La celebración del 20 aniversario del clásico dirigido por John Carpenter es un proyecto en el que Jamie Lee Curtis se involucró profundamente, una ocasión no solo para rescatar a Michael Myers de un pozo sin fondo de mediocridad y secuelas baratas, sino para rendir homenaje al género que pasaba por un momento especialmente delicado.
Para lo cual se reúne un cast muy interesante, no solo con un joven Josh Harnett antes de convertirse en una muy efímera estrella, sino una bisoña Michelle Williams, Joseph Gordon-Levitt y un cameo estelar y emocionante de Janet Leigh, compartiendo secuencia con su hija.
Además, contratan a Steve Miner como director, con mucha experiencia en el slasher, con películas como "Viernes 13,II y III partes" o "House"
Y, evidentemente, todo ésto tiene sus frutos en una secuela directa de Halloween 2 ( ya hace décadas que la gente quería olvidar gran parte de la saga Halloween, lógicamente) en la que se recupera la tensión y la presencia de Michael Myers como un asesino implacable y a una Laurie Strode traumatizada, obsesionada con el hombre del saco, huyendo de su pasado, todo ello expresado con secuencias muy directas, sutiles y tremendamente eficaces.
Por otro lado, se nos presentan una serie de nuevos personajes, concretamente el hijo de Laurie Strode, adolescente, alumno del selecto High School que su madre dirige, fuertemente controlado por los miedos y temores de Laurie; así como sus amigos, los cuales planean un fin de semana alejados del férreo control de la institución, aunque, paradójicamente, lo hacen en el propio edificio, vacío debido a las vacaciones.
Y es en éste enclave en donde se va a desarrollar toda la acción de la película. Un enorme colegio privado, con largos pasillos, oscuras habitaciones y lugares que el director utiliza a la perfección para crear y generar la tensión y la persecución de Myers a las cabezas huecas de turno. Una idea fantástica, el mayor acierto de la película, la de alejarse de un Haddonfield explotado hasta la saciedad así como la de reducir el espacio en el que se mueve Michael.
Por un lado, exploramos las consecuencias en un adulto de un violento suceso del pasado, incluyendo las consecuencias de ocultar éstos hechos a los seres queridos; por otro, la adolescencia entrando en conflicto con todas las barreras y muros que los adultos tratan de trazar alrededor. Y en medio, el caos, la fuerza imparable que representa el asesino de Illinois.
Por supuesto, no todo es perfecto en H:20. Los diálogos, como suele suceder en éste tipo de productos, son ñoños y ridículos. La acción es repetitiva y la mayoría de " sustos " en el 1er acto son las recurrentes pesadillas de la mente traumatizada. Recursos baratos y poco imaginativos.
Sin embargo, la diversión que supone ver a un psychokiller carismático como Myers, el ritmo de la película y una esforzada Jamie Lee son aciertos suficientes como para valorar éste título como una de las mejores secuelas de la saga, que cuenta con un final fantástico, emotivo y valiente, que pierde bastante fuerza por culpa de la inevitable secuela, " Halloween Resurrection "

Blumhouse reanima la saga de terror que comenzó en 1978 de la mano de John Carpenter y lo hace, además, con un punto de partida rompedor: se considera secuela directa de la obra original y obvia totalmente al resto de secuelas.
Además, les da las riendas de la película a dos guionistas, Danny McBride y David Gordon Green, vinculados sobretodo a la comedia hasta ahora en sus carreras, y que, por tanto, supone su primera incursión en el género de terror. Lo cual se nota, y mucho.
Sobretodo a la hora de diseñar las secuencias de tensión, las cuales resultan muy largas, que carecen de la garra y los instintos primarios de un asesino en serie tan brutal como Michael Myers. Green y McBride disfrutan con sus nuevos personajes, la familia de Laurie Strode, los jóvenes estudiantes de instituto o la pareja de periodistas de investigación que abren la película y que son utilizados como nexo conductor con el nuevo público.
Tienen mucha mayor dificultad a la hora de manejar a Myers y Strode, que además en ésta nueva entrega tienen unos roles muy concretos, presentados como depredador y víctima, una relación en la que la retroalimentación de ambos se desequilibra y vemos a una Laurie Strode cazadora, traumatizada y estancada.
El problema es que los guionistas no confían demasiado en su público y deciden subrayar hasta la extenuación esta relación, tanto con diálogos explicativos del psiquiatra de turno (desastroso personaje, por cierto) como con una metáfora en forma de disfraz de Halloween.
Tampoco atinan en su composición de la traumatizada Strode, de nuevo, cargando los diálogos de situaciones para mostrar la situación depresiva del personaje, cosa que, sin ir más lejos, dan en el clavo en una de las secuelas ahora bastardas, concretamente Halloween H20 y que en una sencilla secuencia de apenas dos minutos ( Jamie Lee Curtis, con su novio, en un bar, tomando un vino. Su pareja va al baño, ella llama al camarero,le pide otro vino mientras apura rápidamente su copa, le da la vacía y bebe la copa nueva hasta dejarla a la altura que la primera) nos muestran el estado en el que se encuentra Laurie.
Ésta serie de ideas podrían resultar más digeribles si fuesen espaciadas a lo largo del metraje pero lo peor es que son practicamente seguidas desde el comienzo. La visita en el psiquiátrico, la entrevista a Strode y el momento autobús, una serie de secuencias lentas, sobre-explicadas, con personajes que no aportan nada ( lamentable la manera de dirigir la huida, absolutamente anticlimática y mal resuelta.
Uno entiende que se quieren quitar de en medio la exposición y afrontar el segundo y el tercer acto como una persecución sin freno de la máquina de matar de Haddonfield.
Pero ésto tiene un coste importante: no importan los personajes que ya nos muestran que son prescindibles, carne de asesino.
Pero no todo es malo: cuando por fin se deciden a hacer Halloween, esto es, soltar a una bestia como Myers por el pueblo de Haddonfield en medio de la fiesta de disfraces: silente, imparable, implacable... la película despega.
Funciona muy bien ese retrato de la vulnerabilidad de los hogares norteamericanos. Myers entrando y saliendo de las casas, cuchillo en mano, en su salsa. Brutal incluso cuando deciden no mostrar los asesinatos, cuando apuestan por la violencia en off, cuando nuestra mente genera unas imágenes más terribles que las que realmente suceden. Buena idea, que funciona a la perfección, con una serie de secuencias perfectamente montadas.
Una lástima que no hayan decidido crear con ésta serie de imágenes el corazón de la película.
Por contra, continúan con una serie de momentos realmente confusas, con la policía y el sheriff como protagonistas, con un toque humorístico que no funciona y que frena la trama y que hacen que perdamos interés a la hora de encarar el tercer acto, la caza.
Donde vuelven a incidir en el rol de depredador - víctima que cambia, donde Jamie Lee, que está estupenda, recrea una serie de secuencias icónicas de la saga, en su momento protagonizadas por Myers y que ahora adopta Laurie.
Por momentos, pese a lo redundante, funciona bastante bien, especialmente en un desenlace lleno de tensión y muy satisfactorio, en el que el trauma, su vida familiar y su pasado post-agresión cierran el círculo en una secuencia realmente potente, con Judy Greer luciendo músculo de Scream Queen ( que hasta ese momento estaba siendo dramáticamente infrautilizada).
Pese a los desequilibrios, momentos realmente anticlimáticos y personajes que parecen estar en otra película, Halloween resulta ser una película entretenida y especialmente revisable.
Esperemos que limen todos los problemas y defectos, la falta de experiencia en el género y el miedo de pisar terreno vedado en la secuela, ya en fase de producción.

Parece que el remake de la maravillosa obra de Wes Craven es más bien un planteamiento moderno de lo que acabó derivando la saga de Krueguer, ésto es, una mayor exploración del espacio onírico y de las posibilidades artísticas de ésta idea. Pero claro, lo que en su día fue un agotamiento de un personaje que el terror ya no daba para más, después de tres entregas en las que Fred Krueguer asesinaba sin piedad a la población adolescente de la calle Elm.
Ésta idea resulta realmente llamativa, ya que en un remake, más de quince años más tarde de la última película de la saga de Pesadillas, lo normal sería aprovechar el carisma del asesino de los sueños, resucitar al dream master, y no apostar por una puesta en escena onírica, por un Krueguer con cara pasada por el cgi, sin ninguna tensión y sin personajes interesantes.
Y si en Pesadilla en Elm Street fallas con la construcción del personaje principal, un asesino en serie que no da ningún miedo y, además, fallas en la recreación del mundo de los sueños, una oportunidad perdida, ya que el principal punto fuerte de la idea de las Nightmares es, precisamente, trabajar en la idea de la vulnerabilidad de los sueños, de un asesino que te ataca cuando duermes, en tu casa, en tu propia cama.
Pues el bueno de Samuel Bayer decide que ésto no es importante, que los sueños han de ser más estéticos que creíbles, que la tensión que en la original se construía precisamente en la noción de que los protagonistas no sabían si era un sueño o era una realidad, la película naufraga totalmente.
La paranoia juvenil, la desconfianza de los padres, la mitificación de su sombrero, sus garras y su jersey...todo impostado, desprovisto de peso o de importancia. Un vaivén de jóvenes torturados por su propia pose, un conato de giro sorprendente y de origen del mal, todo mal.

El retrato de un asesino en serie tan popular y reconocible ( incluso para un espectador europeo) como es Ted Bundy resulta un proyecto complejo. Por un lado, han habido otras revisiones acerca de Bundy, tanto para cines como para televisión.
Por otro, al tratarse de un tema tan sensible y oscuro, siempre se corre el peligro de aproximarse al personaje desde una perspectiva que podría resultar desacertada.
Joe Berlinger, el director, que también ha realizado un minucioso documental con las cintas en las que se entrevistaba a Bundy, realiza una inteligente apuesta: todo el mundo conoce el caso, todos estamos - más o menos- familiarizados tanto con el asesino como con su " modus operandi" .
Así que el punto de vista que nos proponen es el de un retrato intimista, cercano, familiar; un desnudo completo, desde la perspectiva psicológica de Ted Bundy. La humanización de un asesino en serie, la radiografía de un mentiroso compulsivo, de un seductor desvergonzado, maravillosamente interpretado por Zac Efron.
El principal objetivo de Berlinger es centrarse en su dúo protagonista, dividiendo el relato en dos partes claramente diferenciadas: con una fenomenal química entre Efron y Collins, su dinámica, construyendo en la primera mitad de la película un ambiente familiar, en donde nos será más fácil comprender al personaje de Collins, enamorada de Bundy, cegada por una imágen que el joven proyecta durante toda su relación y que la perseguirá durante casi toda su vida.
La otra parte, con una fotografía más luminosa, una atmósfera más fría y lejana, el larguísimo proceso judicial y detectivesco, minucioso y muy creíble, en la cual vemos al personaje de Bundy desintegrarse y desaparecer, a pesar de que seguía conservando su enorme carisma y encanto.
Berlinger decide no juzgar a Ted Bundy, cosa que ha puesto muy nerviosa a la gente que necesita que le apunten claramente quién es el malo y quién es el malo.
A todos aquellos que disfruten con un relato lento, minucioso, realista, acerca de la naturaleza más manipuladora, fría y oscura del ser humano, disfrutarán con esta extremadamente cruel, malvada y perversa visión de un psychokiller,

Estamos ante un slasher que recuerda mucho a cómo estaba el género de terror de hace una década en USA. Para empezar, el trailer es mucho mejor que la película en sí.
Parecía que la llegada de James Wan, Jason Blum, la revolución del género que ha revitalizado y refrescado un cine de terror realmente anquilosado, había cambiado el panorama y el estreno de "Keep Watching" parece una vuelta hacia el slasher mas cutre, vulgar y aburrido de los años 2000.
La historia es muy simple, básicamente una familia que es acosada, vigilada y atacada durante una noche. La violencia es plana, falsa, nada creíble. No hay tensión por ninguna parte, por un lado porque los personajes principales no son nada interesantes, ni siquiera ese trauma ridículo que rodea a la joven protagonista (Bella Thorne, probablemente lo más interesante de toda la película, más por su propia presencia, que por su personaje). Aún peor son los asaltantes, los villanos de la película, con el mismo carisma que los secuaces de los Power Rangers...
Lo que subyace es una crítica muy torpe y roma de las redes sociales, la tecnología que nos rodea y acompaña en nuestro día a día, que puede volverse en nuestra contra en forma de espionaje y vouyerismo. Pero éste aspecto es tan cutre, tan mal rodado y superficial, que da más grima, provoca más rechazo la propia propuesta que el fondo de la crítica, que es legítima.

Blumhouse es la productora de género más potente y revolucionaria en lo que llevamos de década en suelo norteamericano. Jason Blum ha apostado muy fuerte por el terror con una base clásica, elegancia formal y eficacia de medios. " Paranormal Activity " fue la pieza fundamental que ayudó a crear la seguridad económica del proyecto y la viabilidad del mismo. A partir de ahí, James Wan y Scott Derreickson ayudaron a generar un modelo en el que Blum apuesta por una serie de jóvenes directores, provenientes del indie y del drama, para refrescar al género. Jordan Peele y M. Night Shyamalan son los más exitosos de la última ola de la productora.
A raíz del éxito de la fórmula, también se han ido generando otro tipo de productos, mucho más mediocres y baratos pero que, abrigados por el paragüas de una marca a prueba de bombas y tremendamente exitosas, encuentran una vida comercial que, por la propia calidad del producto, jamás habrían podido existir previamente.
" Verdad o Reto " es la máxima prueba del aparato comercial de Blumhouse.
Una trama barata, gastada, mezcla amorfa de las peores caras de " Destino Final " + " It Follows", una leyenda urbana transformada en una alargada y repetitiva película que cuenta con un joven pero tremendamente vulgar reparto, un concepto que no funciona en absoluto ( la idea visual que marca el inicio de esa " verdad o reto"), un desarrollo tanto de concepto como de personajes en los cuales hallamos todos los tópicos del género, una redundante y previsible historia de culpa, mentira, falsa cara social, trasunto de crítica a una generación frívola, distanciada y criada por las pantallas y redes sociales y que, por momentos, genera una repulsa en el público en el que uno acaba pensando que, antes de criticar, deberían mirarse a sí mismos (al producto en sí) y ser conscientes de lo negativo y fallido del resultado. De que para sostener 90 minutos, necesitas personajes vivos, creíbles e interesantes. Coherentes y atractivos ( no en el físico sino en su concepto), o, al menos, una puesta en escena más imaginativa y creativa, no una simplona y plana " Verdad o Reto".

Las películas fantásticas y de terror que tienen la suerte de contar con un emplazamiento tan poderoso como es una mansión gigantesca, vieja y oscura, repleta de rincones espeluznantes, crepitosas escaleras y sangrientos secretos, tienen una enorme ventaja de salida, ya que la casa en sí misma es un personaje fascinante y un lugar muy rico para explorar y explotar, una poderosa arma en las manos adecuadas.
La parte negativa es, precisamente, cuando está en las manos equivocadas. Cuando el guión no logra sacar todo el potencial ya no solo de una historia fascinante ( no hay más que ver lo que ha hecho Mike Flanagan ) sino de la propia mansión encantada; tampoco el realizador es capaz de generar toda la tensión y el horror que promete lo que rodea a ésta barata y triste función.
Porque, por desgracia, ya desde el comienzo de la película nos alertan que si teníamos alguna esperanza de presenciar una relectura gótica de la elegancia de, por ejemplo, las joyas que salieron de la Hammer Films en los años 50 y 60.
No señor, la presentación del excéntrico personaje que interpreta Geoffrey Rush, una suerte de Vincent Price de mercadillo, en un ruidoso y juguetón parque de atracciones, marca el tono y el ritmo de toda la trama.
A partir de ese momento, ya reunidos los personajes en la mansión, asistimos a dos relatos, cada uno más torpe y decepcionante que el anterior, si esto es posible.
Por un lado, los huéspedes, matrimonio que tiene una suerte de rivalidad ridícula que no lleva a ninguna parte, pese a que Famke Janssen interpreta a Mrs Price.
Por otro lado, los invitados al "juego", consistente en pasar una noche en la mansión. Ninguno de ellos resulta mínimamente carismático o interesante; por tanto, el público solo está deseando que mueran rápida y violentamente, para que el sufrimiento acabe.
Los trucos para lograr que nos asustemos son ineficaces, baratos y previsibles. El CGI es un chiste, además de innecesario, si los creadores hubiesen decidido apostar más por la creatividad dentro de un entorno que hubiera permitido generar toda la tensión necesaria y mucha más, con la sencilla puesta en escena que haga brillar a la verdadera protagonista de la historia, la casa en la colina encantada.

Slasher que sigue las tradiciones del subgénero en la década de los ochenta, con un grupo de amigo que deciden pasar unas vacaciones en una isla en la que dos de los protagonistas, hermanos, se criaron de pequeños.
La trama es bastante simple, con un asesino que ataca a los protagonistas y a los pocos habitantes del islote, mientras que introducen una subtrama en la que una de las protagonistas sufre una serie de pesadillas premonitorias .El primer problema con éste slasher es que carece de la fuerza de otros de la misma época, carece de un villano carismático ( debido precisamente a esa subtrama pesadillesca) y carece de suspense o tensión alguno.
El segundo es que la subtrama no solo no aporta ninguna tensión sino que convierte a la película de menos de 90 minutos en una confusa, lenta y anodina mezcla de un terror violento y sangriento y un fantástico con una mujer con un subconsciente y unas experiencias con sus sueños que le hacen vivir unas experiencias terroríficas en las que adelanta acontecimientos violentos, mientras que sus amigos, incluido su propio hermano y marido, no dan crédito a sus advertencias desesperadas por salvar la vida a todos los habitantes el lugar.
La puesta en escena es sencilla, vulgar, ocultando la figura que ataca a los protagonistas sin sacar ningún provecho dramático ni tenso. Los asesinatos y la violencia, siendo sangrientos, no logran ser impactantes ni atemorizantes, en ningún momento uno puede sentirse involucrado en la historia, tan simple y fina como una servilleta de papel. No importan los personajes, ni la identidad del asaltante, básicamente porque acerca de los primeros, si ellos mismos no reaccionan de ninguna manera cuando los ataques comienzan, es imposible involucrar al público; acerca del segundo, no pasamos ningún tiempo con ese personaje, no hay ningún contexto ni antecedente, ni realmente nada que nos haga interesarnos por él.
Por tanto, teniendo en cuenta lo anterior, es absolutamente imposible que podamos reaccionar de ninguna manera ante un desenlace que pretende sorprender e introducir un giro final, heredero de la tradición iniciada por la magistral " Carrie" cinco años atrás, pero que se queda en el mismo lugar que toda la película en general, flotando en una sensación general de desencanto y apatía.

La biografía de Neil Armstrong realizada por Chazelle es sorprendente, desde luego muy lejos de lo que uno tiene en mente en éste tipo de producciones, biopics a mayor honra de la figura representada.
Nada más lejos de las intenciones de " First Man".
Encontramos dos partes muy diferenciadas, que forman un todo realmente emocionante.
Por un lado, conocemos a un joven piloto, padre de dos hijos, presentándonos una situación trágica, una enfermedad que parte la vida del matrimonio. Chazelle apuesta por una fotografía porosa, emulando esas cintas caseras de super 8, una especie de documental familiar, con planos cortos, primeros planos que te introducen en la dinámica de los Armstrong, la realidad de una hija moribunda y el terrible dolor que provoca en el hogar. Cortes rápidos que muestran la devastadora sensación de pérdida que acompañará a los personajes principales durante toda la trama.
A partir de ahí, la película cambia. Los Armstrong se mudan, la NASA entra en juego y somos introducidos en un espacio opresivo, una comunidad científica desarrollando miles de cosas a contra reloj , la atmósfera crece, Chazelle amplia el universo y nos introduce en un momento histórico en el que combinamos dos narraciones, la familiar, con un estudio profundo de la psicología intrafamiliar, con un protagonista callado, introvertido y responsable, ausente y perdido por momentos.
Por otro lado, la carrera espacial, la camaradería entre los aspirantes a astronautas, con una competencia interna y otra con la URSS.
Bien narrada, con calma pero brillantemente montada, con una apuesta por mostrar el proceso de aprendizaje, prueba-error, fallos, fracasos y vuelta a empezar. Un método científico que resulta todo un reto al ser transformado en imágenes. El montaje de sonido es fundamental, nos introduce en las pruebas con los cohetes, el ensordecedor ruido de los motores, lo frágiles que son los compartimentos, una sensación de miedo y claustrofobia.
La heroicidad y el colosal logro del alunizaje construido a base de frustración, dolor, lucha y pérdida.
La frialdad de la personalidad de Armstrong nos permite, por contraste, disfrutar de varias secuencias realmente poderosas, en las que vemos cómo Neil lidia ( o huye ) del dolor. La química con Jason Clark es fenomenal y permite algunos momentos muy notables ( la primera vez que Armstrong habla, a su manera, de su hija fallecida) y hace más impactante su terrible desenlace. Resulta sorprendente que no se haya valorado más el fantástico trabajo de Ryan Gosling, componiendo un personaje complejo, expresando con silencios, reaccionando con pequeños gestos ( esa copa que se rompe, un beso en el espejo).
Chazelle construye la parte final, la más esperada e icónica, lentamente pero sin pausa. Con una despedida descorazonadora ( como siempre lo es cuando un niño comprende que sus padres son mortales), la dificultad de una personalidad que huye de la emotividad de una familia que siempre teme perder, con su hija siempre en su mente, y una misión tremendamente compleja ( maravillosamente expresada en una simple escena "¿que te llevarías al espacio?", "más combustible"), con una sensación de lo frágil que resulta toda la tecnología que debe proteger la vida de los cosmonautas, con una puesta en escena en la que Chazelle mantiene su pulso narrativo y aumenta la apuesta por un realismo crudo, emocionante viaje lunar, finalizando en la esperada secuencia en la que Armstrong suelta la que es, quizás, la frase más conocida de la Historia. Pero Chazelle, de nuevo, mantiene un discurso coherente, una naturalidad que no apuesta por el subrayado sino por la continuidad y la tensión mantenida. Porque aun tiene un as en la manga, el culmen de la emoción contenida no es la mítica frase sino en un gesto mudo, un brindis maravilloso, un detalle que va directo al corazón. La hija de Neil Armstrong, siempre en el recuerdo de su padre, mostrado de una manera tan maravillosa que golpea al espectador de manera demoledora.
Me gustaría, para acabar, centrarme en la banda sonora. Una parte más del guión. Un soporte emotivo, que rima con la propia película. Una composición simple, sencilla que a lo largo de las dos horas y diez minutos acompaña , se transforma, aumenta el numero de instrumentos, se vuelve más compleja, al igual que la trama, pero mantiene su estructura. Nos mece e introduce en cada cambio narrativo, complementa y aumenta cada secuencia. Absolutamente magistral. Como la película.

Muy interesante juego de suspense, en el cual se funden el espíritu de Agatha Christie con el icónico emplazamiento, un motel, un guiño a Alfred Hitchcock.
Plantean una doble narrativa, que se acaba fundiendo y logra hacer más creíble y comprensible todo lo que rodea al personaje de Malcolm Rivers.
Un interrogatorio a un criminal (Rivers) y una serie de encuentros aparentemente aleatorios que acaban con una serie de personajes atrapados en un motel.
La intriga funciona muy bien, tanto por el lugar en el que sucede la acción y el inteligente aprovechamiento de ese motel y un cast fantástico, liderado por un magnético John Cusack.
La trama de desarrolla rápidamente, proporcionando la información necesaria al público mientras introduce a los personajes. La tensión está bien dosificada, con un aroma a la maravillosa novela " Diez Negritos", en la que los sospechosos van disminuyendo y las víctimas, amontonándose.
El final, donde la doble narración se unifica, funciona a pesar de que se asume un importante riesgo, el de pasar de engañar al público a directamente, estafarlo. Afortunadamente, el trabajo previo con el personaje de Malcolm acaba equilibrando la narración y facilitando un desenlace satisfactorio.

A raíz del gran éxito de " Un Lugar Tranquilo", todos los guiones postapocalípticos con alguna desviación sensitiva ( no se puede ver algo, no se puede hacer ruido ) que estaban acumulando varios dedos de polvo en todos los cajones de los productores de Hollywood de repente, se vieron revalorizados.
El inconveniente es que ni todos son interesantes ni desarrollan su sentido más tenso y claustrofóbico.
En el caso de "The Silence", partimos de una expedición espeleóloga que provoca una fuga masiva de unos murciélagos gigantes y realmente violentos. Una familia huye de su hogar, tratando de salvarse.
Por supuesto, la hija mayor es sorda, para forzar una tensión que no surje de la pobre trama ni de los lamentables personajes principales, que carecen de todo interés.
Todo ruido, por leve que sea, atrae la atención inmediata de los sangrientos mamíferos. Carne de serie z. Producción a esa altura. espíritu de película de sobremesa. Situaciones absolutamente ridículas, comicidad no buscada, decisiones totalmente contradictorias ( uno se pregunta por qué los protagonistas se creen más a salvo en medio de una autopista que en su casa ), personajes secundarios que no interesan a nadie y una continua sensación de " ya visto, pero mejor "
Uno echa en falta una mayor reflexión, algo detrás de una trama tan simple, una simbología que aflore de una situación tan dramática. Pero no. Es más, en el único intento de alcanzar otro nivel en la plana historia, optan por la solución más previsible, triste y perezosa, que dan lugar a situaciones que acaban definitivamente con la paciencia del espectador.
Son personajes en movimiento, en silencio, vagando por unas carreteras anodinas, una sensación de desgana total, ninguna idea o situación interesante. La puesta en escena es planísma, simple, muy básica. La banda sonora es tan tibia como las interpretaciones, el montaje parece diseñado por un manual del telefilm de los noventa.
Realmente aburrida y tediosa, no merece la pena perder el tiempo en ésta producción.

Thriller turbio con ecos al noir norteamericano setentero.
La principal diferencia que establece " Destroyer " la vemos en la protagonista, una extraordinaria Nicole Kidman interpretando a una inspectora de homicidios rota, quemada y a un paso de estar acabada.
Kusama alterna una doble narración entre el pasado y el presente de la inspectora, en el que vemos cómo un caso de su pasado ( y el desarrollo del mismo) acaba salpicándole en su presente, cómo todos los hechos sucedidos años atrás acaban marcando profundamente, tanto física como psicológicamente, a la vida de Erin Bell.
La ambientación y la atmósfera son sobresalientes, sin duda lo mejor de la película. Te transportan a las calles de una ciudad fría y dura, a una vida fracturada, estancada por los errores del pasado. Resulta un estudio de un personaje torturado realmente interesante, en el que asistimos al inicio de su carrera y, a la vez, un contrapunto crepuscular, trufado todo ello por una puesta en escena firme y elegante y que contiene una escena de acción totalmente cautivadora, que rompe el ritmo y deja clavado en el asiento y marca el tono del final de la trama.
Al observar la imágen completa, una vez finalizada " Destroyer ", nos permite una reflexión acerca de las decisiones, las tentaciones y el equilibrio moral y todas las repercusiones que éstas nos dejan, las marcas profundas que causan, la oscuridad del alma que evoca un deterioro espiritual y carnal.

Ésta obra de ficción dirigida por Paul Verhoeven sigue, casi treinta años más tarde, tan disfrutable, brutal y entretenida como el primer día.
Dicho ésto, revisionando " Total Recall " años más tarde y adentrándonos en el fabuloso mundo de Philip K. Dick con la mirada de Verhoeven, descubriremos que es mucho más que un blockbuster de acción. Mucho más que una sci-fi colorida.
Para empezar, bajo esa historia de escapismo, de fantástica ensoñación, hay una sorna, un humor fabuloso, un espíritu satírico que sí que acabaría de explotar en " Starship Troopers".
Y éste humor facilita el juego que propone el director holandés, con la dualidad y ambigüedad que caracteriza a los protagonistas de ésta película, con Arnie en su punto álgido, fantástico en su mezcla de socarronería, físico y carisma a prueba de atmósferas marcianas. Sharon Stone, jovencita, imposible apartar la mirada, y con ese lado oscuro que explotaría muco más dos años más tarde ( Instinto Básico).
Un concepto muy identificable dentro del género, la vida aburrida, las ansias por tener algo más y una alternativa en la que la tecnología te permite huir. En esa huida, se abre un concepto fascinante, que los Wachowski o Nolan, muchos años más tarde, indagarían aún más, esos sueños dentro de sueños, una falsa realidad que oculta un mundo cruel.
Pues bien, en Total Recall se abre una nueva realidad, gracias a una empresa de realidad virtual, en la que el personaje de Arnie puede elegir su propia aventura, en su búsqueda de un recuerdo, ese sueño recurrente de otra vida. Y es aquí donde el juego de los espías, la realidad y la ficción se entremezclan, donde Verhoeven disfruta confundiéndonos, introduciendo incluso un elemento político subyacente, con un diseño de producción alucinante, con un planeta rojo peligroso, siniestro, un maquillaje y efectos visuales realmente potentes, generando secuencias que permanecen en la retina de todos los públicos que la hayan disfrutado y una banda sonora absolutamente deliciosa, repetida hasta la extenuación en todo tipo de eventos deportivos, por ejemplo.
La trama funciona como un tiro y está tan bien narrada que nos conduce por esa aventura de espías, dobles identidades y sorprendentes revelaciones sin hacernos dudar ni por un instante de que todo lo que estamos viendo es real. Las escenas de acción repletas de violencia y set pieces loquísimos, libres, imaginativos, que dejan al remake del 2012 en una birria vergonzosamente casta.
Y ésa es la última y definitiva prueba a la que nos enfrentamos. Un ambigüo desenlace nos deja con una reflexión, que puede dar lugar a una larga conversación acerca de la naturaleza de todos los hechos que han ido sucediendo a partir de la entrada de Quaid en la empresa de realidad virtual.

Historia de supervivencia, narra la manera en la que una familia lidia con un virus que ha hecho que la sociedad y la vida tal y como la conocemos se acabe. La película comienza de manera brusca, introduciéndonos en una cabaña, una familia y una persona que está enferma y que supone una amenaza para el resto de miembros del hogar.
Realmente éste comienzo establece el tono y el pulso que llevará toda la trama. Un drama íntimo, un suspense creado lentamente, sin demasiado diálogo y ninguna exposición, el montaje de " It Comes at Night" se lo juega todo a la construcción de una atmósfera enrarecida y la sensación de paranoia y confía en el público para que rellene los huecos que faltan en la narración.
El aislamiento, la falta de noticias y la oscuridad total que vive la familia protagonista impulsan una serie de costumbres, precauciones, patrones de comportamiento que marcan la vida día a día de los tres miembros.
Esa amenaza constante de algo intangible, esa sobreprotección absoluta, el terror que provoca la lucha contra algo que no ves, ni hueles ni sientes pero que, supones, ha causado la desaparición de la vida tal y cómo la conocías, es una poderosa idea que el director explora y explota de distintas y muy eficaces maneras, sin ninguna información extra ni explicación gratuita, simplemente dejando que sean sus protagonistas y sus costumbres las que nos vayan contando la historia.
Y todo ésto genera una gran cantidad de emociones e ideas. reflexiones que se producen una vez acabada la película y ahí es dónde radica la gran virtud de ésta producción, provocar en el público una discursión posterior, acerca la naturaleza del miedo, cuando no ves ni conoces la amenaza, TODO se convierte en una amenaza.
Hasta dónde llegaríamos para proteger a los seres queridos ( y podría llegar más lejos, si hay varios seres queridos en peligro, ¿ a quién proteges, a quién abandonas ) y en dónde el instinto y el primitivismo afloran de manera terrorífica.
Recomendable propuesta de suspense, especialmente para un público paciente, que no necesite respuestas concretas sino que disfrute con las ideas propuestas.

Adaptación de una obra homónima de Michael Crichton, que genera una historia de suspense y ciencia ficción en el medio del océano.
Barry Levinson la dirige y lo hace de una manera realmente atractiva, ya que saca todo el juego que da de sí la interesante novela, que coloca la mayor parte de su acción en una estación submarina, aislada, hermética, claustrofóbica. Una expedición compuesta por una serie de científicos que se disponen a investigar una misteriosa esfera que se encuentra en el fondo oceánico, generando un choque entre las personalidades de los científicos, las condiciones asfixiantes de la estación y la perfecta esfera submarina.
Con claras influencias de Solaris y la Abyss de James Cameron, la exploración de un objeto misterioso abre una trama que realmente profundiza en las personalidades, los miedos, las ansiedades y debilidades de la tripulación, compuesta por un cast absolutamente impresionante, Samuel L.Jackson, Sharon Stone, Liev Schreiber y Dustin Hoffman que conducen ésta historia en la que la influencia del misterioso objeto y su contacto produce interesantes efectos en los cuatro personajes principales.
Incidentes cada vez más perturbadores que enfatizan la vulnerable situación de la estación submarina y que nos presentan no sólo una galería de bestias clásicas del horror más clásico sino que nos invitan, como público, a tratar de averiguar qué o quién está detrás de todo ésto y que es exactamente esa esfera.
Disfrutable aventura, interesante historia de suspense, atractivos personajes que finalmente concluyen en una ligeramente acelerada y apresurada conclusión en la que la respuesta que nos dan no es demasiado satisfactoria pero lo que merece verdaderamente la pena es el viaje.

Vuelta a los orígenes en el mundo interior de Rob Zombie, una trama que implica un secuestro de un grupo de amigos que viajan en caravana y que acaban en un infernal y laberíntico edificio en el que son sometidos a una brutal persecución.
Partiendo de ésta idea familiar en su cine, propone un pequeño giro, en el que una sociedad elitista y antigua inician un pequeño juego de supervivencia durante la noche de halloween, una suerte de " The Running Man", en la que los secuestrados deben de pasar una serie de zonas en las que un pintoresco personaje trata de asesinarlos.
Zombie construye un ambiente perturbador y desagradable, una infernal ruta, con una fotografía sucia, setentera, con un ritmo realmente frenético, directo a la yugular. El prólogo es potente y realmente efectivo al introducir al principal villano de la función y en la que, en apenas 5 minutos, podemos percibir el tono de la película.
Debemos asumir que " 31 " es una película en la que el propio viaje de pura supervivencia es la esencia de la trama. Sencilla, simple y directa. Una suerte de casa de los horrores, en los que el grupo trata de sobrevivir durante una noche, enfrentandose a caricaturescos personajes, construidos para ser un puro espectáculo, desde un enano argentino nazi, hasta un gigantón con una motosierra, cada uno más grotesco, salvaje y desagradable que el anterior y en la que, mediante una estructura similar al de una aventura gráfica de un videojuego, los protagonistas deben enfrentarse a unos psycochillers hasta acabar en el villano principal, quizás el mejor que ha creado por Zombie hasta la fecha, Doom - head, un personaje carismático, pausado, siniestro y tremendamente intimidante.
Por tanto, estamos ante una propuesta más audiovisual que narrativa, una pesadilla diabólica que apuesta todos sus esfuerzos por crear un grupo memorable de villanos, con un maquillaje, vestuario y dialéctica propias, más allá de unas motivaciones, contexto o motivos para hacer lo que hacen.
Es importante tener ésta serie de hechos claros, ya que si uno busco otro tipo de película, " 31 " resultará vacía, repetitiva y sin sentido.
Si se asuma que has comprado un tíquet para la feria más retorcida, disfrutarán del viaje.

El punto de partida resulta intrigante y el concepto de la propuesta de Zombie resulta realmente atractivo. Reconectar la historia de las brujas de Salem, en el siglo XVII, con un grupo de personas que habitan en la actualidad en esa población de Massachusetts a través de la reproducción de un subyugante disco de vinilo.
El descubrimiento de un mundo oculto, el pasado oscuro que sigue impregnando la realidad actual, todo ello siendo revelado a través de unos primitivos sonidos que despiertan los recuerdos más enterrados y ocultos de una tierra, una población, llena de fantasmas del pasado.
Desafortunadamente, un buen concepto puede verse lastrado por un desarrollo errático, como es éste caso. La estructura inconexa y una narración confusa lleva a plantearnos, como público, qué es exactamente lo que nos quiere contar Rob Zombie, a dónde quiere ir a parar. Hay buenas secuencias, en las que llega a profundizar en los conceptos más oscuros y perturbadores que haya realizado hasta ahora Zombie, con una imagenería propia, un espíritu irreverente y provocador, que, sin embargo, no llega a cuajar en ningún momento ya que no hay una continuidad en éstos momentos. No consigue crear una atmósfera perturbadora ni un ambiente, tan habitual en el cine de Zombie, perturbador ni desasosegante.
Probablemente, una de las causas de éste desequilibrio se encuentre en la protagonista. No solo en el personaje en sí ( pobremente escrita, poco desarrollada y practicamente ningún motivo para sentir nada por ella ), sino en la intérprete, Sheri Moon Zombie, eficaz cuando está integrada en un cast más amplio, siendo una mujer con un magnetismo innegable pero que, en este caso y dado que el papel requiere de una mayor profundidad dramática, se queda claramente corta en su trabajo. Este es un problema importante, dado que si no tienes ningún interés en lo que le sucede a tu protagonista, la carga dramática y de tensión no tiene el mismo peso.
Aún así, hay suficientes alicientes para que el visionado no sea una pérdida de tiempo. La inquietante vivienda en la que la mayoría de los acontecimientos suceden, el vecindario que rodea a la protagonista, abordadas de una manera muy clásica en el suspense de los 60´, con largas secuencias evocando esos aquelarres urbanos que resultan tan inquietantes, por lo cercanos que resultan a la vez que chocantes son el imaginarse ese tipo de reuniones que ubicaríamos más en la profundidad de un oscuro bosque. Esa imagenería visual que hayamos, aquí y hayá, a lo largo del metraje, con unas figuras encapuchadas que resultan realmente cautivadoras.
Pero, finamente, toda ésta conjunción de imágenes, sonidos e ideas no acaban de construir la obra que se podría haber anticipado.

Secuela directa de " Halloween: el Origen " que plantea un interesante concepto, mediante un prólogo oscuro y que retoma la historia justo en el momento en el que la anterior película había acabado. Vemos a Laurie Strode en el hospital recuperándose de las brutales heridas inflingidas por Myers. Así, Zombie homenajea a la secuela dirigida por Rick Rosenthal en 1981 y que, a su vez, significa un sonoro portazo a las deudas que puediera tener el director con la saga primigenia, ya que a partir de ese instante, Zombie toma las riendas e inventa una película propia, más cercana a sus inclinaciones y sensibilidades.
Ahonda en la personalidad de Laurie Strode, ahora más creíble y alejada de un cliché andante que era la anterior película, y en la que vemos y apreciamos todas sus heridas, físicas y psicológicas, mostradas de una manera totalmente cruda y llena de rabia y dolor. Torturada por su terrible encuentro con el monstruo del saco, tratando de recuperarse de ese brutal impacto.
Zombie construye una atmósfera reconocible, sucia, perturbadora, violenta (tremenda secuencia en un streapclub, por ejemplo) y, a su vez, combinada con una poética manera de mostrar la naturaleza violenta de Michael Myers, especialmente en los tramos en los que nos muestran ese viaje, ese regreso, mostrado casi como si se tratase de un animal que migra justo antes de la llegada del invierno, guiado por la presencia fantasmal de su madre, invocando un imaginario muy tribal. Caminando con un rumbo que sólo él parece conocer, imparable e inexorable, todos sabemos cual es su único objetivo.
El único guiño que se permite Zombie con la saga es esa relación familiar que, personalmente, considero ridícula e innecesaria y que, probablemente, haya sido la mejor idea que ha aportado Gordon Green a la revitalización de la saga estrenada este otoño pasado.
Al menos esa revelación familiar viene rodeada de ideas interesantes, como esa exploración del Doctor Loomis explotando el sufrimiento de las víctimas y las repercusiones que ésto tiene en Laurie Strode. Un esfuerzo apreciable el de Zombie por mostrar ese lado humano de las víctimas, intentando seguir con sus vidas tras una experiencia tan aterradora, ese sufrimiento desgarrador y que se ve culminado en una fascinante set-piece durante una fiesta musical en la que todo el drama explota, tanto el desequilibrio psicológico de Laurie con la feroz llegada de Michael Myers a su querido Haddonfield.
Ese final catárquico, culminación de todo lo que Zombie construye a lo largo de los más de cien minutos de metraje.
Lo que más me atrae de ésta película es lo revisable que resulta, el hecho de que sea una película de Rob Zombie al 100%, la rareza violenta que supura resulta tremendamente atractiva y facilita las ganas que crea de volver a verla una y otra vez.

Rob Zombie encara la revisión del clásico de Carpenter, sabiendo que no puede en ningún momento equipararse a ésta.
Por tanto, propone una revisión en la que visita la infancia de Michael Myers, no tanto para explicar el por qué ( porque no se sostiene esa familia tan extrema, porque se pasa tanto Zombie que acaba siendo casi una parodia), sino por explotar el único rincón que un reboot como éste le permite ( por éste motivo, Halloween 2 me parece superior en todo). Tratando a esa familia disfuncional, Myers queda desnudo, expuesto, literalmente sin máscara. Todo el misterio y perturbador motivo de esa sombra, que Carpenter explotaba enormemente.
El esquema de la franquicia es muy simple: un asesino sin sentimientos, sin empatía y sin cara, un cuenco vacío con una fuerza imparable y una presencia desasosegante.
Por tanto, cuando Zombie deja de lado la infancia Myers y abraza la violencia desenfrenada del psicópata de Illinois, la película despega, se eleva y se funde tanto con su predecesora como con el estilo de Mr.Zombie.
La dirección y el montaje hacen que esa enorme mole pase de sutilezas y se convierte en una imparable máquina de matar y Zombie abraza la incomodidad más repugnante ( terrible escena en unos baños de una gasolinera, con el mítico Ken Foree como víctima de una terrorífica paliza, que Gordon Green trata de recrer en la secuela más actual, y queda en un absoluto ridículo), creando una atmósfera irrespirable.
El objetivo final de Zombie es generar una sensación constante de incomodidad, no tanto de terror o de tensión, sino creando la propia tensión a través de una espiral violenta que acaba en un último tercio que regresa al lugar común de la saga, en dónde la película más se pega a su predecesora de 1978.
El reparto es fenomenal, el cast está muy acertado, sumando los clásicos en el cine de RZ ( su mujer Sheri Moon, William Forsythe, Moseley, Sid Haig) a una serie de clásicos del género ( Udo Kier, Brad Dourif, Trejo, Dee Wallace ) y ese guiño a la saga con Danielle Harris, protagonista de las 4ª y 5as partes.
Mención aparte para los dos protagonnistas, el mítico Malcolm McDowall, encarnando al Dr.Loomis y Scout Taylor-Compton como Laurie Strode, en un papel realmente complicado. Por dos motivos: la sombra de Curtis es realmente alargada; además, Laurie es un personaje demasiado clásico. Virginal, inocente, tímida...aburrida. Como he apuntado anteriormente, en la secuela directa que se rodó en 2011, éste y otros problemas fueron solventados satisfactoriamente.
En resumen, remake suficientemente despegado de su original para disfrutar de sus diferencias, la violencia de Zombie pierde parte de su lirismo pero, en contra, encuentra su salida en esa tensión brutal ante ese gigante llamado Tyler Mane.

Secuela de " La Casa de los 1.000 Cadáveres ", propone una muy interesante vuelta de tuerca, en el que el punto de vista y el estatus de la familia caníbal y asesina de la primera entrega cambia al pasar a ser la presa. Como reza el dicho " el cazador cazado".
Plantea la persecución de el Sheriff Wydell ( maravilloso William Forsythe ) ,hermano del agente que sufre las iras de la familia Firefly en la anterior entrega, persecución implacable, brutal, asfixiante y, a la postre, letal y que permite éste cambio de punto de vista al que me refiero en el 1er párrafo.
Y es que Zombie plantea esta secuela como un giro tan atrevido como peligroso, una suerte de road movie sucia, en el que coloca a los Firefly como protagonistas absolutos, a través de los cuales asistimos a sus idas y venidas y que, por tanto, pasan a ser unos personajes con los que llegas a generar una relación tremendamente perturbadora. Porque llegas a preocuparte por el destino de una serie de psicópatas cuyas acciones grotescas y violentas causen una sensación profunda de rechazo. Y es ahí donde la sensibilidad particular de Zombie, el lirismo de su puesta en escena permiten el despegue de una trama sencilla en su composición pero muy ambiciosa en su fondo. Porque no algo tan novedoso el tener al "villano", al asesino, como protagonista ( tenemos M o El Fotógrafo del Pánico como ilustres ejemplos) pero sí que tiene un riesgo inherente y es la posible glorificación de unas acciones aberrantes, al tener en la primera línea a unas personas con las que, como he dicho anteriormente, llegas a establecer una conexión ( en donde el vestuario, el maquillaje y las brillantes interpretaciones de Sid Haig, Bill Moseley y Sheri Moon cobran un destacable peso ) y en las que es muy fácil caer en la tentación de redimir e, incluso, justificar sus acciones. Porque si aplicas la información, minutos en pantalla y carisma del trío de psicópatas, sumadas al antipático y terrible sheriff que los persigue, en una explotación gore, puedes acabar del lado equivocado y apoyar las acciones y los crímenes de los Firefly.
Afortunadamente, Zombie equilibra la propuesta con una mano maestra y una sensibilidad exquisita, creando escenas terribles ( inolvidable secuencia en un motel, en el que la locura más absoluta y la psicosis quedan impregnadas, como la propia sangre viscosa, en sus fotogramas ) y exponiendo una ambivalencia entre los buenos y los malos, los asesinos y sus perseguidores, el uso de la violencia por ambos bandos, la terrible imágen de similitud entre el bien y el mal, cuando entablan una encarnizada lucha, en la que, no por casualidad, suena el Free Bird de Lynyrd Skynyrd a todo volumen.
Zombie depura su estilo y se consolida en el género con ésta obra que, en mi opinión, quedará para la posteridad.
P. D: Aguardo con mucha curiosidad la llegada de 3 From Hell, el cierre de la trilogía, en la que veremos si Zombie apuesta por un nuevo giro, veremos.