Gran película adulta, sin concesiones, ambages, ni atajos, la directora y guionista Margarethe von Trotta nos propone un recorrido por uno de los episodios más notorios de la historia de Israel y al mismo tiempo más desconocidos en cuanto a las reacciones virulentas que desencadenó y las ideas fructíferas que sembró. Se trata de la filósofa alamana Hannah Arendt (1906-1975) y de cómo reportó y trató el juicio y ejecución del burócrata nazi Adolf Eichmann, así como su memorable y prolija reflexión sobre la naturaleza del mal.

No hay atajos sencillos para transitar caminos complejos y no hay nada más difícil que ser una precursora en una época de medios de comunicación de masas, donde la desinformación es notoria, ya que solemos ver siempre la misma idea (el mismo tópico) repetido una y mil veces hasta vaciarlo de verdad o contenido y renunciando a pensar por nosotros mismos porque lo más sencillo es ir con la corriente y portarse como un tontorrón borrego (llámese el ‘no a la guerra’ o el ‘OTAN de entrada no’ o la consigna de turno). Lo difícil es pensar por uno mismo y aportar sabia nueva, reflexiones trabajosamente elaboradas y razonadas porque pocos son los que te lo agradecerán, ya sea por envidia, por mezquindad, por servilismo o por adocenamiento.

Todos sabemos que los nazis son los malos y los judíos fueron una de sus obsesiones ideológicas, que les llevó a diseñar, ejecutar y ocultar su exterminio, pero ¿cómo fue posible? ¿Cómo es que hubo tantos burócratas que se afanaron tan obsesivamente en cumplir órdenes tan inhumanas, tan antinaturales, tan deleznables? Pues sobre esto reflexiona de forma brillante y sincera esta película alemana, mostrando la importancia de plantearse las preguntas rigurosas y pertinentes ante semejante atrocidad y semejante sinrazón. La importancia de pensar y de ser libre a través y gracias al pensamiento libremente ejercido. Aunque sea a costa de la incomprensión o el rechazo.

Muy interesante, muy lograda y muy pertinente. Un inesperado éxito de planteamiento y ejecución.

Danny Boyle es un ya veterano director británico (56 años) de reconocido talento y reconocible estilo que suele caracterizarse por un poderío visual no siempre acorde con la calidad o las cualidades del guión que está poniendo en escena. En este caso, a priori, parecería que su estilo intenso, trepidante, de montaje frenético y elaborada manipulación de la imagen le iba como anillo al dedo: un irredento e irreductible adicto al juego que se ve envuelto (bueno, que se envuelve) en una elaborada trama sobre suplantaciones, mentiras, robos, asesinatos, hipnosis y obras de arte. Pero no es oro todo lo que reluce.

“Trance” se deja ver muy bien, atrapa desde el principio, y zarandea al espectador a su antojo por los vericuetos más desaforados e inverosímiles que imaginarse pueda. Es toda una aventura emocional que reproduce muy bien el desconcierto del propio espectador que no sabe a quién creer, de qué lado ponerse o en quién confiar. Engaño tras engaño, desojando y contorsionando las complejidades más bulliciosas. Quizás demasiada vuelta de tuerca y demasiados juegos de malabares que dispersan al espectador que acaba por abandonar el intento por creerse lo que es del todo increíble.

Las potentes imágenes encuentran en el trío protagonista a unos entregados cómplices que hacen que durante la proyección se sigan todos los vericuetos con interés y admiración – sobro todo se luce una admirable Rosario Dawson, portento físico de exuberante presencia e innegable talento y que mejor encarna el juego que se nos propone. Pero llega un momento en que tanto exceso, tantos quiebros, tanta voltereta y tanta pirueta narrativa acaba fatigando por mera acumulación infructuosa. Y se abre paso una cierta insatisfacción porque le punto de partida, los actores, la dirección, todo, está magníficamente entonado y calibrado, pero el conjunto se queda corto, hierra el tiro por querer abarcar demasiado y todo se acaba desinflando.

Intensa, interesante, potente y, sin embargo, fallida.

Película muy por debajo de las expectativas que abre al comienzo: la comedia negra del comienzo se va diluyendo y desactivando debido a una falta absoluta de dirección y de intención y acaba naufragando casi a su pesar, porque cuenta con dos muy capaces actores (Steve Oram y Alice Lowe, que además son coguionistas) que intentan insuflar vida y empaque a unos personajes que no pasan de la caricatura gruesa y del trazo grotesco.

Pero a los pocos minutos de iniciada la andadura – y tratándose de una película sobre un viaje, que no tiene nada de iniciático, ni siquiera de escuela de aprendizaje – el guión naufraga por falta de ideas y por mera repetición de situaciones, lo cual va mermando la inicial sonrisa que al principio asoma ante el ingenuo espectador. Abandona la comedia negra por inoperante, elude la crítica social por inexistente, ignora la complicidad por cansancio del espectador, evita el estudio psicológico por indiferencia, carece de veracidad dramática ni de evolución narrativa. Sólo hay dos personajes logrados (el tercero, la madre, apenas sale), pero les ocurren cosas intrascendentes e irritan por su arbitraria ineptitud vital.

El desenlace es tan desangelado y burdo como el resto de la cinta y si mencionamos la interesante elección musical de las canciones que trufan el metraje es porque en realidad no hay nada más digno de mención. Es un perfecto ejemplo de que una buena idea (unos asesinos en serie de andar por casa, inesperados, casi cutres) queda lastrada por un desarrollo inexistente, una torpeza narrativa evidente y una desidia visual digna del peor telefilme de relleno. Muy irritante porque parecía que iba a ofrecer una original puesta al día de la comedia negra británica y se queda en estéril malversación de tiempo y una anemia total de ideas. Prescindible, muy prescindible.

¿Cuál es el problema? ¿Qué se creó el Estado democrático de Israel hace casi setenta años o que los árabes invadieran Palestina hace bastantes cientos de años? Al desenfocar el problema surgen nuevos problemas y al trivializar situaciones complejas como si se tratara de un amasijo de tópicos o una carrera para ver cuánta aparente buen voluntad se puede malversar a base de tergiversador buen rollo y supuesta visión ecuánime. Todo ello se haría quizás más soportable, si el resultado final no fuera tan obstinadamente aburrido.

Una médico canadiense enmadrada vive en Israel pero trabaja en ‘PALESTINA’ (como anuncia la película, como si no fuera lo mismo), lo cual ya es la primera muestra de que estamos ante una cinta con mensaje IMPORTANTE y llena de prejuicios. Hay propaganda de divulgación terrorista que sale de las fotocopiadoras de las tiendas, como si la gente fuera olvidando eso como lo más normal, se cruza la línea entre ayuda al prójimo y asesinato al prójimo como si la línea divisoria fuera inexistente o inútil trazarla.

El punto de partida parece que nos quieren explicar (más bien: EXPLICAR) por qué uno se hace terrorista suicida, como si la vida fuera lineal y para cada efecto sólo hubiera una causa (que además suele coincidir con presupuestos ideológicos trasnochados, como que la pobreza o el vivir desplazados justifica cualquier atrocidad), en vez de indagar en las complejidades del alma humana. No hay respuestas fáciles a preguntas complejas, pero esta máxima brilla aquí por su total ausencia.

El desenfoque dura toda la película (fea, cutre, deslavazada, inconexa, tediosa, farfullera, etc.) ya que la obsesión por EXPLICAR todo – como si el espectador no fuera adulto y necesitara un traductor simultáneo para COMPRENDER lo que pasa – nos hurta la posibilidad de cambiar el punto de vista y preguntarnos hacia dónde queremos ir, o para qué sirve la violencia, qué mundo queremos crear uno mismo (no los demás, que cada cual aguante su vela) para sí mismo.

Hay tanto descontrol narrativo y toxicidad ideológica que produce cansancio por pura acumulación de tragedias sin sentido. El que se pretenda un buen fin no justifica un aburrimiento mayúsculo durante hora y cuarenta minutos. Muy prescindible, muy mala y muy dañina. Un engendro que nace muerto.

Relajada y simpática comedia, muy bien interpretada por el siempre inconmensurable Frank Langella, secundada con oficio y entrega por el guapetón de James Marsden y por la cada vez más desaprovechada Susan Sarandon, así como con un guión lleno de matices, alguna sorpresa y una falta de retórica y subrayados poco habitual en el cine contemporáneo. Al final uno tiene la sensación de haber pasado un buen rato, de que le han tratado como adulto, de que no había trampas ni estériles efectos siderales, pero queda el regusto de lamentar lo que la cinta podría haber sido y no es porque prefiere la amabilidad a la profundidad.

Sin embargo, el balance es positivo porque trata un tema ‘importante’ como el de la pérdida de facultades vitales para sobrevivir y desenvolverse (como la memoria) con aguda sensibilidad y buen gusto, planteando algunas preguntas pertinentes (¿qué hacer cuando un padre envejece y se desmemoria?) pero dejando las respuestas para mejor ocasión, contentándose con construir un entretenido dilema en clave de humor, bordeando la parodia y sorteando el melodrama en el tramo final de la cinta.

Quizás demasiado liviana y poco arriesgada, pero no se puede negar que funciona como una engrasada pieza de relojería, bien montada, mejor urdida, hábilmente resuelta y culminada con elegancia y buen hacer por un director casi primerizo (Jake Schreier) al que habrá que atender para ver si gana en profundidad o se deja dispersar y perder por la industria. Agridulce balance de una recomendable cinta de entretenimiento: podría ser mejor de lo que es pero se conforma con ser mejor que la media actual. No es poco balance.

Uno no ve lo que no quiere ver, uno sólo ve lo que confirma la idea que tenemos del mundo. Esto vendría a resumir este documental que puede tomarse también como ficción sobrecogedora por su disección inmisericorde de una patología irredenta: el mentiroso contumaz.

Construirse una biografía y elaborarse una vida a fuerza de suplantar la vida de otros, ya sea por rechazo de la propia o por huida o por pura desesperación. Esto es lo que explora esta intensa cinta que tanto podría ser un documental inquebrantable como una ficción desaforada. Pero lo que está claro es que todos parecemos abocados a rehuir la verdad, a no querer vivir la evidencia, a refugiarnos en paraísos más benignos y acogedores. La mayoría de las veces, los sinsabores del presente son un machetazo demasiado cruel como para que podamos sobrevivir. Y por eso huimos al mundo de la fantasía o de la mentira piadosa, sin discernimiento, ni culpa, ni remordimiento.

Más allá de lo que la película muestra (apasionante, lleno de interés, muy bien narrado y con un ritmo excelente), late otra película más que clama por ser desvelada o abordada en otro momento: ¿cómo es que alguien ha tenido o tiene una vida, una infancia tan penosa, tan infeliz, tan trágica que daría cualquier cosa por suplantar a otros niños o adolescentes con tal de abandonar su ‘yo’ dolorido? Porque la tragedia se bifurca en dos: el dolor de una familia que ha padecido la desaparición de un ser querido y que tres años después soporta (¿resignada?, ¿ilusionada?, ¿ciega?) la aparición de un impostor al que acogen y cobijan como si tuvieran que expiar alguna culpa indescifrable.

Cinta muy buena y muy recomendable que bucea en las complejidades de las relaciones sociales y personales del presente. Es un mazazo que perdura más allá de su visionado. Una sorpresa gratificante y dolorosa.

¿La guerra es muy mala? Sí. ¿Verte privado de tu infancia y obligado a matar para sobrevivir una crueldad inefable? Sí. ¿Vivir en un perpetuo estado de incertidumbre, tensión y descontrol un sinsentido? Claro que sí. Todas las preguntas que plantea esta película canadiense rodada en África son muy sensatas, sinceras y pertinentes, pero la falta de originalidad y de sorpresa lastran el balance final de esta interesante cinta entre bélica e infantil, donde la protagonista es raptada las 12 años (tras la arbitraria ejecución de sus padres por parte de la guerrilla) y vive un calvario de abusos, inmundicias y sinsabores que dura varios años – y por suerte para el espectador sólo 90 minutos.

¿Qué hace una niña de 12 años con una metralleta? ¿Cómo abandonar la carnicería impuesta por unos comandos que no cejan en su empeño de volver inhabitable una sociedad de por sí diezmada por el atraso y la violencia? ¿Para qué intentar enderezar el curso de una vida si todo parece abocado el sufrimiento y la desazón? Lo dicho, todo en esta película meticulosa, detallista, bien rodada y resuelta con oficio e indudables dotes plásticas suena a veraz y verídico, pero es tan previsible, tan plano, tan poco intenso que acaba por crear anticuerpos contra esa propia bondad de la que parece convertirse en abanderada.

Produce cierta fatiga la acumulación de muertes y desgracias, desencadena una cierta sensación a moralina obsoleta y bienintencionada como el sermón de un cura circunspecto y benigno, sabemos que el mal está mal y que el bien no suele triunfar, pero ir al cine para ver confirmado ese tópico parece un exceso de ingenuidad. Película interesante, correcta, hasta buena a ratos, pero produce mucho cansancio y huele a antigua. Casi una inmerecida decepción.

Excelente largometraje que actualiza y renueva el tóxico mundo amoral de Hitchcock: la fascinación por el tío Charlie (ecos de ‘La sombra de una duda’), el fetichismo por las prendas de vestir (ecos de ‘Vértigo’), el artístico y malsano estrangulamiento de las víctimas (ecos de ‘Frenesí’), el sótano infausto, las bombillas ondulantes, la truculencia de una casa desasosegadora, la presencia de una ausencia obsesiva, los pájaros disecados (ecos de ‘Psicosis’), más pájaros y una cabina telefónica que es una trampa mortífera (ecos de ‘Los pájaros’), un protagonista elegante y turbio (ecos de ‘Extraños en un tren’)… Y podríamos seguir casi indefinidamente.

Pero “Soker” es mucho más. El guión del hasta ahora actor televisivo Wentworth Miller (protagonista de Prison Break) es un prodigio de sabia mixtura de las inmensas referencias clásicas con una renovada toxicidad por completo contemporánea que ofrece una cinta policiaca de ambiente malsano y enfermizo. Además está la inmensa dirección del coreano Chan-wook Park que ofrece unas imágenes fascinantes, hipnóticas, de un sabio manejo de tiempos, espacios, ambientes y acechantes premoniciones, renovando un género siempre necesitado de sangre fresca…

Y además están los actores, todos ellos magníficos. Todos ellos parecen figuras de cera o infaustas marionetas presas de los arbitrarios hilos del destino más adverso, dóciles figuras de cera cortocircuitadas, como los pájaros disecados que sucumben durante el metraje a un aquelarre expiatorio que no hace sino cavar más hondo la fosa del infortunio vital. Merecen destacarse tanto los secundarios (Jacki Weaver, Phyllis Somerville o Dermot Mulroney) como los protagonistas, con especial mención para Nicole Kidman y un inconmensurable Matthew Goode… Todo funciona a la perfección.

Muy recomendable, muy tóxica y totalmente cautivadora. No deja títere con cabeza. Y la sabia y certera estructura circular asemeja a una pieza musical, como las que iluminan con sombría truculencia algunas de las mejores escenas de la cinta. Un prodigio de sugerencia y morbo, un acabado monumento a la más sibilina maldad inhumana. Soberbia.

Es la primera película paraguaya que he visto y la recordaré con fascinación y agradecimiento por sus vertiginosas imágenes, por la impactante coctelera arrebatadora entre el español y el guaraní que hablan sus atribulados protagonistas, por la desquiciada trama que habita su desquiciadas peripecias y por el intento de contar con convicción y pasión una sencilla historia de codicia y fascinación tecnológica (un móvil que cuesta más de un millón de guaraníes – la moneda local – y que precipita una alocada carrera contra reloj y contra toda lógica por la consecución del premio final).

Ante todo los directores y guionistas de esta desaforada cinta, Juan Carlos Maneglia y Tana Schembori, han sabido construir una vibrante amalgama de géneros (el esperpento, la película de persecución, el melodrama, el cine negro, el realismo mugriento, el romanticismo más libertino, etc.) hasta sintetizar un original largometraje que lanza guiños hacia Tarantino y los culebrones de amor y lujo, todo sazonado con briznas de pobreza desoladora y suciedad moral llena de costras y jirones. Semejante mezcla funciona a la perfección gracias a un ritmo trepidante y una obsesiva fijación por el dinero (ya sea identificado en un móvil, o en un premio en metálico o en una promesa de pago incierta).

Delirante largometraje que capta instantes frenéticos de un adolescente carretillero que trabaja en un mercado de Asunción y que se topa con la crudeza egoísta y desleal de la vida (querer lo que no tengo, rechazar lo que se tiene o intuye, mirar con ojos de deseo insuperable el dinero ajeno), aviesa colección de despropósitos, malformaciones morales y físicas, donde lo humano y la humanidad brilla por su total ausencia. El deseo de mejorar no es una aspiración que case bien con la pobreza extrema y los quiebros dramáticos nos arrojarán a las puertas del crimen y de la abyección más absoluta. Trufado de carcajadas sorprendentes y de angustia llena de suspense.

“7 cajas” es una película muy recomendable, muy entretenida y plenamente satisfactoria aunque retrate personajes ingratos y esquinados, llena de un humor electrizante y de una vitalidad contagiosa. Un descubrimiento que debe ser saboreado con agradecida humildad. Y dar gracias de que no vivamos una realidad semejante. Imprescindible para todo amante del cine.

Las casi unánimes alabanzas que ha recibido esta cinta me dejan perplejo. ¿Hemos visto la misma película? Claramente no. Esta francesada engolada y cargante pretende ser un estudio sobre la política europea contemporánea, pero brilla por lo que no es y por lo que no consigue más que por lo que logra o alcanza. Un ministro no quiere que se privaticen las estaciones mientras que otros ministerios sí quieren y parece que deviene en una encarnizada lucha de poder con manipulación de las opinión pública pero se queda en mero reportaje del HOLA, es decir, mucha imagen, mucha foto y poca o nula enjundia.

No sabemos nada del ministro protagonista, ni quién es él, ni con quién está casado, ni qué piensa, ni que siente, sólo que tiene una asesora estirada y no menos engolada que la pretenciosidad gala de rigor y que es llevado (porque quiere) de un lugar a otro como si fuera una muñeca de feria sin rigor, sin expresividad, sin contenido, sin doblez, ni descaro. Tanto trajín para acabar en otro ministerio no menos ampuloso y estomagante con otras prioridades y similares tejemanejes donde nada está claro y todo debe ser completado por el sufrido espectador de tan vacuo ejercicio de estilo.

Pretender que la política es esto que se nos representa aquí, es como pretender que “Bambi” es un certero retrato de la naturaleza que nos rodea (o rodeaba), es decir, que se trata de un posible documental de la vacuidad de los políticos contemporáneos lo que solo es mera vacuidad de la propia cinta que estamos reseñando. Hace falta algo más que una interesante idea inicial para confeccionar un guión de interés que acabe siendo una lograda película final.

Si bastara con una pretendida buena idea para confeccionar un buen film los cines estarían llenos de cintas memorables, pero con tediosas soflamas anti-sistema como esta lo que se logra es vaciar las salas de cine sin por ello incrementar el entendimiento del devenir político contemporáneo. Fallida y tediosa, deplorable e hinchada, pútrida y de encefalograma plano. Un quiero y no puedo sin gracia ni ritmo ni interés. Un fracaso absoluto.

¿Una comedia danesa? Más bien un engendro europeo que loa la belleza incombustible de Buenos Aires con el malsano propósito de entretener a costa de tópicos de la peor estofa. Los insulsos protagonistas, de haberse el guionista tomado el esfuerzo de desarrollarlos, podrían haber dado lugar a una amable comedia de costumbres, pero se queda muy corta, sin apenas despegar tras un prometedor comienzo que nos traslada de una lúgubre Dinamarca a otra luminosa y desaprovechada Buenos Aires de tangos fervorosos y senos plastificados.

De puro tonta el espectador no da crédito de la acumulación de sinsentidos narrativos y chistes de parvulario que pueblan el excesivo metraje, buscando la sonrisa a toda costa, como si de puro borracho llegara al coma etílico deseado. Nació muerta y nunca debió de llegar hasta nosotros este engendro sin gracia, sin vis cómica, sin parodia digna de tal nombre, sin el más mínimo interés para el espectador mínimamente informado y formado.

Si quieren ver una película danesa potente y lograda vayan a ver “La caza” pero ni se les ocurra gastarse el dinero en este engendro malformado que nunca debió ver la luz del cono sur ni nunca debió de llegar hasta nuestras pantallas. Un fracaso en toda regla.

Me parece ilustrativa de los males congénitos del momento presente esta amable película francesa sobre una chica de unos diez años que se hace pasar por chico. El espectador se queda escindido entre querer amparar a la arrebatadora protagonista (al fin y al cabo, es inocente, directa, sin maldad y muy encantadora) y la comprensión de que el problema no se resuelve con prohijar y exonerar a la atolondrada protagonista, sino que el drama surge justamente de esa inadecuación entre quién ella es (una chica) y quién ella quiere ser (un chico).

Es como si al compartir los buenos deseos hacia la protagonista y quedar hechizados por su puro encanto de sirena varada, quisiéramos adoptar su extravío como si fuera normalidad, como si compartiendo el deseo de que no sufra y de que todo salga bien, todo se fuera a arreglar como por arte de magia, porque la ausencia de maldad es la prueba de que ella es buena y está bien. Pero esa manipulación es la mayor de las mentiras en las que te hace caer esta tramposita película de poco más de hora y cuarto.

La protagonista tiene un desorden severo de personalidad ya que quiere ser quien no es y quiere pasar por ser quien en realidad es obvio que no puede llegar a ser. Vivir una mentira es el comienzo de un severo desorden emocional y psíquico y perder toda vinculación con la realidad es demostración de que se construyen castillos en el aire. Y eso es trágico porque el dolor solo puede ir a más y a peor y esta película lo soslaya y tergiversa, al crear una férrea complicidad infantil con su atribulada protagonista.

No hay censura en el errático comportamiento de la protagonista. No es que ella no pueda querer ser quien no es, sino que el mero enunciado de que vivir una mentira es señal de enfermedad. Es decir, la tan común de las manipulaciones de que no porque un objetivo sea lícito, cualquier manifestación tenga que ser exonerada o aprobada. Se trata del retrato de una neurosis cerrado en falso y con visos de desembocar en un severo trastorno emocional. Pero la protagonista es tan inocente y tan sin maldad que no podemos ver la realidad como es, sino como ella desea que sea. Pura manipulación malsana y dolorosa. Una obrilla llena de buenas intenciones y pésima complicidad emocional. Un hurto descarado.

Ricardo Darin es un portentoso actor que convierte en interesante todo papel que interpreta, pero esta vez aporta su aplomo y presencia a un pobre engendro a medio cocer como es Tesis sobre un homicidio. Para que una película funcione tiene que haber un protagonista y un antagonista de similar calibre o interés y aquí está por completo ausente, sólo vemos las elucubraciones del protagonista y nos deja sin el necesario contraste con la realidad que permita al espectador atar cabos o completar propuestas.

El final abrupto corta y desluce lo que era una película interesante y la convierte en una decepción mayúscula. Tanta caracterización para nada, tanto crimen malversado, tanta maldad intuida malversada, tanta trama ideada no rematada, tanta sugestión abortada... Es una pena ver cómo se desaprovecha a un actor como Alberto Ammann para nada, ni siquiera a mayor gloria del protagonista (ya que no va por ahí el desaguisado) y al final uno tiene la sensación de haber malgastado por completo el tiempo de la proyección.

El guión es un mero borrador no finalizado y en vez de tomarse el tiempo y el esfuerzo en concluir la cinta, se ha optado por darle carpetazo, quizás por angosturas o tiranteces de presupuesto o por desidia o desgana de producción, pero en todo caso el resultado es pobre, deslucido, deslavazado y muy insatisfactorio. Una decepción en toda regla.

Tom Cruise parece que tiene miedo de protagonizar una pelicula que se tome en serio la gravedad de su trama y no le resulta posible enfrentarse a la tristeza o la complejidad de la vida. Lo que no le va bien en la vida real parece que quiere remadiarlo mediante la ficción.

Visualmente Oblivion es muy hermosa, con poderosas imágenes apocalípticas o catastrofistas que pueblan la cotidianidad del protagonista, pero también hace uso de unos paisajes hermosos y casi paradisiacos (parece ser que de la remota Islandia) que ofrecen un contrapunto escapista a la negritud de la trama principal.

Pero el poderío visual sucumbe a un guión pobre, plano y tramposo que nos trata de vender como entretenimiento lo que es pura cobardía o miedo al riesgo, es decir, como si se dijera que más vale el tópico malo que un riesgo emocional sincero no sea que se eche del cine al espectador. Resultado: no pasa de hojalata oxidada lo que quiere proponerse como oro de mercadillo. Y el espectador no vuelve a caer en la trampa.

La cinta irrita porque el final feliz es más falso que Judas, porque el talento malversado hace una y otra vez estéril acto de presencia y porque hay un exceso empalagoso de Tom Cruise que acaba por hundir lo que apunta hacia una película interesante y visualmente intensa y se queda en mero aborto carero y pretencioso. Muy prescindible y decepcionante.

Steven Soderbergh tiene fama de frío o de academicista, pero nada mas lejos de la realidad. Como eficiente diseccionador de la realidad, sus cintas nos sumergen en las contradicciones, dobleces y dificultades cotidianas, sin tomar partido por sus personajes ni sus acciones, como si de un mero documenta lista se tratara.

Efectos Secundarios comienza como una cinta de denuncia sobre el negocio de las farmacéuticas, la ambición por el dinero y el bienestar material y el dinero de los médicos, y acaba derivando en una trama policiaca donde el engaño, las dobleces y las malas intenciones parecen aliñar el cotidiano  devenir de cualquier burgués que se precie. Es decir, el cine de denuncia crece y se ramifica hasta convertirse en una cinta policiaca teñida de obsesión y afán de revancha.

Logrado thriller que cuenta con buenos actores al servicio de una trama férrea y sin fisuras, donde la máxima de que cada cual busca su máximo beneficio encuentra su perfecta plasmacion. Muy entretenida y directa. Déjate engatusar por los últimos medicamentos de diseño, tu vida se beneficiara de ello.

Produce cansancio que los festivales de cine premien cintas cuya "intención" y cuya "idea" esta por encima de los logros artísticos de la misma. He aquí un ejemplo: Oso de Oro 2012 para unos ancianos y bien intencionados hermanos Taviani (Paolo y Vittorio, tanto monta, tanto desmonta) que pretenden hacernos creer que la IDEA de montar el drama Julio César de Shakespeare con presos de verdad y en una cárcel de verdad añade ALGO IMPORTANTE al texto inmortal.

Pues NO. El texto brilla pese a la plana realización, pese al vacuo intento de añadir dramatismo por la mera biografía de los actores y no por sus interpretaciones. Además, ¿a que viene utilizar a presos DE VERDAD, si no hay nada de dramatismo en sus relaciones, ni nada de profundo en sus relaciones, ni nada revelador en su desarrollo, ni aportan nada de nada? Si quieres una buena interpretación de Shakespeare utiliza buenos actores (me importa una mierda su biografía, como si son pederastas, putas, paletos o banqueros) para sacarle el máximo partido a un excelente texto de partida.

La realización de los hermanos Taviani es inventiva y muestra un sabio uso de los espacios carcelarios, el blanco y negro de la fotografía es hermoso y saca lo mejor de unos rostros y cuerpos feos y poco agraciados, ayudando a digerir una interpretaciones esforzadas y planas, que a punto están de destrozar el inmarchitable texto original.

No se dejen engañar: esto es una película aburrida, lenta, torpe, fea (aunque sea por voluntad propia, no me parece una virtud), vacía de profundidad, ajena al entretenimiento, ayuna de densidad dramática y pretenciosa hasta la nausea. Como dijo otro inmortal, Kurosawa: si tengo que mandar algún mensaje, pongo un telegrama o escribo una carta, pero no hago una película. Pues eso. Quédense en casa y lean a Shakespeare, sale mas barato y es mucho mejor.

Película de estética casi documental (cámara en mano, distorsión de la imagen con muchos gran angulares, primando la inmediatez y la cercanía sobre la reflexión o un punto de vista mas sereno) que consigue adentrarnos en un mundo turbio, feo, moralmente infecto y tumefacto que estremece tanto como agobia.

Impactantes persecuciones y vibrantes escenas de acción combinan con intimistas flashes de la vida privada de sus dos protagonistas masculinos (muy bien incorporados por Michael Peña y Jake Gyllenhaal) que confieren al conjunto un toque de equilibrio entre la tremenda podredumbre del crimen y la sana cotidianidad de personas buenas, sencilla y sana.

Ese brusco contraste crea una espesa telaraña donde el bien parece atrapado en las artimañas y añagazas del mal (y no viceversa) y donde se mastica el peligro y la amenaza inminente que late bajo la aparente simplicidad de un mundo abocado al caos y al abismo.

Vibrante y nada complaciente cinta policiaca donde el director sabe manipular al espectador para mantenerle en un estado de constante tensión, peligro y sobresalto. Recomendable.

Pocas veces me he apetecido tanto, que una película española me gustara como esta del director y guionista Cesc Gay. Y pocas veces me he visto tan defraudado en mis expectativas como en este caso. Quizás iba con la idea de volver a fascinarme con una obra de arte de la potencia y magnitud de "En la ciudad" (2003), esa pieza maestra de orfebrería grupal que retrata y revela a toda una generación, que es mi generación. Nada mas lejos de la realidad y la caída ha sido brusca y desilusionante.

"Una pistola en cada mano" tiene una gran virtud innegable, un reparto extraordinario de grandísimos actores y actrices (destaco sobre todos ellos a Candela Peña, Leonardo Sbaraglia, Cayetana Guillén Cuervo, Clara Segura y Luis Tosar) que están todos fabulosos, extraordinarios e inolvidables, en un extremo ejercicio de perfección y entrega.

... Pero también tiene un gran defecto, un guión flojo, sin fuelle, artificioso, cansino, tópico y deslavazado y moroso. Sencillamente nada me parece de interés y todo me parece falso y pretencioso, artificioso y vacuo. Una profunda sima de engaño y falta de sinceridad vital.

Y por todo ello la película no remonta el vuelo en ningún momento y se queda en un plano ejercicio voluntarioso de vacua pretenciosidad aburre deja frío, muy frío. A mi me recuerda un poco a las voluntariosas representaciones de fin de curso de los actores cuando improvisan escenas: es decir, aplaudes al actor y te preguntas por que no han elegido una obra que mereciera la pena verse. Igual aquí. Muy prescindible y bastante aburrida.

La protagonista y guionista original de la película es Zoe Kazan (nacida en 1983) es nieta de Elia Kazan (1909-2003) y de casta le viene al galgo… “Ruby Sparks” parece una película menor y sin pretensiones porque tras un superficie de aparente frivolidad, sin hacer ruido, de forma sutil y elegante, se desarrolla una más que agradable, más que lograda comedia de personajes que tratan de encontrar su lugar en el mundo, sobre todo si ese lugar viene del éxito (¿referencias biográficas de la guionista?) y de alguna forma no se quiere abandonar la eterna adolescencia durante la cual nos creemos rebeldes cuando lo que queremos es que nos den lo que merecemos pero sin saber lo que queremos de verdad – y por lo tanto estamos abocados al eterno fracaso…

los protagonistas principales de la cinta (Paul Dano y la ya mencionada Zoe Kazan) hay una excelente química, tanto cómica como sexual – quizás no sea ajeno que sean pareja en la “vida real” – lo cual contribuye sobremanera a la deliciosa agilidad y agradable ligereza de la comedia, que tras su aparente inocencia esconde unas muy interesantes cargas de profundidad sobre la pareja, las relaciones familiares, la dificultad de madurar en un mundo que propicia el despiste y el lloriqueo facilón, es decir, la culpa siempre la tienen otros y por lo tanto nuestros problemas no son responsabilidad nuestra sino siempre de los demás...

La mirada amable hacia todos los personajes no esconde ni camufla que más allá de la deliciosa comedia donde la risa surge de forma natural tanto en mímica, como en diálogos, como en situaciones, sin apenas forzar un poco lo que podrían ser situaciones cotidianas, por muy descabellada que sea la premisa inicial de esta película (un personaje literario inventado cobra vida y se convierte en la pareja de su creador). Este naturalismo, en constante tensión con lo fabuloso de la propuesta, añade fuerza a la propuesta y permite que no decaiga en ningún momento la atención y el interés del espectador, porque en ningún momento ocurre nada previsible y las soluciones propuestas son originales y novedosas.

Aunque quizás la anécdota se alarga un poco más de la cuenta y aparecen en escena unos padres entre hippies y superfluos (interpretados por unos sobreactuados Antonio Banderas y Annette Bening) que poco aportan a la trama principal, el resultado global de la cinta es muy positivo: es entretenida, muy divertida, poco previsible y con propuestas argumentales sorprendentes… Y, además, el desenlace está a la altura de la premisa, es elegante, sutil y abierto. Recomendable.

Hace cinco años ya nos había sorprendido el dudoso actor y reconocido guaperas Ben Affleck en su debut como director con “Adiós pequeña, adiós (Gone Baby Gone)” (2007). ¿Era un espejismo, una casualidad, un inverosímil acierto aislado debido a la fortuna? Tres años más tarde estrenó su segunda incursión tras la cámara, “The Town. Ciudad de ladrones” (2010) y el resultado final fue incluso mejor. Y ahora se estrena “Argo”, un excelente thriller político, que mezcla acción y suspense, humor y drama, tensión y entretenimiento en una deliciosa mezcla digna del mejor cine clásico de Hollywood. Como punto de partida refleja un episodio histórico – la toma de rehenes en la embajada americana de Teherán en 1979 y un casi inverosímil rescate de un pequeño grupo de americanos que fueron acogidos de incógnito en la residencia del embajador canadiense en Irán que tuvo lugar a principios de 1980.

Ben Affleck bebe de la estética del cine político de los años setenta (tómese como ejemplo “Todos los hombres del presidente”) y recrea no sólo una época sino una épica y una estética que por añeja ya casi deviene en clásica. El logro principal de la película es que es entretenidísima, ya que tratándose casi de una situación única (unos rehenes confinados en una casa) consigue crear una tensión y una intriga digna del mejor Hitchcock o del mejor Kubrick de los años cincuenta. La trama avanza inexorable, los problemas se amontonan y no por previsibles pierden en eficacia cinematográfica por la resolutiva dirección de Affleck y el milimétrico guión de Chris Terrio. Las dos horas pasan en un soplo y con el corazón en un puño.

Se agradece que el cine comercial de Hollywood sea capaz de ofrecer una excelente cinta comercial donde van de la mano calidad y entretenimiento, intencionalidad política con eficacia narrativa, ingenio visual y felicidad apreciativa. Los años setenta pudieron ser agitados, melenudos, algo cutres y poco lustrosos, pero “Argo” refleja con talento y lucidez el fin de una época y el comienzo de una nueva, en la que nos encontramos inmersos ahora mismo y que sin necesidad de discursos panfletarios nos acongoja por la reconocible realidad que recrea.

Buen cine, excelentemente interpretado (merecen destacarse Alan Arkin y John Goodman) y magníficamente ambientado. De lo mejorcito del año cinematográfico en curso y es probable que obtenga algún que otro premio a finales de año. Y será una cosecha merecida. Muy entretenida y llena del encanto clásico de las historias bien contadas.