De nuevo Pixar lo ha vuelto a hacer. Una vez más, consiguen realizar un cine de animación familiar que contiene en su interior un magnifico mensaje. Algo que quizás no sea nada nuevo, pero algo sin lugar a dudas muy bien construido para seguir dando ejemplo de buen cine de animación para ver con toda la familia, y disfrutar así, de una de esas historias que embadurnan con sus sutiles mensajes todo lo que, aunque en el fondo ya sabemos, nunca practicamos, y que conviene tener en cuenta para mejorar como persona y disfrutar de cada sorbo de nuestra vida.
Es necesario creo yo, recordar que el grupo Pixar nos ha dado tantas bellas alegrías desde 1995; contando historias tan increíbles como las de la Saga Toy Story, por ejemplo. Pero también, cintas de la talla de Monstruos S.A., Buscando a Nemo, WALL-E, Up, Del Revés o Coco entre muchas otras. Todas cintas dignas de elogio que serán recordadas y vistas por muchas generaciones, ya que en su interior le encuentras sentido a lo que siente tu corazón, algo por desgracia ya en desuso.
La historia en sí, se centra en la vida de un pianista que persigue el sueño de tocar en directo su piano, y que sin embargo se conforma con ser profesor en la escuela; hecho que encanta a su madre, que prefiere la solidez de un trabajo estable, ya que tuvo la misma vivencia con su padre, con el que nunca llegaba a conseguir los números necesarios para mantener la unidad familiar. Nuestro protagonista, sin embargo, persigue su sueño sin cesar, incluso en el más allá, aunque una vez allí se da cuenta de que existen cosas más importantes que no lograba ver por su misma obsesión. Por todo esto y mucho más, es una película necesaria de ver, y de sentir. A ser posible en compañía, así podrás compartir un momento mágico, de esa clase de momentos que pocas veces pueden verse y sentirse en el cine.
En conclusión, considero Soul una magnífica película de talla sobresaliente necesaria de ver para toda clase de públicos, sin excepción. Todo lo que encontrarás en su interior está bien tallado y pensado para llegar a tu corazón sin dilación, mostrándonos una historia auténtica y llena de emotividad (sin olvidarnos por supuesto, del humor habitual de esta clase de cintas) que logrará llenar de lagrimas y emoción tu rostro, y también el de todos aquellos que quieran compartir un momento mágico contigo, de esos que pocas veces se repiten para desgracia de los buscadores de dramas repletos de sentido con el objetivo de querer hacerte disfrutar, de cada instante de tu magnífica vida.

Curioso film dramático de corte fantástico que no dejará a nadie indiferente. Y es que Border, segundo largometraje de Ali Abbasi, es todo menos una cinta más. Narra la vida de Tina, una extraña agente de aduanas de raro aspecto físico que tiene un extraordinario olfato para oler drogas, alcohol o incluso los sentimientos de culpabilidad de las personas, razón por la cual es muy valorada en su trabajo. Pero todo cambia cuando conoce a Vore, un hombre sospechoso pero de aspecto muy similar al suyo por el que siente una extraña atracción.
El guion, escrito por el mismo director junto con Isabella Eklöf y basado en la novela de John Ajvide Lindqvist, es insólito en lo que va exponiendo, original sin duda pero extraño y en ocasiones ciertamente desagradable, aunque inexplicablemente atrayente por su singular producto no visto antes. Esto es quizás lo más valorable de la película; el que muestra un argumento singular que sin llegar a ser brillante si es diferente y cumple notablemente con su cometido.
En cuanto a los detalles técnicos de la película, llama la atención por encima de todo los extraordinarios maquillajes y caracterizaciones de los protagonistas, que le dan un aspecto desconcertante e incluso de terror, aunque sus formas sean dulces y poco amenazantes. La fotografía es oscura y te transporta eficazmente al lugar donde se desarrollan los hechos. Y la música, es usada solo en contadas ocasiones, la cual transmite además una cierta inquietud en el insólito entramado. También llaman la atención las estupendas interpretaciones de los actores principales, los cuales dejan evidencia de un trabajo notable. Cuenta con los papeles de Eva Melander y Eero Milonoff, los cuales están irreconocibles bajo el aspecto de sus personajes.
Por lo tanto, considero Border un film extraño, si; pero también atrayente y que gustará a los cinéfilos buscadores de obras distintas que dan como resultado un producto insólito y nada carente de originalidad. Es de esa clase de películas que puede que te guste o puede que no, pero sin lugar a dudas no podrás achacarle que esté desprovista de mérito; ya que cumple notablemente con lo que va ofreciendo y deja tras de si una extraña sensación que sientes que no podrás olvidar, aunque esta sensación no sea solo de buen cine, sino de una insólita sordidez.

Magnífico drama de historias cruzadas realizado con mucha elegancia por el director alemán Max Ophüls, donde su argumento se centra en el amor pasional y el deseo de hombres de distintas edades y su deseo hacia el sexo femenino. Se nota en todo momento el “libertinaje” permitido por el cine francés, ya que algunos de sus detalles insinuantes no podrían haber pasado la censura del cine norteamericano del momento. Con estupendos detalles de humor en su interior, su resultado es un soberbio film repleto de detalles elegantes, sensuales y carismáticos.
El guion, escrito por el mismo director junto con Jacques Natanson y basado en la obra de Artur Schinitzler, trata de mostrar la pasión no solo del hombre en sus distintas edades, sino también desde el punto de vista de la mujer, que parece dejarse llevar por el deseo masculino, cuando es más bien al contrario. Contiene además esos detalles inmortales del cine clásico que la hacen inmortal y confortante de ver en su elegancia, que es plasmada a través de unos decorados algo pomposos de clase alta, y unos vestuarios y caracterizaciones que te transportan eficazmente al momento y lugar en cuestión. También la música, sutil y usada solo en las escenas oportunas para no hacerse pesada en absoluto, llena el drama de momentos inolvidables gracias a la mano experta de Oscar Strauss. También merece especial atención, los planos y movimientos de cámara que usa el seguimiento con gran clase, y los planos personales que exprimen lo mejor de unas interpretaciones remarcables, gracias al notable trabajo de Anton Walbrook, Simone Signoret, Serge Reggiani, Simone Simón, Daniel Gélin y Danielle Darrieux entre otros.
En definitiva, la considero una obra clásica que mezcla con mucha eficacia el amor y la pasión en muchas de sus variantes, siempre con la educación típica del momento que logrará encandilar a todos los cinéfilos clásicos amantes de las buenas obras inmortales; esa clase de obras, -en este caso de cine Europeo-, que lograron enamorar a los buscadores de obras repletas de elegancia y buen gusto, llevada a cabo además, con una nota de humor que consigue sumar un punto positivo a una película ya de por sí, digna de elogio.

Devastadora historia basada en hechos reales que plasma verazmente Ciro Guerra y Cristina Gallego. Muestra la historia de una familia colombiana en los años 60 y 70, cuando la prosperidad era dedicarse al mundo del narcotráfico, en este caso con la marihuana, donde la familia pondrá a prueba su lealtad y compromiso con ella misma incluso llegados a extremos insospechados. Marca con ello de forma eficaz los estragos que soportaban los que se dedicaban a la droga y como la palabra y el compromiso adquieren aquí su más alto valor.
El guion, escrito por Maria Camila Arias y Jacques Toulemonde, consigue atrapar la total atención del espectador aun con un ritmo pausado que va poco a poco situándonos en los peligros del momento y lugar en cuestión, donde las familias lo eran todo y se necesitaban los unos a los otros para sobrevivir y para hacer riqueza con la droga, que era lo único que por aquel entonces podían hacer para prosperar. Todo ello, es llevado a cabo con un estilo particular que mantiene el tipo de principio a fin, situando al espectador en ese peligroso mundo donde el más mínimo traspié pone en riesgo tu vida y la de tu familia.
Los detalles técnicos del film están bien logrados y forman un trabajo notable. La fotografía evoca perfectamente cada época donde transcurre la acción y logran transportar al espectador de forma eficaz junto con los decorados y caracterizaciones. También la música ayuda a crear el ambiente adecuado. Y los planos y movimientos de cámara, formales y sin buscar excesos trasmiten lo que los directores quieren en cada momento. Por último, y no menos importante, destacar las estupendas interpretaciones que aunque de caras no tan conocidas, al menos fuera de su país, plasman a la perfección el carácter de todos y cada uno de los personajes. Cuenta con los trabajos de Carmiña Martínez, José Acosta, Natalia Reyes y John Narváez entre otros.
En definitiva, considero pájaros de verano una obra esencial dentro del subgénero de la droga y el narcotráfico para hacer conscientes a los espectadores de cómo desde entonces hasta ahora se ha ido introduciendo la droga en los Estados Unidos de América, y como para que esta llegara se llevaba en muchas ocasiones muchas vidas por delante por tal de mantener el monopolio dentro de la región donde se cultivaba la droga, aunque para ello la muerte sea necesaria para lograr cualquiera clase de objetivo que se marquen dichas familias.

PUNTUACIÓN DEL CINE DE RAMÓN 7 SOBRE 10

La directora y guionista libanesa Nadine Labaki nos obliga a tragar con Cafarnaúm una sobredosis de realidad; de esa clase de realidad que siempre evitas ver en las noticias cuando la inmigración o el abandono infantil es algo que lejos de dejar de existir, sigue estando muy vigente en otros países, como en este caso en el Líbano. En Cafarnaúm todo es creíble y sumamente real. Narra la historia de un niño que se escapa de su familia cuando se entera que su hermana de 11 años es entregada en matrimonio a un hombre adulto, a partir de ahí, las vivencias del joven Zain no dejará a ninguna clase de público indiferente en lo que le va ocurriendo.
Es curioso como se nota la mano de una mujer en la dirección, transmitiendo con toda veracidad una historia que te deja los pelos de punta y que es expuesta con gran verosimilitud, haciendo partícipe al público de principio a fin, agarrando su corazón con todo lo que en su interior va ocurriendo. Temas como la pobreza extrema, la inmigración, el robo, la supervivencia, la droga o aunque también el amor entre desconocidos está presente en toda la película, en la cual, se masca además desde el principio el desasosiego de saber que algo malo acabará ocurriendo, algo malo además a niños pequeños para mayor desesperación del público presente.
La parte técnica de la película logra una labor sobresaliente en todos sus componentes. Los vestuarios y caracterizaciones, así como los decorados, te transportan eficazmente a esos bajos fondos del Líbano. La música es usada de forma sutil y solo en las escenas oportunas para añadir gran dosis de dramatismo al film. La fotografía logra junto con los planos y movimientos de cámara en mano acercar al espectador a la ciudad donde se desarrollan los hechos y logra hacer partícipe a este en su acompañamiento a nuestro joven protagonista. Dicho protagonista, es interpretado magistralmente por Zain Al Rafeea, un joven que transmite de forma magistral la desesperación y tristeza de un niño cuyo camino se ve forzado por derroteros nada agradables para su desgracia, pero sin embargo, lucha día tras día por su supervivencia y la de su nuevo hermanito, un bebé Etíope al que cuida mientras su madre trabaja.
En conclusión, la considero un drama sobresaliente, una de las mejores películas o posiblemente la mejor de ese año 2018, y que fue además justamente nominada al oscar a la mejor película extranjera y a otros certámenes fílmicos. En su interior todo lo que encontrarás es auténtico y está repleto de la firme intención de mostrar una cruda realidad a la que nadie quiere mirar. Todo esto llevado a cabo además, con la increíble interpretación de un niño que clava literalmente su papel y nos somete a su triste realidad para que seamos conscientes de lo que esta oculta. Parte de esas realidades ocultas se nos muestran aquí para dejarnos trastocados con una gran dosis de esa clase de realidad, que siempre queremos esquivar, y que aquí a través de cine del bueno, nos obligan a tomar lo queramos o no a través de la clara intención de su directora.

Hermosa y dura película de Bille August que nos muestra a través de los ojos de un niño lo dura que era la supervivencia y el precio que tenía la esperanza a finales del siglo XIX.
La trama nos sitúa en una isla Danesa donde llega un barco cargado de inmigrantes suecos que buscan una mejor vida, entre ellos está Lasse Karlsson, que es un hombre ya de edad avanzada que cuida de su hijo Pelle, un joven adolescente que aún necesita de los cuidados y atención de su padre, al no estar preparado para andar solo en ese mundo.
El guion, escrito por el mismo director y basado en la novela de Martin Andersen Naxo, expone las duras condiciones que tenían los trabajadores en Dinamarca a finales del siglo XIX, en una granja donde las diferencias de clases estaban muy marcadas y el trabajo duro era el pan nuestro de cada día. Esta trama se va mostrando poco a poco, sin prisa pero sin pausa, adentrándose lentamente en el corazón del joven Pelle, que sueña con conquistar el mundo junto con su compañero en la granja Erik. Estación tras estación, sus sueños parecen desvanecerse y va siendo testigo de la muerte, también de las burlas de los compañeros de clase hacia él y su padre, y también de otros episodios de no menos reseñable trascendencia. La madurez temprana es, por tanto, de obligado cumplimiento para el joven protagonista si quiere sobrevivir en la granja.
Técnicamente la película está muy bien lograda. Tantos los vestuarios y caracterizaciones de los personajes te transportan eficazmente junto con los decorados al momento y lugar en cuestión. Los planos y movimientos de cámara son usados inteligentemente con la cámara en mano para añadir zozobra a la trama cuando esto es requerido, y usa mucho los primeros planos para mostrar a los personajes tal cual son, con sus defectos y virtudes. También la música que acompaña la trama sutilmente es junto con la fotografía del film otro de los puntos fuertes, ayudando al espectador a ver y sentir las duras condiciones laborables y humanas de los trabajadores de la granja. Pero por encima de todo esto, luce notablemente las interpretaciones, sobre todo de los protagonistas Max Von Sydow en un enorme papel lleno de humanidad que trasmite en todo momento, y el joven Pelle Hvenegaard, que es quien verdaderamente se echa a sus jóvenes hombros toda la responsabilidad interpretativa del film, cumpliendo ampliamente con su cometido.
Por tanto, considero Pelle el conquistador un film hermoso y digno de ver no solo por todos aquellos cinéfilos que deseen descubrir cine del bueno, sino también para toda clase de espectadores a los que no les importe ver películas con más de 30 años, ya que sin lugar a dudas, las buenas obras son atemporales, y sobreviven perfectamente el paso del tiempo como si por ellas este no pasase en absoluto.

El famoso director italiano Matteo Garrone traslada a la gran pantalla una historia real basada en un sangriento asesinato que tuvo lugar en Roma, a finales de los años 80. El director de Gomorra vuelve al drama basado en los bajos fondos y en la violencia desmedida para sacudir al espectador con una trama que te atrapa sin contemplaciones, y que te sacude con su realismo verosímil, aunque no lo suficiente como para plasmar fielmente la fatídica historia que ocurrió en 1988, cuando un peluquero canino, decide vengarse de su amigo exboxeador por haber estado 1 año en la cárcel por su culpa.
El guion de la película, escrito por el propio director junto con Maurizio Braucci, Ugo Chiti y Massimo Gaudioso, es relativamente fiel a la historia real. Cualquier espectador italiano que conociera los hechos, muy famosos en ese país, quizás comenzó a ver la película pensando que el director plasmaría fielmente lo que en realidad ocurrió, pero por suerte para los que no disfrutamos con la violencia desmedida no es así. En cambio, ofrece una historia que es prácticamente fiel hasta cierto punto, y luego todo queda en silencio, con el espectador expectante, visualizando como por arte de magia el fatídico final pero sin asistir al morboso camino que recorrió el verdadero protagonista.
Técnicamente la película brilla con luz propia. Su fotografía, en la que predominan los grises y un aura de desesperanza e inquietud, ayudan a crear una atmósfera sombría. La música, que es usada solo en las escenas oportunas, acompaña sutilmente la acción cuando es requerido pero sin sobrecargar innecesariamente la trama. Los planos y movimientos de cámara logran un soberbio trabajo que exprime lo mejor de la historia con los primeros planos, cámara en mano y seguimiento que ayuda a incrementar la inquietud del espectador. Y por último, y lo más destacable del todo, remarcar las sobresalientes interpretaciones, sobre todo del protagonista Marcello Fonte, un desconocido para el gran público que clava su papel en una actuación que nadie podría haber hecho mejor que él.
En definitiva, considero Dogman un film magnífico y necesario de ver para cualquier cinéfilo que quiera disfrutar de obras que, aunque estén basadas en hechos reales, tengan el toque personal del director para añadir su propio ingrediente que deje al público estupefacto, sobre todo con un final lleno de silencios en los que, aunque no se haya visto prácticamente nada, el espectador es consciente de todo lo que ocurrió allí, porque fue una historia que en su momento conmocionó al país y es merecedora de haber sido llevada a la gran pantalla.

El director David Fincher se aleja de nuevo de sus habituales thrillers para volver a rodar un film biográfico tras La red social (2010). En esta ocasión, para hacer justicia al guionista Herman Mankiewicz, el cual “coescribió” junto con Orson Welles el guion de Ciudadano Kane, o eso es lo que creíamos hasta ahora. Esta es la propuesta del director, hacer justicia histórica y mostrar al mundo a través de una película de cine dentro del cine como eran las cosas en aquel Hollywood de los años 30 y 40, donde el cinismo y el dinero lo eran todo.
El guion, escrito por el padre de David Fincher (Jack Fincher), antes de morir en el año 2003, es como una deuda pendiente que tenía el director. Narra las vivencias profesionales del guionista Herman Mankiewicz antes y durante la escritura del famoso guion por el que obtuvo un oscar. Utiliza de forma inteligente el flash-back para ir situando al espectador en los años en los que el guionista iba haciendo trizas su vida profesional y personal poco a poco a causa del alcohol. Siendo honrado además, al mostrarlo sin paños calientes, como una realidad que es justa conocer para ser testigos de como se realizó una de las mejores obras del séptimo arte.
La fotografía, que usa inteligentemente el blanco y negro, nos transporta eficazmente al momento y lugar en cuestión como si una película de la misma época fuera, dando así mayor veracidad a lo que se va narrando. La música, también usa los sonidos de la época para añadir ritmo a la acción y situarnos en el contexto histórico. Y para completar los detalles del film, los vestuarios y caracterizaciones ayudan a la fotografía y la música a crear una atmósfera perfecta de los años 30 y 40, cuando el cine de Hollywood estaba en su máximo apogeo y sus realizadores, guionistas, directores y actores eran como dioses en su entorno.
Es necesario también resaltar las estupendas interpretaciones en un elenco de caras conocidas que cumplen ampliamente con su cometido. Cuenta con los papeles del camaleónico Gary Oldman y Amanda Seyfried en los papeles principales, y también con los secundarios Arliss Howard, Charles Dance y Tom Burke entre muchos otros.
Por tanto, considero Mank una obra de lo más necesaria de ver, especialmente para los cinéfilos clásicos ávidos de conocer las mejores historias que esconde el Hollywood clásico que tantas y tan buenas películas realizó en los años 30 y 40, donde se desarrolla la trama. Y también para ser conscientes de todo lo que rodeo la realización y escritura del guion de una de las mejores películas de todos los tiempos, una película que realizó un genio de 24 años llamado Orson Welles, pero que tal y como queda claro en este film, no podría nunca haberlo logrado sin la ayuda de un guionista alcohólico llamado Herman Mankiewicz.

El director Todd Haynes pone nombre y apellidos a una historia basada en hechos reales, algo que hace no demasiados años estaba en boca de todos, y aún a día de hoy sigue dando que hablar entre las personas, el problema cancerígeno del teflón, o mejor dicho, el PFOA. Dicho compuesto, que es un perfluorooctanoico que ha sido clasificado en el grupo 2B como posiblemente carcinógeno, es el tema central de la película, así como la investigación que un abogado llamado Rob Bilott lleva a cabo desde hace más de 20 años. Con esta premisa tan catastrofista como real, el director lleva a cabo un film notable que es de visión obligada para estar informado de un tema tan importante y de tanta envergadura.
El guion, basado en un artículo de Nathaniel Rich, informa verazmente al espectador sobre dos cosas que no debemos olvidar jamás. La primera de ellas, es que según comentan en el film, el 99% de la población tiene ese maldito compuesto en la sangre, y que además no desaparecerá jamás. La segunda, que tristemente cuando el dinero esta por medio en una gran empresa, esta es capaz de echar tierra encima en este problema con tal de seguir engrosando las arcas de sus socios, aun a costa de la salud de la población e incluso de ellos mismos. Un problema muy grave y de una inconsciencia que asusta a cualquiera, ya que resulta inverosímil que un problema de tal dimensión no sea abarcado como procede, ya no por el gobierno, que también por supuesto, sino por las mismas empresas sedientas de beneficio a cualquier coste.
Los detalles técnicos del film cumplen eficientemente con su cometido. Su fotografía, algo oscura que ayuda a mostrar el pesimismo de una trama sumamente realista, logra trasmitir junto con los decorados, vestuarios y caracterizaciones el paso de los años durante los que transcurre la trama. La música también logra crear una ambientación algo desesperanzadora que va perfecta con la historia mostrada. Y las interpretaciones, contando además con caras tan conocidas como las de Mark Ruffalo, Tim Robbins, Anne Hathaway y Bill Pullman entre otros, logran un estupendo trabajo que trasmite todo lo necesario para tener al espectador atrapado en un entramado tan triste como real.
En conclusión, considero Aguas oscuras un film necesario de ver al estar basado en hechos reales. Unos hechos reales además que necesitan ser descubiertos por todo el mundo para ser conscientes de los peligros de la industria, y de lo que esta es capaz de hacer por tal de engrosarse los bolsillos con un dinero manchado de cáncer y enfermedades, que aparecen por culta de un compuesto que da dinero a las empresas y estas no se molestan en absoluto en saber si este compuesto es perjudicial para la salud, ya que lo único que importa, es el crecimiento económico en una sociedad capaz de llevar el capitalismo, hasta sus más tristes extremos.

Hermosa y original cinta de animación que es opera prima además de Sergio Pablos. Especialmente hermosa para ver en fechas navideñas, esta cinta de fantasía con tintes de comedia y drama será las delicias de toda la familia, ya que en su interior encontrarás detalles que encandilarán tanto a los más jóvenes como a los no tan mayores de la familia. En su trama, descubrirás las aventuras de un joven cartero llamado Jesper, que es castigado por su padre (que es el jefe de los carteros), a hacer su trabajo a Smeerensburg, el punto postal más alejado de la central donde conoce a Klaus, un misterioso carpintero que vive en una alejada cabaña. Con esta premisa se desarrolla la que posiblemente sea la cinta de animación más lograda del cine español.
El argumento de Klaus, goza de una cierta originalidad a la hora de mostrar lo que fueron los comienzos de Klaus antes de llegar a ser Santa. El joven cartero de buena familia llamado Jasper, que en un principio sufre las consecuencias de ese recóndito y extraño lugar, acaba poco a poco aceptando su destino y se acaba sintiendo atraído por él, de manera que acaba siendo su hogar, y él el precursor de la idea de que cada año en navidad, cada niño en la tierra tenga su propio regalo, siempre y cuando se haya portado bien.
Las imágenes de la película están bien logradas, transportando con ello al espectador a un mundo lleno de fantasía e ilusión que logra un trabajo visual notable. También luce con luz propia la estupenda banda sonora y en especial la canción de Zara Larsson, que llena la historia de emotividad en los momentos oportunos, logrando con ello crear una bella atmósfera que será recordada con el pasar de los años.
En definitiva, considero Klaus una película de animación magnífica que tiene en su interior todo lo necesario para acaparar la atención y el recuerdo de toda clase de públicos de edades distintas; ya que en su interior encontrarán tanto fantasía como ilusión, y una original historia repleta de detalles dramáticos y de humor que lograrán captar la atención de todos y llegar al corazón de todos aquellos que se aventuren a descubrir, lo que sin duda es una de las mejores películas de animación de los últimos años.

El director japonés Hirokazu Koreeda, reconocido internacionalmente por cintas de la talla de Nadie Sabe (2004), De tal padre, tal hijo (2013) o Nuestra hermana pequeña (2015), entre otras, da una forma distinta al significado tradicional de familia en el film Un asunto de familia. Dicha obra, que es extrañamente bella y emotiva, llega sinceramente al corazón del espectador en lo que ofrece, ya que el concepto de familia aquí es visto desde otro prisma, uno que seguramente si lo viéramos en las noticias nos quedaríamos horrorizados, pero sin embargo aquí, adquiere otro nivel, otra forma de ver las cosas no tan sencilla; ya que las cosas verdaderas de este mundo, no son blancas o negras, sino sencillamente grises.
El guion, que esta escrito por el mismo director, es tierno desde que empieza hasta que acaba. Narra el día a día de una extraña pero a la vez cariñosa y unida familia donde cada uno de sus miembros adultos tiene un comportamiento de lo más peculiar, y además de todo eso, no parecen ser parientes consanguíneos ninguno o casi ninguno de ellos, pero forman una unidad familiar aun dentro de su pobreza envidiable en muchos aspectos. Con esta idea, el director se luce en lo que nos va mostrando poco a poco, cautivando a todos en su visionado ya seas cinéfilo experimentado o simplemente un espectador más comercial.
Técnicamente la película esta notablemente elaborada en todos sus aspectos. La fotografía lumínica ayuda al espectador a empatizar con la familia, ayudado además por una sutil música que añade dramatismo pero sin exagerar en las escenas oportunas. Los planos y movimientos de cámara logran una labor muy personal que exprime lo mejor de las interpretaciones. Dichas actuaciones, son también de lo más acertadas por parte de todo el elenco, tanto de los adultos como de los pequeños que se integran perfectamente en este peculiar concepto de familia.
En definitiva, considero Un asunto de familia una magnífica película para disfrutar por toda clase de espectadores. Una película que además fue llevada por su país en 2018 para luchar por el premio oscar a la categoría de mejor película extranjera, y no es para menos. Todo lo que se visualiza en ella hace disfrutar sin dilación a todo aquel que se proponga verla, ya que es un film emotivo y lleno de una particular belleza que te hace ver las cosas desde una dimensión distinta, ya que aunque en el fondo sabes que lo que ocurre al final es lo correcto, queda en tu corazón la pena de que quizás lo que tenían al principio, era mucho más puro y bello dentro del amor y el cariño que todos al fin y al cabo necesitamos.

Gillo Pontecorvo, un director italiano comprometido con la causa antifascista y perteneciente al partido comunista en Italia, empatiza en esta ocasión con la causa del Frente de Liberación Nacional argelino al mostrar su causa en la película La batalla de Argel; situando el contexto histórico en el inicio de las revueltas argelinas llevadas a cabo en la capital del país que desencadenaron en la independencia de estos con Francia, país colonialista de Argelia desde 1830 hasta 1962, cuando al fin los habitantes de este país consiguieron después de años de enfrentamientos callejeros con la policía y el ejército francés la ansiada independencia.
El guion, escrito por el mismo director junto con Franco Solinas, está basado en hechos reales y muestra la tragedia de aquellos sangrientos años sin paños calientes, mostrando todo tal cual sucedía, con las muertes de personas inocentes y no tan inocentes que eran causa del odio contenido durante tantos años. Dicha trama, es llevada a cabo con pasión y con mano experta por un director comprometido con su causa que sin ser demasiado objetivo, si plasma con esmero y sin dilación (ya que los hechos narrados habían pasado pocos años atrás), una historia desgarradora que dejo muchos muertos atrás en una sinrazón colonialista que tenía sus días contados.
La fotografía en blanco y negro, no reduce el dramatismo de unas imágenes violentas que exponen sin miedo a excederse los hechos tal cual sucedieron, siendo por tanto uno de los detalles técnicos más remarcables del film. También la música de Ennio Morricone añade inquietud y sobre todo zozobra a la trama en los momentos oportunos, gracias a una música rítmica de tambores que consigue desconcertarte cuando esa es su intención. Y por último, mencionar especialmente las interpretaciones de caras no demasiado conocidas que gracias a unas realísimas actuaciones consiguen calar en el espectador sin empatizar en absoluto.
Por lo tanto, considero La batalla de Argel una obra sobresaliente indiscutible que saca a la luz unos hechos nada populares que apenas lograban llenar los informativos de una época en la que la gente prefería vivir fuera de la realidad, o que tal vez eso es lo que querían y conseguían los medios de comunicación. Ya que los hechos irreverentes que veras en su interior, son tan reales y están tan repletos de dramatismo que te transportarán eficazmente al momento y lugar en cuestión para hacer justicia social y al menos de conocimiento de lo que ocurrió en aquellos aciagos años en la capital argelina, cuando miles de civiles y militares morían por una causa impopular y repleta de una injusticia que tenía sus días contados.

Secretos y mentiras de Mike Leigh es la prueba evidente de que una historia sencilla (y con sencilla no quiero decir que no tenga miga, porque la tiene), es capaz de cautivar desde al cinéfilo más exigente hasta el público en general. En eso se esmera su director, en ofrecer un producto con gancho pero llevado a cabo con gran naturalidad. No tiene además la más mínima prisa en cocerlo, ya que la duración del film se extiende en más de 140 minutos, de los cuales por cierto, no le sobra ni medio, ya que todo lo que veras en su interior te encandilará, sobre todo por supuesto en el último tercio de la película donde todo va saliendo a la luz para disfrute del público.
El guion, escrito por el mismo director, narra una historia muy personal que se va cociendo poco a poco. En ella, hay una familia formada por dos hermanos, mujer y hombre, donde ella tiene una hija que está a punto de cumplir 21 años, la pareja del hermano, que no parece estar por la labor de poner las cosas fáciles, y en última instancia aparece Hortense, una joven de raza negra que asegura ser la hija de la mujer de los dos hermanos. Con esta premisa, la historia va cogiendo color a medida que todos se van conociendo y van desahogándose al contar sus secretos y también sus mentiras.
Las interpretaciones son estupendas del primero al último en una película en la que además todos son principales, ya que todos tienen su pasado que contar. Cuenta con las notables interpretaciones de Brenda Blethyn, Timothy Spall, Phyllis Logan, Marianne Jean-Baptiste, Lee Ross y Claire Rushbrook entre otros. La fotografía, bastante luminosa junto con los detalles musicales usados en los momentos oportunos sacan lo mejor de la trama, logrando un decente trabajo técnico.
En resumidas cuentas, lo considero un film digno de ser conocido por la naturalidad con la que trata un tema tan delicado como la adopción, y más aún con el cruce de razas. Por tener unas magníficas interpretaciones que son clave a la hora de exponer la complicada temática llevada a cabo, y hacerlo además, con mucha credibilidad. Y en especial también, por su dirección realizada con mano experta por Mike Leigh, que exprime lo mejor de las interpretaciones y tiene la habilidad de incluso a base de un ritmo lento y bastante metraje, mantener al público todo el rato pegado al asiento expectante de saber el desenlace de tan trabajada trama.

El cine mudo, ese eterno olvidado y considerado injustamente anticuado por la falta de voz, es enormemente reconocido por cinéfilos exigentes por películas como Avaricia, de Erich Von Stroheim. La falta de sonido y voces, es altamente compensada por la expresividad de sus actores; sus gestos, miradas, movimientos y acciones, que son una clara alusión a su argumento, brillan con luz propia. Te obligan por tanto, a estar muy pendiente de sus imágenes y de no poder distraerte ni un instante, ya que el cine mudo es puramente visual, y en este caso, poesía visual.
Su trama es sencilla, y se extiende en el significado del nombre del film “Avaricia”. Su argumento esta basado en un hombre dentista que se casa con una mujer a la que le toca la lotería, y esta, se vuelve más y más avariciosa al no querer tocar el dinero de esa lotería, sacando con ello lo peor de su marido, que acaba perdiendo la paciencia. Con esa idea el director se explaya sacando lo mejor de su historia y expresivas interpretaciones.
El cine mudo tiene su magia, y debe ser descubierto, o mejor dicho, redescubierto. Con películas como Avaricia disfrutaras de lo lindo. Siéntate y disfruta de sus imágenes, de sus interpretaciones y de su sencilla trama que expone un defecto tan repudiado como la avaricia, y como ella es capaz de sacar lo peor de las personas, como por ejemplo el odio, el desamor, la desconfianza, la ambición y un sinfín de defectos que son plasmados en innumerables situaciones que comprobarás si te decides a visualizar un film atemporal como Avaricia. Un film, que es de visión obligada para cualquier cinéfilo.
Es, por tanto, una película digna de ver si quieres conocer cine clásico del bueno. Ya que la calidad de lo que es mostrado en su interior, la nobleza de lo que se expone y las estupendas y exageradas interpretaciones que son necesarias para suplir la falta de voz, serán las delicias de todos aquellos que se aventuren a descubrirla, ya que sin duda, es uno de los films de cine mudo más recomendables que me he encontrado hasta el momento.

Película que forma para del Decálogo de Krzysztof Kieslowski realizada en 1988 y que volvería a repetir para la serie de televisión dos años después. Su trama gira en torno a Tomek que es un joven de 19 años que espía desde su ventana a Magda, una mujer mayor que él y que es bastante liberal a la hora de llevar hombres a casa. Con esta premisa, el director saca jugo a una de sus historias más conocidas donde el amor puro por un lado y la lujuria por otro, chocan en una relación imposible de consecuencias inesperadas.
El guion, escrito por el mismo director junto con Krzysztof Piesiewicz, toma temas tan dispares como el voyerismo entre ventanas, el cual es inevitable no traerte a la memoria el magnifico film de Alfred Hitchcock “La ventana indiscreta”. La lujuria, que es representada por Magda, una mujer treintañera que vive sola en un apartamento donde tiene relaciones sexuales con varios hombres. Y por último el amor puro, que es en realidad la única intención de Tomek, aunque este lo visualice a través de un teleobjetivo y las mentes más “adultas” vean en cambio el morbo de espiar a una mujer libérrima. Ese es desde mi punto de vista la intención del director y guionista, el hacer al público sentirse en parte culpable por pensar que la intención del joven es una, cuando en realidad es otra totalmente distinta, y no solo es el espectador quien lo piensa, sino también nuestra protagonista.
Técnicamente la película está bien lograda. Usa sobre todo una fotografía oscura que te transporta a ese barrio lleno de edificios altos tan conocido por muchas películas y capítulos del Decálogo de Kieslowski. Una música sutil que es usada solo en las ocasiones oportunas para añadir algo de dramatismo a la historia. Y por último, también cabe destacar las estupendas interpretaciones del duo protagonista formado por Tomek, que es interpretado por Olaf Lubaszenko y Magda, que es representada por Grazyna Szapolowska.
En definitiva, considero No amarás la película (que no el capítulo del Decálogo de 1990), una estupenda obra llena de detalles para ser descubiertos por los cinéfilos más exigentes que encandilará a todos aquellos que se aventuren a descubrir el universo de Kieslowski. Ya que tiene en su interior todo lo necesario para atrapar la atención de, no solo los seguidores del magnífico director polaco, sino también de cualquier buscador de buenas y sinceras historias que sean llevadas a cabo con mano experta y con la intención de dejar una huella indeleble en el espectador más experimentado.

Película de culto en estado puro. Wim Wenders, un director con resultados irregulares, consigue hilar con acierto esta magnífica historia adaptada de un guion de Sam Shepard. Desde el comienzo de su historia, la película te atrapa con mano experta, creando gran ambientación e incertidumbre sobre el misterioso protagonista, interpretado magistralmente por Harry Dean Stanton; un personaje, que aparece en medio del desierto donde es encontrado y sin decir ni una sola palabra, lo ponen en contacto con su hermano, el cual hace 4 años que no ve. Ahí empieza poco a poco a salir a flote la curiosa historia de este oscuro personaje.
La dirección de la película, esta notablemente trabajada por Wim Wenders, marcando un ritmo lento que sin prisa pero sin pausa va mostrando poco a poco los misterios que rodean a su protagonista, el cual tiene un hijo, y una pareja y madre de su hijo que está extraviada, de la cual no sabe nada. Con esa premisa, el espectador que espera cine del bueno, descubre una cinta atemporal cuyo fuerte reside en el auto descubrimiento, en el arrepentimiento y en enmendar los errores del pasado, por insuperables que parezcan. Hacer las cosas bien, esa es la intención del recóndito protagonista.
Técnicamente, la película tiene detalles de una fotografía evocadora que junto con los vestuarios y caracterizaciones te transportan al momento y lugar en cuestión. Los planos y movimientos de cámara, que usan con acierto los planos y contra planos para dar un gran toque personal a las interpretaciones son manejados con eficacia. Pero sin lugar a dudas, la parte más inmortal de la película, es la inolvidable banda sonora de Ry Cooder, recordada en España con mucha nostalgia por su desaparecido programa Documentos Tv en los años 90.
En conclusión, considero Paris, Texas un estupendo descubrimiento dentro del cine de culto que es atemporal en lo que ofrece, y en el modo en el que lo ofrece. Por sus acertadas interpretaciones, y su fotografía y su absorbente banda sonora; pero sobre todo, por sacar a la palestra una historia sencilla y personal que atrapa sin dilación al espectador exigente que busca dramas bien trabajados en detalles. Sinceramente, esa clase de dramas que, pase el tiempo que pase, siempre estarán de moda sin que los años se les echen encima.

Jules Dassin, un director conocido por thrillers de cine negro de la talla de Rififi (1955) o La ciudad Desnuda (1948), talla en esta ocasión una película de cine negro sobresaliente; de las que se te quedan en la retina para siempre llamada Noche en la ciudad. Dentro de ella, como es habitual en el género, encontrarás todos los ingredientes necesarios para conformar una cinta de cine negro. Su atmósfera oscura habitual, un trama insidiosa donde sabes que la vida tiene poco valor, y un protagonista poco empático que lía de sobremanera una trama que va poco a poco calentándose hasta llegar a un final típico de esta clase de géneros.
El guion, escrito por Jo Eisinger y basado en la novela de Gerald Kersh, es oscuro desde que empieza hasta que acaba. Mantiene en todo momento una ambientación irrespirable donde el problema como siempre suele ser la ambición de obtener dinero fácil a cambio de un negocio turbio, que en este caso es hacerse cargo de las peleas Grecorromanas en la ciudad de Londres. Las interpretaciones, son notables del primero al último. Cuenta con las estupendas actuaciones de Richard Widmark en un papel principal, y luego eficientes secundarios como la bellísima Gene Tierney, siendo también buenos los papeles de Googie Withers, Hugh Marlowe y Francis L.Sullivan entre otros.
Técnicamente, como era de esperar, la película consigue dar brillo a todos los ingredientes habituales de cine negro. En especial la fotografía, que a través de unas imágenes magníficas donde los claroscuros se apropian de cada escena logran captar la atención y provocar la inquietud del espectador. También la música consigue a través de un magnífico trabajo mantener en vilo al espectador en las escenas oportunas. Y por último, los planos y movimientos de cámara consiguen exprimir lo mejor de las interpretaciones a través de unos primeros planos muy personales y seguimientos que ayudan a mantener la zozobra en la historia.
En definitiva, considero Noche en la ciudad una obra indispensable y sobresaliente dentro del género de cine negro. Donde todos los ingredientes indispensables para lucir una obra de estas características son llevados a cabo con mano experta. Tanto por sus estupendas interpretaciones, su evocadora fotografía que junto con la música insidiosa consigue mantener al espectador pegado al asiento, y también por la lograda dirección de Jules Dassin, consiguen exprimir lo mejor en todos los sentidos de un film atemporal que es de visión obligada para cualquier cinéfilo buscador de obras inmortales, y en especial del mejor cine negro que se ha rodado jamás.

El director y guionista Montxo Armendáriz nos narra una historia de tantas de las que pudo pasar en la postguerra civil española. En este caso, las vivencias de los habitantes de un pueblo de montaña donde el ejército y la guardia civil custodiaban su población, en cuyo monte estaban ocultos guerrilleros que hacían la resistencia. En medio de todo esto, surge la historia de amor entre Lucía (Lucía Jiménez) que acaba de regresar a su pueblo y Manuel (Juan Diego Botto), un joven herrero que colabora con los rebeldes.
La trama que en ella transcurre, tiene sus altibajos, pero en líneas generales mantiene un digno nivel, exponiendo notablemente el odio que se profesaba de un bando a otro. Unos por establecer un orden autoritario y otros por mostrar un comportamiento rebelde al orden establecido. Entre medio, dentro de la gente del pueblo, está como era de esperar quien apoya al bando rebelde y su causa, y los que se encargaban de delatar a las gentes del pueblo que apoyaban a los rebeldes. Esto hace, que el dramatismo y el sinsentido de la guerra inacabada vaya in crescendo poco a poco hasta que el odio en el pueblo y su atmósfera es ya insoportable.
En cuanto a los detalles técnicos del film, están bien trabajados al detalle. Los vestuarios y caracterizaciones, al igual que los evocadores decorados te transportan eficientemente al momento y lugar en cuestión. La fotografía convence en un conseguido trabajo que junto con la sutil música usada en las escenas oportunas, logran tener al espectador pegado al asiento. Y los planos y movimientos de cámara logran una excelente labor técnica que exprime lo mejor de las interpretaciones en las escenas claves.
En conclusión, la considero una obra necesaria para ser testigos aunque sea en una pequeña parte de lo acontecido en la guerra civil española y sus años posteriores. Para ver el odio que surgió de esa contienda donde familias, vecinos y amigos se profesaban mutuamente una aversión insana que llegaba hasta el extremo de delatarse aún sabiendo que la muerte podía ser su castigo. Dicho odio, que tristemente llega incluso hasta nuestros días, es necesario de ser recordado para ser conscientes de que la política, independientemente del lado del que estés, solo trae odio y que nos miremos los unos a los otros con recelo y desconfianza.

Notable drama laboral el que nos muestra Mario Monicelli. Años después del neorrealismo italiano, cuando Italia empezaba a levantar cabeza, surge este drama que narra una historia laboral en pleno siglo XIX, cuando los trabajadores de las fábricas empezaban a reclamar unas mejores condiciones laborales, ya que los patronos de la época a través del miedo y la siembra de incertidumbre, se aprovechaban todo lo posible de unos trabajadores desinformados y llenos de miedo que sin embargo, agotados, por el excesivo horario laboral, sufrían las consecuencias del cansancio y el desasosiego.
El guion, escrito por el mismo director junto con Agenore Incrocci y Furio Scarpelli, narra una historia dramática repleta de reivindicaciones históricas laborales para hacernos conscientes a los trabajadores de hoy día sobre lo que tuvieron que sufrir nuestros antepasados para llegar a conseguir lo que hoy tenemos; unas condiciones laborales más dignas. Para ello, el director cuenta con la inestimable colaboración del camaleónico Marcello Mastroianni, que borda el papel de un profesor que trata de ayudar a los trabajadores de la fábrica para que consigan mejorar sus condiciones laborales, aunque para ello, tengan que sufrir calamidades e inesperadas consecuencias.
En cuanto a los detalles técnicos del film, destacan sobre todo por un notable uso del blanco y negro y una fotografía que logra captar la esencia de la historia, ya que consigue junto con la música sutil que es usada solo en las escenas oportunas, transportar al publico al momento y lugar en cuestión. También los planos y movimientos de cámara logran exprimir lo mejor de la trama, al igual que los vestuarios, caracterizaciones y decorados que están bien trabajados para situar al público en el momento y lugar en cuestión.
Por tanto, considero este drama laboral una historia necesaria de conocer para ser conscientes de lo que tuvieron que sufrir nuestros antepasados para lograr unas condiciones laborales dignas y respetables como las que podemos tener hoy en día. Para ser conscientes de cómo tenían que luchar contra ellos mismos incluso y sus propios miedos, además del hambre y las calamidades que tenían que pasar para lograr su objetivo, que no era otro que tener unas condiciones laborales lo suficientemente aceptables, como para no caer en accidentes laborables por ser víctimas del cansancio extremo.

Una de las cuestiones que siempre he admirado más de un director de cine, es la de crear una historia sencilla que te atrape y te haga disfrutar sin necesidad de añadiduras innecesarias. Eso mismo es lo que consigue Adolfo Aristarain en Lugares Comunes. Un director que ha realizado otras obras notables y del mismo corte dramático que esta película, como por ejemplo en Martin (Hache) (1997) o Un lugar en el mundo (1992). Películas en las que los demonios internos de los protagonistas y las relaciones entre ellos mismos son los verdaderos protagonistas de dichas obras.
En lo que nos concierne a la trama de Lugares comunes, narra la historia de un matrimonio muy unido cuyas vidas se ven sacudidas al darle a él (Federico Luppi) la jubilación forzosa en la universidad, ya que hasta el momento era un profesor de literatura de los que enseñan a pensar y no a obedecer. Y ella (Mercedes Sampietro), una española emigrada a Argentina que se dedica a trabajar como asistenta social y que siente devoción por su marido. Ambos, deciden entonces vender su vivienda en la capital y mudarse al campo, donde se dedicarán a la plantación de lavanda para la extracción de su aceite para perfume.
Con esta sencilla historia se luce Adolfo Aristarain al darle forma con gran naturalidad, mostrando a sus personajes tal cual son, con sus defectos y preocupaciones, pero también con sus inquietudes económicas y sus miedos típicos cuando llega la jubilación y no tienes nada pensado para ella. Este es su verdadero argumento, lo que ocurre con las vidas de este matrimonio cuyo hijo está en España dedicándose a algo que no les gusta, y los cuales se tienen que dedicar para subsistir a algo de lo que no tienen ni idea, por lo que tendrán que empezar de cero. Todo ello, ocurre sin la más mínima prisa y con las soberbias interpretaciones de los actores ya citados para deleite de cualquier cinéfilo que no busque dramas rápidos, sino tramas más bien que pasan al ritmo al que debería realmente pasar la vida.
En definitiva, la considero una película notable. Notable por sus estupendas interpretaciones de Federico Luppi y Mercedes Sampietro, y también por la naturalidad con la que la trama es llevada a cabo sin pretender más que mostrar las preocupaciones de nuestros protagonistas; y por llevarlo a cabo además, con mucho acierto, aportando mucha realidad y elegancia en lo que nos ofrece para ser disfrutada por todos aquellos que disfruten de dramas sinceros repletos de la nostalgia de mirar atrás, viendo lo que nunca se consiguió y ya nunca se conseguirá, mientras se mira de reojo el final al que todos inexorablemente nos enfrentaremos algún día.