Debút en la dirección de Rob Zombie, dónde ya se le empiezan a divisar las claves y los lugares comunes en su cine.
Con ecos a " La última casa a la izquierda" y, especialmente, " La Matanza de Texas " , Zombie plantea una historia cruda, con una fotografía oscura y un montaje brusco, en la que un grupo de jóvenes amigos caen en una trampa mortal, planteada por una familia totalmente perturbada. Lo que hace especial a ésta producción es la particular sensibilidad de Zombie, que es capaz de filmar escenas grotescas y brutales con una puesta en escena con un enorme componente poético, en la que, por momentos, recuerda a una versión negra y loquísima de " Alicia en el País de las Maravillas " en donde los jóvenes llenos de vida e inocencia caen en una espiral incontrolable de violencia y donde deben encontrar el camino de vuelta rodeados por todo tipo de pintorescos personajes.

Muy interesante propuesta, que funciona y juega a varios niveles. Por un lado, la intriga policial situada en un pequeño pueblo coreano, en el que la llegada de un extraño personaje coincide con una serie de crímenes impactantes; por otro, dentro de la lógica interna de la película, la trama va moldeando la identidad de la misma, que pasa de un thriller moderno y pasa a ser una fábula terrorífica con una base realmente tradicional de la manera de contar historias/cuentos.
Una atmósfera cuidada en la que las rarezas de la historia van transformando la fotografía y el montaje, que pasa de una divertida pareja policial, a una espiral de violencia y perturbadora evocación de imágenes diabólicas.
Encuentro muy interesante y acertada la aproximación que hacen al personaje protagonista, un policía muy particular y su familia, y éste desarrollo permite que, como público, te preocupes e intereses por todo lo que sucede a ese núcleo familiar, y, por otro lado, intentar discernir qué está sucediendo, tratando de hallar respuestas a la intriga que plantean durante más de dos horas y media.
La conclusión es realmente larga, momento en el que parece que la historia pierde un poco de pie pero que, afortunadamente, es reconducida con un desenlace brutal que ofrece muchas respuestas e, incluso, modifica gran parte de lo que hasta entonces estábamos apreciando.

Drama bélico.
Durante la guerra de Indochina, seguimos las andanzas y penurias de un joven soldado ( Gaspard Ulliel ) y su cegadora ansia de venganza, a lo largo y ancho de la península, de la agotadora selva, una motivación desgarradora que se va comiendo a una persona a lo largo de las dos horas de película. Lo que sobre el papel parece una interesante propuesta, es en realidad una larga y tediosa trama, aburrida y desaprovechada oportunidad en la cual el planteamiento tan pegado al protagonista, una distante y fría historia, un personaje tan tremendamente antipático con el que es imposible empatizar, provocan que lo que podría haber sido un inmersión en la jungla ( fantástica fotografía, muy interesante elección en el montaje de sonido, una cuidada producción en la que puedes sentirte en el espeso follaje y la agobiante sensación de pegajosa humedad selvática ) en una lenta y larga caminata en círculos, donde la trama va y viene, repetitiva y con un fondo político insuficiente.
Probablemente, el personaje de Gerard Depardieu sea una pequeña muestra de los errores de la película: su presencia es magnética pero es tan breve, intermitente y gratuita que su efecto es muy limitado.
para colmo, una presunta relación amorosa sobrevuela la trama, pero de manera tan distante, brusca y violenta, que no solo no ayuda a crear vínculos con un personaje principal ya de por sí complicado y antipático, sino que crea el efecto totalmente contrario.
Es un momento en el que, como público, desconectas de la película y ya solo deseas que termine lo antes posible.

Muy interesante drama rural, perlado de un humor sorprendente y fresco.
La película juega al desconcierto para narrar un incidente que cambia y trastoca totalmente la plácida vida de un joven polaco, amante del heavy y a punto de casarse.
Reflexión muy aguda acerca de la identidad, la percepción de las personas incluso por aquellos que le son más cercanos, el impacto de un incidente y sus consecuencias en toda una comunidad, casi como si se tira una piedra a un lago y la ruptura de la realidad superficial.
Especialmente aguda en sus críticas a la superstición más básica, ese núcleo familiar tradicional y la religión católica tan presente y arraigada en la cultura polaca.
Sorprende con unas rupturas profundamente sensibles y delicadas ( hay una secuencia con el abuelo del protagonista que es una auténtica delicia ) que resultan más efectivas gracias a una dirección discreta, cercana y que juega a la observación más intimista y que nos regala momentos no solo sensibles, como el descrito anteriormente, sino una conclusión pesimista e imágenes perturbadoras acerca de la pérdida de la imagen y sus consecuencias no solo sociológicas sino psicológicas ( gracias a la delicada interpretación de Mateusz Kosciukiewicz ).

Goddard plantea un diálogo entre imágenes de archivo de muy distintas procedencias, películas de todas las épocas y momentos de la Historia del celuloide con un discurso en forma de voz en off que contrapone las secuencias, generando un discurso puesto y que además presentan disonancias y cortes bruscos en el montaje, con una intencionalidad, marca de la casa del realizador francés, radical, innovadora y provocadora a partes iguales.
El problema es el caótico montaje que no genera ningún tipo de conexión, más allá de la genuina sensación de estupor con esos largos momentos de silencio total, rupturas bruscas de continuidad y miles de fotogramas que realmente no crean ninguna sensación imperecedera.
El mayor obstáculo, por tanto, es la poca vida útil que tiene este concepto que sobre el papel tenía bastante interés pero que en forma de largometraje hace aguas por todas partes. La durabilidad de ese efecto sorprendente y, por momentos, hasta divertido ( cuando sabes que están jugando a cabrearte ), es muy limitada y como experimento resulta tremendamente decepcionante.
No logra trascender a ese primer momento sorpresa y se queda en una aparatosa, aburrida y ,por momentos, ridícula sucesión de fotogramas sin alma y sin contenido alguno.

Muy interesante propuesta acerca de la personalidad, expectativas y la manera de lidiar con las decisiones que parecen trascendentales.
A través de una arriesgada puesta en escena, una estructura narrativa de huida hacia adelante, muestra una valentía que nos transmite, al comprometerse 100 % con esa idea y realmente no sentir la necesidad de justificarse.
Ingrid García Jonsson está espectacular y es, en parte, responsable de que la película funcione. Hay una naturalidad y fluidez en toda su encarnación que resultan realmente magnéticas.
La exploración del lado oscuro de las preconcepciones de nuestra adultez, las decepciones y los arrepentimientos hechos carne y hueso y esa metafórica fractalidad que impulsa el relato hacia adelante.
Me gusta especialmente revisar el inicio de la trama, en la que ya nos indican el camino que va a tomar la protagonista, sus motivaciones o, mejor expresada, la falta de las mismas, en una sencilla conversación que parece no ir a ninguna parte.
Muy recomendable debút de Andrea Jaurrieta.

Drama familiar.Debut en la dirección del actor Paul Dano, que reúne un potente reparto,una estupenda fotografía y una elegante dirección artística que ayuda al público a introducirse en la trama en la que asistimos a la destrucción de un matrimonio visto desde la perspectiva de su único hijo.
La Norteamérica rural de los 50´ como telón de fondo, el trasfondo de lo que supone un divorcio al hijo de la pareja, la perspectiva y el lugar que ocupa mientras presencia la lenta caída de su familia, y como asigna los roles en esa confrontación: el padre, simpático, cercano, la fotografía es más clara, le aporta seguridad, interpretado por un formidable Jake Gyllenhaal, con una calma y una experiencia a sus espaldas que es palpable, poderosa presencia.
Su madre, insegura, fría, egoísta, una fotografía oscura, nocturna, magnífica Carey Mulligan, en un papel difícil, sutil y bastante antipático.
El planteamiento y su visión son sorprendentemente sencillas, no es una pretenciosa parábola política, es un drama familiar que apuesta por un tono calmado y silencioso, donde todo lo que sucede lo presenciamos casi de refilón, sin ser totalmente conscientes de lo que está sucediendo, una vez más, para reforzar esa visión del joven protagonista de la película, sólido Ed Oxenbould (si os es familiar su cara, recordad " La Visita " ),con un papel complicado, el pilar en el que se sustenta la película.
Interesante debut de Dano, espero que siga ampliando su trabajo tras las cámaras.

Drama juvenil en el que conocemos a un joven conflictivo (Anthony Bajon) con un problema de drogadicción tan agudizado que acaba llevándole a un centro de rehabilitación, totalmente aislado, y que basa parte de su terapia en la fe ( el centro depende la financiación de la iglesia católica ) y la socialización como parte fundamental en la recuperación de los jóvenes presentes.
Su planteamiento es clásico, el montaje es pausado y parte de la intencionalidad de la trama es que conozcamos bien al joven protagonista, y que vivamos a través del montaje una suerte de resumen de las distintas fases de rehabilitación: el mono, la abstención, la ira, sensación de soledad, tristeza, tocar fondo y luego ese lento pero firme paso hacia la recuperación.
Sin embargo, uno de los graves problemas que nos encontramos es ,precisamente, lo rutinario y previsible que resulta todo, la pérdida de fuerza a medida que ese proceso de recuperación va tomando forma y esa mirada condescendiente hacia la terapia que nos es presentada.
Carece de ambición para ahondar más en una problemática social que todos percibimos y que es palpable, cae en los lugares comunes propios de este tipo de dramas y no saca partido a unas interpretaciones muy convincentes y unas localizaciones impresionantes.
Su apuesta por un cine natural y próximo a la realidad no acaba de llegarnos del todo, se queda a medias en sus intenciones y acaba por generar una sensación de tedio que no convence para nada.

Drama existencial que plantea una historia muy simple, con una fotografía muy depurada, en blanco y negro muy seco, con una economía de recursos narrativos que sirven a una causa: crear una atmósfera realista, creíble, cercana al documental.
Para lo cual, tenemos un montaje muy estático, una cámara fija, plano - contraplano, esquema narrativo clásico con muy pocos efectismos, y una austeridad realmente implacable.
Dentro de ésta atmósfera, casi opresiva, se desarrollan dos historias familiares que confluyen en el hall de un hotel (by the river) y que aúnan reflexiones metafísicas, la depresión, la incomunicación y el tiempo perdido. Los claros y los oscuros de las relaciones paternofiliales, donde los silencios, las medias verdades y la distancia marcan la tendencia de las dinámicas sociales.
El problema surge cuando este planteamiento contemplativo de extiende y se alarga, haciendo que la experiencia acabe siendo agotadora, aburrida, llena de largas secuencias inmóviles en donde información alguna nos es facilitada, más allá de personajes mirando al infinito, repitiendo diálogos y frases cuasi sentencias.
Las interpretaciones son correctas pero sin ninguna brillantez, el silencio que te aleja de toda posible conexión emocional y lleva a uno a preguntarse el por qué de hacer de éste guión un largometraje.
Por qué utilizar un arte que se basa en el movimiento, el montaje, la cinemática, las emociones, los impulsos...
Por qué hacer una obra de 85 minutos y que parezcan tres horas.

Hay ciertos directores, autores, cuya obra en sí misma establece una serie de patrones reconocibles, elementos diferenciales que los hacen reconocibles. Peter Strickland es uno de ellos.
La enorme influencia del " Giallo " tanto estética como sonoramente espalpable en toda su obra y, quizás, sea más notoria en " In Fabric".
También hay una enorme influencia del cine de terror de los sesenta, el gótico y el cine sobrenatural de la época cobran vida aquí, de nuevo, en una historia en la que Strickland construye una atmósfera fantasmal, bizarra, muy perturbadora pero además, añade unas notas de humor realmente inesperadas y que funcionan a la perfección.
Con un punto de partida muy simple, una mujer de mediana edad, tratando de rehacer su vida, conocer a gente mientras trabaja en una aburrida oficina bancaria y lidia con un hijo veinteñero, y la irrupción de una tenebrosa tienda de ropa, muy popular, su extraña dueña ( maravillosamente interpretada por Sidse Babett Knudsen, con ecos hasta del mismísimo Bela Lugosi, imprescindible verla en V.O ), la trama se mueve entre la anodina vida de la clase media y esa vampírica presencia del culto al consumismo una subyacente crítica a esa necesidad por comprar, consumir y tirar, todo ello en ese ambiente realmente extraño y perturbador.
El fetichismo, lo onírico y lo fantasmal se unen en una obra sorprendentemente equilibrada dentro de éste caos, elegantemente fotografiada y montada, y que acaba siendo una hipnótica obra de suspense que no le va a gustar a todo el mundo pero, para aquellos que acepten las condiciones de Strickland, la disfrutarán plenamente.

Interesante propuesta dramática, acerca de la interpretación, su origen, la inspiración que mantiene viva la llama, la técnica detrás de los intérpretes.
A través de la relación familiar entre la madre, la hija mayor (Madeline) una joven problemática y su hijo pequeño y como su hija canaliza todos sus inconvenientes y dificultades de su vida a través de una clase de arte dramático, asistimos a su evolución, su manera de relacionarse con su tutora en la clase, sus compañeros y su propia madre.
Donde no sólo vemos su proceso dramático sino las manipulaciones y las técnicas que su profesora utiliza para lograr su objetivo, en una suerte de " moldeado de barro " que resulta refrescante.
El planteamiento de la directora es arriesgado, con una fotografía muy natural, buscando planos realmente bellos que tratan de plasmar esta inspiración y la naturaleza misma de la actuación y arte de la dramatización, con un montaje muy " artie ". No siempre es efectivo, pudiendo caer en la distracción y alejándonos de la trama principal.
No obstante, el principal motivo para ver ésta película es la actriz principal, debutante, Helen Howard, absolutamente maravillosa, fascinante, con una energía brutal, repleta de frescura y naturalidad, en un ejercicio dificilísimo en el que a de interpretar a una joven, mientras ésta experimenta en el arte dramático mismo.
Su fuerza arrolladora tiene una escena cumbre en la que la directora plasma la totalidad de sus intenciones y en la que Howard demuestra un rango de expresividad impresionante.

Ejercicio de estilo atrevido que, a raíz de una atrevida puesta en escena y un punto de partida arriesgado, camina a lo largo de varias de las esencias que definieron la década de los 90´ s.
Propone una situación realmente absurda y desconcertante, con unos personajes que encarnan varias características de los jóvenes noventeros ( la generación gamer de la época ) y debido a la perspectiva irónica, humor negro y una férrea voluntad de llevar ésta idea hasta las últimas consecuencias ( corriendo el riesgo de perder a un buen número de su público por el camino ), la experiencia puede resultar una verdadera revelación, una vez que como público asumes y entiendes qué tipo de producción estás viendo. Apuesta por un montaje y unas situaciones que generan una genuina tensión que ayuda a hacer más fácil la digestión de un cambio interesante.
Ésto sucede cuando en un momento concreto, todo gira hacia el humor absurdo, exigiendo un salto de fé al abandonar todo tipo de lógica, finalizando con una interesante mirada crítica ( con un inesperado guiño a Cronenberg) hacia una generación completa y la sociedad en la que se desarrolla.
Es una propuesta radical que exige al público tener una mente abierta, mucho humor y una disposición hacia la relajación sillonera y disfrutar de los 90 chocantes minutos.

Supone un giro en la carrera del director y guionista heleno, que abandona su particular estilo opresivo, asfixiante y opaco para desarrollar una sátira política en la corte de la reina Ana de Inglaterra.
Maravillosamente fotografiada, con una cuidadísima puesta en escena, arriesgando en planos alucinantes (una panorámica que está tan forzada que casi es oblicua, generando una sensación brutal), un vestuario maravilloso, dirección artística de primerísimo nivel, al servicio de una trama que se apoya en el humor más negro y tres actrices totalmente entregadas para narrar una clásica historia de ascensión, intrigas maquiavélicas, perversión y dominación, con la corona británica de fondo.
Me gustaría detenerme un momento en las tres actrices: Olivia Collman , que da vida a la Reina Ana ,es la que más premios está cosechando, tienen un papel muy goloso, que tiene un espacio maravilloso para el lucimiento, un personaje exagerado y bufonesco, que la inglesa borda.
Rachel Weisz, la mano derecha de la Reina, la atractiva que empieza a notar los años, a la que hay que bajar del pedestal, está perfecta, con un gran trabajo expresivo, quizás con las líneas de diálogo más disfrutables.
Por último, mi favorita, Emma Stone. La alumna, recital de contención, llena de matices, con el arco argumental más sólido (de hecho, el que enmarca la película),se pierde totalmente en el personaje,fascinante de principio a fin.
Por último, quizás lo que todo fan de Lanthimos esperan de la película: ¿hay alguna seña de identidad propia del director griego en su película más accesible? Por supuesto.
Por un lado, la utilización del espacio en el que se suceden los hechos ( un palacio impresionante), acaba siendo opresivo, asfixiante, como un pequeño Reino en sí mismo )
Y también la opacidad de la historia, lo curioso es que es algo que se percibe tras acabar de ver la película. La sensación de que te cuesta entender el comienzo de sus películas, ya que suele lanzarte en medio de la acción, sin mucho contexto, aquí puede leerse al revés. Una vez que comprendes todo lo que está sucediendo, vas echando la vista atrás y empiezas a poner en duda muchas de las cosas que has visto.
Dará mucho de que hablar, no se la puede perder de vista.

El mayor problema que advierto en esta comedia dramática es que el tema que pretende tratar es mucho más interesante que la propia película.
El segundo es que percibo un aroma de soberbia en el desarrollo de la trama.Es una especie de " vamos a hacer algo como á la Woody Allen, pero ¡¡¡ mejor !!!
1. Tenemos la pareja protagonista, intelectuales venidos a menos, escritores de tercera, soltando referencias y frases de otros autores que raya en la parodia ( hay una escena en concreto en el que Paul Giamatti - ¿qué le ha pasado a este tio, por cierto? , hace una década hasta parecía bueno en lo suyo - se pasa un par de minutos dialogando con su mujer solo parafraseando a otros autores... dejándonos claros que los autores del guion son muy cultos, sí, pero muy torpes creando secuencias dramáticas).
2. Tenemos Jazz, claro, como no. Por supuesto, no aporta nada a la trama más allá de recordarnos a quien están tratando de superar.
3. Tenemos un partido de squash, como no podía ser de otra manera. Estupendo lugar para mantener una conversación, como todos bien sabemos.
4. Por último, el snobismo, la élite cultural, el " no me echáis vosotros, me voy yo "... ridículo, porque además es tremendamente superficial, no exploran ninguna consecuencia u origen, simplemente está ahí.
Y teniendo todos estos maravillosos mimbres, que tanta fama le ha dado al señor Allen durante 40 años, ¿por qué "Private Life" falla estrepitosamente?
Porque le falta brillantez, rapidez en los diálogos, el absurdo en contraposición con una pretendida vida intelectual fallida, le falta fondo y le sobra forma, le falta energía y le sobran 35 minutos.
Pero ésto no es lo peor. Lo realmente lamentable es que, como he apuntado al comienzo, el tema del que se parte es muy interesante. Problemas de concepción, fertilidad y todos los procesos médicos que intentan acometer los protagonistas en su afán ( por otra parte, bastante endeble, es decir, que no se entiende por qué tanto empeño en formar una familia en un matrimonio con evidente falta de cariño). Es más, en dos ocasiones, llegan a sitios profundos y atractivos (temo que sin proponérselo) y en lugar de profundizar en ello, resolver alguna de esas cuestiones morales y éticas ( donación de óvulos, gestación subrrogada o lo apuntado anteriormente, ese matrimonio locamente desesperado por conseguir una familia que salve la total falta de amor en el hogar) se asustan, temen caer en algo más oscuro que la propuesta original era y optan por huir hacia algún amorío juvenil que no aporta nada y un final ridículo y que remarca la total falta de valentía y la tremenda moralina conservadora que se intuye.
Por destacar algo mínimamente positivo, las interpretaciones son sólidas, especialmente Kathryn Hahn, aunque los personajes no están a la altura.

Pese a tener un prometedor arranque y suficientes elementos atractivos, como el reparto en el que podemos disfrutar brevemente de la que podría ser, por desgracia, una de las últimas interpretaciones de Robert Redford, The Discovery no consigue en ningún momento atraer la atención del público, ni su comprensión. Ni tan siquiera su aprobación.
No, la propuesta de ficción carece de la suficiente profundidad, energía ni talento como para satisfacer al público más generoso. La trama es vulgar, indiferente y muy insatisfactoria. El punto de partida es atractivo, diferente. Tocan un tema que podría dar lugar a una infinidad de buenos resultados pero su desarrollo resulta confuso, mal explicado y peor ejecutado. Parece que las buenas ideas se quedan en la superficie. Da la impresión de que hubiera dos grandes ideas en el guión, ambas colisionasen y al final no logran ejecutar ninguna.
En ningún momento consiguen captar nuestra atención o el más minimo interés por lo que está pasando. Los personajes son fríos, distantes y completamente prescindibles. No surge ninguna empatía ni conexión. Incapaces de liderar la propuesta, son meros caracteres intercambiables que recitan sus diálogos y salen de la pantalla. Tremendo revés para una película cuya principal apuesta es el desarrollo y profundización en la relación entre los distintos personajes principales, ya bien sea recordando su pasado o su posible futuro.
En conclusión, The Discovery es un aparatoso fracaso y una dolorosa decepción, confundida en su propio cáos interno.

Compliance es un drama cuyos hechos están basados en acontecimientos reales. Éste dato será sumamente importante en el desarrollo de la trama, puesto que la gran apuesta del director de la película es crear una atmósfera asfixiante, casi claustrofóbica, en torno a unos trabajadores de un local de comida rápida. La acción arranca cuando a una joven camarera la acusan de robarle la cartera a una clienta. A partir de ahí, y con una dirección contenida y un uso extraordinario de las pequeñas salas del local de ”fast food”, se nos presenta una situación cada vez más absurda en la que un policía al cargo del caso de hurto irá comunicándose telefónicamente con la encargada del local.
El 1er acto trata de establecer las distintas personalidades del grupo de jóvenes trabajadores y la dinámica conjunta con la encargada, mayor que ellos. Estamos en un pequeño pueblo de la Norteamerica profunda, aunque en ningún momento se precisa de qué zona concreta se trata. Camareros y clientes típicos de un ambiente trabajador alejado de las ciudades más cosmopolitas.
En el 2º acto se presenta el conflicto, una llamada telefónica, un policía que traba conversación con la encargada y le plantea el grave asunto que ataña a su empleada. A partir de ahí veremos como el agente, paulatinamente, manipula a su antojo a las empleadas, tratando de descubrir hasta que punto resultan complacientes. SI, de ahí el título.
La ignorancia puede ser tremendamente peligrosa, el analfabetismo da lugar a una serie de conductas totalmente incoherentes, provocadas por un personaje persuasivo y muy convincente en su papel. La moraleja, la conclusión que establece este drama basado en hechos reales es éste: una figura autoritaria y una serie de personalidades frágiles e ignorantes dan lugar a una serie de acontecimientos absolutamente devastadores.
Como antes apuntaba, la dirección de actores y el montaje pausado ayudan a crear unas situaciones tensas, tremendamente incómodas para el público y una sensación latente de frustración. Frustración por las acciones que vemos en pantalla, hechos que nos hacen remover en el asiento, que nos pueden hacer reflexionar acerca del uso y abuso del miedo, de la autoridad, de un mensaje inflexible repetido una y otra vez, condicionante, y de sus efectos en la población.
Y tras aguantar un metraje de poco mas de 90 minutos, extenuante por momentos, queda una sola idea flotando en nuestras cabezas…
¿Qué haría YO en esa situación?

La saga Terminator vuelve con esta 4ª entrega que presume de dar un nuevo giro y contar la historia que todos estábamos deseando. Una vez vista,y como fiel seguidor de Terminator ( las de James Cameron,al menos) he de decir que para mí,ésta " Salvación" es todo menos eso para la franquicia de robots asesinos. ¿La historia que todos deseabamos ver?.He aquí el problema. No hay historia. No hay guión, no hay trama, no sucede más que un montón de explosiones,persecuciones, hostias y ruido, mucho ruido. Algunos dirán que ésta es la definición de Blockbuster veraniego. Cierto es, pero aquella película ochentera, de serie B, sin pretensiones, dirigida por un joven con una gran visión y con el pétreo Arnold de protagonista, nos conquistó por su mensaje: la acción y una buena narración no tienen por qué estar reñidas. La joven camarera, que se ve envuelta en un lío cuando un armario ropero con gafas de sol se carga a su amiga en su apartamento y que intenta lo propio con ella, nos interesaba, rogábamos porque el Terminator fallara ( algunos ) mientras otros apoyábamos a Arnie, en su pelea desigual con Kyle Reese. Paradojas temporales, cirugía casera, explosiones, amor, destino, futuro... convirtieron a Terminator en un mito. Un mito que muere con ésta. Porque nos da igual si Skynet busca a Kyle, si Connor se pelea, si las máquinas pueden ser derrotadas. Porque no hay nada nuevo, porque los personajes no comunican, porque no sucede nada en 100 minutos, porque la supuesta novedad canta a los tres minutos, porque hay vida más allá de las explosiones. Yo quiero un Terminator más cutre, pero con un buen guión, que la mejor tecnologia y efectos, pero hueca. Las dos cosas ya las vimos: en T-2.

Watchmen es una adaptación muy fiel y realmente conseguida de la novela gráfica de Alan Moore. Su estética y las caracterizaciones están muy cuidadas (Roscharch y el Búho nocturno están geniales) y el ritmo impuesto por el director es el adecuado. Sin duda, no es una adaptación fácil, ya que una obra maestra cómo la novela de Alan Moore tiene que dar bastante vértigo. Pero Zack Sneider no cae en los convencionalismos y en las trampas típicas que cabía esperar al dirigir una superproducción cómo ésta. De entrada, nos encontramos con una película larga,densa,pausada; que no teme esperar para presentar como se merecen a sus héroes. Respeta el espíritu libre de la obra original. Sin duda,l a banda sonora y la elección de algunos temas musicales ayudan mucho. Para los fans del comic, no decepciona. Al menos a mí no. Ver en movimiento a los héroes, con sus trajes, sus diálogos, sus confrontaciones, es de por sí,un gran placer. La oscuridad, tenebrosidad y pesimismo que eran señas de identidad en la obra de Moore aquí se perciben claramente. Evidentemente, no todo es perfecto y no todo ha podido ser adaptado. Así,el tratamiento y la profundidad de los personajes originales aquí cae en saco roto. Por ejemplo, la relación que une a El Comediante y Silk Spectre en la película es un tema secundario. Y Hollis Mason también es ventilado con mucha premura, pero salvando éstos hechos sólo encuentro un detalle que, personalmente, no me gustó nada porque entiendo que no pertenece a la moralina de la obra original: el desenlace, con un tufillo religioso que enrarece un poco el conjunto. Pero, de todos modos, es una gran película.
De las mejores del año, sin duda.

Me pareció una película aburrida,lenta,sin emoción,con un pésimo cásting,muy mal dirigida...En general,creo que no hay nada destacable en ésta cinta.Quizás el comienzo sea lo mejor,presentano a dos de los personajes principales. A partir de ahí,la película cae en picado,con escenas y diálogos tan tibios que lo único que generan en el espectador será un sonoro bostezo. Una dirección plana,monótona,aburrida,sin emoción que transmite precisamente todas éstas sensaciones al ya impaciente espectador,que desea ver algo por fin. El cásting,como digo antes y siempre bajo mi punto de vista,se trata de un gran error,ya que ni Billy Bob Thorton ni Jason Patric( dos de los protagonistas)están en los papeles adecuados.El primero parece un trovador,un cuentacuentos poco parecido al ideal de héroe.Quizás fuera esa la idea a transmitir,pero creo que se pasan en su supuesto cometido de reflejar al anti-héroe. Y Jason Patric,en fin es un actor inexpresivo y pétreo que castiga a todas las producciones en las que se embarca de una siempre pésima actuación. En resumen,una supuesta película de acción con poca emoción.Aburrida y antipática.

Antes de comenzar he de admitir que no he leído el libro que aquí se adapta, con lo cual mis comentarios se ciñen estrictamente a lo que he visto, sin poder compararlo con lo escrito.
La película me pareció la típica producción construida para consumo de adolecentes con las hormonas saltando por doquier. Como tal, la cinta se compone de todos aquellos elementos que harán las delicias de éste público pero que aburren al resto: protagonistas atractivos, historia de amor imposible, sensulidad muy muy light, música pop y dilemas pueriles y sin sustancia disfrazados de reflexiones existenciales.
Sin ningún trazo de humor, sin ritmo, sin garra y desprovista de cualquier interés, ésta película es increíblemente insustancial. Porque realmente no ocurre absolutamente nada en la primera hora de metraje. Y cuando empieza a despegar la trama, uno ya no está por la labor de meterse en la peli para saber qué ocurre. Realmente es triste descubrir cuál es el rumbo que parece estar tomando la industria cinematográfica de EE.UU, porque si ésto es el plato fuerte de la Navidad, yo me vuelvo vegetariano. Siempre nos quedará McClaine.