Inclasificable película australiana centrada en los años 50 en donde una modista que ha triunfado en Europa regresa a su pueblo natal en Australia para resolver asuntos pendientes. Y estos asuntos pendientes los tiene con el pueblo entero. La acidez de la narración y el carácter "peli del oeste" infunde un carisma y una personalidad propia a la historia. El peso actoral recae en los hombros de esa gran actriz que es Kate Winslet, quien de manera elegante recorre las calles de ese pueblo estancado, de ese vacío pasado en el que casi no la recuerda ni su propia madre. De destacar la interpretación que hace de ésta una Judy Davis soberbia, inmensa, poderosa. También es destacable un Hugo Weaving que parece pasárselo bien en ese personaje de policía obseso de los tejidos, los cortes y la confección. De Liam Hemsworth poco que decir, algo así como que hace de Piqué con la Shakira de turno (paralelismo por edades, entre otras cosas).

La máquina de coser de Jocelyn Moorhouse se desata con un ritmo que no decae, haciendo que la historia se presente como interesante y sabiendo combinar el drama más clásico con el humor dosificado, el western experimental con el drama rural al uso. En definitiva, una película que compone varios géneros y que, de ninguna manera, se podría clasificar en ninguno de ellos. Recomendable.

Le cuesta arrancar, es cierto. Y aún a pesar de que ya al capítulo 5 o 6 uno muestra un mínimo interés por lo que está aconteciendo, a mí no ha llegado a engancharme en ningún momento. Cuando escribo esta crítica ya se ha confirmado que la serie ha sido cancelada tras su segunda temporada, y para mí no es ninguna sorpresa. Si bien es cierto que las imágenes y el sonido poseen cierta carga de belleza, no deja de ser cierto que resulta empalagosa, presuntuosa y encantada de haberse conocido como ella sola, con ese tufillo petulante perpetuo, con cierta inseguridad hacia dónde dirigir sus pasos hasta afrontar el tramo final de la primera temporada de manera más o menos decente (de ahí mi 5 final).

Las interpretaciones están muy bien (destacar a un Miguel Ángel Silvestre en una tesitura muy diferente a la acostumbrada) pero las historias de los personajes quedan cojan y en ocasiones se muestran vacías, sin chicha. Veré la segunda temporada por respeto y por dar otra oportunidad a este producto Netflix de los Wachowski, pero la predispoción ya no va a ser la misma, sin duda.

Y es que el actor escocés nos brinda una interpretación (o múltiples interpretaciones) de esas que generan recuerdos. Con la premisa de un protagonista con 23 personalidades diferentes, el director M. Night Shyamalan teje una tela elaborada con la multiplicidad emocional, un paciente que acude a su psicóloga antes que su otro paciente y su otro paciente y su otro paciente... De paisaje, el secuestro de tres adolescentes que regalan un carácter terrorífico a una trama ya de por sí perversa. La conjunción de ambas historias, de ambas situaciones, es el resultado final de este "Split" tan maquiavélico como puede a llegar a ser el cerebro humano.

El giro final, o la estocada perfecta, es de lo más inesperado en una película en mucho tiempo. Completamente un acierto, sin ninguna duda.

A valorar: La interpretación de Bradley Cooper no está nada mal, con ese personaje obsesivo y ambicioso por una meta que, si uno se para un segundo a pensarla, es una chorrada. El reparto restante también cumple con un guion banal y soso, que deslumbra por el asesoramiento de Gordon Ramsey con la belleza de algunos platos mostrados.

A tener en cuenta: el contenido de la película es una sonora bobada, un canto a la ambición más pueril, un chef que supuestamente ha pasado por el infierno del alcohol y las drogas pero que ahora busca la autocomplacencia sabiéndose el más guapo y el mejor cocinero.

Decisivamente, "Burnt" es un plato mal preparado, una receta mal redactada y un emplatado que jamás se llevaría esa tercera estrella tan ansiada. Lo dicho...

... con la frente marchita, las nieves del tiempo platearon mi sien. Y así, con la música de Gardel, se recorren esas calles de Salas por un Premio Nobel de Literatura que vuelve a su punto de origen argentino cuarenta años después. Y es que las disputas, las envidias, los egos, las costumbres, los silencios, las gasolineras, los perros callejeros, los habitantes, pueden hacer la estancia de unos pocos días en muy intensa. Óscar Martínez (un peso pesado del cine argentino) da forma a ese escritor amalgamado con las élites y el europeísmo, al ciudadano que se evadió muy joven para escupir en las hojas en blanco todo lo que no le salía en su pueblo natal. Y es que en Europa encontró su vía de escape y esa puerta a la inspiración que le llevó a nada menos que el Premio Nobel. Ahora, tras el premio, vive atascado y consumido por cinco años sin palabra escrita. Recibe una invitación de su pueblo natal para ser nombrado "Ciudadano ilustre" y allí que vuelve.

La fotografía es digna de mención. Hay tomas prácticamente perfectas, un retrato a la altura del realismo más moderno, una toma de Salas como pueblo como podría ser otro pueblo, cualquier pueblo. Los secundarios se acoplan dignamente a los quehaceres diarios y, bañándose en un humor costumbrista y/o negro, ensalzan la figura de ese hombre ilustre que descubre que su sitio no es ése (¿o sí?).


Fina, bien hilada y completa película de ese cine argentino que de vez en cuando (afortunadamente muy a menudo) nos regala joyas de este tipo.

Ni la trascendencia que le presupone ni un elenco cargado de nombres conocidos (y grandes actores-actrices) pueden evitar el desastre. Esta tropelía imperdonable dirigida por David Frankel y llevada a cabo por un Will Smith con ojos enrojecidos y sus secuaces es rematada por un final sin gracia y con una moraleja-moralina desvanecida por el oxígeno de Central Park. Y es que Nueva York es el decorado de otra película navideña más, y lo que iba para búsqueda de algún que otro Oscar se queda en una historia a ratos empalagosa y a ratos un escalón más abajo de la emotividad.

Viendo quién está detrás del telón de esta historia (Jonah Hill e incluso Ben Stiller) y quién delante, hay que afirmar que la película no defrauda. Tal vez no sea una estupenda comedia profunda, ni una de esas historias que se aderezan con humor negro. Es una nueva comedia americana al uso, con un James Franco en el papel que mejor sabe hacer (no da para más el muchacho como actor) y un Bryan Cranston en un registro que no tocaba hace años (o décadas).

La situación en Sillicon Valley de un inmaduro nuevo millonario tecnológico, la empresa familiar que pasa apuros, la dualidad calor-frío, la aparente desconexión de los dos personajes principales..., hilan de manera notable los cabos de una historia que no está mal narrada. Tiene gags bastante buenos y no se hace del todo larga. ¿Previsible? Por supuesto. Pero como ya dije arriba, es una nueva comedia americana al uso. ¿Qué más querían?

Con un guion cojo pero con una magnífica interpretación de Michael Shannon, "Frank & Lola" se presenta como una película modesta pero que pretende tener ciertos aires de noir moderno. Falla en algunas cosas, pero la principal es ésta: no es para nada un noir moderno, ni un thriller. Es un drama romántico cuyas carencias en la trama son difícilmente remontables. La pareja protagonista, una Imogen Poots dando la talla y la réplica a un soberbio Michael Shannon, no es suficiente para que el espectador (como ha sido mi caso) mantenga el interés a medida que avanza la historia. Ni los papeles (algunos innecesarios) de Michael Nyqvist como némesis del protagonista ni un verborreico Justin Long como aporte simpático son alicientes para imprimir un interés que no existe. Lo de Rosanna Arquette es un mero cameo, sin más.

Y es que la historia, a pesar de empezar bien, se derrumba a consecuencia (o a pesar) de una trama desquiciada y/o mal contada. Un chef que comienza a salir con una chica mucho más joven que él se va perturbando poco a poco a causa del amor. Ésa sería la premisa. A partir de ahí, pasen y vean. Y de paso, cuentan...

"Veo las estrellas salir por el cielo / Sí, el brillante y vacío cielo", cantaba Iggy Pop en su "The passenger". Así debió sentirse Jim (personaje de Chris Pratt) durante la primera media parte de esta película de Morten Tyldum. Con una premisa más que prometedora, la historia arranca con 5000 pasajeros y más de 250 tripulantes a bordo de una nave comercial de lujo, la Avalon, que surca el espacio en busca de otro planeta que colonizar. El viaje dura 120 años, por lo que los humanos son dormidos en cámaras hasta llegar al destino. Pero ya sabemos cómo son las máquinas, pura tecnología: en ocasiones sufren averías. Y ahí entra en escena Jim. Más de un año deambulando por una nave inmensa, con muchas comodidades al alcance de su mano, y con la compañía de un androide-camarero que jamás deja un vaso sucio interpretado por un Michael Shenn en estado de gracia.

Y después, mientras se surcan esos cielos infinitos, entramos en el segundo tramo de la película. No entraré a valorar las connotaciones éticas del personaje, porque me parece que quedan solapadas por el cariz edulcorado y por los matices románticos que toma la historia. La aparición del personaje de Aurora desmonta cualquier premisa, por la (casi siempre) sobreactuada Jennifer Lawrence, la actriz que peor llora de todo Hollywood. La pareja no desentona, tienen cierta química y hay que ser sincero en cualquier crítica que se haga. Pero no llega a más. Quizá, el cameo de Laurence Fishburne colado para que la audiencia no se empache de las dos caras protagonistas, pero quitado de en medio por un método rápido y sesgado.

El final tampoco deja lugar a la sorpresa. La previsibilidad que se le presupone tras hora y media de película no decepciona. Todo transcurre tal cual uno imaginaba. Y la historia queda suspendida en un espacio atemporal y en donde la importancia no es visible. Los pasajeros de Tyldum son unos náufragos que se saben solos, y cuya referencia a sus propios pasados no es considerada más que anécdotas de medio segundo.

"Veremos el brillante y vacío cielo / Veremos las estrellas que brillan tan radiantes / Estrellas hechas para nosotros, esta noche"

Sumergidos en un mar de ojos, en un Japón feudal, en una neblina mágica de ensoñaciones, con el cuidado y la precisión de un stop-motion perfecto, "Kubo y las dos cuerdas mágicas" nos regala una aventura con olor añejo, con la característica firma de una Laika que cada vez hace más maravillas. Los personajes están bien cuidados, con los aparejos necesarios para embarcarse en una narración hipnótica, tanto el niño protagonista que con un solo ojo puede ver más que la aldea al completo, como el resto de componentes de ese coro grupal acompañante: su madre, el escarabajo, esas dos gemelas terroríficas y el abuelo. Quizá este último sea el más carente de carisma, el que queda más al descubierto de todos.

Pero, en resumen, la película posee todos los ingredientes necesarios para ofrecer una historia épica: el ambiente del Japón feudal, el joven héroe, la heroína que cuida del anteriormente mencionado, el patoso pero valiente gerrero y un trío de villanos que sean, quizá, los que me hacen bajar algún punto a la nota final de mi valoración. Pero de todas formas, muy buena película.

Coja, fallida, terriblemente decepcionante (y eso que uno no esperaba gran cosa). Lo pretencioso de algunas escenas más publicitarias que de cine (véase la dichosa tormenta de arena) sonrojan hasta al menos avispado. Zemeckis no nos ofrece nada, quizá una alianza barata y futil, sin ningún interés, una película de espías sin que el motivo de que espíen importe lo más mínimo, una película que algunos venderán como homenaje a una de las grandes pero que se queda en maniquí de sí misma.

Brad Pitt hace aguas, desorientado en un papel que tal vez sea el peor de su carrera. No vence ni mucho menos convence, sin posibilidad de auparse en ningún momento. Marion Cotillard es tal vez la que salva el cuello, se reinventa a pesar de lo estéril de esa Marianne sin Marianne, de esa francesa sin patria (y sin guion).

"Aliados" es una decepción no buscada. O simplemente una mala película.

Y si no que se lo digan a Bayona, maestro de la lágrima rápida, boticario que ha encontrado el tejo de la sensiblería, del arte de tocar los problemas que para nosotros son más cercanos. En este caso, una enfermedad desgraciadamente de actualidad, de rabiosa actualidad. Como antes hiciera con el horror de un tsunami que nos conmocionó a todos, ahora se embarca en un viaje a través de un cáncer mortífero y con un niño como maestro de ceremonias, un niño adulto, nos intenta hacer creer, un niño sin más... Lo de Bayona no se sabe cuándo parará: al igual la próxima película trata de los refugiados sirios, o de un muro entre la frontera de EEUU y México... ¿Quién sabe? Lo que sí es cierto es que el populismo fetichista con los horrores que este director posee para triunfar en cartelera es, cuanto menos, apoteósico.

El análisis de la historia se me queda cojo. Un niño cuya madre está deshauciada por esa enfermedad tiene la visita de un monstruo con forma de árbol y que recuerda a algunos árboles gigantes vistos en otras películas también taquilleras. Este monstruo se propone contarle tres historias acerca de lo que a él le dé la gana y luego el niño tendrá que contarle su pesadilla. Pues así es. Resulta que va de salvación, de liberación y de no sé qué más. Vamos, a lo Paulo Coelho o a aquella estupidez de "La vida de Pi".

Lo que queda en sentencia es que Bayona se mueve a la perfección entre las desgracias para aprovecharlas como éxitos propios. Sigan llorándole las gracias, que él seguirá dando lo que le piden. Porque después de todo, llorar es fácil. ¿No?

No, no he leído el libro. Y creo que ha sido un acierto descubrir esta joyita sin tener prejucios concebidos. Jason Bateman filma con pulso firme una comedia borrosa, un drama borroso, una familia disfuncional absorbida por un arte llevado al punto extremo, al arte deshumanizado, a la "performance" constante, esta "performance" que pretende ser vida...

Y la pareja de hermanos encaja como fichas de puzle: por un lado un Bateman sumiso, a las ódenes de su hermana mayor, Nicole Kidman rediviva, una actriz como la copa de un pino que un día se fue sin visos de volver y aquí aparece con un papel difícil y bien rematado. Christopher Walken es... es Christopher Walken, un actor supino, carismático y con tantas tablas que necesita muy poco para hacer algo bueno.

En resumen, una bocanada de aire fresco a tanta comedia chusca y sin gracia. Un aporte imprescindible y necesario.

Entiendo que, carentes de referentes, nos aupemos al primer carro que brilla límpido y nos columpiemos con las críticas como ensoñadores y creyentes que somos. Entiendo, incluso, que batallemos en pos del dignísimo ejército de Raúl Arévalo, de su buen hacer con esta nueva obra suya que recién vio la luz deglutió 11 candidaturas a los premios Goya. Pero no entiendo la miríada de críticas complacientes que salvan al unísono el chusco minimalismo de la época, la carencia del hilo de una historia, la previsibilidad manifiesta, el torrente de tópicos (que tanto daño han hecho al cine español, sexo mediante) del que no podemos quitarnos de encima ni con agua hirviendo.

"Tarde para la ira" tiene dos lecturas: como ópera prima y como película en sí. En su primer apartado no hay duda que triunfa, y con méritos propios. La narración queda soslayada por el ambiente, el cual se encarga de llenar un inmenso Antonio de la Torre, actor conocido por no hacerle falta mucho diálogo para crear una atmósfera desasosegante. A su lado, cual "buddy movie", un Luis Callejo muy metido en el papel, que deambula entre la altanería del principio a la perplejidad final. Los secundarios también están de notable (especialmente Ruth Díaz), y lo de Manolo Solo es según opiniones. La mía es que su personaje desgasta, y mucho.

En su segundo apartado, considerando la película como tal, la cosa cambia. Y cambia principalmente por lo previsible de la historia, por la falta de contenido, por una ira que a veces se queda en esa cafetería tomándose un cortado mientras el protagonista recorre esos barrios de búsqueda. Aquí, en esta lectura neutral, es donde la nota no subiría tanto, y es aquí, repito, donde no deberíamos de dejar de ser imparciales y ver las cosas como son. La narración se detiene muchas veces y el hilo conductor que parece llevarnos a alguna parte se olvida o se detiene sin más. Por lo que como historia estaría sobre el suficiente alto.

Pero considero que una crítica debe impartir justicia, y teniendo en cuenta que es la primera película dirigida por Raúl Arévalo, vamos a darle el beneficio de la duda con respecto a posteriores películas, las cuales espero encantado. Lo que no haré es inflar una nota media desmesurada ya de por sí.

Y de hecho no lo es. El resultado del doblaje es la desmejoración en estado puro, el desleimiento de un producto que poco a poco se va difuminando en el aburrimiento más absoluto, sin olvidar que es una película para niños/as menores de 10 años (exceptuando algunos "mierdas" iniciales que ni vienen al caso). El doblaje penoso, banal, asqueroso en algunos casos (como las voces de esas inmundas hormigas televisivas que ya tienen que colarnos hasta en las películas de animación). La trama descentrada y el mensaje un tanto gagá, ¿o acaso era esa la intención? Habrá que preguntar a Nicholas Stoller. O a Corbacho. Menuda paloma más odiosa.

Lo siento. No he podido digerir a "Cigüeñas". La españolada versión me ha dejado sin ganas de bebés, de niños, de pájaros y hasta de lobos. Mucho menos de lobos. Tendré que intentarlo con "Storks", pero será más adelante.

"Sully" como historia: el descenso de los cielos sobre el río Hudson de un avión comercial con 155 pasajeros en enero de 2009 y la posterior sospecha de que el piloto pudo haber tomado otras opciones. El jugo de la película se concentra en esa ambivalencia, en la duda y sospecha de la toma de decisiones del personaje interpretado por un siempre magnífico Tom Hanks, obviando sus relaciones personales (tanto con su familia como con su primero de a bordo) hasta un agradecimiento final del héroe a toda la tropa rescatadora. Por obviar, se pasa sigilosamente al lado de los pasajeros convirtiéndolos en mero paisaje.

"Sully" interpretada: y es que, lo dicho: Tom Hanks hace otro papel meritorio demostrando que quizá sea el mejor actor de esta época por su facilidad para asimilar esas personalidades dramáticas que tanto le caracterizan. Los demás son meros rellenos que acolchan el camino al Comandante: Aaron Eckhart está sobrio, sin mucho diálogo, sin mucha participación. Laura Linney se convierte en un recurso testimonial a la vez que monótono. El resto es una parte más del decorado.

"Sully" puesta en escena: la recreación del descenso del avión es meritoria, a la altura de una película de este calado. Lo cierto es que ahí se acaba todo. El resto, un 70% del metraje, torna en un deambular del héroe acompañado de sus dudas, sin ahondar en esos fantasmas mentales lo suficiente. A mi forma de ver, le resta varios puntos a la nota final por convertir ciertas partes en fragmentos aburridos.

"Sully" como conclusión: el mensaje recibido es el de una película que se queda a medias, que no da todo lo que puede ofrecer y que, por tanto, decepciona un poco. Eastwood muestra una película fría en un ambiente frío con unas aguas frías. A pesar de tener momentos de brillantez y de contar con un Tom Hanks inspirado, no llega a convencerme.

Una cinta para el videoclub, así, de primeras. "Yo soy la venganza" (o la ira, según se mire) es el embarque de un John Travolta sin papeles mayores que no quiere descolgarse de este mundillo del cine, aunque sea a pesar de papeles como este. Detrás de la pantalla regresa un Chuck Russel que no había vuelto a dirigir nada desde "El rey escorpión" y que navega con esta historia manida de venganza irreprimible a través de la muerte de la mujer de nuestro protagonista. Y es que todo resulta mascado y repetitivo, hasta con un cartel tipo película de Steven Seagal.

Pero el hecho es que a pesar de sus innumerables carencias, de unas torceduras de guion inexplicables y de unas incoherencias supinas, la película no resulta del todo mala. La pareja formada por Travolta y Christopher Meloni (aquel Keller de la serie "Oz") hace un trabajo digno y mejora con suficiencia ese aroma de serie B barato que perfuma la película.

Quizá para una tarde en que no haya que ver nada mejor, en que no haya que preguntarse por qué suceden las cosas en la película de Chuck Russell, en que no haya que pensar en por qué John Travolta ha acabado en semejantes berenjenales.

Lo que intenta ser un recordatorio de ese triste y largo episodio de la dictadura argentina deriva en un homenaje al más puro cine negro con el aliciente de ser una película argentina, con el carácter y aliciente que ese detalle imprime en el resultado final. Además, la sombra de Darín es alargada, y en cuanto sale una película de este magnífico actor, todos vamos predispuestos a asistir a una soberbia interpretación y a una no decepcionante historia.

Pero hay goznes que chirrían y no se pueden pasar por alto: la historia sentimental del protagonista con Nancy (Inma Cuesta) que no aporta nada a la evolución de la historia ni a los demonios internos del personaje de Darín; la opulencia de "disfrazarse" de militar para consumar el trayecto, para cerrar el círculo; el final como karma que se nos presenta de la manera más artificial posible.

Para contextualizar mejor, el intento de introducir el personaje de Nancy en la vida del Capitán Kóblic queda descabezado a las primeras de cambio, ya sea por la falta de química entre ambos actores o porque no hay manera de que ensamble. Todo lo que sucede alrededor de ella pasa a no importar un pimiento a medida que avanza la historia.

Hay que resaltar la estupenda interpretación de Óscar Martínez como el comisario de policía. Está soberbio.

En resumen, una película que intenta que la gente no olvide qué pasó, que pretende rememorar esa dictadura y ese miedo argentino, que a golpe de "flashbacks" nos sitúa en esos aviones de la muerte, pero que al evolucionar se establece en el cine negro tradicional conviertiéndose en una buena película sin más alicientes.

La comedia italiana como premisa: un doctor-profesor (Ciencia-Razón) versus un sacerdote (Religión-Espiritualidad). El combate latente, el binomio que espera soportar todos los asaltos.

Pulso enérgico al comienzo, comedia desarrollada de manera magistral en todo el desarrollo y algo de patinazo en el desenlace por lo decimonónico y "bienqueda" de ese mensaje que "gravita" cual pera que cae del árbol. Los personajes están enormes todos, quizá el que más flojea es ese hijo proyecto de cura que deambula de manera más sosa, pero en general el reparto está de sobresaliente. Hay escenas verdaderamente brillantes y que destacan por la comedia y por la risa pura y llanamente. Hay que destacar que con un presupuesto modesto se pueden lograr productos tan geniales como cualquier otro de mayor rango económico.

El final: un cirujano de lo mejor de Italia (amigo del protagonista) apela al milagro. Quizá resume perfectamente las connotaciones católicas del mensaje del desenlace. Pero que esto no desmerezca todo lo anterior.

Resumen: estamos ante una película genial, una comedia como pocas se encuentran hoy en día, una joyita en ciernes que quizá brilla menos por alguna mala decisión a la hora de enfocar el mensaje, o por no quererse mojar mucho más en estos temas de hoy en día. Pero ante todo, yo percibí una comedia acerca de la amistad, más allá del perfumado poema de Dios.

Recomendable.

O así se podría definir este "Escuadrón suicida", un ejercicio visual que se queda a medias, una publicidad engordada cuyo resultado no da lo que promete, una historia banal y repetida hasta la saciedad con una falta de carisma avergonzante. La presentación de ese batallón maligno llega a cansar dándole una parte importante del metraje, con la consecución de personajes harto detallados. Y aquí entramos en con cuál nos quedamos. Pues está difícil la cuestión, porque el histrionismo propagandístico de un Joker olvidable hace que él mismo sea el primer descarte. La dupla Joel Kinnaman-Will Smith llega a resultar correcta, sin más, y uno acaba agradeciendo que se centren más en ellos en el tramo final. Margot Robbie como Harley Quinn también da el pego, pero de la misma manera que el payaso-novio-bichito, Ayer vuelve a caer en el vicio de centrarse en ella más de una manera visual y estética que de una manera interpretativa. Aunque, visto lo visto, es de largo lo mejor de la película. Los demás, puro relleno sin más importancia que las escasas secuencias de acción en que les toca actuar. ¿Los malos? Otra decepción.