARTHUR, THE YOUNG WARLORD, y en ella Arturo era un jefe tribal celta. La película que ahora nos ocupa, toda una superproducción con Clive Owen en el rol de Arturo, Ioan Gruffudd como Lancelot y Keira Knightley como Guinevere, elige hacerlo líder de los últimos soldados romanos apostados en las Islas británicas, ya con el pie en el estribo para volver a sus lejanos hogares, cosa que no sucederá debido a los elevados ideales de estos militares de los que deberían tomar ejemplo unos cuantos mucho más reales.

Lo admirable en EL REY ARTURO es que a pesar de no apoyarse tanto en descubrimientos recientes como proclama, construye una historia muy convincente, una que tiene cierta falsa impresión de autenticidad. La inclusión de escenas que reproducen momentos que podrían haber inspirado la famosa leyenda de la espada en la piedra o la infidelidad de Guinevere -por citar sólo algunos instantes memorables del ciclo artúrico- es sin duda un recurso hábil que contribuye a forjar dicha impresión en el espectador; como también lo es citar personajes de existencia real como el célebre hereje Pelagio.

Por el lado del gran espectáculo, subyugantes lo mismo la fotografía de Slawomir Idziak, abundante en claroscuros y escenarios de leyenda que la épica música de Hans Zimmer. Las actuaciones podrán no ser memorables, pero tampoco caen en el ridículo. De hecho, los puntos a favor que acumula esta película no encuentran puntos en contra a modo de escollos. Hacen ya varios años que Hollywood produce en general bazofias intentando hacer cine de acción, pero esta vez, gloriosamente, recibe el máximo puntaje.

Parece increíble que siendo que, por un lado, en la ficción cinematográfica y televisiva el Diablo por lo general no logra moverme un pelo, y por el otro que las producciones de mi país en general no son santos de mi devoción, esta miniserie me haya tenido en vilo de principio a fin e incluso logrado ponerme los pelos de punta en más de una ocasión, pero así es la vida. Puede que no sea tan raro: quizás el déficit local en los rubros "Maquillaje" y "Efectos especiales" haya forzado a suplir con ingenio esa carencia, redundando en que una simple producción para televisión consiguiera lo que no logran mil y una superproducciones hollywoodenses sobre el mismo tema.

EL GARANTE cuenta la historia de un joven y exitoso psicólogo, Martín Mondragón (Leonardo Sbaraglia) a quien un día lo visita un hombre, José Sagasti (Lito Cruz) para narrarle una historia increíble:su abuelo había hecho un pacto como Satanás, nombrándolo garante del mismo a él, a su nieto Martín. Ahora bien, el abuelo dejó incumplida su parte del contrato; por lo tanto, como en todo negocio que se precie de su legalidad, le toca a Martín, en su calidad de garante cargar la pesada herencia de pagar la deuda. Precisamente, Sagasti afirma venir de parte de Satanás a cobrar lo que corresponde: su alma. Caso de que no acceda, sufrirá el Infierno en la Tierra hasta que cambie de opinión

A Martín, Sagasti le interesa más como posible paciente que como cobrador del Malo. En otras palabras, no le cree ni media palabra; lo supone un chiflado y lo remite a un pisquiatra amigo suyo, Eduardo. Sagasti se retira dócilmente, va a ver a este psiquiatra... Y a raíz de lo que le cuenta Sagasti, el facultativo se suicida después de la entrevista.

Será apenas un estremecedor prólogo. Mal que le pese a Martín, Sagasti efectivamente viene de parte del Príncipe de las Tinieblas, y le hará la vida imposible, poniendo en niesgo a sus seres queridos, para forzarlo a firmar. La profesión del joven no lo ayudará precisamente a mantener la calma. Viniendo de parte de quien viene, Sagasti está demasiado bien informado de las debilidades y problemas mentales de cuanto ser humano se le cruce en su camino, y los manipulará para forzar al garante a cumplir con lo pactado con su abuelo.

Obra maestra del terror sicológico, EL GARANTE lleva varios años sin reponerse en la TV abierta, hecho ciertamente lamentable, sobre todo teniendo en cuenta la baja calidad de lo que se ve actualmente en los canales de aire. Las actuaciones no tienen desperdicio, y menos que ninguna la de Lito Cruz en el rol del siniestro Sagasti. Claro que asombra el mismo Sbaraglia, en quien nunca sería posible reconocer al otrora adolescente que solía protagonizar tiras televisivas ñoñas para públicos de edad y mentalidad acorde. Así que, quien tenga la oportunidad de verla, no se prive de hacerlo.

Esta película, francamente, deja anonadado. Durante la misma escuchamos testimonios de muchachos que se engancharon como "marines" y fueron posteriormente enviados a Irak. Se los presenta como víctimas y, en realidad, lo fueron; pero de su propia imbecilidad. A muchos de ellos, al enrolarse, se les dijo que no irían a combatir a ese país; lo que es más o menos como contratar a un cocinero y asegurarle que nunca deberá usar el horno. Como mínimo, debieron dudar. Muchos de ellos querían ser héroes; pero debieron darse cuenta de que no hay heroísmo, por ejemplo, en matar chicos indefensos. Si varios volvieron de la guerra mutilados, tampoco harán llorar ni harán que uno brame de indignación contra el gobierno yanqui, porque se trata de algo que ellos debieron prever y, por lo tanto, podrían haber evitado. Por lo demás, que el patriotismo-patrioterismo estadounidense ciega a las masas de ese país y a menudo las conduce, cual ratas guiadas por el flautista de Hamelin, a su propia perdición, es algo que en otros países pronto sabrán hasta los perros, si no es que no lo saben ya; los únicos que se obstinan en no ver lo evidente son, precisamente, los propios norteamericanos. Por lo tanto, en ese aspecto esta película de nada nuevo nos informa; sí resulta muy ilustrativa, ya lo hemos dicho, respecto a los alcances de la entusiasta tontería humana. Lamentable.

Hermosa por donde se la mire, EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR (en Argentina, LA DAMA Y EL FANTASMA) representa un cine de Hollywood ya prácticamente desaparecido, uno en el que había cabida para los valores tradicionales; hoy, la mayor parte de lo que se ve es de puro mal gusto.

Gene Tierny da vida aquí a Lucy Muir, mujer prematuramente viuda y madre de una niña (Nathalie Wood) que en contra de los consejos (cuasi dictámenes, más bien) de su familia política, se muda con su hija y una sirvienta a una casa junto al mar. Dicha casa perteneció antes a un marino, el Capitán Gregg (Rex Harrison), cuyo fantasma todavía merodea en la misma y ha ahuyentado ya a unos cuantos individuos que, inocentemente, creían poder vivir en paz en ella. Pero todos sus recursos serán inútiles con Lucy, quien tiene problemas demasiado serios y concretos para preocuparse por cualesquiera espectros que se le aparezcan con intenciones de desalojarla. La valiente actitud con que ella encara la vida termina admirando al Capitán, quien precisamente en razón de tal coraje la llama Lucila (por una amazona del mismo nombre) y decide ayudarla a afrontar sus problemas... Dictándole sus aventuras en el mar, que ella transcribe en un libro cuya publicación iniciará una exitosa carrera de escritora.

Así, ambos irán trabándose de a poco en una relación romántica, que sin embargo se ve amenazada cuando Lucy conoce a otro hombre, éste de carne y hueso.

EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR nos retrotrae a días en los que las mujeres podían tratar de realizarse como personas sin copiar de los hombres lo más chabacano y grosero; sin beber hasta caer ebrias in situ ni expresarse con una jerga más bien propia de matones barriobajeros. Y a días en que los hombres todavía tenían dignidad para ser, ante todo, caballeros; corteses, protectores y capaces de admitid una derrota y dar, en consecuencia, un paso al costado. Unas y otros están allí, representados por la pareja protagónica junto a parientas pesadas, la niña aparentemente ajena al misterio que encierra la casa y hasta algún villano. Es una pareja por la que uno hace fuerza para que lleguen al esperado happy end. Que, por supuesto, tendrá lugar. Varios cines y televisores habrían terminado destrozados por hordas de enfurecidos espectadores si así no fuera. EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR es una bienvenida melange de fantasía, humor, romance y humanidad: una medicina que hace bien y tiene buen gusto. Así que no se admiten tragos amargos finales...