George Cukor se atreve en esta ocasión con un remake de un drama psicológico bien trabajado y sorprendente para la época en la que se rodó. Plasma con mano diestra un thriller de intriga clásico que sobrevive perfectamente el paso del tiempo. Dentro de el se ve como una joven cantante recientemente casada con el pianista de su profesor, vuelve a la casa donde se crió y de donde se fue tras la violenta y extraña muerte de su tía, también cantante de opera, de la cual no se supo nunca que es lo que realmente le ocurrió. En esa casa empieza entonces a ocurrir cosas extrañas de difícil explicación que van creando un ambiente enrarecido e hipnótico que atrapa la atención del espectador.
Las interpretaciones de esta obra brillan con luz propia. La inconmensurable Ingrid Bergman vuelve a conseguir una interpretación sobresaliente con la que obtuvo un merecido oscar, pero también son enormes las interpretaciones de Charles Boyer como marido, Joseph Cotten como investigador e incluso una joven Angela Landsbury como sirvienta, mundialmente conocida por haber protagonizado muchos años después Se ha escrito un crimen. También merece mención especial la dirección artística que obtuvo el oscar por un magnifico trabajo de decorados y caracterizaciones que te transportan eficazmente a la época de la Inglaterra victoriana. La fotografía en blanco y negro también merece la pena ser destacada en un soberbio trabajo que crea una atmósfera oscura y llena de niebla en algunas escenas que crean una ambientación tenebrosa.
En conclusión, Luz que agoniza es un drama psicológico clásico digno de elogio que merece la pena ser visto por todos los amantes del cine en blanco y negro, y también por los seguidores de cintas de intriga que buscan sorprender y atrapar la total atención del espectador. En su interior, encontrarán todo lo necesario para descubrir que es una película que sobrevive eficazmente el paso del tiempo: por su envolvente guion, sus estupendas interpretaciones, su fotografía y su música que te atrapan con elegancia, y por su dirección artística que hace que te encuentres de repente en la Inglaterra victoriana del siglo XIX.

Hermosa película la que nos expone Daniel Ribeiro, director y guionista del film. Hermosa por la sencillez y bella temática que nos muestra para llegarnos directamente al corazón.

Un joven adolescente ciego llamado Leo, que tiene una amiga llamada Giovana que hace de buen grado de lazarillo suyo, ven cómo les cambia su relación por completo el conocer a Gabriel, un adolescente como ellos que llega nuevo al instituto.

Al ser historias de adolescentes, como es evidente, hay episodios de inocencia, y también de crueldad, creándose con ello una atmósfera delicada que atrapa al espectador, principalmente por la ingenuidad de su protagonista, no solo por las situaciones lógicas de su edad, sino que también al ser ciego, es un blanco fácil para sus compañeros de clase.

El auto descubrimiento es el punto clave de esta cinta, al ser adolescentes y no ser ni niños, ni hombres, están en una fase de ir conociéndose poco a poco, y este es precisamente el punto fuerte de la trama, el saber que es cada uno, que siente el uno por el otro, las amistades que penden de un hilo por los celos del nuevo allegado. Y todo esto sucede, en un tris tras mientras el publico asiste y ve con ternura el desarrollo y desenlace de esta historia de tres.

Hay partes que quizás al final quedan vacías, o que mejor dicho no se explican y podrían ser temas interesantes para dejar el círculo cerrado, pero en líneas generales la considero una película notable que gustará al público en general, y que deja buenas vibraciones tras de si, por lo que se puede ver tranquilamente sabiendo que te gustará. Podríamos decir, que no es tampoco una película que se quede en tu retina por la calidad de su historia, sino más bien por la ternura que derrocha su trama.

El ocaso del cine de mafia ítalo americana tenia que venir por obligación de la mano de Scorsese, y lo hace como era de esperar, de modo sobresaliente. A su estilo, con violencia, con realismo y en este caso con tristeza al mostrar el declive de un personaje como Frank Sheeran, marcando con ello el fin de una época, la época del crimen organizado clásico más conocido en el séptimo arte y a la vez tan desconocido para todos en la vida real. Utiliza en ella todos los ingredientes necesarios para que se quede en la retina del espectador, usando la enigmática desaparición de Jimmy Hoffa, el famoso sindicalista estadounidense que desapareció sin dejar rastro en 1975 y al que se dio por muerto en 1982.

No escatima además en caras conocidas Martin Scorsese, y a las ya habituales caras de Robert de Niro y Joe Pesci se une las de Al Pacino y Harvey Keatel entre otros. En cuanto al metraje, tampoco se toma prisas en sus mas de 200 minutos de duración, aunque viéndola de principio a fin sabes que no le sobra ni un minuto. También es digna de elogio la narrativa con voz en off usada por el director, generalmente narrada por el personaje de Robert de Niro, pero también de otros personajes cuando les toca presentarse. En cuanto a la música, es de lo más sugestiva y junto con la fotografía te transporta de forma excelente a cada época narrada. Cabe la pena también mencionar, las caracterizaciones de los personajes según el momento de la historia narrada.

Scorsese es sin duda alguna, uno de esos directores admirado por todos y reconocible en todos sus trabajos. Pocos como él llevan la violencia a la pantalla con un realismo y frialdad únicos en el género thriller. Consigue en este trabajo un gran film que se sitúa sin complejos como uno de sus 3 mejores, y además posiblemente, el más maduro de ellos. Exprime lo mejor de cada una de sus obras para dar forma a una cinta sobresaliente como lo es El Irlandés. Un trabajo excepcional que pone la guinda a su trayectoria como director de cine de la mafia. Una cinta que sin duda alguna pasará el reconocimiento de la crítica y el público más exigente y sobrevivirá a la perfección el paso del tiempo para deleite de los cinéfilos más exigentes de cualquier época.

Pocas veces tiene un servidor la oportunidad de ver últimamente, películas de la talla de Joker. Un drama psicológico como pocos, que es creado para dar forma a la psique del famoso antagonista de Batman que da nombre al film. Por suerte, no está toda la atención actual centrada en las series y miniseries que parecen haber abarcado, no solo la atención del espectador, sino también de directores, guionistas y productores.

Con Joker, el cinéfilo o cinéfago se saca la espinita de saber, que el buen cine sigue ahí, que al menos de cuando en cuando, alguien nos brindará una cinta que contiene todo lo necesario para pasar a la historia, inclusive alguna escena memorable, de esas que siempre salen en los resúmenes del séptimo arte como el beso de Humphrey Bogard a Ingrid Bergman en Casablanca, Jack Nicholson en su personaje de Jack Torrance en el Resplandor, asomándose a través de una puerta rota con su hacha en el cuarto de baño donde aterrada se esconde su mujer, o la famosísima parrafada de Roy Batty al final de Blade Runner. Aquí, la memorable escena, es el extravagante baile de Arthur Fleck, mientras baja los escalones, caracterizado ya como el Joker definitivo.

Tal como he mencionado, esta obra de arte, tiene todo para ser imperecedera. Unas interpretaciones espléndidas, sobre todo claro esta, en el mejor personaje hasta el momento que nos brinda Joaquin Phoenix, sin olvidarnos tampoco de un genial Robert De Niro. También tiene una fotografía sombría que mantiene una estética apropiada y que ayuda a entender la naturaleza del personaje principal. Una música estimulante que inquieta al espectador, y sobre todo, un magnífico guion escrito por el propio director junto con Scott Silver, que da forma a la creación del famoso personaje del Joker, como llegó a serlo, y como durante ese camino en lo que se te muestra, llegas a sentir pena, miedo, desconfianza e incluso alguna que otra risa, del perturbado Arthur Fleck, cuya carcajada por cierto, también es digna de ser recordada.

Por tanto, la considero una película sobresaliente, un clásico adelantado que se queda dentro de ti para siempre y que da forma al personaje Joker, antagonista del famoso cómic de Batman, sacándose de la manga el director y guionista con ella, una trama que te hace entender como llega a ser malvado y como justo al contrario que su archienemigo Batman, no es considerado malo del todo, y tiene incluso seguidores y simpatizantes por sus actos, reflejos de una sociedad distópica y tóxica en la que todo vale, ya sea la humillación, el maltrato, la venganza o la misma locura, no solo por parte de los hipotéticos malos, sino principalmente de los supuestos buenos.

Qué grata sorpresa es encontrarse una película de la talla de Los dos papas de Fernando Meirelles. No por ser una gran obra maestra, o por tener un guion original digno de elogio, sino más bien lo contrario. Por narrar una historia real con naturalidad y elegancia, pero a la par, sin paños calientes.

No sabía hasta que he visto el film, de la amistad que mantuvieron los últimos años el Papa Benedicto XVI y el Papa Francisco, y ha sido una agradable velada poder disfrutar de lo que en la cinta se cuenta.

Es curioso también ver algo que, aunque ya sabemos, los Papas son de carne y hueso y tienen sentimientos, pecados, demonios internos y la gran necesidad de desahogarse cuando es necesario, sobre todo cuando la culpabilidad les rodea. Precisamente es esta cuestión la que aborda de modo notable Meirelles al plasmarlo en la gran pantalla. Ves cómo era cada uno de ellos y como afrontaban los problemas que tuvieron a lo largo de sus vidas pasadas.

El truco del anteriormente mencionado desahogo, está en la tan conocida práctica eclesiástica de la confesión, pero es curioso ver a un Papa siendo confesado, aunque tenga toda la lógica del mundo. Y es justamente en esta práctica, cuando el espectador descubre los malos actos que corroen la conciencia tanto de uno como del otro.

Para plasmar esto el director, trabajando el guion de Anthony McCarten, hila una magnífica narrativa que atrapa al espectador de principio a fin, lógicamente, trabajada de forma impoluta por unos enormes Jonathan Pryce en su papel del Papa Francisco y Anthony Hopkins en su papel del Papa Benedicto XVI. Es un auténtico disfrute presenciar las largas conversaciones y discusiones que ambos mantienen en el Vaticano, contemplándose las diferentes personalidades del uno y del otro, dejando claro también, como se fue forjando el futuro papado De Francisco, primer Papa ademas del continente americano.

En cuanto a los detalles técnicos, nada es dejado al azar y sientes en todo momento que estás en el Vaticano gracias a una fotografía evocadora, decorados y vestimentas de los protagonistas de lo más trabajadas, (sacerdotes, guardia suiza y demás personajes que aparecen en el film). Y la sutil música que también ayuda al espectador a sentir lo que el director quiere trasmitir, consiguiendo por tanto en líneas generales, una cinta digna de ser vista, no solo por la calidad de su contenido, sino por su contexto histórico.

Es justo considerarla por tanto, una bella película que plasma una historia real digna de ser conocida por todos, ya que pone nombre y apellidos a lo que ocurrió en el famoso episodio de renuncia del Papa Benedicto XVI, algo que no ocurría desde hacía siglos, ya que como es norma un Papa lo es hasta que fallece. Por todo esto, gustará al público en general y no defraudará a nadie con lo que ofrece, ya que cada detalle de la historia es construido con veracidad y no trata de ocultar nada, sino más bien lo contrario, mostrar al mundo los defectos y pecados que tienen, hasta los hombres más respetados.

Han tenido que pasar muchos años para volver a tomar en serio a Eddie Murphy en el campo interpretativo, y es curioso que además, no sea para el humor, -cosa por cierto de la cual, no carece su personaje en el film-, sino más bien en el campo dramático, y en este caso más en particular en dar vida a un famoso personaje afroamericano que tuvo cierto triunfo en los años 70 contando chistes y anécdotas con rimas en antros de mala muerte, y que posteriormente fue en los 80 apodado como el Padrino del Rap por los raperos. Y no es que sea una actuación memorable la de Eddie Murphy, pero sí un digno trabajo con sus peculiares golpes de humor y gestos más reconocibles de sus famosos trabajos de los 80 y los 90 para deleite de sus incondicionales. También es curiosa la aparición de Wesley Snipes en un papel muy lejos de su tipo duro más habitual del que nos tiene acostumbrados.

En cuanto a la parte técnica, la fotografía es bastante destacable, y también la música, que es de lo más sugerente con canciones tipo Blaxploitation de los años 70, y los vestuarios de los personajes son también sugestivos a la época de la historia en cuestión, transportándote eficazmente a los años en los que el famoso cómico hizo de las suyas. Primero, como comediante en bares, y luego en su empeño en llegar a la gran pantalla en un continuo afán de ser una persona conocida, huyendo siempre de su tan temido fracaso.

Es una obra que no pasara siendo recordada como algo digno de ver por su calidad cinematográfica, sino como una película que pone en conocimiento de todos un personaje de los 70 que sirvió como base después para las canciones de rap de los años 80 en adelante. Pero sin embargo, en líneas generales la considero una cinta notable que te sacará alguna risa que otra y te dará una lección sobre esfuerzo y como no dejarse caer nunca por lo que digan los demás. Siento todo un ejemplo de camino marcado por ti mismo sin dejarte influenciar por nadie. Él quería llegar a ser alguien, y fue alguien sin duda. Por lo que merece todo mi respeto.

Es la primera película que he visto de los hermanos Safdie (Ben y Joshua Safdie), y ya me queda claro que tienen un estilo cinematográfico único y bien definitivo, ya que después de ver Diamantes en bruto, me queda una sensación amarga tras ver una obra difícil de digerir pero sin duda alguna bien trabajada. Una obra que, empieza con un ritmo tanto narrativo como de acción bastante rápido que llega incluso hasta agobiar al espectador, dicho ritmo además, se mantiene hasta el final de modo notable, trasmitiendo desasosiego en la irresponsabilidad y riesgos innecesarios que adopta el protagonista en su día a día, un genial Adam Sandler que borda un gran papel de registro dramático, muy lejos del cómico al nos tiene acostumbrados.

Honrad Ratner, es un joyero judío de un barrio de Nueva York enganchado al juego. Tanto, que es capaz de empeñar cosas que no son suyas por tal de sacar dinero para sus apuestas, pensando siempre que va a salir ganando y devolverá lo que ha tomado prestado. Este es el comienzo de una historia que va in crescendo y que atrapa al espectador en todo momento sin que se hagan pesados en absoluto sus dos horas y cuarto de duración.

Técnicamente, está muy bien trabajada en líneas generales, utiliza la cámara en mano y los primeros planos para añadir inquietud a la acción, y la fotografía, algo dura y tosca, ayuda a crear también una atmósfera turbia y de inseguridad. Sin embargo, es la música electrónica de Daniel Lopatin lo que más me desconcierta de Diamantes en bruto, ya que es una música demasiado turbadora desde mi punto de vista, e innecesaria. La trama en sí ya te descoloca bastante y no considero necesario el uso de una música estrambótica para añadir más zozobra a la trama.

En ocasiones, también es algo difícil de seguir la narrativa, ya que son varios personajes los que discuten a la vez y es difícil seguir lo que cada uno habla. Pero sin embargo, estas escenas también añaden agitación a la historia, la cual sabes que a medida que avanza va cerrando las pocas posibilidades que tiene el protagonista de salir indemne de un círculo vicioso de juego y violencia que se masca desde el principio y del que difícilmente se sale sino es mal parado. Toda esta sensación, asfixia al público que no puede evitar dejar de empatizar con un protagonista que aunque irresponsable y falto de toda sensatez humana, no deja de darte pena al verlo envuelto en sus vicios y actividades llenas de riesgo.

Por tanto, considero Diamantes en bruto una obra notable, una película que gustará a toda clase de públicos y en especial a los buscadores de cine de autor con detalles que deja patente el estilo de unos creadores que fomentan las ganas de seguir viendo su cine con lo que ofrecen. De ser de esta clase de directores que dejan huella tras de si, y que te podrán gustar en mayor o menor medida, pero que desde luego merecen todo el respeto por desmarcarse del cine más convencional y ofrecer trabajos originales, incisivos y desde luego carentes de la más mínima sensibilidad.

James Mangold, un director de lo más versátil capaz de dar forma a películas tan dispares como Lobezno inmortal o Logan, Noche y día, El tren de las 3:10 o Inocencia interrumpida entre otras, se atreve en esta ocasión a dar forma a una historia basada en hechos reales que toma como base el automovilismo y más en particular la carrera de Le Mans, esa tan conocida donde los pilotos pasan 24 horas conduciendo sus veloces coches de carrera.

Es notable el resultado que consigue Mangold con esta cinta, que obtiene incluso la nominación al oscar en la categoría de mejor película entre otras 3 nominaciones. No es tampoco de extrañar, ya que tiene esa dosis de patriotismo que tanto gusta a los norteamericanos a la hora de querer demostrar que si quieren, pueden estar por encima del resto. En este caso con el capitalismo y la guerra entre grandes marcas de coche para desbancar con Ford a la famosísima casa de coches deportivos italiana Ferrari.

Para ello, cuentan con la más que necesaria ayuda de Ken Miles, un mecánico y conductor británico sobre interpretado pero con mucho acierto por un incombustible Christian Bale, y Carroll Shelby, un ex piloto de coches de carreras que abandona la profesión por problemas de salud y que está magníficamente interpretado por un Matt Damon que parece ir a más en cada trabajo que realiza. Estos dos tienen la difícil tarea, aunque apoyada eso sí por un cheque en blanco, de desbancar en la famosa carrera de 24 horas de Le Mans ni más ni menos que a Ferrari, la cual suele ganar casi siempre.

Los detalles técnicos del film, están elaborados muy al detalle. Llama de sobremanera la atención un sobresaliente trabajo de sonido mostrando los ruidos de los motores pasados de revoluciones. Aunque también la evocadora fotografía te transporta a la época en cuestión, junto con los vestuarios y decorados al más puro estilo de los años 60, con esos hermosos coches dignos de ser apreciados y disfrutados por el espectador.

Podríamos decir por tanto, que Le Mans ´66 es una película para ser vista por toda clase de espectadores, y en especial por el público en general, ya que tiene en su interior todo lo necesario para hacer pasar un buen rato al público que decida verla, el cual disfrutará de sus más de 2 horas y media de duración que no se hacen largos en absoluto, y aprender mientras la ven de un episodio histórico digno de conocerse, y ser así conscientes de todo lo que hay detrás de cada carrera automovilística y competiciones entre grandes casas de coches, sin olvidarnos, del peligro que los pilotos corren.

Tiempo hacia que no veía una película tan conseguida sobre el divorcio con niños de por medio. Es imposible, al menos para mí, no recordar o compararla con Kramer contra Kramer.

Historia de un matrimonio es una película compleja de digerir al tratarse de un tema tan real, común y dramático, como lo es un divorcio. Es poco probable verla sin empatizar con alguna de las partes, o con las dos partes según el momento. Al menos en este film, no se usa al hijo -como ocurre por ejemplo en Kramer contra Kramer-, de un modo directo para llegar al espectador, es el denominador común del problema, claro está, pero no se ve el sufrimiento de este y son los abogados los malos de la película, los que se llevan el odio del espectador por sacar lo peor de cada parte del matrimonio.

Las interpretaciones son notables y van de menos a más. La parte protagonista, formada por Scarlett Johansson y Adam Driver, plasma de forma melodramática pero sin caer en lo patético, la vida de un matrimonio que ha llegado a su fin de un modo sutil y bien trabajado, y el resto de interpretaciones captan la esencia de sus respectivos papeles destacando las actuaciones de Laura Dern, Alan Alda y Ray Liotta.

Al principio de la trama, se escucha la narrativa del protagonista hablando de su mujer, enumerando las cosas positivas, y seguidamente se escucha a la protagonista hablando sobre su marido, también la parte positivas de este. Es el prologo de lo que vendrá a continuación, la parte educada de un matrimonio que se viene abajo y que no parece tener nada ya para solucionarlo. Luego aparecen los abogados, los cuales como era de esperar, enredan la situación hasta el extremo y provocan que el matrimonio se odie poco a poco. En esta espiral autodestructiva de la ya finalizada pareja acaba atrapado el espectador, que visualiza con tristeza y con poca esperanza el fin de una unión que parece que está ya perdida desde hace tiempo.

En definitiva, es una película que te hace cavilar, una historia que merece la pena ser vista para hacer plantearse a matrimonios que estén en las últimas a dar el paso o no, ya que se ve de un modo real y bastante pesimista, lo que cuesta derrumbarse una pareja cuando hay algún hijo en su universo, las consecuencias que trae y la tristeza que abarca al hacer que no se vuelvan a ver de la misma manera, sino llenos de odio y de sensaciones negativas en lugar de ver lo mejor que aun conservan, y las cosas buenas que son aún capaces de ofrecer para hacer felices a sus seres queridos.

El director Bong Jong-Ho, capaz de sacar todo el jugo posible a cintas tan dispares como Okja, una historia fantástica y de aventuras, o Crónica de un asesino en serie (Memories of Murder), un thriller de intriga basado en hechos reales, se atreve en esta ocasión con Parásitos.Una comedia de cine negro hilarante capaz de exprimir lo mejor gracias a un humor sutil pero de lo más trabajado en su retorcida trama capaz de llevar al límite la situación más simple y desvergonzada. La historia en sí, es sencilla aunque su desarrollo de lo más estrambótico.

Una familia pobre en la que todos sus miembros están en paro, busca a través de las recomendaciones de un amigo del hijo de la familia, llegar a dar clases particulares a la hija de una familia adinerada. Esta comedia negra, que está mucho más allá del entretenimiento puro y duro, divierte e impacta, dejando una enorme sensación tras su visionado, convirtiéndola en una cinta digna de elogio.

Las interpretaciones, repletas de cinismo y falsedad para sobrevivir en su día a día son de lo más destacable en esta obra, y todas sin excepción, del primero al último para satisfacer hasta a los cinéfilos más exigentes. Estas están repletas de humor, de drama, de intriga y de una gran variedad de registros interpretativos que dejaran gran sensación tras ser vistas. La música de la película, también ayuda junto con la trabajada fotografía a lograr una atmósfera enrarecida y turbia que mantiene la atención del espectador con gran efectividad.

Pero lo que realmente logra brillar con luz propia en este film, es su original historia repleta de situaciones insólitas creadas por los mismos personajes, que serán las risas de todos aquellos que se aventuren a verla, ya que sin duda alguna serán situaciones llenas de hilaridad y desvergüenza al mostrar como una familia desde el primero al último de sus miembros hace todo lo necesario para sobrevivir e incluso para llegar lejos a costa de una familia adinerada que es capaz de ser manipulada debida a su propio egocentrismo y creencia de superioridad suprema.

En conclusión, la considero una obra sobresaliente y digna de elogio tanto por sus interpretaciones como por su original historia que es llevada a cabo con gran sutileza y mano maestra de un director capaz de dar forma a cintas de lo más variopintas para deleite del publico más exigente y ávido de películas trabajadas, y en esta ocasión retorcidas para dejar tras su visionado una enorme sensación difícil de ser sustituida, ya que su resultado es único y desde luego digno de ser mencionado.

El polifacético Sam Mendes, creador de cintas tan dispares como Skyfall, Revolutionary Road, Camino a la perdición o American Beauty, se atreve en esta ocasión con un drama bélico de la talla de 1917. Una obra majestuosa en su simplicidad que cautivará a todos en su visionado. En ella, dos jóvenes soldados británicos tienen la difícil -por no decir suicida- labor, de cruzar el territorio enemigo para entregar a un coronel el mensaje de que no ataque, ya que es una trampa en la que morirán muchos soldados británicos. Asimismo, uno de los hombres que está a las ordenes de ese coronel es el hermano de uno de los protagonistas.

Con este argumento, rodado además con la simulación de un único plano secuencia que sigue a nuestros protagonistas por todo el campo de batalla, el director Sam Mendes logra encandilar al público ayudado por la fascinante música de su inestimable colaborador Thomas Newman, el cual borda cada nota musical que acompaña la historia y ayuda a crear junto con la evocadora fotografía de Roger Deakins, una atmósfera de terror que inquieta con mucho oficio al espectador. Además, gracias al ya mencionado plano secuencia, parece que acompañas a los personajes de Schofield y Blake, interpretados de forma notable por unos actores poco conocidos como lo son George MacKay y Dean-Charles Chapman. También es digna de elogio y mención la dirección artística, que luce unos vestuarios y caracterizaciones de lo más trabajados y que junto con los acertados decorados pareces estar sumergido en la Europa de la gran guerra de principios del siglo XX.

En definitiva, la considero una película enorme y digna de ser vista por dos razones muy elementales. La primera de ellas, por realizar un magnífico trabajo técnico en el que destaca por encima de todo la simulación de un único plano secuencia que acompaña a los protagonistas de principio a fin, algo usado muy pocas veces y que no solo supone una dificultad añadida al equipo de fotografía, sino que además aporta un nerviosismo extra e inquietud al espectador por hacerlo más partícipe de la historia si cabe. Y segundo, que la historia da como fruto de una trama sencilla pero apasionante un resultado sobresaliente que apasiona y derrocha valores únicos como la lealtad, el amor, el valor o el compromiso, pero sin caer en la falsa exaltación de estos para calar más profundo en el espectador, sino más bien lo contrario al ser llevados a cabo con sutileza y determinación para acabar siendo un film rotundo digno de ver y ser recordado.

Cuarto largometraje que se adapta de la famosa novela de Louisa May Alcott, y el segundo que se hace de la mano de una mujer después de la versión de 1994 de Gillian Armstrong. En esta ocasión, es Greta Gerwig quien la adapta en su guion y quien la dirige a su estilo. El resultado, es una cinta en la que se nota la sensibilidad y tacto de una mujer, quien exprime lo mejor de unas interpretaciones femeninas de lo más acertadas para hacer honor a la famosa novela homónima que tantas veces se ha llevado a la gran pantalla, tanto en largometrajes como en series de televisión.

Para esta versión, la directora repite con la irlandesa Saoirse Ronan después de contar con ella para Lady Bird. Y lo hace con acierto, al ser una actriz que empezó con buen pie y que lleva una gran progresión en la interpretación, tocando incluso distintos estilos interpretativos. También destacan para sus papeles la británica Emma Watson, muy lejos ya de su papel de Hermione Granger en Harry Potter, Meryl Streep cumpliendo notablemente como es normal en ella, y sobre todo una sobresaliente y renacida Laura Dern en un papel más secundario.

La dirección artística destaca en su trabajo. Los vestuarios y caracterizaciones de los protagonistas están de lo más conseguidos y juntos con los decorados te transporta eficientemente al momento y lugar en cuestión, ayudado de una evocadora fotografía bien cuidada al detalle. Destaca de sobre manera en la parte técnica del film la sutil y hermosa música de Alexandre Desplat, que acompaña con acierto la historia en los momentos oportunos sin caer en lo excesivamente pomposo o cursi.

Podríamos decir, siendo sincero, que es un buen film, aunque destinado quizás a otra clase de público más ostensible al que le gusten cintas del tipo Sentido y Sensibilidad, Orgullo y Prejuicio o películas del estilo. Su sensibilidad es quizás plato de buen gusto para personas que realzan el amor por encima de todo y lo magnifican, por ello, cala en el público mas impresionable. No digo con ello que no sea buena película, porque lo es, sino simplemente que el público mas sensible será el que la disfrute más plenamente.

En el año en el que acabó la Segunda Guerra Mundial en Europa, Marcel Carné estrenó Los niños del paraíso en Francia, una obra de más de tres horas de duración que toma como base el amor y el teatro en el Paris de 1820, donde dos jóvenes artistas (uno actor cómico de carácter extrovertido y un funambulista tímido y retraído), se conocen y forjan una bonita amistad mientras trabajan juntos en un mismo teatro, donde ambos se enamoran de una misma mujer.

Con esa delicada historia de amor, y con el teatro como testigo, se desarrolla una obra maestra de cine clásico europeo (aunque bien podría ser en muchos aspectos norteamericano), cautivando a cualquier amante de cine de época basado incluso en épocas anteriores que no deja nada al azar, que no se toma ninguna prisa en avanzar, y que incluso no se hace largo en absoluto en su extensa duración, ya que su interesante trama se va calentando sin prisa pero sin pausa para encandilar al público y darle un final excelso como no podía ser menos.

Las interpretaciones son sobresalientes del primero al último, cada uno en su estilo. Jean-Louis Barrault realiza una enorme interpretación en su papel de Baptiste y Pierre Brasseur encandila al espectador con la enorme personalidad de su personaje Frédéric. Sin olvidar por supuesto, las notables interpretaciones de Pierre Renoir y Arletty entre otros. También destaca la fotografía en blanco y negro y la dirección artística trabajada al detalle para transportar al espectador con eficacia a la época narrada en cuestión.

Es por tanto una maravillosa película de cine europeo clásico que dejará a cualquier cinéfilo pegado al asiento de principio y a fin, y que deja tras su visionado una agradable sensación que se quedará para siempre en la retina del espectador, por la calidad de sus imágenes y puesta en escena, por sus enormes interpretaciones y fotografía cuidada al detalle, pero sobre todo, por narrar una bella historia de amor y desamor que pone de manifiesto un melodrama excelso que coloca sin lugar a dudas a Los niños del paraíso, como una de las obras clásicas de cine europeo más destacables y hermosas de todos los tiempos.

Histórica película de D.W. Griffith que supone el comienzo del cine moderno tal y como lo conocemos hoy día. En ella, se narra la historia de dos familias amigas. Una de ellas apoya a los confederados del sur y la otra a la unión del norte justo antes del comienzo de la guerra de secesión norteamericana. Así, según Griffith, comenzó El nacimiento de una nación, película que por cierto, fue tildada de racista en el momento de su estreno, aunque el director ya menciona al principio de la película que no teme la censura y que exige como derecho la libertad de exhibir el lado oscuro del mal para así poder iluminar el lado luminoso de la virtud. Aunque una vez la has visto, te das cuenta de la exaltación que se le hace al Ku Klux Klan, a los que deja como héroes.

Dejando aparte el tema del racismo, la cinta es digna de elogio. En sus más de 3 horas de duración Griffith hace alarde de una técnica cinematográfica no vista hasta el momento, usando planos alternados en lugar de fijos, cámaras que se desplazan y un tipo de planos que usa distintos a lo visto hasta ese momento. Antes de este film, las películas parecían obras de teatro que eran filmadas, y no existía una historia lineal como la que aquí se manifiesta.

En ella, muestra los hechos que D.W. Griffith consideraba más importantes de la historia de los EEUU, como por ejemplo el inició de la guerra de secesión entre los confederados y la unión del norte que tuvo como principal disputa la liberación de los esclavos negros. El asesinato de Abraham Lincoln solo unos días después de que la guerra terminara. La abolición de la esclavitud y el posterior derecho a voto del hombre negro. Todo esto, siempre desde el punto de vista subjetivo del director, aunque sino te la tomas al pie de la letra, sirve como gran documento histórico de los comienzos de los Estados Unidos de América.

Hoy por hoy, la película se hace algo larga de ver, ya que sus más de 3 horas de duración junto con ser cine mudo hace que no sea algo entretenido para el público en general, pero si es recomendable de ver para aquellos cinéfilos que quieran conocer obras históricas que marcaron un antes y un después en la historia del séptimo arte, por ser una pionera en varios aspectos técnicos y por servir como documental (aunque sin olvidar que queda expuesta desde el punto de vista subjetivo del director) para todos aquellos dispuestos a conocer los comienzos del cine.

Es bueno recordar -creo yo-, lo que ocurrió dentro de nuestras fronteras hace no demasiados años. Es bueno recordar, que no hace mucho éramos capaz de mantener un odio atroz a quien no pensaba como nosotros, a quien no seguía a los mismos líderes políticos a quienes nosotros creíamos conveniente. Es bueno, -creo yo-, para intentar por todos los medios que no se repita, ya que en ocasiones parece que vamos directos a lo que en La trinchera infinita se narra. Enorme drama basado en hechos reales que te hipnotiza a la vez que te machaca por mostrar tan crudamente, a lo que tenían que recurrir en ocasiones aquellos que perdían las batallas por miedo a represalias.

Los directores Jon Garañón, Aitor Arregi y José Mari Goenaga ponen voz, oído y sentimiento a una de tantas y tantas historias que ocurrieron en la guerra y tras la guerra, para que no caiga en el olvido y no pensemos por un instante que estamos tan lejos de aquello que nos avergüenza, de aquello que nos separo tan profundamente y que aún dura en nuestras diferencias políticas llevadas al extremo. Y lo hacen con mano diestra y con mucho acierto, sin ofender creo yo a nadie pero a la par mostrando lo que paso en esos aciagos días de la guerra civil española y en la posterior dictadura de Franco, donde los vencedores sometían a los vencidos a través de odio y rencor sin límites.

La parte técnica de la película está también muy bien lograda. La excepcional fotografía de Javier Aguirre Erauso expone muy bien la claustrofobia al público en casi todo el film, y además, aporta gran dosis de realismo y tensión en las persecuciones gracias a la cámara en mano, consiguiendo así inquietar más si cabe al espectador. También la música, sutil y acompañando magistralmente la acción es de lo mas acertada. Y qué decir de la dirección artística mostrando el paso de los años en los personajes físicamente, y también en los decorados que consiguen transportarte notablemente a cada época narrada.

Las interpretaciones, son también estupendas, gracias sobre todo a las enormes actuaciones de Antonio De la Torre y Belén Cuesta que se apoderan de la atención del espectador en todo el film. Por su dramatismo, por el realismo de sus miradas, de sus miedos, de cómo ocultaban su gran secreto a vecinos y seres queridos, manteniéndolo incluso hasta el fin de todo eso para aturdir al público con la verosimilitud que desprende esta historia de principio a fin. Y el guion, lineal y de lo más creíble, logra captar toda la atención y respeto de toda clase de espectadores por no sobrarle ni un minuto, ni una frase, ni un silencio…

En definitiva, considero la Trinchera infinita una obra sobresaliente. Por sacar a la luz con mucha destreza un tema delicado y controvertido por las diferencias políticas que aún existen en un país que parece por momentos no recordar todo lo malo que trajo la guerra civil española. Por recordarnos que el odio nunca muere y que es mejor en ocasiones pasar cosas desapercibidas, ya que el odio no olvida, el odio te mata poco a poco sin darte cuenta ni ser consciente que en ningún momento te beneficia, y lo que es peor, que poco a poco te hará menos libre y cada vez más esclavo de un pensamiento amargo y posiblemente desmedido en realidad.

Enorme drama el que nos muestra Wang Xiaoshuai basado en las vidas de dos matrimonios desde los años 80 hasta su vejez, aunque el principal tema tratado es la muerte del hijo de uno de ellos, ahogado por accidente en un embalse. Esta desgracia es el verdadero punto de inflexión en la vida de estas parejas, aunque no la única, ya que ocurren muchas desdichas en la vida del sufrido matrimonio, que tras el horrible incidente de perder a su hijo deciden adoptar uno para cubrir su pérdida, aunque el resultado no es el deseado y este no encaja con ellos y decide fugarse e irse por su cuenta. Con esta desgarradora historia, el director logra captar la atención de toda clase de públicos con mano maestra.

Una de las mejores virtudes de esta película, es que Wang Xiaoshuai descubre al mundo y pone nombre y apellidos, a lo que allí ocurría en la vida social y política con la conocida decisión del gobierno comunista Chino de no dejar más de un hijo por matrimonio para frenar el exceso de población y pobreza que sufría el país, con los dramas que con ello vivían Las familias chinas que quedaban por accidente embarazadas de su segundo hijo. No es corriente que estos temas salgan a la luz enlazando además la culpabilidad de la idea política de un país con el destrozo que causaba en las familias, sobre todo en las más pobres.

Hay múltiples cuestiones en esta obra dignas de elogio y reconocimiento. La mejor de ellas, probablemente, el montaje con flash back que va explicando poco a poco y sin ninguna prisa lo que ocurrió el fatídico día. Un guion que huye de la narrativa lineal y pone de manifiesto el derroche técnico que tiene el director a la hora de realizar el montaje de esta película. Otra cuestión para ser remarcada, son las notables interpretaciones de todos y cada uno de los protagonistas de esta historia amarga y triste, pero bella al fin y al cabo. También merece la pena ser mencionada la dirección artística por los vestuarios y decorados para transportar al público a cada época narrada, y la música que acompaña la trama con sutileza cuando es preciso para aumentar el dramatismo aunque sin caer en lo excesivo.

En conclusión, la considero una obra destacable y desde luego notable en todo lo que expone. En cómo un matrimonio se entierra en vida en la profunda tristeza de perder trágicamente un hijo, y de cómo afrontan tras eso sus vidas y es además explicado poco a poco a través de un sobresaliente montaje que vuelve atrás en el tiempo para que el espectador vea poco a poco lo que ocurrió el día que murió su hijo. Por lo tanto, gustará a todos aquellos que se aventuren a descubrirla y que dispongan de la iniciativa de ver una cinta de 3 horas de duración que no se les hará larga en absoluto, ya que una vez la has visto te darás cuenta de que no le sobra ni un minuto.

Hermosa y triste historia la que se nos muestra en Nadie sabe. En ella, el director y guionista Hirokazu Koreeda detalla la historia de 4 hermanos menores de edad, y su madre, una prostituta que pasa muy poco tiempo con ellos, y que los obliga a vivir solos hacinados en un piso mientras ella de vez en cuando les manda algo de dinero, hasta que un día desaparece por completo. En ese momento el hermano mayor, que no deja de ser un niño, se responsabiliza del resto de sus hermanos encargándose de las compras y del cuidado de estos, los cuales además, deben estar en silencio en el piso para que los propietarios no se enteren de que están solos y denuncien el caso a la policía, ya que en ese caso se separarían a los hermanos.

Con esta premisa comienza y avanza esta amarga historia de amor a la familia y a la vez de impotencia y soledad de unos niños, que se resignan a su aciago destino lleno de pesadumbre y sobre todo de una enorme incertidumbre de lo que pasará con ellos, aunque mientras tanto, juegan y se entretienen como pueden, ya que al fin y al cabo no dejan de ser niños, y es el hermano mayor el que se encarga de todo y vela por la seguridad de sus hermanos, aunque este también no deja de ser un niño, y en ocasiones puede cometer actos lejos del camino que le han trazado.

Esta película, que tiene como claro objetivo conmover al espectador, y lo consigue notablemente, no deja de ser una triste realidad que por suerte pasa en pocas ocasiones, pero que desde luego existe y que en un momento u otro de nuestra existencia hemos sido testigos a través de los medios de comunicación de algún caso parecido. Es precisamente esa posibilidad real la que asfixia al público en una continua sensación de ser cierto lo que se está narrando, por muy triste y desafortunado que pueda parecer, y nos hace también testigos de la enorme responsabilidad que adquiere alguno de ellos en el cuidado del resto, como en la naturaleza misma que nos rodea.

Por tanto, considero esta película una obra digna de ser vista, por su gran dosis de realidad y también de humanidad que desprende. Humanidad no siempre buena, claro está, pero humanidad al fin y al cabo al mostrarnos lo que una persona es capaz de hacer con sus hijos por tal de no perderlos, aunque el precio que tengan que pagar estos sea el mismo abandono y la eterna soledad que parece no acabar nunca. También la trama desprende una gran dosis de humanidad de la buena, de como esos niños cuidan los unos de los otros y de como el hermano mayor sin quererlo ni pedirlo, hace su papel de padre para que sus hermanos pequeños no sientan la dura y cruda realidad de la que solo parece ser consciente él mismo.

Una peculiar música tocada por 3 músicos presentes mientras la protagonista, una profesora de canto de 50 años hace de las suyas para boicotear la electricidad en su región, es el preludio de una película original, y comprometida con la causa. Pero, aparte de eso, algo imprevisto ocurre en la vida de la profesora además de la cruzada que tiene contra el sistema, y es que esta recibe una carta de adopción aprobada que solicito hace 4 años de una niña Ucraniana que ha quedado huérfana por la guerra de su país, ocurriendo con ello un gran shock en la vida preestablecida de Halla, nuestra particular profesora, dejando con ello en el aire lo que a partir de ahora decidirá hacer con su vida.

La música de esta película es el componente más original que existe, ya que los 3 músicos ya mencionados aparecen una vez tras otra en la acción acompañando a la protagonista en su día a día, además de 3 cantantes que van apareciendo a lo largo del metraje. Este particularísimo detalle musical, marca gran diferencia de este film con el resto de cintas, por lo que es algo novedoso y nunca visto. La fotografía, colorida y también natural, es otro de los puntos fuertes de la cinta, transportándote eficazmente a Islandia en su naturaleza y particular clima.

La película, está llena de mensajes no fáciles de descifrar, y deja esta cuestión al espectador para que a su manera y forma de pensar los descifre. Se centra sobre todo en la ambigüedad de la protagonista a la hora de elegir adopción y paz o seguir con su guerra contra el sistema. Es precisamente esta cuestión la que divide al público según su preferencia, la cual no es nada fácil de discernir, ya que ambas cuestiones son dignas de ser tomadas en cuenta y desde luego siguen el camino recto que todos deberíamos seguir para aportar nuestro granito de arena a mejorar todo lo que nos rodea.

En conclusión, la considero una obra original que se desmarca en varios aspectos del cine más convencional. Escoge un camino más insólito para diferenciarse y consigue hacerlo con cierto éxito, ya que no deja de ser curioso el tema musical ya mencionado, y las actitudes de la protagonista que toma a lo largo del film para seguir luchando contra lo que ella considera injusto, trazando con ello una línea humana y desde luego bella que atrapara la atención del espectador y dejara grata sensación tras su visionado.

Áspera película la que nos presenta Debra Granik basada en un guión suyo adaptado de la novela de Daniel Wooddrell. Áspera, y desde luego incómoda en lo que expone, debido al realismo que el espectador experimenta en la sucia sensación que dejan tras de si los actos criminales de los que se dedican a la fabricación y venta de droga, así de como lo que llegan a hacer cuando alguien se desvía de su camino trazado. Todo ello, expuesto con verosimilitud y con unas interpretaciones convincentes que nos descubren a una jovencísima Jennifer Lawrence en uno de sus primeros trabajos, en el cual deja ya claro que es una actriz prometedora y lista para darnos muchos papeles destacables dignos de ser disfrutados. Destacan también, el resto de interpretaciones que dejan clara la frialdad de los personajes y de los hechos que cometen.

La película es expuesta sin trampa, sin usar ningún truco para aumentar la desagradable percepción que deja en el público las calamidades que sufre la protagonista junto a su familia, la cual está a punto de ser desahuciada por una deuda dejada por su padre, que además ha desaparecido sin dejar rastro al salir de permiso de la cárcel, razón por la que su hija lo busca sin descanso y evitar así que las echen de su casa. Esta es la trama que exprime la directora en su segundo largometraje, una cinta sin duda bastante madura y bien trabajada para incomodar al espectador en lo que expone.

En definitiva, podemos catalogar Winter´s Bone, como una película incómoda en su modo de llegar al espectador a través de una trama sucia y desde luego realista que deja tras de si la sensación de ser una historia creíble que gustará aunque sin apasionar en lo que va ofreciendo, ya que aunque sea plausible lo que muestra, podría haber sido mejorada si se desarrolla algo más al resto de los personajes y no solo a la principal, ya que todos forman una extraña familia de delincuentes dedicados al mundo de la droga y se podría haber sacado más jugo a un entramado que da mucho mucho juego.

Una mujer mece una cuna mientras es presenciada por 3 ancianas que susurran entre ellas al tiempo que observan esta acción. Esta escena, que se repite varias veces en el film, simboliza perfectamente el nombre de la película “Intolerancia”. Así comienza esta enorme superproducción de D.W. Griffith de 1916, que costó más de 2 millones de dólares (una cantidad desmesurada para la época) y que supuso la ruina para el director.

Con esta película, D.W. Griffith, que sirvió de inspiración a otros directores como por ejemplo Eisenstein, trataba de resarcirse de su anterior obra El nacimiento de una nación (1915), película que fue tildada de racista por el público de la época. Y no lo consiguió. La película fue un fracaso en taquilla (quizás por su larga duración) y también fue muy castigada por la crítica, que quizás no comprendió bien el mensaje que trataba de trasmitir el cineasta sobre la lucha entre el bien y el mal.

La película narra varias historias de distintas épocas de la humanidad como La huelga de trabajadores de 1912, que fue reprimida con mucha violencia y que fue la primera historia que trataba de plasmar en su totalidad el director con este film, y también la caída de Babilonia, La pasión de Cristo y la noche de San Bartolomé (el sangriento episodio de las luchas entre hugonotes y católicos que tuvo lugar en Paris en 1572). Y en todas ellas, el director y guionista trata de plasmar los distintos defectos del ser humano y la eterna lucha entre el amor y el odio, coincidiendo además con la Primera Guerra Mundial en Europa.

Los aspectos técnicos de Intolerancia son dignos de elogio dada la época. Se utiliza en su mayoría una fotografía en sepia, aunque cambia de color en algunas historias. También la música es lo de más acertada y acompaña la acción durante todo el metraje, y la dirección artística, es sobresaliente al plasmar perfectamente las ropas de cada época según la trama narrada. También es de lo más destacable el montaje de la cinta, narrando a la vez 4 historias totalmente distintas y dando saltos de una a otro a lo largo de todo el film.

Concluyendo, la considero una obra digna de ver por cualquier cinéfilo que quiera conocer las obras más destacables de los directores más influyentes, ya que aunque en su momento no triunfo y fue duramente castigada por el público y la crítica, ha sobrevivido eficazmente el paso del tiempo y guarda incluso en su interior algunas escenas míticas con más de 15000 extras y 200 carros, siendo por tanto su director un pionero en el cine en diversos aspectos como la puesta en escena, el montaje, el uso de la profundidad de campo y los primeros planos.