La chica danesa de Tom Hooper es un drama romántico biográfico basado en la transexualidad en los años 20 sobre la vida de Einar Weneger y su cambio a través de ir tomando una apariencia femenina. Dirigida con un ritmo tranquilo y con un estilo intimista que busca dar belleza y lirismo a los hechos reales, es una obra bella que gusta ver por sus detalles visuales e interpretativos que acaparan y descolocan algo al espectador con una historia real muy provocadora para su momento, haciendo con este film un justo homenaje a la libertad de expresión corporal de una persona que vivía en el cuerpo equivocado, concluyendo un buen film que no brilla pero si queda con efectividad en la mente del espectador.
La fotografía es alusiva en sus lumínicas imágenes inspiradoras que están repletas de matices espléndidos y hermosos que confortan al espectador, ya que está estéticamente cuidada al más mínimo detalle sugestivo que hace además gran uso de la luz. La música es melódica y estimulante en sus intrigantes sonidos que son sugerentes, pasando de enigmáticos a emotivos e incluso insidiosos para conmover o inquietar y acompañar sutilmente la acción. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica mediante el uso de los generales, steadycam, cámara en mano, seguimiento, reconocimiento, nadir, cenitales, subjetivos, primeros y primerísimos planos y plano-contraplanos que exprimen lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son profundas y remarcables. Como protagonistas Eddie Redmayne está convincente en un excepcional papel que clava a la perfección y Alicia Vikander está irreprochable en una sincera labor, siendo también notables lo acompañamientos de Matthias Schoenaerts, Amber Heard, Ben Whishaw, Sebastian Koch y Victoria Emslie entre otros. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos de la época y el personaje de clases altas, elegantes, estilosos e impolutos en un trabajo con mucho oficio que junto con los soberbios decorados y exteriores te transporta in situ.
El guion, escrito por Lucinda Coxon y basado en la novela de David Ebershoff, está basado en hechos reales y sirve como eficaz documento gráfico para conocer a la primera persona que se sometió a un cambio de sexo, logrando con ello cautivar al público con elegancia y dando un toque estéticamente bello y bien cuidado en detalles visuales de la historia, finalizando con ello un notable film que no es deslumbrante pero cumple ampliamente a un ritmo eso sí, bastante pausado. Esto se lleva a cabo con una narrativa profunda y expresiva que con tono insinuante y desesperanzado deja claro en todo momento la situación personal y anímica de cada persona gracias un trabajo clásico y natural. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que va poco a poco mostrando su trama y el verdadero yo de los personajes.
Concluyendo, la considero una obra inolvidable e inusitada por la historia real incitadora que ofrece que es impecable en su trama y gusta ver aunque su ritmo sea lento, ya que sus personajes hilan unas enormes interpretaciones y además el film sirve para descubrir los comienzos de las operaciones de sexo con todas las complicaciones que conllevaron la difícil transformación. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones, decorados y narrativa que vuelven a La chica danesa, en un film provocador e intachable en su exposición de los hechos.

El abuelo que saltó por la ventana y se largó de Felix Herngren es una comedia de aventuras basada en un anciano que el día de su centésimo cumpleaños escapa de la residencia para vivir aventuras mientras recuerda sus vivencias a las nuevas personas que va conociendo. Dirigida con un ritmo activo y con un estilo curioso y atractivo que hace reír con su humor negro, es una obra llamativa y llena de momentos hilarantes bien cuidados que quizás no han obtenido un justo reconocimiento por la crítica y el público, ya que logra entretener y arrollar al público con una historia repleta de aventuras que cautivará a todos los que busquen comedias distintas repletas de un humor distinto y perspicaz.
La fotografía es lumínica y hermosa en sus espléndidas imágenes evocadoras que te transportan eficazmente a cada lugar y época mostrados, logrando una labor estéticamente sugerente y vistosa que agrada ver. La música es rítmica y melódica en sus canciones estimulantes y agraciadas que pueden ser tranquilizadoras o intrigantes en un inspirador trabajo lleno de encanto. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica mediante el uso del travelling, seguimiento, generales, cámara en mano, avanti, subjetivos, retroceso, plano-contraplanos, grúas y circulares que exprimen lo mejor de la trama y las interpretaciones. Cabe destacar también, los efectos visuales competentes en explosiones para dar un toque de humor negro a la cinta.
Las actuaciones son acertadas y está bien trabajadas del primero al último. Como protagonista absoluto y principal Robert Gustafsson está remarcable y oportuno en un papel que se recuerda, siendo buenos también los acompañamientos de Iwar Wiklander, David Wiberg, Mia Skäringer, Jens Hultén y Bianca Cruzeiro entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones alusivos de la época, el lugar y el personaje en una magnífica labor bien trabajada que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por el director junto con Hans Ingemansson y basado en la novela de Jonas Jonasson, es de lo más sustancioso y lioso pero llama mucho la atención las aventuras y el pasado de nuestro anciano protagonista, dejando al público pegado al asiento y con una sonrisa de oreja a oreja con las hilarantes situaciones que ofrece el film, finalizando una notable película que está algo infravalorada injustamente, ya que aunque no es deslumbrante tiene mucha intención en lo que ofrece. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off afable y sugerente de ancianos que es explicativa y enigmática en sus profundas y nostálgicas reflexiones que son tomadas a broma en una equilibrada tarea. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que utiliza el flash-back para ir recordando su vida y explicar así al público su inaudita vida.
Para finalizar, la considero una obra necesaria en su género que atrapa eficazmente la atención del espectador buscador de comedias diferentes y con un humor algo negro basado en la suerte y en la casualidad para satisfacer al público, siendo por tanto un film entretenido y divertido de ver que cumple ampliamente con lo que se propone el director. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, efectos, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterización y narrativa que hacen de El abuelo que saltó por la ventana y se largó, un film jocoso y bien trabajado en argumento y en humor que se recuerda eficazmente tras su visionado.

Incendies de Denis Villeneuve es un thriller y un drama de intriga basado en dos hermanos que reciben a la muerte de su madre, unas extrañas cartas en su testamento en las que esta le pide a su hija que busque a su padre y a su hijo a su hermano. Dirigida con un ritmo paulatino y con un estilo muy personal y duro que deja evidencias de la crudeza de la guerra entre religiones, es una obra magnífica en lo que expone para atrapar al público y penetrar en él de forma inteligente e implacable con un film que no pasa en absoluto desapercibido por ser incitador y desde luego arrollador, concluyendo un excelente film que deja claro la gran calidad cinematográfica del director.
La fotografía es evocadora e impactante en ciertas escenas, además hace gran uso de los claroscuros en un desconcertante trabajo que estimula al espectador por estar repleto de detalles estéticamente inspiradores y portentosos. La música es triste e hipnótica en sus turbadoras melodías que hacen partícipe al público de la constante amenaza de uno de los protagonistas, añadiendo también bellos sonidos nostálgicos que dan profundidad al film. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica a través del uso del avanti, reconocimiento, travellings, generales, plano-contraplanos, cámara en mano, detalles, tercera persona, subjetivos, seguimiento, panorámicos, rotación, circulares, primeros y primerísimos planos que exprimen lo mejor de las interpretaciones añadiendo un toque personal y reconocible. Cabe señalar también, los efectos visuales enardecedores de la violencia en determinadas escenas para añadir dramatismo al film.
Las actuaciones son impecables y profundas. Como protagonistas Lubna Azabal trabaja con calado psicológico, Mélissa Désormeaux-Poulin está remarcable en su labor y Maxim Gaudette está susceptible y apático en su tarea, siendo buenos los acompañamientos de Rémy Girard, Abdelghafour Elaaziz, Allen Altman y Mohamed Majd entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos de cada personaje y época mostrada que son humildes de campos, de árabes, militares y también sencillos e informales en una excelente labor que junto con los decorados y los exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por el director junto con Valérie Beaugrand-Champagne y basado en la obra de Wajdi Mouawad, es de lo más interesante al tratar de poner pies y cabeza a una familia rota por el silencio y el pasado, logrando cautivar al público con una historia provocadora y hermosa que penetra irremediablemente gracias a un film arrollador y bien construido de principio a fin. Esto se lleva a cabo con una narrativa profunda y desesperanzada que es algo triste por un lado y expresiva e intrigante por el otro en un equilibrado trabajo. Cabe destacar también, el montaje dividido en capítulos por cada personaje que tiene flash-backs para ir mostrando al espectador toda la trama y sus comienzos en una operación bien lograda para atrapar con profesionalidad al espectador.
En definitiva, la considero una obra imperecedera e insustituible en el drama que absorbe inevitablemente al público con su sustancioso entramado que mantiene al público absorto de principio a fin y lo sacude a la finalización de este cuando enlazan todos los cabos sueltos, dejando al público con una gran sorpresa en la cara. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, efectos, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que convierten a Incendies, en un film provocador y desde luego cautivador que desconcierta al público con su final y lo mantiene absorto todo el rato con su bien trabajado desarrollo.

Paulina de Santiago Mitre es un drama y un thriller remake basado en una joven abogada algo perdida que decide dedicarse a labores sociales en la periferia de la ciudad. Dirigida con un ritmo lento y con un estilo intimista y personal, es una obra profunda y de difícil comprensión psicológica que se basa en los pensamientos e inquietudes de una protagonista que va con su vida a la deriva sin ser objeto de comprensión por parte del público, siendo ese desconcierto el mayor fuerte del film aunque es inevitable sentirse provocado por su insidiosa y turbia trama, concluyendo un buen film que no brilla pero si ofrece algo particular a los buscadores de dramas profundos.
La fotografía es evocadora y muestra en su mayoría la naturaleza, haciendo gran uso de los claroscuros en una labor estéticamente apropiada por estar repleta de matices. La música es melódica en sus sonidos tranquilizadores e hipnóticos que son recónditos y en ocasiones turbadores para penetrar en el público. Los planos y movimientos de cámara consuman una buena labor técnica mediante el uso de la cámara en mano continua, subjetivos, tercera persona, seguimiento, generales, plano-contraplanos, circulares, primeros y primerísimos planos que se centran en exprimir lo mejor de las interpretaciones.
Las actuaciones son notables y señaladas. Como protagonistas Dolores Fonzi está remarcable en un papel con hundimiento psicológico y Oscar Martínez está acertado en su susceptible labor, siendo buenos los acompañamientos de Esteban Lamothe, Cristian Salguero, Verónica Llinás y Laura López Moyano. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones humildes y carentes por un lado y más elegantes y formales por otro para marcar claramente las diferentes clases sociales.
El guion, escrito por el director junto con Mariano Llinás y basado en una historia de Eduardo Borrás, es profundo y extrañamente atrayente en su turbia y desconcertante trama que expone la vida de una mujer que se busca a sí misma en la periferia de la ciudad ayudando a jóvenes, aunque el futuro que encuentra no es el esperado, finalizando así un buen film que es algo lento eso sí y de un incitador que no a todos gustará. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off que es alusiva del lugar, siendo en su mayoría expresiva y profunda para ser de lo más sugerente de cada persona, predominando el tono desesperanzado y pesimista. Cabe señalar también, el montaje con flash-back bien trabajado que gira en una misma escena pero desde distintos puntos de vista, siendo el resto lineal y seguido.
En conclusión, la considero una obra arrebatadora y muy intimista y personal que tiene detalles atrayentes y perniciosos que sacuden al público con una decisión inesperada e incomprensible por parte de la protagonista, que no tiene muy claro lo que quiere pero si en determinado momento lo que quiere llegar a tener, concluyendo un buen film que no brilla pero si cumple con su cometido. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, movimientos de cámara y narrativa que convierten a Paulina, en un film no indispensable pero si bueno en lo que se propone serlo.

Jamón, Jamón de Bigas Luna es un drama con tintes de comedia y romance basado en un joven que trabaja de repartidor de jamones y quiere ser torero, un joven adinerado hijo de unos ricos fabricantes de ropa interior masculina y la novia de este. Dirigida con un ritmo tranquilo y con un estilo un tanto enrarecido que llega a ser atrayente, es una obra personal que es bastante recordada por lo provocadora que es y los personajes que la forman, aunque su trama tampoco brilla con intensidad y es más pasable, concluyendo eso si un buen film que entretiene y tiene escenas subidas de tono que dejaron a más de uno descolocado.
La fotografía es lumínica y evocadora en unas imágenes bien cuidada en matices en el que se hace gran uso de los claroscuros, logrando una labor estéticamente apropiada y desconcertante que hace que la recuerde al espectador. La música es variada de fiestas y alusiva del momento, con otros sonidos emotivos y melódicos que agradan su visionado en las escenas oportunas. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica mediante el uso de los detalles, seguimiento, grúas, generales, cámara en mano, circulares, rotación, primeros y primerísimos planos, reconocimiento, avanti y retroceso que exprimen lo mejor de las interpretaciones dentro de su entorno.
Las actuaciones son verosímiles y auténticas. Como protagonistas Penélope Cruz está sensual y sensible, Javier Bardem está chulesco en un personaje convincente y Jordi Mollá está señalado en su labor, siendo también buenos los acompañamientos de Stefania Sandrelli, Anna Galiena, Juan Diego, Tomás Penco y Armando del Río entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones elegantes y distinguidos por un lado y más humildes y comunes por otro para marcar la diferencia de clases en una correcta labor que junto con los decorados te transportan.
El guion, escrito por el director junto con Cuca Canals, es un tanto extraño en el trió amoroso que expone pero desde luego tiene buenos detalles de drama y humor para dejar buena sensación tras su visionado, finalizando un incitador film con relios amorosos entre unos y otros que descolocan a un público que no se esperan ni por asomo ni su desarrollo y aún menos su desenlace. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva y algo ordinaria que con tono natural e insinuante se hace sugestivo de cada personaje según su forma de ser. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que se toma su tiempo en ir desarrollando la trama y es de corta duración, por lo que no se hace pesado en absoluto.
Concluyendo, la considero una obra peculiar y atractiva a la vez en la que se conoce a unos jóvenes Penélope Cruz, Javier Bardem y Jordi Mollá para deleite de sus seguidores y del público en general, ya que su extraña y provocadora historia aún sin brillo se queda con eficacia en la mente del espectador. Recomendable por su dirección, actuaciones, fotografía, música, montaje, movimientos de cámara, caracterizaciones y diálogos que hacen de Jamón, Jamón, un film recordable dentro de la filmografía del cine español.

Straight Outta Compton de F. Gary Gray es un drama musical basado en hechos reales de la década de los 80 y los 90 en el que se muestra como comenzó y se desarrolló hasta su final la banda de hip hop N.W.A. Dirigida con un ritmo activo y con un estilo que se acopla a los hechos reales que formaron el grupo y su posterior desarrollo, es una obra entretenida que sirve como eficaz documento gráfico de como un grupo de jóvenes llegaron al éxito desde un barrio conflictivo y peligroso de Los Ángeles como Compton, cautivando con ello a todos los amantes de la música hip hop, ya que lo que ofrece llena de ritmos y rimas el film y se queda eficazmente en la memoria del espectador, en especial de aquel seguidor de la música norteamericana de los 80.
La fotografía es oscura y violenta en sus vistosas imágenes que hacen gran uso de los claroscuros para crear la atmósfera apropiada, siendo por tanto una labor portentosa y estéticamente bien lograda para lo que ofrece el film. La música es hipnótica y penetrante en sus inquietantes melodías y luego rítmica y arrolladora en sus llamativas rimas de hip hop que logran un trabajo sensacional y estimulante que es desde luego de lo más sugerente. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica mediante el uso de grúas, circulares, rotación, seguimiento, tercera persona, cámara en mano, primeros planos, generales, subjetivos, detalles, steadycam, plano-contraplanos y reconocimiento que exprimen lo mejor de las interpretaciones y las actuaciones del grupo.
Las actuaciones son aceptables y están bien trabajadas del primero al último. Cuenta con las certeras interpretaciones de Keith Stanfieldk, Aldis Hodge, Jason Mitchell, Paul Giamatti, Alexandra Shipp, Keith Powers, Orlando Brown, Corey Hawkins y O'Shea Jackson Jr. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones alusivos y sugerentes de bandas, raperos y policías en una notable labor que junto con los decorados de interiores y los exteriores te transportan a cada lugar.
El guion, escrito por Andrea Berloff y Jonathan Herman, está basado en hechos reales y es curioso ver cómo fueron los comienzos de N.W.A. y de cómo posteriormente en pleno éxito y por sus diferencias se separan y siguieron distintos caminos, plasmando también lo dura que era su vida en Compton y como eso les marcó para el resto de su carrera profesional, finalizando con ello un film vistoso que va de menos a más y que es imprescindible de ver para conocer parte de la música americana de los años 80. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva y sugestiva de barrios que es insidiosa y algo ordinaria como era de esperar, además de representativa del hip hop norteamericano. Cabe señalar también, el montaje seguido y acompasado que marca buen ritmo y explica el comienzo de un grupo rebelde que a través de sus irreverentes letras desahogaron su rabia contenida.
Para finalizar, la considero una obra necesaria para conocer los comienzos y el desarrollo tanto juntos como separados del grupo N.W.A. y de todos sus integrantes para satisfacer a todos los seguidores de la cultura hip hop, concluyendo un digno film que muestra tanto los éxitos como los excesos y fracasos del grupo. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que hacen de Straight Outta Compton, un film llamativo y lleno de ritmos y rimas irreverentes y rebeldes que marcaron el final de los 80 y comienzo de los 90 en la cultura de los Estados Unidos.

Brooklyn de John Crowley es un drama romántico basado en la inmigración en los años 50 en el que una joven irlandesa viaja a Estados Unidos para prosperar y conoce allí al amor de su vida, pero todo se complica cuando la hermana que cuida a su madre muere repentinamente. Dirigida con un ritmo tranquilo y con un estilo hermoso y sincero que atrapa con sensibilidad y acierto al espectador, es una obra maravillosa que guarda en su interior gran belleza y naturalidad de la época narrada para ir entregándosela poco a poco al público, el cual asiste a su visionado con extraordinaria atracción e incluso envidia de su historia repleta de un amor que se va cociendo a buen ritmo y que a nadie le resulta lento, logrando con ello un gran film que huye de añadiduras artificiales e innecesarias.
La fotografía hace gran uso de los claroscuros, logrando un espléndido trabajo que se hace muy vistoso y desde luego evocador a la época y lugares mostrados, culminando una hermosa tarea que es estéticamente notable e inspiradora. La música es emotiva y tranquilizadora en sus alusivas melodías que son según la escena conmovedoras y desde luego confortantes para añadir nostalgia al film. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica a través del uso del seguimiento, plano-contraplanos, generales, subjetivos, panorámicos, reconocimiento, generales, detalles y primeros planos sobrios que sacan lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son naturales y convincentes. Como protagonistas Saoirse Ronan está irreprochable y creíble en una labor encantadora, Emory Cohen está carismático y acertado y Domhnall Gleeson está intachable y notable en su papel, siendo buenos los acompañamientos de Julie Walters, Jim Broadbent, Michael Zegen, Mary O'Driscoll y Eileen O'Higgins entre otros. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos de cada personaje según su condición y clase social en una magnífica tarea que junto con los decorados y exteriores te transporta a cada lugar.
El guion, escrito por Nick Hornby y basado en la novela de Colm Toibin, es hermoso y muy natural al plasmar una historia sencilla de amor con las complicaciones normales que pueden existir en cualquier relación con parejas de distintos lugares, siendo ese el principal fuerte del film y también sus giros argumentales que mantienen al público atento y pendiente de su desenlace. Esto se lleva a cabo con una narrativa sugerente e impoluta que de forma natural y tono clásico y afable cautiva a todos, usando también una voz en off explicativa de lectura de cartas para crear la atmósfera apropiada. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que con un ritmo tranquilo pero activo narra buena historia en casi dos horas de duración.
En definitiva, la considero una obra inolvidable e indispensable en su género que cautivará con belleza y sencillez a todos aquellos que decidan verla y se dejen llevar por su sinceridad, ya que llega al espectador sin añadiduras y emociona y encanta por su naturalidad en lo que ofrece. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que convierten a Brooklyn, en un film bello como pocos y una de las mejores apuestas cinematográficas del año 2015.

Biutiful de Alejandro González Iñárritu es un drama social basado en un hombre que sobrevive en los bajos fondos de Barcelona como puede y que cuida de sus hijos a pesar de su enfermedad. Dirigida con un ritmo asfixiante y con un estilo muy real que plasma los bajos fondos de Barcelona, es una obra hipnótica que crea una atmósfera oscura y desconcertante que plasma la vida de un hombre que hace de todo por sobrevivir y sacar adelante a sus hijos, logrando con ello cautivar más a los cinéfilos más exigentes que a los que no les guste el ritmo lento y el metraje largo que no se toma la más mínima prisa, concluyendo un notable film que merece la pena ser descubierto.
La fotografía es oscura y turbia en sus imágenes desconcertantes que hacen gran uso de los claroscuros para logran un recóndito trabajo repleto de detalles estéticamente idóneos y alusivo a los bajos fondos de Barcelona. La música es hipnótica y extraña en sus melodías inquietantes y turbadoras que añaden profundidad al film, ya que sus sonidos insidiosos penetran en el público para estimularlo y generar una atmósfera de cierto misterio y tristeza. Los planos y movimientos de cámara consuman un magnífico trabajo técnico a través del uso de los planos-contraplanos, primeros y primerísimos planos, cámara en mano, subjetivos, ininterrumpidos, seguimiento y generales que exprimen lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son auténticas y remarcables. Como protagonista absoluto Javier Bardem está lúcido en un enorme y profundo papel con calado psicológico, siendo notables también los acompañamientos de Maricel Álvarez, Diaryatou Daff, Eduard Fernández, Ana Wagener y Guillermo Estrella entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones carentes y humildes en sus descuidadas ropas que son de lo más sugestivos según el personaje y su condición social en una labor de lo más alusiva y que junto con los decorados de interiores y los exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por el director junto con Armando Bo y Nicolás Giacobone y basado en una historia del director, es hipnótico y turbador en su sencilla y extraña trama para cautivar solo a aquellos dispuestos a ver un film largo y lento que no se da la más mínima prisa en mostrar su triste y oscura historia, finalizando una notable cinta que merece la pena descubrir de su director que siempre hace un cine personal y distinto para deleite del público más exigente. Esto se lleva a cabo con una narrativa en susurros infantil que es profunda, siendo el resto expresivo y desde luego desesperanzador para dejar la sensación tras de sí de haber escuchado una sombría y pesimista historia. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que se toma su tiempo y el film con tranquilidad y va mostrando poco a poco su trama y sus personajes.
En conclusión, la considero una obra turbia y desconcertante por su realismo y por la oscuridad de su trama que penetra en el público de un modo turbador, generando una atmósfera turbia que plasma los bajos fondos de Barcelona y a lo que recurren algunos para sobrevivir y sacar adelante a su familia, aunque eso sí, es algo lenta y quizás se excede en metraje. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, planos, movimientos de cámara, vestuarios y narrativa que vuelven a Biutiful, un film algo extraño e desconcertante en lo que ofrece.

La dama de hierro de Phyllida Lloyd es un drama biográfico histórico basado en la vida de Margaret Thatcher desde sus comienzos hasta sus últimos días. Dirigida con un ritmo pausado y con un estilo intimista y personal que se centra en la mujer tras la primera dama, es por tanto una obra que sirve como documento histórico de parte de la biografía de una mujer sin igual que sin embargo no brilla con intensidad y permite al público relajarse en su visionado, concluyendo un digno film que pasa sin pena ni gloria pero que tampoco decepciona a nadie tras su visionado, sino que más bien nos enseña las partes más trascendentales de la vida de la primera ministra en la historia de Gran Bretaña.
La fotografía es alusiva de cada época y lugar en un espléndido trabajo que es confortante y desde luego idóneo para lo que ofrece en una labor bien trabajada en detalles inspiradores. La música es emotiva y agradable por un lado y estimulante en sus sonidos intrigantes por otro, logrando una labor oportuna y conmovedora que es clásica en líneas generales para amenizar el visionado. Los planos y movimientos de cámara consuman una sobria pero certera labor técnica mediante el uso de los primeros y primerísimos planos, plano-contraplanos, generales, cámara en mano, seguimiento, steadycam, subjetivos, detalles, reconocimiento, circulares, avanti y retroceso que se centra en sacar lo mejor de las interpretaciones.
Las actuaciones son deslumbrantes y con personalidad. Como protagonista absoluta Meryl Streep está rutilante y convincente en su oscarizado papel, siendo notables y oportunos también los acompañamientos de Jim Broadbent, Anthony Head, Richard E. Grant, Alexandra Roach, Iain Glen y Roger Allam entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugerentes de cada personaje y su condición, además de cada época mostrada, siendo en su mayoría elegantes y distinguidos al más puro estilo inglés en una soberbia labor que junto con la magnífica caracterización de la protagonista y los decorados de interiores te transporta in situ.
El guion, escrito por Abi Morgan y basado en hechos reales y biográficos marca con mayúsculas algunos de los momentos más importantes y decisivos de la vida de Margaret Thatcher, entreteniendo e informando al público sobre la vida de una de las mejores y más representativas figuras de la historia de la política en el Reino Unido en el siglo XX, finalizando con ello un buen film que podría haber sido mejor si hubiera sido algo más activo en la exposición de la trama. Esto se lleva a cabo con una narrativa impoluta y expresiva que está bien cuidada en su tono clásico y académico, además de en la retórica utilizada por la protagonista. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido pero con algún flash-back que va mostrando poco a poco la vida de la protagonista desde su juventud hasta sus últimos días.
Concluyendo, la considero una obra biográfica decente e indispensable para conocer más ampliamente la vida personal y política de Margaret Thatcher, aunque su forma de hacerlo es mejorable en varios aspectos y es bastante lenta y carente de ritmo en su exposición biográfica. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que convierten a La dama de hierro, en un film decente pero no indispensable en lo que ofrece, sobre todo para los que no les guste los ritmos lentos y la carencia de pasión en los films.

El becario de Nancy Meyers es una comedia dramática basada en un hombre de 70 años jubilado que decide ser becario en una empresa de venta de ropa por internet. Dirigida con un ritmo activo y con un estilo que mezcla con efectividad lo conmovedor con lo divertido, es una obra entretenida que tiene algunas escenas jocosas y otras más emotivas que logran atrapar la atención del espectador con mucho oficio, concluyendo un buen film que sin brillo pero si con mucha intención, logra hacer pasar un buen rato a toda la familia y a los cinéfilos menos exigentes que tan solo quieran pasar un rato agradable viendo un cine competente y acertado.
La fotografía es lumínica y evocadora en una labor repleta de detalles espléndidos que estimulan al público por ser estéticamente apropiado para el film, consiguiendo una competente tarea que agrada ver. La música es variada en sus ritmos alegres y sugerentes que son también en ocasiones emotivos o encantadores para acompañar el film de forma oportuna en las escenas en las que es necesario, pero sin excederse en ello. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor técnica acertada mediante el uso del avanti, retroceso, seguimiento, grúas, detalles, reconocimiento, subjetivos, circulares, rotación y plano-contraplanos que exprimen lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son acertadas y correctas para lo que ofrece el film. Como protagonistas Robert De Niro está irreprochable y apropiado en su línea serio cómica habitual y Anne Hathaway está creíble y oportuna en su labor, siendo buenos los acompañamientos de Rene Russo, Nat Wolff, Drena De Niro, Adam DeVine y Wallis Currie-Wood entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones elegantes por un lado e informales y por descuidados por otro en una correcta labor que junto con los decorados de interiores te transportan.
El guion, escrito por la directora, es entretenido y gusta ver en como un hombre ya retirado se apunta a becario senior por una cuestión nostálgica, aunque eso sí, se excede algo en metraje y su argumento quizás da más vueltas de lo necesario, logrando con ello amenizar el rato para toda clase de públicos aunque tampoco es en ningún sentido un film remarcable ni necesario de ver. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off explicativa al principio del protagonista, siendo el resto expresivo y dinámico en una tarea expresiva y cordial que gusta escuchar. Cabe señalar también, que el montaje lineal y seguido marca buen ritmo y exprime buena historia aunque quizás le sobren algunos minutos para ser una comedia.
Para finalizar, la considero una obra hermosa por momentos por sus toques sentimentales y entretenida por su dosis de humor que hacen del film una cinta amena y cumplidora con todo aquello que se propone serlo, finalizando un digno aunque no notable film, que gusta ver aunque tampoco deslumbre en ningún momento. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, música, planos, movimientos de cámara y vestuarios que vuelven a El becario, un film ameno que propone ser algo sentimental y bello a la vez para disfrute de toda la familia.

El sueño del mono loco de Fernando Trueba es un drama de intriga basado en un guionista americano en Paris que acepta escribir un guion para un joven y extraño director a petición de su productor. Dirigida con un ritmo pausado y con un estilo enrarecido y personal fuera del cine más habitual del director, es una obra extrañamente atrayente que hipnotiza al público con su turbia y oscura historia que mantiene eficazmente al cinéfilo exigente pegado al asiento, logrando dejar mella en el espectador buscador de cintas particularmente sombrías y raras, concluyendo con ello una buena película que eso sí, va de más a menos y al final hace que parte del público vaya perdiendo algo de interés por el film.
La fotografía es oscura y desconcertante en sus lúgubres y sombrías imágenes que son sugestivas y desde luego estimulantes, logrando una labor repleta de detalles visualmente recónditos e idóneos para lo que ofrece la trama. La música es intrigante y enigmática en sus sonidos insidiosos que turban al público con melodías penetrantes que inquietan en las escenas oportunas, usando también melodías clásicas típicas de cine negro. Los planos y movimientos de cámara consuman una notable labor técnica mediante el uso de los primeros y primerísimos planos, cámara en mano, seguimiento, subjetivos, detalles, plano-contraplanos, cenitales, avanti, retroceso, generales y grúas que se centran en exprimir lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son acertadas y convincentes para lo que ofrece el film. Como protagonistas Jeff Goldblum está seductor y manipulable en su labor y Miranda Richardson está cumplidora en su tarea, siendo profundos y con oscuridad psicológica los papeles de Anemone, Liza Walker, Daniel Flet, Dexter Fletcher y Daniel Ceccaldi entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones elegantes y formales por un lado y más informales y descuidados por otro para marcar claramente la personalidad de cada protagonista en una tarea que junto con los decorados de interiores te transportan eficazmente in situ.
El guion, escrito por el director junto con Manuel Matji y Menno Meyjes y basado en la novela de Christopher Frank, tiene algunos altibajos pero en líneas generales mantiene una historia atrayente e hipnótica en sus recónditas rarezas que mantiene al público expectante de principio a fin para satisfacción de los seguidores de un cine extraño y oscuro que se aleja del cine más convencional y ofrece algo nuevo incluso para el cine más acostumbrado del director. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off profunda y misteriosa que está llena de pesimismo, además de contener también unos diálogos misteriosos y singulares que dan un toque diferente al film. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que marca un ritmo lento e hipnótico que atrapa con estilo al público y lo mantiene eficazmente absorto.
En definitiva, la considero una obra extrañamente hipnótica que podría haber sido más si hubiera mantenido el interés y la intriga con la que comienza el film, aunque no se le puede reprochar que tenga detalles recónditos y curiosos que atrapan al espectador y lo mantiene eficazmente pegado al asiento. Recomendable por su dirección, fotografía, música, montaje, planos, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que convierten a El mono loco, en un film oscuro aunque algo impenetrable que tiene altibajos pero que en líneas generales mantiene eficazmente el tipo.

B (Bárcenas) de David Ilundain es un drama judicial basado en hechos reales sobre el juicio al ex tesorero del partido popular Luis Bárcenas, de cómo después de 18 días en prisión cambio su declaración. Dirigida con un ritmo vigoroso que es marcado por la velocidad declaratoria del protagonista y con un estilo sumamente directo y veraz, es una obra necesaria de conocer por los españoles no por su brillo fílmico, sino por la realidad que muestra para ser conscientes de parte de la corrupción en este caso del PP por una contabilidad en B, logrando con ello mantener absorto al público y expectante por su desarrollo y por los números mencionados, concluyendo un implacable film que se ciñe a lo real y que no dejará a nadie indiferente.
La fotografía de interior hace buen uso de los claroscuros, logrando un evocador y sugerente trabajo que es idóneo para lo que ofrece el film y está repleto de detalles estéticamente apropiados. La música brilla por su ausencia y no es usada para dar mayor sobriedad al film y no distraer la atención con sonidos innecesarios. Los planos y movimientos de cámara consuman una correcta labor técnica a través del uso de los plano-contraplanos, cámara en mano, fija, generales, subjetivos, tercera persona y detalles que son sencillos y logran recrear el ambiente del juicio.
Las actuaciones son verosímiles y remarcables. Como protagonistas Pedro Casablanc está convincente y brillante en una admirable actuación que clava y Manolo Solo está irreprochable en una tarea recordable, siendo buenos el resto de acompañamientos del film aunque son breves sus apariciones o participaciones. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones elegantes e impolutos típicos de políticos, jueces, abogados y periodistas en una buena labor que junto con los decorados de interiores te transportan a la sala de juicios.
El guion, escrito por el director junto con Jordi Casanovas, es clavado a lo que sucedió con el juicio de Bárcenas cuando decidió cambiar de actitud y tirar de la manta para descubrir así quienes recibieron sobres de dinero negro, logrando con ello mantener al público pegado al asiento sobre todo por la narrativa e interpretación de Pedro Casablanc, finalizando con ello un film que no brilla por su calidad cinematográfica, sino por la verdad corrupta que muestra a todos aquellos que la quieran descubrir. Esto se lleva a cabo con una narrativa directa y expresiva que es de lo más sugestiva e impecable al ser muy veraz y parecida a la voz real de Bárcenas. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que es dinámico y no da un respiro en sus declaraciones, pasando su visionado en un santiamén.
En conclusión, la considero una obra indispensable de conocer por todos los españoles por lo que muestra y esclarece, además de por los nombres que menciona que recibieron dinero en negro en sobres por su parte, dejando al publico estupefacto con la contabilidad en B que manejaba uno de los partidos políticos más poderosos de España. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, montaje, planos, vestuarios, caracterizaciones y narrativa declaratoria que hacen de B, un film portentoso y veraz para descubrir parte de la corrupción española dentro de la política.

Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto de Agustín Díaz Yanes es un thriller dramático basado en una mujer española que presencia en México el asesinato de dos policías a cargo de unos gánsters, y justo antes de morir le entregan la información necesaria para descubrir en España donde se blanquea el dinero negro de la mafia. Dirigida con un ritmo vigoroso y con un estilo personal y directo que mantiene con oficio la expectación, es una obra portentosa y arrolladora que de forma perspicaz sorprende al público con lo que se le ofrece y poco a poco va generando más y más tensión gracias a su trabajada historia y certeras interpretaciones para tallar lo que sin duda es un film recordable y provocador, concluyendo una película notable que obtuvo justamente el Goya a la mejor película en su momento.
La fotografía es alusiva de cada lugar, jugando muy bien con los claroscuros en un turbio trabajo repleto de detalles sugerentes y portentosos que en ocasiones impactan y desconciertan al público por su violencia. La música es estimulante y rítmica, usando en ocasiones sonidos hipnóticos y turbadores y en otras sonidos amenazadores e intensos que penetran en el espectador y ayuda a mantener en vilo a este. Los planos y movimientos de cámara consuman una notable y bien trabajada labor técnica mediante el uso de los detalles, tercera persona, cenitales, cámara en mano, seguimiento, primeros y primerísimos planos, avanti, retroceso, plano-contraplanos, subjetivos, seguimiento y circulares que sacan lo mejor de la acción y las interpretaciones.
Las actuaciones son auténticas y admirables. Como protagonistas Victoria Abril está remarcable y con calado psicológico, Federico Luppi está impecable y contundente en su labor y Pilar Bardem está convincente y señalada, siendo destacables las interpretaciones de Guillermo Gil, Daniel Giménez Cacho y Ana Ofelia Murguía entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos del personaje según su condición, pasando de elegantes a informales e incluso humildes en una buena tarea que junto con los decorados y los distintos exteriores te transportan a cada lugar.
El guion, escrito por el director, crea buena expectación desde su comienzo provocador e impetuoso y mantiene expectante al público con una trama turbia y penetrante que crea interés y suspense para satisfacción de los seguidores del género, finalizando un implacable film que es de lo más sustancioso en su historia e incluso apasionante en sus momentos de acción, siendo por tanto justa ganadora del premio Goya. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva e incluso efusiva que deja claro el tono conspirador de los protagonistas para cumplir con un insidioso trabajo intachable. Cabe señalar también, el montaje seguido y acompasado que añade buen ritmo al film y mantiene eficazmente al público pegado al asiento.
Concluyendo, la considero una obra indeleble e indispensable en el cine español que mantiene eficazmente todo el rato al público pegado al asiento por su intriga y arrolladora trama repleta de inquietud y una violencia sucia e implacable, además de contener algunos detalles profundos que añaden más interés a la trama. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara, vestuarios y narrativa que hacen de Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, un film intenso e incitador para satisfacer hasta a los cinéfilos más exigentes.

Amantes de Vicente Aranda es un drama romántico de intriga basado en hechos reales sobre un hombre que tiene pensado casarse con su novia y que al quedarse en una pensión en Madrid, se obsesiona con su viuda dueña que lo mantiene colado a base del sexo que no le proporciona su novia. Dirigida con un ritmo tranquilo que no se da prisas y con un estilo profundo y personal que atrapa al espectador, es una obra notable en la historia que penetra en el espectador por su insidiosa y perniciosa trama que va de menos a más hasta llegar a un implacable final que satisface hasta a los cinéfilos más exigentes, concluyendo un impetuoso film que fue justo ganador del Goya a la mejor película en su momento.
La fotografía es confortante y evocadora haciendo gran uso de los claroscuros y creando una atmósfera algo turbia e idónea por estar repleta de detalles que dan naturalidad al film, aunque algunas escenas sean algo más desconcertantes. La música es clásica de piano y es usada en contadas ocasiones, logrando una labor sugerente que es bella y estimula según la escena para inquietar al público con profundidad y nostalgia. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor técnica bien cuidada en detalles a través del uso de los plano-contraplanos, reconocimiento, generales, cámara en mano, avanti, retroceso, primeros, primerísimos planos y detalles que exprimen lo mejor de las interpretaciones.
Las actuaciones son soberbias y muy convincentes. Como protagonistas Jorge Sanz está acertado e irreprochable en tu tarea, Victoria Abril está auténtica y sexual en un personaje con oscuridad psicológica y Maribel Verdú está sentida e inocente en lo que ofrece, siendo también buenos los acompañamientos de Enrique Cerro, Mabel Escaño y Alicia Agut entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones alusivos de la época y el oficio ya sean militares o humildes de ciudadanos en una magnífica labor que te transporta junto con los trabajados decorados y exteriores.
El guion, escrito por el director junto con Carlos Pérez Merinero y Álvaro del Amo, va de menos a más hasta llegar a un final estremecedor que además esta inspirado en hechos reales para desconcertar más al público, logrando con ello mantener todo el rato al público expectante y pegado al asiento con lo que se le va ofreciendo, finalizando un turbio film que es de lo más provocador y nocivo para satisfacción de los más exigentes. Esto se lleva a cabo con una narrativa sexual e insinuante que con tono clásico y equilibrado llena de expresividad y mordacidad el film. Cabe señalar también el montaje lineal y seguido que exprime buena historia y se toma su tiempo en ir mostrándola.
Para finalizar, la considero una obra imperecedera e indispensable en la filmografía española y del director que es de visión obligada para todo el cinéfilo exigente por ser turbadora y maliciosa en las insanas pretensiones de los protagonistas para satisfacción del espectador, finalizando una estupenda y digna ganadora del Goya. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que convierten a Amantes, en un film inesperadamente provocador y malsano.

El desafío (The Walk) de Robert Zemeckis es un drama basado en hechos reales cuando en los años 70 y con las torres gemelas recién construidas, un funanbulista francés se propone el reto de pasar a través de un cable el espacio que separaba las torres gemelas. Dirigida con un ritmo dinámico y con un estilo algo nostálgico pero aventurero y directo, es una obra atractiva que ofrece una historia sustanciosa y agradable de ver que aunque no deslumbre en ningún momento, si cumple con su cometido de amenizar el rato con una trama real que mezcla el recuerdo de las desaparecidas torres gemelas con una apasionante hazaña como excusa, manteniendo con ello al público absorto para concluir un buen film que no defrauda a nadie tras su visionado.
La fotografía en blanco y negro al principio es evocadora de cada época y lugar, logrando en esta ocasión el director tallar una labor sensacional que está repleta de detalles espectaculares que sorprenden al público. La música del habitual del director Alan Silvestri, es rítmica y emotiva en una estimulante tarea que añade intriga y nostalgia para agradar al público con sus melodías, inquietando en las escenas oportunas con sus penetrantes sonidos que mantienen el suspense. Los planos y movimientos de cámara consuman una magnífica labor técnica mediante el uso de los nadir, cenitales, detalles, grúas, seguimiento, circulares, rotación, subjetivos, avanti, retroceso, aéreos, panorámicos, cámara en mano y steadycam que sacan lo mejor de las escenas arriesgadas del protagonista. Cabe destacar también, los efectos visuales competentes y bien trabajados que añaden atractivo al film.
Las actuaciones son carismáticas y remarcables. Como protagonistas Joseph Gordon-Levitt está genuino y auténtico en un papel cautivador y con personalidad y Ben Kingsley está señalado y notable en su labor, siendo también buenos los acompañamientos de Charlotte Le Bon, James Badge Dale, Cesar Domboy y Clement Sibony entre otros. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos de cada personaje según su condición que son comunes, informales o de circo en una soberbia labor que junto con los decorados y exteriores te transportan.
El guion, escrito por el director junto con Christopher Browne y basado en el libro de Philippe Petit, está basado en hechos reales y va creando poco a poco una atmósfera de superación y entrega en la arriesgada aventura que se propone el protagonista de andar sobre un cable que va de una torre gemela a otra, logrando con ello un film sustancioso que gusta ver aunque no sea deslumbrante en ningún momento, finalizando con ello un hermoso y apasionante film que si cumple bien con la intención y cometido del director. Esto se lleva a cabo una narrativa mirando a la cámara con acento francés y otra con voz en off que cumple con una tarea expresiva y efusiva que gusta escuchar y que trasmite emoción y entrega en todo momento. Cabe señalar también, el montaje seguido y acompasado pero con flash-back que van situando al espectador en cada momento de la vida del protagonista.
En definitiva, la considero una obra notable y con detalles emocionantes que hacen pasar un buen rato al público con su historia real en unas torres gemelas desaparecidas para añadir nostalgia y emotividad al film, logrando con ello tallar una bella historia que si merece la pena ser visionada por el público en general. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, efectos, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que hacen de El desafío (The Walk), un film con ciertos momentos hermosos y con una historia en su interior que se recuerda por su grandeza.

Joy de David O. Russell es un drama biográfico con tintes de comedia basado en la vida personal y profesional de Joy Mangano, una mujer normal y corriente que acabo siendo una inventora de productos para el hogar y la gran estrella del tele tienda americano. Dirigida con un ritmo paulatino y con un estilo que se adapta bien de los hechos reales pero con algunos toques enrarecidos, es una obra que va de menos a más pero que en ningún momento termina de arrancar para ser un film notable que sin embargo tiene detalles entretenidos y atractivos que gustan ver y que no dejan a nadie indiferente tras su visionado, concluyendo una digna película que merece la pena ser vista y no decepciona, aunque tampoco brilla en ningún momento.
La fotografía en blanco y negro es lumínica y algo blanquecina en un evocador trabajo repleto de detalles agradable que son en ocasiones algo enigmáticos, logrando una labor estéticamente notable que te transporta a cada época narrada. La música es emotiva y nostálgica en unos sonidos variados y alusivos del momento que llena de ritmos y melodías el film, siendo también en ocasiones penetrantes e intensos para turbar al público en determinados momentos de la acción. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor notable y con un estilo técnico reconocible y personal a través del uso de los generales, reconocimiento, avanti, retroceso, cenitales, cámara en mano, subjetivos, tercera persona, circulares, seguimiento, travellings y rotación en un buen trabajo que saca lo mejor del film.
Las actuaciones son remarcables y auténticas en lo que ofrecen. Como protagonistas Jennifer Lawrence está convincente y con calado psicológico en un destacable papel, Robert De Niro está acertado en su tarea y Bradley Cooper está señalado en su labor, siendo buenos también los acompañamientos de Isabella Rossellini, Diane Ladd, Édgar Ramírez y Virginia Madsen entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones alusivos del personaje y de cada época, siendo estos en su mayoría elegantes y cuidados en una notable labor que junto con los decorados de interiores te transporta a las entrañas del tele tienda americano de la época.
El guion, escrito por el director junto con Annie Mumolo, va de menos a más en su ofrecimiento de historia real aunque nunca llega a despegar de un modo notable, aunque eso sí, logra entretener y amenizar el rato con una trama sustanciosa y real que no es lúcida pero al menos cumple decentemente con su cometido, finalizando con ello un buen film en el que lo que más destaca es la brillante interpretación de la protagonista. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off afable, siendo el resto común y familiar en una tarea expresiva y natural. Cabe destacar también, el montaje con flash-back al principio para situar al público en los principios de la protagonista y luego seguido y acompasado aunque con extraños sueños de esta.
En conclusión, la considero una obra curiosa con detalles atractivos que sin embargo no logra despegar del todo con su historia real, siendo lo mejor de esta su parte técnica y sobre todo la interpretación de una Jennifer Lawrence que deja bien claro que lo suyo no es una casualidad, sino que llega decidida a quedarse como una firme promesa interpretativa del séptimo arte norteamericano. Recomendable por su dirección, actuaciones, fotografía, montaje, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que vuelven a Joy, un buen film que guarda lo mejor para el final pero que no brilla como podría haber hechos sino tuviera tantas rarezas innecesarias.

El renacido (The Revenant) de Alejandro González Iñárritu, es un drama de aventuras y un western basado en hechos reales en el que un explorador que acompaña junto con su hijo a un grupo de tramperos, es abandonado a su suerte y dado por muerto cuando es gravemente herido por el ataque de un oso. Dirigida con un ritmo tranquilo y con el estilo técnico y visual habitual del director que se basa en la supervivencia y en la venganza, es una obra con momentos apasionantes que marca claramente la condición de cada persona, siendo el choque entre estos en la supervivencia el principal fuerte del film para deleite de sus incondicionales, aunque para llegar a ello debes esperar un buen rato, concluyendo con esa premisa un notable film que cautiva a muchos excepto a aquellos espectadores con menos paciencia que no les gusten los ritmos lentos ni los metrajes extensos.
La fotografía logra un excelente trabajo gracias a la mano maestra de Emmanuel Lubezki, predominando en ella las imágenes lúgubres y oscuras para crear una atmósfera turbia y desconcertante que asfixia al público con su impactante violencia. La música es rítmica con tambores para añadir inquietud y enardecer la lucha, estimulando al público con la intensidad de unos sonidos que penetran en el público en la acción y lo hipnotizan en el resto de la trama. Los planos y movimientos de cámara, como eran de esperar cumplen con una tarea sobresaliente que mete al público en la acción a través de los subjetivos, steadycam, avanti, retroceso, primeros y primerísimos planos, reconocimiento, panorámicos, aéreos, grúas, generales y sobre todo una cámara en mano ininterrumpida y personal que exprime lo mejor de la trama y de las interpretaciones. Cabe señalar también, los efectos visuales y de sonidos sorprendentes y llamativos que mantienen al público absorto en las escenas oportunas.
Las actuaciones son magníficas y con mucha personalidad. Como protagonistas Leonardo DiCaprio está deslumbrante y auténtico en un papel con profundidad psicológica, Tom Hardy trabaja con carácter en un sobrio papel de un desidioso personaje y Domhnall Gleeson está correcto en una intachable labor, siendo buenos los acompañamientos de Will Poulter, Forrest Goodluck, Paul Anderson, Kristoffer Joner, Joshua Burge, Duane Howard y Melaw Nakehk'o entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones espléndidos en un trabajo de lo más sugestivo por el personaje y su época que logra una notable labor que junto con los decorados te transporta in situ.
El guion, escrito por el director junto con Mark L. Smith y basado en la novela de Michael Punke, se basa en la supervivencia y la venganza para atrapar con estilo propio al público que no le importe un ritmo lento y un metraje largo, ya que no se toma la más mínima prisa en ir exponiendo su trama, su desarrollo y su desenlace, finalizando con ello un buen film que podría haber sido algo mejor si se hubiera acortado su duración o se le hubiera añadido más emoción y entretenimiento a su trama. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off profunda y enigmática, siendo el resto conspirador e insidiosa en sus expresivas e incluso efusivas discusiones entre sus protagonistas. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que se toma su tiempo en ir exponiendo su trama y que contiene algún flash-back para poner al público en situación.
Concluyendo, la considero una obra notable y con detalles técnicos, visuales e interpretativos estupendos que sin embargo podría haber sido mejor si no hubiera sido tan larga y no hubiera tenido un ritmo tan lento para la supervivencia y la venganza, ya que este atrapa con eficacia tan solo al espectador que no pierda el interés y se relaje con los ritmos hipnóticos. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, efectos, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que hacen de El renacido (The Revenant), un film vistoso pero no imprescindible de ver para los cinéfilos más exigentes o los espectadores más impacientes.

ma ma de Julio Medem es un drama basado en la enfermedad en la que una maestra y madre en paro que acaba de ser dejada por su marido, descubre que tiene cáncer de mama, comenzando entonces una lucha con optimismo junto con un hombre que acaba de perder a su mujer y a su hija en un accidente de tráfico. Dirigida con un ritmo lento y con un estilo profundo e intimista que es bastante sentimental, es una obra que quizás se excede en lo lastimoso para machacar al público en su visionado aunque va de menos a más hasta cautivar al espectador, siendo por tanto un buen film con un argumento conmovedor que gusta ver aunque no sea muy indicado para las personas que no estén pasando por un buen momento de salud, logrando con esta cinta el director hipnotizar eso sí al resto del público con su conmovedora historia, concluyendo un digno film con enormes interpretaciones y una historia que hace mella en el público.
La fotografía es lumínica y espléndida en una labor bien cuidada en detalles blanquecinos que dan un toque de pureza al film, logrando con ello una labor repleta de detalles estéticamente apropiados. La música es emotiva y sentimental en sus sonidos tristes que hipnotizan con las melodías clásicas de piano, consiguiendo una bella y sensacional tarea que añade confort en sus tonos agradables y tranquilizadores, aunque en ocasiones no concuerda con la trama del film. Los planos y movimientos de cámara consuman una magnífica labor técnica mediante el uso de los primeros y primerísimos planos, cámara en mano, generales, panorámicos, reconocimiento, travellings, steadycam, detalles, plano-contraplanos, avanti, retroceso y cenitales elaborados con estilo propio.
Las actuaciones son convincentes y notables. Como protagonistas Penélope Cruz está auténtica y remarcable en un papel con calado psicológico, Luis Tosar está acertado en su labor y Asier Etweandia está natural y admirable en su labor, siendo buenos las interpretaciones de Teo Planell, Silvia Abascal y Mónica Sagrera entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones comunes y sugestivos de cada personaje en una bien trabajada labor que junto con los decorados de interiores y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por el director, tiene altibajos en lo que ofrece por crear un ambiente enrarecido pero luego mejora notablemente para ofrecer al público cine del bueno con una historia emotiva y de coraje bajo la terrible enfermedad de cáncer de mama, siendo el fuerte del film la actitud de la protagonista frente a este hecho para convencer así a todos los que se aventuren a descubrirla, aunque no sea eso sí, muy recomendable de ver para los que estén pasando por un mal momento de salud. Esto se lleva a cabo con una narrativa natural y profunda que es equilibrada e impecable en su cordialidad. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que va mostrando la historia a su ritmo y que contiene algunos flash-forward originales con pequeños saltos temporales.
En definitiva, la considero una obra hermosa que va de menos a más y que cae varias veces en lo lastimoso aunque se levanta después para mejorar gracias a la actitud positiva y luchadora de la protagonista, la cual se adueña del film junto con los personajes que la rodean para satisfacer al público con un cine bello y conmovedor, aunque inevitablemente triste. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara, caracterizaciones y narrativa que vuelven a ma ma, un film profundo, enternecedor y emotivo que cala en el corazón del espectador después de un irregular comienzo.

Steve Jobs de Danny Boyle es un drama biográfico centrado en tres momentos importantes y profesionales en la vida del famoso informático y empresario. Dirigida con un ritmo dinámico pero que es paulatino en el paso del tiempo y con un estilo que se centra en la persona tras el genio en 3 momentos importantes de su vida, es una obra personal que desnuda al genio en sus triunfos y sobre todo en sus fracasos para hacer al público partícipe de los momentos más señalados de la vida de Jobs, concluyendo un entretenido biopic que es bueno en resultado pero no destacable, siendo por tanto un film meramente ameno pero no recordable.
La fotografía es evocadora y espléndida en imágenes estimulantes que hace gran uso de los claroscuros, logrando una labor portentosa e idónea que está estéticamente bien lograda al tener muchos matices. La música es turbadora e intensa para añadir inquietud en las escenas oportunas, con ritmos hipnóticos que penetran y añaden intriga al film. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor técnica notable mediante el uso de los primeros y primerísimos planos, cámara en mano, seguimiento, plano-contraplanos, rotación, subjetivos, grúas, reconocimiento, circulares, generales y detalles que exprimen lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son creíbles e impecables, en especial la del protagonista absoluto Michael Fassbender, que hila una señalada interpretación llena de energía, siendo también auténticos e intachables los acompañamientos de Kate Winslet, Seth Rogen, Jeff Daniels, Katherine Waterston, Sarah Snook y Michael Stuhlbarg entre otros. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones sugerentes del personaje y de cada momento narrado, siendo estos elegantes e impolutos por un lado o informales y descuidados por otro en una notable labor que junto con los decorados de interiores te transporta.
El guion, escrito por Aaron Sorkin y basado en la biografía de Walter Isaacson, toma como base algunos momentos importantes de la vida de Steve Jobs y no solo por sus triunfos, sino también por sus fracasos para conocer al hombres tras el genio que gracias a sus ideas distintas e innovadoras le valieron antipatías de personas cercanas que no aceptaban toda la forma de ser del famoso empresario e informático. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva y dinámica que de forma equilibrada y sugerente deja evidencias de la forma de ser de Jobs, con algunos diálogos irónicos y burlones llenos de perspicacia que son el mayor atractivo del film. Cabe señalar también, el montaje con flash-backs recordatorios para ir situando al espectador, además de tener unos saltos temporales que van mostrando algunos hechos señalados de la vida del protagonista.
En conclusión, la considero una obra atractiva en ciertos aspectos que logra entretener al público y lo hace conocer un poco mejor a uno de los mayores genios del siglo XX en varios aspectos importantes de su vida para amenizar el rato y dejar buenas sensaciones tras su visionado, aunque no es un film imprescindible de ver si al menos mantiene el tipo en lo que se propone. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, montaje, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones, narrativa y diálogos que hacen de Steve Jobs, un film digno de ver para conocer algo más al genio aunque en ningún momentos notas que es un film imprescindible.

Creed. La leyenda de Rocky de Ryan Coogler es un drama secuela de la conocida saga de Rocky en la que el hijo no conocido de Apollo Creed busca el éxito en el boxeo con la ayuda de Rocky y sin utilizar el apellido de su padre. Dirigida con un ritmo paulatino en la trama y más activo en el resto y con un estilo menos efectista que en otras cintas de la saga al centrarse más en hacer buen cine, es una obra que no solo entretiene, sino que también ofrece una historia impetuosa y con gancho que atrapará a toda clase de espectadores con un espectáculo sustancioso y emotivo para deleite de sus incondicionales, concluyendo una obra con destellos notables que provocan al público con su implacable trama.
La fotografía hace buen uso de los claroscuros en una labor evocadora de cada lugar que está repleta de detalles impactantes que estimulan a los incondicionales de la saga, logrando una tarea portentosa y estéticamente idónea para lo que ofrece el film. La música es sentimental y nostálgica en ocasiones para añadir emotividad y rítmica e inquietante en otras ocasiones para enardecer la acción, arrollando con ello al público en las escenas oportunas. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor técnica estupenda a través del uso de los planos-contraplanos, steadycam, seguimiento, cámara en mano, subjetivos, circulares, rotación, primeros y primerísimos planos, reconocimiento y generales que exprimen lo mejor de la trama y del combate en tercera persona.
Las actuaciones son recordables y ofrecen una profundidad no vista desde la primera entrega de Rocky. Como protagonistas Michael B. Jordan está auténtico y remarcable como nueva promesa y Sylvester Stallone está admirable en un convincente e inesperado buen papel, siendo buenos también los acompañamientos de Tessa Thompson, Phylicia Rashad, Will Blagrove y Juan-Pablo Veza entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones variados según el personaje, pasando de elegantes a humildes según este y su condición en una notable labor que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por el director junto con Aaron Covington, es sustancioso y no cae en el sensacionalismo de otras cintas de la saga de Rocky, ofreciendo una historia atractiva que mantiene vivo el recuerdo de Apollo Creed a través de un hijo suyo, logrando con esa premisa amenizar el rato y apasionar a los seguidores de la historia de Rocky que quieran volver a ver un buen film, uno de esos que se centran en hacer un trabajo serio para ser reconocido y respetado. Esto se lleva a cabo con una narrativa profunda y expresiva que de forma natural y decidida y a través de unos diálogos ocurrentes y con algunas notas de humor añaden más atractivo al film. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que va poco a poco mostrando la trama sin prisa pero sin pausa aunque obviamente sea algo predecible.
Concluyendo, la considero una obra notable que mejora ampliamente las últimas entregas de la saga al centrase en hacer cine y no espectáculo para satisfacción de todos los seguidores de la saga, ya que logra emocionar y entretener con una buena historia y otras estupendas interpretaciones. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, mensaje, planos, movimientos de cámara, vestuarios, narrativa y diálogos que convierten a Creed, La leyenda de Rocky en un film estupendo y digno de elogio que después de tantos films olvidables y efectistas vuelve a dar en el clavo con buen cine.