"The Short Message" se filtró en internet en 2020 y no ha sido hasta el 1 de febrero de 2024 cuando por fin se ha lanzado al público, como juego gratuito exclusivo (por ahora) de PlayStation 5. Con una duración de menos de dos horas, es un acercamiento de Konami a la franquicia Silent Hill que ahonda en el plano psicológico de la IP, alejándose del terror para abordar el drama sobre una adolescente y girando en torno a temas peliagudos como el suicidio, la depresión, las autolesiones e incluso los efectos del COVID. No es sutil, pero es claro en su posicionamiento, condenando estos actos y tratando de ofrecer un espacio de reflexión en torno a ellos. Y pese a todo, está siendo criticado porque no es "un gran juego" ni "da miedo".

El problema de "The Short Message" se llama Konami, una compañía que tras años de pasos en falso y políticas ridículas (explotación de sus marcas de formas estúpidas, abandono de licencias, foco en los pachinkos, el despido de Kojima, etc.) se ha ganado el odio de la comunidad y se ha convertido en un meme con patas. Y es una pena porque cuando han hecho algo bien -como es el caso- ya ni siquiera se les concede ese mérito. También, hay otro problema de base llamado "P.T.", aquel legendario teaser jugable de Hideo Kojima, Guillermo del Toro y Junji Ito que terminó tirado a la basura pese a ser los cimientos de un hipotético "Silent Hills" y que a pesar de su breve duración y poco tiempo disponible (se retiró de las stores rápidamente), se ha convertido en una de las piedras angulares del género, una experiencia brillante, aterradora y críptica que ha creado prácticamente su propio género.

Todo el mundo esperaba que Silent Hill se moldeara en torno a esa genialidad que fue "P.T:" y "The Short Message" parecía ir por el mismo camino en su tráiler, con ecos a Lisa (el fantasma de aquella experiencia) o iconografía como las paredes repletas de ojos; pero finalmente, es todo lo contrario. Sí, hay un bucle, y un monstruo, y pasillos. Pero esto es una experiencia introspectiva de una adolescente, Anita, y cómo su relación con el mundo es el mayor horror que va a vivir durante la escasa duración de la obra. Una que ni es sutil ni un gran juego, tampoco da miedo, ni pretende ser más que una pieza personal lanzada gratuitamente -eso sí, localizada por completo al castellano- por una compañía multimillonaria que te puede sacar una máquina tragaperras de Castlevania o un patinete eléctrico con ilustraciones de Metal Gear Solid,

Pero "The Short Message" es -como si nombre indica- un mensaje, y es uno que vale la pena escuchar: que no estamos solos, que las redes sociales toxifican y alienan, que quitarse del medio no es una solución. Y por tanto, es una experiencia recomendable más allá de lo acertado de su contenido lúdico, porque es duro, tosco, nada sutil pero ante todo, es necesario. Si tenéis una PS5 y dos horas libres, os animo a descubrirlo por vosotros mismos. No os cambiará la vida pero seguramente os pondrá sobre alerta de cosas que solemos dar por hechas y que no está de más recordar de cuando en cuando.

"Nadie te salvará " funciona porque va directa al grano y porque su actriz principal (y casi única del film) Kaitlyn Dever entrega una interpretación fantástica y carga todo el peso de la narrativa sobre sus hombros, su rostro y expresividad. En tiempos en los que el cine de género parece obligado a justificarse como 'algo más', la segunda película de Duffield tras la fantástica "Espontánea" (Spontaneous, 2020) se atreve incluso a no tener prácticamente diálogos para mostrar una invasión alienígena en un pueblecito y cómo una joven con un pasado traumático le hace frente. Y ya está. 90 minutos de gran entretenimiento, con buenas set-pieces, filmada estupendamente y con un tercer acto de esos que te dejan pensando en cuánto tiempo tardará su director en hacer otra película porque -al menos yo- me la voy a ver sin falta. Más películas así, por favor, sin miedo a ser lo que son, sin esconderse.

Entiendo lo que quería conseguir Gavin J. Konop, pero no le ha salido. Y dejando de lado todas las polémicas, controversias y salseos varios en torno al equipo técnico y artístico de "Spider-Man: Lotus", lo que tenemos aquí es una película repleta de problemas, con alguna idea buena torpemente ejecutada y de la que apenas podrían salvarse un par de apartados: la escena inicial, con el balanceo y traje de Spidey hechos fantásticamente, y la valentía (u osadía) de hacer una largometraje sobre este personaje y que 100 de sus 105 minutos sean de personas sollozando, sin la acción que convendría esperar de un film del género.

Y no sería un problema si no fuera porque todo se siente artificial, claro. En el perfil (ahora oculto) de Konop en Letterboxd, tenía una lista de "las películas que habían inspirado Lotus", entre ellas estaban la trilogía "Antes del..." de Linklater o "Her" de Spike Jonze entre otras. Como podéis imaginar, con estas pretensiones y los mensajes criticando a otros directores que habían adaptado a Spiderman, el objetivo con su fan film era llevar a Peter, M.J y Harry a un entorno más emocional, sentido, dramático, sin acción ni aspavientos, sino profundizar en sus sentimientos tras la pérdida de Gwen Stacy. Lo que no esperaba encontrar era un sketch del SNL en el que hay tanta sobreactuación que no sé si tienen ardor de estómago o si es que simplemente son así de malos actuando.

Le ponen ganas, eso sí. Es un problema de dirección, de no saber cuándo parar, de un ego que ha impedido a Konop entender que para rendir tributo al personaje y hacer "algo mejor" que los films oficiales la cosa no pasaba por convertir Spider-Man en una grabación de un velatorio con gente haciendo cosplay, sino en captar el alma de los personajes. Eso no lo consigue copiando la ropa de los cómics y llevándola a la actualidad, porque crea un efecto contrario al deseado (artificialidad, no naturalidad) sino dándole cierta tridimensionalidad a los personajes. Y no ocurre, de hecho hace que las películas de Zack Snyder, más dedicadas a la figura teológica asociada a los héroes destaque sobre su parte súper, parezcan clásicos de John Ford.

A rescatar, una buena idea, la de la interacción de Peter con el niño que cree en él, a pesar de que él haya dejado de creer en sí mismo. Esa mirada infantil vs la oscuridad y las dudas que ocurren cuando haces algo, que sale mal y no sabes cómo pasar página. Esos 15 minutos de la película son sin duda lo mejor, y todo a pesar de que la ejecución es muy pobre. A nivel formal es una película también ciertamente deficiente, con una fotografía peor que la de The Room, oscura, borrosa, como rodada con iphones sin opción de enfocar, abusa de recursos de novato como la narración en off, un uso de la música tan pocho que parece un gameplay de YouTube de Minecraft (sonríe el personaje? música feliz. Pone cara triste? música lúgubre: todo esto en 20 segundos de diferencia) y así con todo.

Aplaudo la valentía de Gavin J. Konop y todo su equipo por dedicar tres años y medio de su vida a un largometraje de su personaje favorito y por no rendirse hasta conseguirlo. Una pena que el resultado diste de tener no ya la calidad de las películas oficiales, sino de otros fan films que han entendido que antes de su propio ombligo lo importante es rendir tributo a la obra que se adapta, alejarse del foco y permitir respirar aquello que quieres homenajear, como ocurre con obras como "Darth Maul: Apprentice", "Majora's Mask: Terrible Fate" o "The Hunt for Gollum".

En definitiva, no merece la pena perder el tiempo viendo Lotus, sería una película dramática pocha si no tuviera el gancho del personaje y, aún con eso, es una peli dramática pocha que no sería ni siquiera proyectada en un festival de cine periférico. Por si os pica la curiosidad está gratis en YouTube y está claro que hay interés por ella porque a fecha de publicación de este texto, lleva casi 2 millones de visitas en apenas 48 horas.

Vivimos tiempos curiosos. En unos años extraños de postpandemia y con excepciones aisladas, la taquilla de cine mundial está viendo estrellarse fenómenos como Indiana Jones o animación de Pixar y Disney, mientras se alza a las nubes el Maverick de Tom Cruise y Super Mario golpea los bloques del éxito con total naturalidad en su transición al cine. Y en mitad de todo este embrollo surge un fenómeno viral, el Barbieheimer, la unión aparentemente imposible de dos películas contrarias, sobre el papel sin nada que ver pero -en realidad- con numerosos puntos en común: una fantasía rosa chile de Barbie frente a una bomba nuclear, de fuego y polvo de Oppenheimer, coincidentes en fecha de estreno y con una intrahistoria de rivalidad Warner-Nolan que daría para su propio documental en Netflix.

Pero hablemos de Oppenheimer, la película más árida, densa, compleja y menos emocional de Christopher Nolan, la que le lleva por terrenos más ásperos y que remite a esa clase de 'gran cine americano' al que pertenecen producciones como "Lincoln" de Spielberg, "Pozos de ambición" o "The Master" de Paul Thomas Anderson, "No Country for Old Men" de los Coen o "La red social" de David Fincher. Porque lo que cabría esperar del director de "Interstellar" era un biopic intenso sobre el padre de la bomba atómica y lo que nos entrega son tres horas de reconstrucción pormenorizada de aquel momento, más cercana al tono de "JFK", "United 93" o la "Shin Godzilla" de Hideaki Anno que al tipo de cine al que nos tenía acostumbrados, más allá de su habitual gusto por el montaje musical.

Protagonizada por un absolutamente brillante Cillian Murphy, que se entrega al papel como si fuera el mismísimo Daniel Day Lewis (sobra decir que tiene el Oscar bajo el brazo), si por algo destaca esta "Oppenheimer" es por su brillantez formal, por su montaje alternando tiempos y puntos de vista, por ese uso del color y el blanco y negro que puede confundir de primeras y sobre todo en su primer tercio, repleto de explicaciones, detalles sobre física y un goteo de nombres que tarda en hacer pie pero que cuando lo logra, funciona a las mil maravillas. No pasa nada por decir que, en algunos momentos, se hace incluso aburrida. Pero lo compensa con todo eso que hace a Nolan tan único y quizá el director más importante de su generación. En esos momentos en los que sabe cuándo detener el sonido, aísla las voces de las imágenes y deja respirar al espectador, para posteriormente arrebatarle el aliento.

Si "Barbie" son las primeras copas que te tomas una noche de desenfreno, en el Barbieheimer "Oppenheimer" es su resaca. La otra cara de la moneda, la reconstrucción densa, por momentos aterradora, casi siempre abrumadora pero sobre todo, el viaje hacia el abismo del alma de un hombre que, rodeado de otros tantos, creó una de las armas más destructivas de la humanidad, y que vio cómo todo eso se volvió en su contra con -casi- la misma intensidad. Es una historia de ascenso y caída, apoyada en un reparto extraordinario en el que incluso actores y actrices de renombre se permiten bajar su caché para aportar pequeños momentos y engrandecer una épica cinematográfica no sin precedentes, pero que marca y (re)define la carrera de su director. Es Nolan dejando de ser un adolescente con un trombón, es un adulto en plena facultad de sus habilidades y aunque prefiero otras de sus películas y su lado más emocional, aquí ha regalado un ejercicio de gran cine que merece disfrutarse en la gran pantalla, porque al final el cine es esto: no sólo entretenimiento, también que nos pongan contra las cuerdas, desafíen nuestra paciencia y sobre todo, acabar con un gran ¡boom! que nos encoja en la butaca.

Vivimos tiempos curiosos. En unos años extraños de postpandemia y con excepciones aisladas, la taquilla de cine mundial está viendo estrellarse fenómenos como Indiana Jones o animación de Pixar y Disney, mientras se alza a las nubes el Maverick de Tom Cruise y Super Mario golpea los bloques del éxito con total naturalidad en su transición al cine. Y en mitad de todo este embrollo surge un fenómeno viral, el Barbieheimer, la unión aparentemente imposible de dos películas contrarias, sobre el papel sin nada que ver pero -en realidad- con numerosos puntos en común: una fantasía rosa chile de Barbie frente a una bomba nuclear, de fuego y polvo de Oppenheimer, coincidentes en fecha de estreno y con una intrahistoria de rivalidad Warner-Nolan que daría para su propio documental en Netflix.

Pero hablemos de Barbie, de cómo la película de Greta Gerwig -coescrita con Noah Baumbach- busca trascender su material de partida para narrar un cuento moderno, actualizado y vivaz sobre lo que se espera de nosotros, la imagen y su supuesta perfección, y el lugar al que pertenecemos. Lo hace arrancando con un homenaje hilarante a 2001 y planteando un mundo perfecto a lo Barbie Girl de Aqua para romperlo, a los pocos minutos, cuando la 'Barbie genérica', interpretada con total entrega por una brillante Margot Robbie, comienza a pensar fuera de la caja y tener ideas sobre la muerte.

Con esta premisa, la idea es mostrar que quizá lo que parecía tan perfecto a veces puede fracturarse, remitiendo a films como "Encantada: La historia de Giselle" o "Pleasantville" en ese choche de realidad entre mundo "real" y el mundo real. Es una película de claras ambiciones políticas, que titubea con el feminismo de forma frontal y muestra, con muchísima mala leche, cómo la mirada, el acto en sí de mirar, es más importante que lo que realmente tenemos frente a los ojos. Lo hace con ligereza, sin salirse mucho del molde pero forzando la máquina con números musicales, mucha purpurina y ciertos dejes a realismo mágico. Y funciona bien, muy bien por momentos, gracias a un reparto en estado de gracia donde destaca -al margen de Robbie- un Ryan Gosling que nunca ha estado mejor, más encantador y juguetón, que se reserva además una canción hilarante.

"Barbie" no busca la sutileza ni aspira a ser un gran clásico, aunque tiene todas las papeletas para convertirse en uno. Lo tiene todo a su favor para conseguirlo, desde una fantástica realización de Greta Gerwig, un guion juguetón y que sabe dar en la diana en ciertos momentos (hay un gag estupendo a costa del Snyder Cut de Zack Snyder), un diseño de producción que huele a Oscar y un montaje que por momentos parece un cómic cobrando vida en la pantalla. Es cierto que tiene otros momentos más irregulares y en los que la mueca se nota forzada, pero es -y será- la ganadora del Barbieheimer, la película más ligera, divertida, jovial y que más se beneficiará del meme y la viralidad, la explosión rosa chiche que devolverá a la taquilla un poco de la vida que estos años tanto necesita. Se mire como se mire, Barbie es un triunfo.

Que "The Last of Us" es una de las mejores experiencias narrativas que se han creado en un videojuego no se le escapa a nadie que se haya acercado a la obra de Naughty Dog, pero como pasó con el caso de "Uncharted", estaba por ver si sus señas de identidad -trasladar al ocio electrónico los mimbres y lenguaje del cine- iban a tener réplica en su adaptación televisiva. La respuesta simple es que sí, ha funcionado. Unirse a HBO, a Craig Mazin -reforzado tras 'Chernobyl' como un creador de calidad- y añadir a Neil Druckmann -creador del juego- al proyecto como productor, guionista e incluso director, ha permitido que hoy podamos hablar no ya de la serie (quedan dos meses para que la tengamos completa) sino de su episodio piloto, "Cuando te pierdas en la oscuridad", como un pequeño triunfo. Porque adapta, expande y amplía sin perder esencia, y era fácil que ocurriera.

Dirigido por el propio Mazin (es el único de la temporada que firma él), cubre -con respecto al juego- desde el prólogo con Sarah -aquí expandido, con una buena interpretación de Nico Parker- hasta que Joel y Tess asumen el encargo de Marlene de llevar a Ellie a un lugar seguro. Hora y media de narrativa que tiene sus luces y sombras, con una realización por momentos bastante inspirada, otras más o menos eficiente pero sin florituras, pero que captan la atmósfera y tono de la obra original con bastante acierto. Tanto Pascal como Ramsey defienden bien sus personajes (Torv, por su parte, lo borda) pero quedará ver en el resto de episodio si consiguen -o no- llevarlos un paso más allá y transmitir tanto como sus homólogos virtuales.

Es un buen episodio piloto, con alguna bajada de ritmo, una estructura que a veces se siente muy fragmentada (hubiera sido mejor, quizá, dividirlo en dos partes y ampliar un poco cada una -2003 y 2023-) pero que cuando quiere generar tensión, lo consigue. Cuando busca la empatía, que sientas algo por sus personajes, lo consigue. Que tiene buena factura, un casting muy acertado e incluso un detalle de calidad y guiño a los seguidores de la obra original: un doblaje con los mismos actores de los juegos. Tanto si conocéis este último como si no, creo que el piloto de The Last of Us asienta bien sus ideas y puede gustar a cualquier persona interesada en otra historia de supervivientes en un apocalipsis zombie. Lo mejor del juego aún no está aquí (por motivos lógicos) pero si todo se adapta, amplía y expande con el mismo mimo, estaremos ante una de las mejores producciones audiovisuales del año.

En 2019 Asobo Studio nos contó la historia de Amicia y Hugo, dos hermanos que se veían obligados a huir de su casa tras perder a sus seres queridos y convertirse en un objetivo prioritario de la sanguinaria Inquisición. Aquella aventura no sólo caló a nivel popular sino que además confirmó a sus responsables como aventajados alumnos de la narrativa que (re)definió Naughty Dog con sus franquicias "Uncharted y "The Last of Us". Tres años más tarde, nos reencontramos con ellos en un nuevo viaje en el punto en el que terminó el primero. El tiempo ha pasado, pero los peligros siguen ahí: el pequeño Hugo sigue enfermo, la mácula no se ha detenido y aunque hace tiempo que las ratas dejaron de sembrar el terror, ciertos sueños recurrentes hacen pensar en que las cosas pueden estar a punto de despertarse...

Requiem nos devuelve a unos personajes que aprendimos a querer, que nos importaron en el pasado y cuya historia sigue siendo fascinante; y coge todo lo que el primer juego hacía bien y lo amplifica. A su manera, si Innocence era Uncharted, Requiem es Uncharted 2. Más grande, más espectacular, más largo y también menos naif, más consciente de su condición de gigante del entretenimiento, sin descuidar -por suerte- el apartado emocional. Tanto los viejos conocidos como los que nos son presentados (con mención especial para cierto personaje femenino que parece salido de Piratas del Caribe) gozan de un buen desarrollo, diálogos bien escritos y un doblaje a la altura para darles vida.

Con una narrativa férrea como pilar, el equipo artístico de Asobo ha podido construir escenarios, ciudades, pueblos y lugares naturales de una enorme belleza, infiriendo en el hecho de que el mundo de A Plague Tale no siempre es pulcro y en él se mezcla la vida con la muerte, la carne putrefacta o cuerpos mutilados, con un campo de flores en el que delicadamente Hugo coge un diente de león y se lo coloca a su hermana en el pelo. Es ahí -como ocurre con otro clásico, "La tumba de las luciérnagas"- donde se hibridan ambos mundos. Donde la ruptura de la (ir)realidad nos permite vernos atrapados en su atmósfera, casi asfixiante por momentos, pero conscientes -o deseando- que antes o después habrá luz.

Mejorando todo lo presente del original a nivel mecánico (el combate es más elaborado, los segmentos de sigilo han sido rediseñados casi como puzles en los que cada engranaje hace funcionar a los demás; las mejoras de equipo y nuevas herramientas abren varias posibilidades...), si en un tiempo recordaré Requiem es porque ha sido capaz no sólo de emocionarme (más de una vez) sino de recordarme de que existe otro tipo de propuesta, otro tipo de enfoque para los videojuegos comerciales, en los que importa no tanto qué cuentas sino el cómo lo haces.

Requiem no es perfecto, incide en ciertos tropos de la narrativa de Naughty Dog y a veces queda algo impostado y presenta algunas carencias que entiendo que vienen derivadas de su presupuesto (poca interacción en escenarios no-hostiles, por ejemplo) pero a la hora de la verdad, todo eso se queda en lo anecdótico porque en lo importante, en hacer que queramos proteger a ese niño y en ver cómo Amicia sigue madurando y chocando con el mundo adulto, han conseguido con creces su objetivo. Que tras sus títulos de crédito aún pienses en ellos y en el gran viaje que has vivido cogido de su mano.

"La maldición del Hombre Lobo", tercer trabajo como director del formidable compositor Michael Giacchino, apuntaba a ser un soplo de aire fresco en el encorsetado universo propuesto por el MCU. Un one-shot con estética vintage, inspirado en el cine de terror de los años 30 con fotografía en blanco y negro, más visceral y con la libertad que confiere poder hacer una historia independiente de todo lo demás (no exenta eso sí de referencias, es Marvel a fin de cuentas). También apostando por el terror, la fantasía oscura y algo de gore y sangre. Al final, siendo aceptable, se queda un poco en el simulacro de lo que prometía para ofrecer un simpático entretenimiento en el que la mordida del lobo apenas deja marca.

Es una lástima considerando que en 2018 Giacchino dirigió "Monster Challenge", un simpático corto en el que un actor acepta por muy poco dinero -y sin saberlo- formar parte de un programa de televisión japonés tras ser despedido de un trabajo en una película. Con el cómico Patton Oswalt como apoyo, encontrábamos un trabajo que sabía trabajar con los códigos de los shows de variedades nipones incluyendo numerosos elementos llamativos como cortinillas, letreros con kanjis de colorines, ralentizaciones imposibles y todo tipo de cosas que cualquiera que haya visto algún clip viral detectará como parte intrínseca del ADN de ese tipo de programas. No era un trabajo formidable -nada más lejos- pero sabía jugar con el material original para al menos mimetizarlo y crear algo divertido.

Con este bagaje e ignorando su corto para Star Trek: Short Treks (que por su formato animado habría que tratar al margen) esperaba de esta excision del universo Marvel algo parecido, y al final quitando un poco de sangre lo único que remite al cine al que rinde tributo es... bueno, que lo han rodado en blanco y negro. Eso sí, en formato panorámico, sin grano, con una imagen clara y cristalina para que los suscriptores de Disney+ no se quejen por Twitter de que "se ve mal" (como le pasa constantemente a HBO cuando sus series tratan de aportar algo diferente a nivel visual, como en "La casa del dragón"). El resultado, insisto, es entretenido, el reparto se lo pasa bien y el especial se ve de un tirón dada su escasa duración, pero queda la espinita clavada de lo que podría haber sido y lo que termina siendo. La parte buena es que aún con toda la artificialidad del formato, vale la pena echarle un ojo y esconde alguna escena bien resuelta.

De hecho, entre esto y las series infladas artificialmente y que podrían resumirse en una película (siendo generosos) como She-Hulk u Obi-Wan, yo tengo que prefiero cosas así.

El cómo es posible que Asobo Studio haya sido capaz de sacar adelante este proyecto aún es algo que soy incapaz de comprender. Porque veamos, tenemos la historia de dos hermanos que en plena Francia del siglo XIV se ven obligados a sobrevivir en un entorno hostil mientas son perseguidos por la Inquisición al tiempo que la ciudad está infestada de ratas que arrasan con todo a su paso. En la primera media hora de juego, ambos pierden a su padre, su madre y su perro, y para colmo de males el niño está enfermo y hay que tratarle con mucho cuidado porque sus terribles jaquecas parecen tener efectos inesperados a su alrededor.

La premisa podría dar para una película infame al estilo de "Precious" o algo en lo que J.A Bayona se movería con cierta soltura, pero el milagro es que funciona porque está contado con una veracidad aplastante. El punto de vista es el de Amicia, hermana mayor del niño, Hugo, en un viaje común en el que se cruzarán con otros personajes con diferentes ambiciones y objetivos, pero todos ellos tratados con el mismo mimo y cuidado. Siendo su parte jugable la más normalita del conjunto (alternando puzles con infiltración) lo mejor de la propuesta de Asobo es la naturalidad y credibilidad con la que estos hermanos son representados. Amicia como una pre-adolescente que se ve obligada a madurar de golpe y Hugo como un pequeño gritón, dependiente y algo pesado, es decir, como un niño de su edad. El viaje por esa Francia medieval no es muy largo, pero en el tiempo que dura el guion se las arregla para que nos importen y para que sintamos que estamos viendo -o casi- a personas reales.

Asobo Studio tenía experiencia previa, había trabajado en videojuegos como el de "Ratatouille" (siempre comprometidos con las ratas, claro) o "Disneyland Adventure" (un sorprendentemente agradable mundo abierto en el que exploramos una Disneylandia virtual y a escala) pero "A Plague Tale: Innocence" es harina de otro costal. Es como el director que tras varios encargos es capaz de sacar adelante la obra que lleva años intentando desarrollar. Es un juego maduro, adulto, que toca temas serios y lo hace con inteligencia, quizá el mejor de todos los juegos que han intentado capitalizar el éxito y la fórmula de "The Last of Us", porque lleva esa relación de protector-protegido a un nuevo nivel que lo acerca- por su enfoque, punto de vista y crudeza- a esa obra maestra llamada "La tumba de las luciérnagas" de Studio Ghibli.

En realidad, la verdadera sorpresa no es que "A Plague Tale: Innocence" sea buenísimo, sino que aún no se hayan hecho con los derechos para llevarlo al cine o al formato televisivo. Porque por su ambientación, personajes, desarrollo y formato episódico sería absolutamente perfecto para dar el salto a ese formato. Por lo pronto este año tendremos una secuela titulada "A Plague Tale: Requiem". Lo tiene difícil, pero ojalá esté a la altura.

A su manera "BioShock" fue a los videojuegos narrativos lo que "El acorazado Potemkin" al cine. Estuvo atento a lo que se había hecho antes, cogió elementos de aquí y allá y reinventó la forma de contar historias. Lo hizo transformando la narrativa en ritmo, en estímulos, omitiendo las secuencias de vídeo y cinemáticas que llevaban más de una década siendo la norma en las superproducciones del ocio electrónico y limitándolo todo a la exploración. En Bioshock, nada te detiene: la historia se cuenta en primera persona y eres un recién llegado a una ciudad submarina llamada Rapture, tras un accidente de avión en el que sólo tú sobrevives y no sabes ni cómo ni por qué has terminado ahí.

Con una premisa simple, todo está en los detalles. Esto fue en gran medida gracias a Ken Levine, quien años atrás ya había experimentado con la sci-fi narrativa en el seminal System Shock 2, pero que aquí lo lleva un paso más allá haciendo que el jugador se sienta pequeño ante la inmensidad del escenario por el que progresa, hasta el punto de que este se funde en él para asistir a la historia no del hombre que llega a Rapture, sino de la propia Rapture. Un sueño sumergido de un megalómano llamado Andrew Ryan que junto a una serie de personajes cada cuál mas desquiciado, llevó a cabo sus fantasías más alocadas, que se nos cuentan en una serie de episodios sin omitir sus errores.

Rapture respira, suena y huele. A acero oxidado, es una atmósfera viciada, de fracasos y de éxitos, de aspiraciones y de metas no logradas, también de criaturas humanoides que han sido trastornadas por una droga y las modificaciones genéticas, pero incluso en la oscuridad hay luz, en forma de unas criaturas llamadas Little Sisters que van protegidas por los llamados Big Daddy. Por el nombre puede sonar turbio, pero no dejan de ser unas niñas creepy con guardaespaldas letales. En Rapture todo cuesta algo, y casi siempre es la misma vida. Y lo que hace a Bioshock una experiencia tan brillante, aún hoy quince años después de su lanzamiento (escribo esto precisamente tras rejugarlo hace unos días) es su atmósfera, los sonidos, la sensación constante de peligro, las voces en los pasillos, las sombras que se proyectan en las paredes. Rapture, en esencia.

Por su atmósfera y temas tratados (no deja de ser un videojuego político camuflado como experiencia de fantasía) no resulta sorprendente que en Hollywood lleven años tratando de adaptarlo al cine. Gore Verbinski dedicó años a tratar de hacerlo realidad pero el proyecto se paralizó cuando dejó claro que debía ser para mayores de 18 años y que costaría muchísimo dinero producirla. A su manera se resarció con esa joya llamada "La cura del bienestar", que de alguna forma canaliza muchas de las ideas del título de Ken Levine. Guillermo del Toro, aunque no la cita de forma directa, también deja ver su pasión por la obra en "La forma del agua" y su diseño de producción retro futurista repleto de verdes, azules y colores viciados. La última noticia que se tiene es que Netflix ha dado luz verde al proyecto pero considerando su historial, habrá que ver cómo sale, si es que terminan haciéndola.

Por concluir y siendo realistas, como videojuego, "Bioshock" tiene sus carencias, la mayoría de ellas en un tercer acto francamente pobre, con uno de los finales más cutres y anticlimáticos que se recuerdan de una producción de esta calidad. Pero como experiencia narrativa, por inmersión, por la atención al detalle, su cuidado apartado sonoro y lo bien que aguanta con el paso del tiempo pese a un exceso de grandilocuencia que le juega en contra, siempre ha sido -y probablemente siga siendo- una obra maestra. Hayas estado en Rapture antes o no, es un peaje por el que vale la pena pagar, un clásico moderno al que sólo le pesa un exceso de ambición y el no sabe cuándo terminar.

Admito que no iba preparado para The Batman. Esperaba que el acercamiento de Matt Reeves al personaje de DC Comics fuera más introspectivo, a la manera en la que su Cesar de El Planeta de los Simos resulta tan tridimensional y rico en matices, pero mientras que en esta saga mantiene la estructura de blockbuster convencional hay un trabajo por alejarse de lo que uno esperaría del caballero oscuro en este film de 2022. Si en si díptico Tim Burton abogó por una Gotham gótica y fantasmagórica, Nolan trajo realismo a este universo tras el periodo pulp de Schumacher; pero Reeves, entendiendo que ya había techos que era difícil alcanzar (The Dark Knight cambió para siempre no sólo el cine de superhéroes sino el thriller y su narrativa), ha optado por un enfoque diferente: un film detectivesco, con personajes que parecen salidos del cine negro pero llevados a los tiempos modernos. Hay mafias, droga, femme fatales, criminales, asesinos en serie y enigmas; hay héroes y villanos, pero ni unos son tan buenos ni otros tan malos. El gran mérito de The Batman es ofrecer la gama de grises y no sólo blancos y negros. Y hacerlo y servirlo de forma que parezca original, como si nunca lo hubiésemos visto... al menos, en el cine comiquero.

La bendición de DC Comics y Warner Bros es a la vez su mayor fracaso: el haber sido incapaces de construir un universo cinematográfico al estilo Marvel. El Snyderverse, guste más o menos, está enterradísimo y eso ha permitido dar rienda suelta a directores y equipos artísticos para salirse de la línea, un poco a la manera de los one shots de los cómics como "Year One", "Killing Joke" o "Red Son" de Superman. Historias únicas, con inicio nudo y desenlace, como el "Joker" de Todd Philips o ahora este Batman de Matt Reeves; e incluso irse a las antípodas de la oscuridad y 'seriedad' de Snyder en esa pequeña joya pulp que fue "Suicide Squad" de James Gunn.

Y todo para que ahora topemos con un film de Batman más cercano a los policiacos de David Fincher (bebe muchísimo de "Seven" y "Zodiac") que de cualquier otro film de superhéroes. Lo hace con buena mano, un trabajo de fotografía excelente, personajes bien escritos y un reparto entregado a la causa liderado por un Robert Pattinson muy creíble y un Paul Dano que resulta una bendición caída del cielo: su escaso tiempo de pantalla lo aprovecha como nadie, creando una interpretación memorable. "The Batman" es el antídoto a multiversos y otro cine facturado para funcionar en algoritmos de plataformas y aunque no sea perfecto ni alcance las cotas de brillantez del ya legendario film de Nolan con Heath Ledger, es un agradecido regreso al cine comiquero, sí, pero el que está pensado para una audiencia adulta que busca más que referencias, guiños y aplaudir con cameos y otros elementos extracinematográficos. Es ante todo una buena película, y eso en los tiempos que corren es más que suficiente. Que ojo, disfruto como nadie de Marvel y todo el entramado que han montado, pero esto... bueno, esto es otra cosa. La clase de cine que hace falta para compensar todo lo demás.

Para nuestros abuelos, Errol Flynn fue el gran icono del cine de aventuras. Para nuestros padres o algunos de nosotros, este honor pertenece a Indiana Jones, y alguien más joven (si tiene criterio, claro) te dirá que "La momia" de Stephen Sommers y "Piratas del Caribe" son los suyos. Siguiendo esa línea me cuesta creer que de aquí a 10-15 años vaya a pasar lo mismo con "Uncharted". Quizá sí con los videojuegos -de la misma manera que 'Tomb Raider' es un icono generacional- pero no con esta adaptación en la que apenas se esbozan unos personajes para crear una comedia de aventuras tan funcional como olvidable.

Habiendo jugado a todos los títulos principales de la serie creados por Naughty Dog y considerando alguno de ellos un clásico contemporáneo, mi enfoque a la hora de verla no ha sido la de un seguidor de las aventuras interactivas de Nathan Drake sino la de alguien que quería echar un rato y entretenerse. El objetivo lo cumple, claro, pero con un poco más de cuidado podría haber ido a más. Lo tenía todo: un equipo artístico y técnico competente detrás, un Tom Holland en su mejor momento y un reparto con carisma. Pero se conforma con lo mínimo, no arriesga un ápice y todo suena a ya visto. Si la gracia de "Uncharted" era permitirnos jugar a una película de aventuras, ¿Qué queda cuando eso se convierte literalmente en aquello a lo que rendía tributo, pero carece de la urgencia de ponernos a sus pies con el mando? Pues eso: un tributo que no alcanza a sus modelos base.

Por suerte estamos en un punto en el que las películas basadas en videojuegos ya no son nefastas (Sonic o Detective Pikachu son dos cintas familiares hechas con mimo y cuidado) pero falta por llegar un "Caballero Oscuro" que siente de una vez un precedente de prestigio. "Uncharted" podría haberlo sido y quizá con suerte esto ocurra con "The Last of Us" en HBO, pero hasta entonces queda, en resumen, una peli de aventuras entretenida, sin demasiada garra pero que durante dos horas nos mantiene al filo de la butaca sin pensar demasiado en qué está pasando en el mundo exterior.

Sobre las dudas que puedan surgir: Holland lo hace bien, pero no como Nathan Drake sino como un chaval que se mete en algo más grande de lo que espera y se convierte sin quererlo en un action hero de manual. No es problema de interpretación ni de falta de carisma, simplemente es otro personaje. Lo mismo con el Sully de Wahlberg. Funcionan bien juntos y tienen química, pero no me encajan con los roles que toman como base. No es un problema para el público general (al que va dirigida la película, no a los frikis que jugamos a los juegos) pero bueno, ahí queda eso. Homenajes directos a la saga hay unos cuantos más allá de la archipublicitada escena del avión de "Uncharted 3", así que por eso no os preocupéis.

¿Pudo haber sido mejor? Por supuesto, pero también peor. Así que en resumen: se deja ver, no molesta y si eres capaz de aceptar ciertas licencias de fantasmadas al nivel de "Fast & Furious", "Misión Imposible" y otras sagas similares, echarás un rato agradable. Los juegos ya eran así, por lo que en ese sentido no hay mucha sorpresa. Lo que también tenían aquellos era un desarrollo de personajes muy superior pero sería injusto comparar una obra de dos horas con una tetralogía -sin contar todo el material extra- de más de 100h en total. No esperéis una adaptación fiel más allá de ciertas secuencias, planteadla como un universo cinematográfico con potencial de -cuando puedan volar por libre- ofrecer algo aún mejor. Por lo menos, eso sí, no es tan mediocre como la última "Tomb Raider".

Existen múltiples contradicciones "The Matrix Resurrections", porque sin dejar de ser un blockbuster es una película de autor. Porque es cine de acción espectacular pero su fondo va sobre el corazón y explorar una relación que conocimos hace más de veinte años. En sus imágenes se filtra y se citan las de la trilogía original, añadiendo pies de página y nuevo texto en los márgenes del folio. Neo, Trinity, Smith... fantasmas pululando en pantalla en un mundo entre lo virtual y lo real, entre el código fuente y el camino de baldosas amarillas que llevó a Dorothy al mundo de Oz. Se entra a la sala siguiendo al conejo blanco y salimos sin saber si hemos topado con Alicia o la Reina de Corazones. La única certeza es que no hay certezas; la única cosa en la que todos coincidiremos es en que Lana Wachowski ha hecho lo que ha querido, sin cortarse. Como siempre por otra parte, pero ahora sin delegar responsabilidades en su hermana Lilly y jugándoselo todo a una sola carta. Habrá a quien esto le parezca un desastre, y no le faltará razón, pero qué hermoso es contemplarlo. Y qué difícil parece en tiempos de fanservice y conformismo.

Ante la imposibilidad de continuar una trilogía que muchos coincidirán en pensar que ya no hacía falta (Matrix es una obra maestra por sí misma, sin necesidad de sus ruidosos anexos), tenemos una "Matrix 4" que coge las ideas de la original y juega con ellas, se ríe y las trivializa, las maneja con hilos y cambia su contexto para adaptarlo tal cual sin molestarse en explicar más de lo necesario y es ahí donde reside su valor: en su libertad. Lana podría habernos hecho elegir entre la pastilla roja o la pastilla azul, pero ya hemos tomado esa decisión. Una, dos, tres y ahora cuatro veces. Pero la trampa es que en realidad el punto de vista es el suyo. Lo que hay en pantalla no es lo que queríamos, es lo que quiere comunicar ella, sin filtros, sin cortes, en bruto. Del cine de acción de Hong Kong al Vértigo de Hitchcock, la ensalada de referencias del film se resume en que hay mucho cine en los 140 minutos de The Matrix Resurrections pero sobre todo hay un desafío a las reglas y al sistema de blockbuster actual y el público que lo consume. Es desafiante, valiosa y sí, en su justa medida un desastre. Pero uno que da gusto contemplar. Podría extenderme muchísimo (hablar sobre sus escenas de acción, los efectos visuales, la puesta en escena, etc) pero en síntesis: creo que me ha gustado, y que no lo tenga tan claro eso es bueno porque significa que no es una obra de usar y tirar, sino de las que te da algo en lo que pensar. Y todo esto sin dejar de ser uno de esos ruidosos blockbusters de multisala... hecho eso sí, desde el corazón, por una autora que hace ya muchísimo tiempo que perdió -si es que alguna vez lo tuvo- el miedo al ridículo.

Lo mejor que se puede decir de "No Way Home" es que es una película de Spider-Man, pero de verdad. De las que disfrutan con el personaje, de las que le rinden tributo sin limitaciones, de las que te dibujan una sonrisa en la cara y de pronto la congelan alternando la comedia y el drama. Tres intentos le han hecho falta a Sony y Marvel para dar con la tecla, eso sí. Holland siempre ha sido -para mi- la perfecta encarnación de Peter Parker, pero estaba en las peores películas (o las menos buenas, como se quiera ver). Ahora tiene una buena de verdad, aún quedándose por debajo de las dos mejores (la brillante "Spider-Verse" y "Spider-Man 2" de Sam Raimi). Pero hace algo diferente.

Es difícil hablar de ella sin entrar en destripes argumentales, porque a su manera es una carta de amor a más de dos décadas del hombre araña en el cine. Tenemos en pantalla a sus villanos icónicos -Duende Verde, Octopus, Electro, etc-, venidos de distintos universos en los que siempre se han encarado con un joven al que una picadura de araña le cambió la vida para bien y para mal: adquirió superpoderes, pero se vio forzado a madurar. "Un gran poder conlleva una gran responsabilidad", como decía el tío Ben. Y él se fue pero su enseñanza perduró. La dificultad de Jon Watts -como director- y del equipo de guionistas era equilibrarlo todo y sobre todo, por primera vez, poner en el centro de gravedad a Parker/Spidey sin ahogarlo ni proyectarlo bajo la sombra de un tutor (Stark, en el primer film). Aquí sale Dr Strange, pero no roba la película. Todo el brillo se proyecta desde el foco de Holland, en su mejor interpretación como el héroe, entregándose a la causa en un digno de agradecer salto sin red.

Claro que tiene algunos problemas aquí y allá o cosas que podrían estar mejor desarrolladas, pero es un film que funciona muy bien, que durante dos horas y media te mantiene enganchado y qué queréis que os diga, creo que justo lo que le debemos pedir a un blockbuster de este tipo. Recomendable como cierre de la trilogía y con muchas ganas de ver qué nos depara en el futuro con Spidey, Strange y compañía.

Sé que el mundo no está preparado para esta afirmación, pero voy a soltarla: el Cowboy Bebop de Netflix no sólo no es tan mala, sino que además está moderadamente bien. Que no es tan redonda como el anime de Shin'ichirō Watanabe lo sabíamos desde antes de anunciarse porque aquello fue fruto de una serie de casualidades que dieron de sí uno de los proyectos audiovisuales japoneses más especiales de su tiempo, así que vamos a ponernos el disfraz de adulto y vamos a juzgar la producción como una serie 'inspirada en' y no un remake literal, porque era una empresa imposible y carente de todo sentido (principalmente porque los códigos de la animación y la imagen real son totalmente distintos).

Una persona que nunca ha visto el anime (mal: ponte a verlo) va a disfrutar del live-action porque tiene un buen diseño de producción, porque los guionistas se toman su tiempo en hacer que sus personajes funcionen como una tripulación que con sus más y sus menos, se aprecian y luchan los unos por los otros; porque cada uno de ellos cuenta con su episodio de lucimiento y desarrollo. Es entretenida, visualmente original y eso viniendo de Netflix es mucho decir (por ejemplo, tiene más personalidad que aquella nadería de Altered Carbon). No todas las series tienen que ser perfectas, hacer que nos replanteemos nuestra existencia y que nos dejen con la sensación de haber asistido a algo único e irrepetible.

En su contra pesa el material de partida (muy superior, sí), y que hay episodios que rinden tanto tributo a la obra original que calcando los mecanismos del anime sólo consiguen que se sienta artificial, cutre y muy 'barata'. Hay otros donde lo arreglan sobradamente, como el episodio 9, que no sólo es el mejor de la serie sino que por sí mismo funciona realmente bien y cuenta con un plano secuencia en particular muy, muy chulo. Así pues, ¿vale la pena ver este remake de Cowboy Bebop? Yo creo que sí. Pero sólo si vas a ser capaz de sacarte la cabeza del culo y fijarte en lo que hace bien en lugar de sacar la libretita de otaku para comparar.

Hace tres semanas me acerqué a Arcane con curiosidad pero escepticismo. Hoy termino su Acto III con la certeza de haber asistido a uno de esos eventos que seguramente serán recordados dentro de muchos años como un hito en la animación para televisión. No iría tan lejos como IGN, que dice que estamos ante "un clásico" y "la primera obra maestra de las adaptaciones de videojuegos" (dejemos que juzgue el tiempo) pero entiendo el entusiasmo: han sido 360 minutos de animación excelsa a cargo del estudio Fortiche, con un inesperado y elaborado entramado narrativo que ha profundizado en sus personajes sin tomar atajos y dedicando tiempo y esfuerzo tanto a desarrollarlos como a crear un mundo coherente. En algunos aspectos, dignifica tanto su material de partida como lo hizo Nolan con "El Caballero Oscuro" y las aventuras de Batman pero siendo justos, su impacto no ha sido tan global y masivo, a la serie le ha faltado ese 'click' que traspase la frontera de los entusiastas del material de partida y se convierta en un evento. Quiero decir, no le pondría Arcane a mi abuela, pero sí a sus nietos: teniendo calidad, su target no deja de ser evidente.

De Arcane me quedo con sus personajes, me gusta su evolución y los riesgos que toman. Me sorprenden -para bien- sus desarrollos, no hay héroes y villanos como tal sino gente con distintas motivaciones que lleva sus actos allá donde les es necesario para defender sus ideales. Vi, Caitlyn, Jayce... todos tienen una razón por la que luchar. La mayor sorpresa me la llevo con Silco, eso sí. De Jinx se puede escribir mucho pero más que su escritura destaco lo brillante de la representación visual de su psique (y aquí es donde creo que Arcane sí que marca un punto de inflexión). La serie está claramente influenciada por "Spider-Man: Un nuevo universo" y eso se nota -muchísimo- en la ejecución de ciertos recursos. Es una absoluta delicia, y escenas como el montaje paralelo de la máquina de boxeo del episodio 5 o la batalla del puente el episodio 7 son cosas que rara vez he visto en una producción mainstream.

Dicho esto y en resumen, Arcane me ha sorprendido mucho. Y no me gustaría ser el showrunner de la próxima serie de League of Legends porque esto huele a otro caso como el de True Detective: que la sombra de la primera iteración va a pesar tanto que será difícil de superar.

Happy Game empieza con una advertencia de que este 'no es un juego feliz'. Primer clickbait. Lo que sigue a continuación es la historia de un niño que se va a dormir y se ve inmerso en una serie de pesadillas aterradoras que mezclan lo naif con lo grotesco y en las cuáles todo se estructura como una aventura gráfica tradicional pero limitando las acciones a lo más básico, puzles tan simples que si no estuvieran ahí no cambiaría nada porque es en esencia es una obra eminentemente visual y poco interactiva. Cero pegas porque sus objetivos -al menos, estéticos- los logra con creces.

Lo más impactante de la obra de Amanita Design es que es capaz de superarse a cada minuto: matrioskas demoníacas, decapitaciones kawaii, monstruos gigantes que nos persiguen, criaturas de dientes punzantes que se sienten solitarias... y en medio de todo esto un niño inquieto que sólo busca los objetos que le hacen feliz y le fueron arrebatados. Un poco a la manera de un Jan Švankmajer moderno, con su clásica Neco z Alenky como referente y salpimentada con un extra de Yume Nikki, uno de los grandes hitos de los videojuegos independientes aunque su malditismo haya impedido que llegue al público masivo.

Se disfruta mucho de Happy Game por su propuesta alocada y única, aunque sí que es cierto que se agradecería un poco más de chicha al margen de la colección de locuras visuales. Habría sido genial que al terminarlo quedasen incógnitas, algo para reflexionar, como ocurre con clásicos modernos como Limbo o Inside, pero aún así vale la pena y dura menos de dos horas, ideal para disfrutarlo de una sentada en una noche de insomnio.

Imagino que la gente que dice que "Alice in Borderland" es mejor que "El Juego del Calamar" es la que antes usaba una expresión tan manida y tópica como "me gustó más el libro". Básicamente porque en realidad no tienen mucho que ver más allá de poner a personajes anónimos a arriesgar su vida en diferentes pruebas físicas y de plantear una crítica social simplona pero efectista. Ambas son eso sí un entretenimiento excelente, pocos episodios que se ven de un tirón y que aunque no perdurarán mucho en la memoria, ofrecen buena evasión reforzada por el exotismo de los propios tropos de la cultura asiática.

Puedo llegar a entender no obstante el razonamiento detrás de las quince personas que vieron Alice in Borderland cuando se estrenó y que ahora reclaman un poco de atención porque una serie mejor se haya viralizado. La propuesta japonesa es más digerible partiendo de la base de que sigue la fórmula clásica del anime, el mismo sistema de lógica de pensamientos absurdos (deducciones nivel Death Note), efectismos a nivel de interpretación y puesta en escena, ritmo vertiginoso mediante música y triquiñuelas visuales y ese desarrollo episódico en el que no dejan de pasar cosas todo el rato hasta el punto de liquidar personajes únicamente para que no se le pueda criticar que "no pasa nada". Es una yinkana en la que sus participantes afrontan retos más agresivos que los de Squid Game y por tanto también más explícitos, con más vocación de entretenimiento que de reflexión.

Y no hay nada malo en ello, claro. Me he visto completa Alice in Borderland en dos tardes e incluso he aprovechado para ver su anime (que apenas consta de tres episodios) porque tenía curiosidad por el enfoque elegido en ese formato (es bastante malo, dicho sea de paso). Pero si "El Juego del Calamar" es mejor, se dice y no pasa nada. Al final el mayor problema de esta última ha sido su éxito, que la gente lo ve esperándose la mejor serie de la historia y no lo es: sólo es entretenimiento, muy bien facturado y con algún episodio especialmente lúcido. Pero es lo malo de los fenómenos virales, que se inflan y a veces se ven ya con desgana o esperando que nos cambien la vida. Cuando una meta igual de válida es que durante unas cuantas horas nos permitan olvidar nuestros problemas; y que no siempre se puede comer un bistec, a veces apetece un Big Mac. Eso es justo lo que ofrecen las dos, aunque en el caso del Calamar al menos lleva un extra de queso y el pan está recién hecho, no recalentado.

Hasta hace unos días nunca había completado Until Dawn (2015), lo cuál tiene cojones porque me encanta el cine de terror hasta el punto de haber ido nueve años seguidos al Festival de Sitges (la pandemia detuvo esa racha). Lo había probado, incluso asistí a su presentación en la Gamescom de 2014 en Colonia, pero la cercanía del lanzamiento de House of Ashes me animó a quitarme la espinita y lo último que esperaba era encontrar un producto tan inteligente y adelantado a su tiempo.

Until Dawn se lanzó en 2015 como uno de los primeros 'blockbusters' de Sony en PS4 y si Uncharted triunfó al trasladar los tropos del cine de aventuras en formato interactivo el juego de Supermassive Games hizo lo propio con el slasher. Hay meta referencias constantes, un grupo de adolescentes imbéciles a los que odiar y mucho sentido de la autoconsciencia (de parecerse a algo, sería a "Cabin in the Woods"). Porque la primera genialidad del concepto es ponernos a los mandos de chavales repelentes que sólo quieren fiesta y sexo en una cabaña perdida en el bosque. Son tan bobos como hemos visto en cientos de películas, pero están a nuestro control. Somos dioses y decidimos qué hacen, si viven o mueren, y el juego nos da la opción de empatizar o no con ellos. Es tan sencillo en la base como complejo en su ejecución, porque lo normal tras escucharles hablar sería abandonarlos a su suerte confiando en la selección natural pero... hay algo ahí que nos lo impide. Por lo pronto, un guión notable que entiende la psique de sus personajes y no los juzga. Esa es nuestra labor.

Pero lo que más me fascina de Until Dawn es que aunque se le nota el tiempo en elementos como las expresiones faciales, su sistema de ramificación en las decisiones sigue siendo brillante y hace que sea una película interactiva que -a diferencia de los posteriores Dark Pictures Anthology- sólo tiene sentido... como videojuego. Si trasladas esta historia al cine se pierde lo que lo hace especial, no porque sea un slasher más sino porque su núcleo reside en lo interactivo, en que cada jugador construya su historia y su camino, y por tanto altere radicalmente el viaje. Si bien los juegos posteriores del estudio plantean el mismo dilema, caen tanto en lo cinematográfico y están tan encorsetados que no se siente, ni mucho menos, igual de orgánico.

A nivel audiovisual sigue siendo en pleno 2021 una absoluta salvajada, con un trabajo en los entornos, iluminación y detalles incluso superior al de muchos juegos contemporáneos, así que el Caith -hoy más sabio que hace unos días- os recomienda que lo juguéis si no lo habéis hecho porque es una joya y el mejor ejemplo de ficción de terror interactiva que me he encontrado hasta la fecha.

"House of Ashes" arranca con un pequeño prólogo en el que se asienta su premisa sobrenatural. Luego, salta al presente y nos lleva al final de la guerra de Irak, con un grupo de marines que buscan las armas de destrucción masiva y tras un sismo terminan cayendo en unas grutas subterráneas de las que poco o nada saben. Este contraste de fantasía y realidad es casi novedoso en el universo de la Dark Pictures Anthology porque el monstruo se muestra casi desde el principio y no es algo casual: buscan evidenciar que, en la guerra, el monstruo no está muy lejos de los que en ella combaten...

Will Doyle (director de "Intenciones ocultas" también en Supermassive Games) es el responsable del tercer proyecto de la 'antología oscura' del estudio y ha optado por un enfoque más humano. Todos los personajes que encontramos tienen contradicciones, ninguno se caracteriza por su bondad o malicia, son avatares cuyas afinidades podemos moldear mediante la toma de decisiones y que suponen pasos en un camino que como siempre en esta clase de proyectos, variará en base a las elecciones que tomemos como jugadores o -dado su alto componente de secuencias y escaso jugable- espectadores. Es de hecho el más complejo y abierto de todos los lanzados hasta la fecha, pero también -y no sin cierta ironía- el más previsible, por ahondar en una serie de clichés de los que le cuesta muchísimo escapar, con un guion alto torpón pero funcional y que hace las referencias adecuadas, desde 'The Descent' a 'Drácula de Bram Stoker' o 'El exorcista'.

Sin embargo y con todos sus problemas, funciona. Le cuesta arrancar pero el último tercio es francamente notable, tanto por la cantidad de acción como por una ambientación que remite a Lovecraft y H. R. Giger. También porque llegados a ese punto hemos conseguido empatizar algo con esos avatares y la toma de decisiones ha servido para que entendamos sus pensamientos. Siendo un título peor que el anterior "Little Hope" y sobre todo, bastante inferior a "Until Dawn", hay en "House of Ashes" suficientes estímulos en sus seis horas de duración como para que merezca la pena acercarse a él y experimentar el viaje. Aunque sea por ver sufrir un poco a Sharpray.

Espero eso sí que para el futuro proyecto de la antología ("The Devil in Me") le den una vuelta al concepto para no caer en el 'síndrome Telltale'. Hasta ahora lo han esquivado pero empieza a notarse el desgaste, a que a veces buscan la sorpresa por la sorpresa, el giro por el giro, creando arcos narrativos que atienden a decisiones arbitrarias. Y eso es algo que ni siquiera puede ocultarse con un mejor apartado visual o un enfoque narrativo más cinematográfico (si cabe) con cámaras en el cogote y planos generales preparados para cuentas de redes sociales como One Perfect Shot. En 2022 saldremos de dudas.