David Cronenberg, un director archiconocido en el género de películas de terror conocidas además como por ejemplo La mosca (1986), Videodrome (1983) o La zona muerta (1983). También respetado director del género thriller por cintas tan atractivas como Una historia de violencia (2005) o Promesas del este (2007), dirigió en el año 1988 la película que aquí nos ocupa, Inseparables. Un drama psicológico y thriller considerado por muchos como una película de culto, cuya trama gira en torno a la historia real de dos hermanos gemelos de 1975, que eran ginecólogos.
Es digno de mención de este director, el dominio que tiene sobre géneros tan distintos y también la ambientación que crea en todos sus films, envolviendo la historia en un halo misterioso y en una atmósfera enrarecida de la que no te libras de principio a fin. En esta película, no iba a ser menos. Consigue desde que empieza crear atención con la enorme interpretación de Jeremy Irons, cuyo doble papel roza un resultado sobresaliente al interpretar a dos hermanos gemelos de personalidades tan distintas como lo son ser extrovertido e introvertido. Dos hermanos además, dependientes el uno del otro que se aman y odian a partes iguales, siendo ese el principal fuerte del film.
Poco a poco, la película consigue atraparte por completo y te machaca con la espiral autodestructiva de los hermanos, los cuales, a través de la relación que comparten con una actriz en horas bajas, se dejan llevar por el camino de las drogas hasta ir consumiéndose el uno al otro, llegando incluso, a no distinguirse en absoluto quien es uno y quien es otro. Todo ello, llevado con mano experta por la inestimable dirección de David Cronenberg, el cual es, además, guionista de la película junto con Norman Snider, llevando con acierto a la gran pantalla la novela de Bari Wood y Jack Geasland basada, como ya he dicho, en hechos reales.
En cuanto a los detalles técnicos de la cinta, creo que han perdido un poco de fuerza con el pasar de los años. Tanto sus planos y movimientos de cámara, música y también por supuesto los vestuarios y caracterizaciones de los personajes, dejan patente la época de la película, la cual es evidente claro está, pero curiosamente las películas de los años 80, suelen tener en su gran mayoría ese “defecto” que no tienen tanto las películas de las décadas anteriores. Aunque tal vez, sea tan solo una sensación mía.
En definitiva, la considero una obra de culto que llama la atención por diversos puntos: uno de ellos, la estupenda interpretación de Jeremy Irons por partida doble en su enorme actuación de los hermanos gemelos. También, por la estupenda dirección de David Cronenberg, que consigue siempre dejar una huella reconocible en todos sus films. Y por último, por su estremecedora historia basada o inspirada al menos en unos hechos reales que dejarán a toda clase de espectadores pegados al asiento, disfrutando o más bien sufriendo con una película desasosegante que te atrapa y te deja marcado con su retorcida trama.

Admirable proeza la que consigue con Declaración de guerra la directora, actriz y guionista Valérie Donzelli. Valiente sin duda a la hora de exponer al gran público una vivencia propia que para cualquiera (y por supuesto también para ella), supone un drama personal de enormes dimensiones.
Declaración de guerra es sin duda un desahogo familiar, una obra sincera y muy íntima que explica las propias vivencias de la directora, la cual tiene el detalle además, de aportar ciertas notas de humor para -no se si está bien dicho quitarle hierro al asunto-, ya que esa seguro no era su intención; pero sin lugar a dudas, para hacerla más “asequible” a un espectador que sufre; sufre como cualquier persona que sea padre y vislumbre la terrible visión de ver a sus hijos pasar por un infierno de estas características.
Declaración de guerra, es por tanto, una película sin complejos ni pretensión alguna que cala sin remisión en el espectador, que asiste con asombro y es partícipe lo quiera o no, de un argumento de los que te dejan sin aliento, de los que te toca el alma por muy poco sensible que seas y te hace sufrir de lo lindo, especialmente si eres padre o madre. Con ello, agradeces de todo corazón esos pequeños descansos que te ofrecen en su drama aunque sea inevitable que te choque al pensar, si tú en su lugar harías lo mismo. Aunque eso en realidad, poco importa. No son tus circunstancias, sino las suyas; las de una madre, y también un padre (Jérémie Elkaïm -que por cierto es también el protagonista-) para exponernos lo que fue su vivencia personal de principio a fin y sin ninguna clase de complejos.
Merece también especial atención los detalles técnicos del film. Los planos y movimientos de cámara en mano, primeros y primerísimos planos que muestran el dolor y la desesperación de sus padres, cumpliendo ampliamente con su cometido. También la fotografía y la música consiguen evocar el sufrimiento de esos padres, aunque también te hacen desconectar cuando ellos así lo pretenden. Y por último, y desde mi punto de vista su mayor fuerte, es el ritmo rápido de la película, casi vertiginoso, que resume la historia en poco más de 90 minutos y del cual agradeces que no se exceda en su metraje más de lo necesario, ya que su dura historia se puede resumir en ese tiempo perfectamente sin necesidad de alargar el sufrimiento del espectador más de lo imprescindible.
En definitiva, la considero una película dura pero necesaria. Necesaria para ser conscientes de lo que algunas familias sufren al tener un hijo con alguna clase de dolencia inesperada, y necesaria también, para comprender que los padres son humanos cuando algo así les ocurre. Son imperfectos también aunque la situación exija lo máximo posible de ellos, ya que como personas que somos, y defectos que tenemos, no es necesario que nuestra actuación sea perfecta en estos casos, pero si desde luego es indispensable, que simplemente estemos para nuestros hijos cuando estos nos necesiten.

Aaron Sorkin, un director y guionista que hasta el año 2017 solo se había dedicado a realizar series de televisión, completa de forma notable esta cinta patriótica, pero no de esas cintas llenas de americanadas pedantes en la que siempre sacan a relucir la bandera, sino el patriotismo que a todos gusta, el que busca la verdadera justicia y el avance de un pueblo a convertirse en algo más auténtico, algo que llene de orgullo a sus futuros hijos por ser la paz y el amor su objetivo a conseguir. Dicha película, llamada El juicio de los 7 de Chicago, que está además basada en hechos reales cuando la guerra de Vietnam era una triste realidad, es la que se encarga de mostrarnos la lucha que algunos ciudadanos de la época englobados en el movimiento Hippie, universitario o incluso de panteras negras, trataban de conseguir para finalizar con una guerra nada popular, de la que tan solo el gobierno quería realizar para librar su guerra fría.
El elenco de la película no está desprovisto de caras conocidas que enganchan al público más comercial. Dentro de ella podrás ver actores de la talla de Eddie Redmayne, Joseph Gordon-Levitt y Michael Keaton entre los nombres más conocidos, pero son muchos más los que completan este acertado film. En cuanto al guion, escrito por el mismo director y basado en una historia real, tiene tirón en lo que ofrece por su misma historia y añade además interés en el modo en el que lo expone, con un buen uso del flash back para situar al espectador. Además, usa un ritmo más bien rápido que toma las riendas de la cinta, con lo que consigue además que no se te haga nada pesada en absoluto, aunque su duración sea superior a dos horas.
Técnicamente, también es destacable la fotografía evocadora que te transporta eficazmente al momento y lugar en cuestión, al cuidar los detalles de vestuarios y caracterizaciones de las gentes de ésta época, acompañada además de forma eficiente por una música sutil usada solo cuando es debido, para añadir interés o dramatismo a la trama. También los planos y movimientos de cámara, rápidos en la acción y con gran uso de los primeros planos personales ayudan a exprimir lo mejor de la historia y las interpretaciones.
Concluyendo, la considero una película necesaria de ver por estar basada en hechos reales. Además, unos hechos reales que te hacen sentir orgullo de lo que a veces hace la raza humana para mejorar nuestra vida, y también necesaria de ver por sus estupendas interpretaciones y detalles técnicos que junto con el acertado guion, que es tomado en serio desde que empieza hasta que acaba, consigue obtener todo el interés del espectador sin necesidad de trampa ni cartón, sino simplemente siendo fiel a una historia, que merece la pena ser recordada para no olvidarnos de las verdaderas y sinceras luchas del ser humano por la justicia, la verdad y el buen camino a tomar.

Hasta el momento, el cine ha estado mayoritariamente realizado por hombres, algo que poco a poco se va igualando, aunque aún queda tiempo. Cierto es, considero yo, que tanto los hombres como las mujeres tienen unas ciertas habilidades y también defectos, no se si innatos al nacer, pero si son más proclives a poseerlos; y tanto uno como otros son, no incapaces, pero si digamos que les cuesta más realizar ciertas tareas que están más bien asociadas al sexo contrario. Una de esas diferencias, es la virtud de la sensibilidad, la cual la mujer tiene, creo yo, mucho más desarrollada que el hombre. Esa virtud queda patente en Retrato de una mujer en llamas; una película desarrollada de forma bella y elegante por la cineasta francesa Céline Sciamma, la cual deja evidencia de su sensibilidad y buen gusto al plasmar una película que se basa, no en la homosexualidad, aunque parezca ser el hilo conductor del film, sino en el amor imposible que en una época clásica como el siglo XVIII, era algo impensable de formalizar, aunque sin lugar a dudas,
se practicara bajo cuerda.
Técnicamente, la película está bien elaborada, sin florituras ni exageraciones que pretendan exacerbar los detalles. La fotografía esta bien cuidada en claros y oscuros para sacar provecho de cada escena según sea requerido la luz o la oscuridad para el propósito del momento. La música de época ayuda a cuidar las escenas oportunas pero sin caer en el exceso de su uso y no distraer así la atención del espectador. Y los planos y movimientos de cámara exprimen lo mejor de las interpretaciones, que son casi en exclusiva femeninas, en especial la de la pareja protagonista Noémie Merlant y Adéle Haenel, que hilan entre ambas una estupenda interpretación en la cual, ambas van poco a poco acercándose sentimentalmente como si de un baile se tratara, para deleite de cualquier cinéfilo que aprecie la sutilidad.
El guion, escrito por la misma directora, profundiza en los sentimientos de unas mujeres jóvenes de una época en la que estaban sometidas a casarse para tener seguridad económica en su vida, aunque eso fuese en contra de su voluntad; bien porque no les gustase su prometido o claramente por tener una inclinación sexual distinta a lo que siempre se ha considerado lo normal. Es por tanto, una película elegante, vistosa y repleta de detalles sinceros que no pretende atrapar la atención del espectador más comercial, sino del público más exigente que busca siempre un cine que le cale, aunque su ritmo sea lento como es en este caso y su historia no trate de sorprender en lo que ofrece, sino simple y llanamente, ofrecer una pincelada del sufrimiento e impotencia de la mujer en el siglo XVIII.

Es curioso ver una obra de Paul Thomas Anderson que no funcione bien, pero cosas más raras se ven. En esta ocasión, abarca la vida de un modisto inglés de renombre en la postguerra, interpretado magistralmente eso sí, como era de esperar, por el camaleónico Daniel Day-Lewis. Expone la historia sin la menor prisa ni pausa, llevándola con un ritmo lento que no acaba de convencer a todo el mundo, como es mi caso. Y no es que me importan los ritmos lentos, siempre y cuando ofrezcan a cambio algo de interés en lo que se va narrando, aunque este no es el caso.
El guion de la película, escrito por el mismo director, trata de aprovechar el tirón que tiene para los cinéfilos el cine clásico y se centra en la época de los años 50, basándose en un modisto algo solitario y repleto de rarezas cuya vida da un giro inesperado cuando conoce y se enamora de Alma, una joven camarera a la que conoce en unos días de descanso. Ambos acaban juntos en una relación tóxica en la que solo encuentran el amor cuando todo se tuerce entre ellos. Con esta idea, trabaja el director, aunque desde mi punto de vista carece de la más básica pasión y enganche para un público que considero se encontrará en su mayoría frío, al visualizar esta obra que no acaba de arrancar del todo, y que te deja con sensación de vacío.
Los detalles técnicos del film, eso sí, brillan del primero al último. Merece especial atención los vestuarios y decorados de época que te transportan con su elegancia al momento y lugar en cuestión. También es estupenda la música distinguida que, a juego con los bellos vestuarios que crea el protagonista, llena las escenas de confort, envolviendo cada sala y cada vestido con glamour. También los planos y movimientos de cámara junto con la magnífica fotografía realizada por el mismo director, consiguen un buen trabajo técnico que es en líneas generales, lo más destacable del film, junto con la brillante interpretación de Day-Lewis.
Pero, en definitiva, la considero una obra prescindible en cuanto a la profundidad de su trama se refiere, ya que es algo fría y no consigue enganchar al público ni siquiera contando con la estupenda presencia de nuestro protagonista y el resto del acertado elenco actoral. Tan solo es mencionable desde el punto de vista técnico, logrando en esta parte salvar los muebles de una película que considero, podría haber sido bastante más si hubiera profundizado su creador más en el tormento romántico de sus protagonistas, en lugar de la elegancia y música de esta, considero, fallida película.

El director Jonathan Glazer consigue dar forma a una de esas películas difíciles de catalogar. Su mezcla de géneros como la ciencia ficción, el drama psicológico y los extraterrestres obtienen como premio una película de culto que una vez has visto es difícil de olvidar, tanto en lo bueno como en lo malo, aunque en esta ocasión, es mayor la sensación de haber visto algo distinto y provocador más allá de los desnudos de Scarlett Johansson, la cual hila un buen papel lejos de sus registros románticos y dramáticos más habituales.
Under the Skin, es una película diferente y arriesgada, una de esas cintas que no deja a nadie indiferente tanto por su trama como por sus detalles técnicos. Se logra con ella una obra de culto que puede que te guste o puede que detestes, pero desde luego no le puedes reprochar a su director y por cierto, también guionista junto con Walter Campbell haber logrado confeccionar una película tan desconcertante en lo que ofrece, como en esta basada en la novela de Michael Faber. Y es que, Scarlett Johansson, en su papel de extraterrestre que seduce a todo hombre dispuesto a hablar con ella, se aprovecha de la debilidad humana más básica del nombre para alimentarse de ellos, esa es básicamente la trama de la película. Aunque realmente, hay más detrás, ya que esta al final, acaba sintiéndose una más de ellos en su papel de mujer.
Los detalles técnicos de la película van acorde en lo que se ofrece en ella. Destaca sobretodo, la música turbadora y desde luego inquietante que entra en acción cuando es requerida en la historia para desconcertar aún más si cabe, al sorprendido espectador. También la fotografía de la ciudad de Edimburgo y los parajes naturales de sus proximidades sacan lo mejor del film junto con el oscuro y negro lugar donde nuestra protagonista seduce y acaba con sus inocentes presas.
Podemos decir, por tanto, que Under the Skin es una película diferente. No es una cinta destinada al gran público, razón segura por la que ha tardado siete años en ser estrenada en España, ya que más bien es un film destinado al cinéfilo ávido de un cine diferente y provocador que se centra siempre más en ofrecer algo novedoso y desconcertante. En esta ocasión, una película oscura de extraterrestres que campan a sus anchas por Escocia alimentándose de hombres para satisfacer sus necesidades y en el que Scarlett Johansson alejada de sus registros interpretativos más habituales, consigue obtener la total atención del espectador en su papel seductor de una fría y despiadada extraterrestre que acaba cayendo en la misma trampa en la que caen sus presas, los seres humanos.

En ocasiones, aunque no con mucha frecuencia, uno se sorprende gratamente al descubrir alguna cinta que no esperaba descubrir, bien porque no haya escuchado mucho hablar de ella, o, sencillamente, porque las valoraciones que lee en otros sitios no son para tirar cohetes. Eso mismo me ha pasado al visualizar Frances Ha, una película del subgénero Mumblecore y de cine independiente norteamericano que tiene como protagonista a una chica de 27 años que da nombre al film, la cual se empeña en conseguir su sueño de ser bailarina en una compañía de danza en Nueva York, mientras vive su vida sin demasiada preocupación junto a su amiga Sophie.
Esta sinopsis, sacada del guion que fue escrito por Noah Baumbach junto con la protagonista Greta Gerwig, y que no da lugar a una gran historia, es el comienzo de una trama sencilla que está mucho más centrada en los diálogos de unos jóvenes protagonistas y la peculiar vida de Frances, la cual no dejará a nadie indiferente con su humor y forma de ver la vida, despreocupada de todo y sin tomarse en serio nada más allá de la citada amistad con Sophie. El argumento es, por tanto, bastante fresco y digno de conocer por el buen rollo que despierta su historia y también por mostrar de un modo muy natural los sentimientos de la joven protagonista.
En cuanto a los detalles técnicos del film, llama la atención la fotografía en blanco y negro y unos planos y movimientos de cámara sencillos y sin florituras que consiguen sacar lo mejor de la película, sin contar para ello con demasiado presupuesto. La música, es sutil y acompaña magistralmente la trama según es requerido, logrando con ello un notable trabajo que ayuda a llegar sinceramente al corazón del espectador. Pero sin lugar a dudas, lo mejor y más recordable de Frances Ha es la interpretación de su protagonista Greta Gerwig, que consigue hilar un trabajo excelente y lleno de frescura que encandila a toda clase de espectadores, incluso a los más exigentes. Deja claro con ello, que es una actriz digna de recuerdo, además de una eminente directora que de momento ha logrado triunfar con la cinta Lady Bird. También cuentan para la cinta con las acertadas interpretaciones de Mickey Sumner, Adam Driver, Michael Esper y Grace Gummer entre otros.
En definitiva, considero Frances Ha una cinta notable y digna de ser vista por toda clase de espectadores, ya que creo que logra de forma eficaz llegar al corazón tanto del público más comercial como del más exigente que siempre busca cintas que van más allá de lo que ve el gran público. Aciertan además con la mezcla de géneros Mumblecore, cine independiente, comedia e incluso detalles de drama que junto con la acertada fotografía en blanco y negro, consiguen atrapar la atención de todo aquel que se decida a verla, ya que tiene algo en su interior que te da la sensación de quedarse de forma definitiva dentro de ti, sobre todo por la recordable interpretación de Greta Gerwig.

Cine independiente en estado puro para deleite de sus seguidores más incondicionales. Paul Schrader nos trae la historia de un reverendo evangélico que anda perdido desde la muerte de su hijo en Irak. Dirige desde entonces una pequeña iglesia al norte del estado de Nueva York, una iglesia que tiene 250 años de historia pero a la que casi nadie asiste. En ella, el reverendo va poco a poco perdiendo la fe mientras trata de ayudar a un matrimonio activista en el que ella está embarazada y él es un radicalista medioambiental que ha perdido la esperanza en este mundo y pretende hacer algo desconcertante.
El guion escrito por el mismo director, contiene todos los ingredientes esenciales de un cine independiente en su ritmo lento, sus interpretaciones nada pretenciosas y una trama que se va cociendo poco a poco y que parece que va a desencadenar en un final impactante, aunque nunca se sabe. Todo en su argumento tiene la intención de enganchar poco a poco al espectador más exigente, que no el comercial, ya que lo que nos ofrece no tiene la más mínima intención de sorprender a nadie, sino más bien llegar al alma del espectador al hacerlo partícipe del corazón desesperado del reverendo, que parece estar en una espiral autodestructiva al no cuidarse mientras su salud se deteriora poco a poco.
En cuanto a los detalles técnicos del film, cabe la pena destacar que la música turbadora es usada en los momentos oportunos para añadir dramatismo a la película. La fotografía está bien trabajada en detalles y junto con los planos y movimientos de cámara logran un trabajo visual bien logrado. También merece especial atención citar las estupendas interpretaciones. Cuenta con la destacada interpretación de Ethan Hawke, que logra hilar un estupendo papel lejos de sus registros más habituales, y también el acertado trabajo de Amanda Seyfried, para completar el duo interpretativo principal.
En conclusión, considero El reverendo una cinta digna de ver para todos aquellos cinéfilos seguidores incondicionales del cine independiente norteamericano, por tener en su interior todos los ingredientes necesarios que corresponden a esta clase de cine. Por conseguir aumentar el interés por su trama poco a poco, sin ninguna prisa y acertando en todas las decisiones que escoge el director y guionista Paul Schrader, y por dejar descolocado al espectador con un final inesperado que la hacen una cinta respetable al alejarse de la fácil decisión de querer sorprender con algo espectacular al espectador, cuando más bien lo más humano y sencillo, es lo más acertado para su final.

Pocas veces en el cine se logra transmitir una historia de amor tan sincera y real como la que se consigue en Call me be Your Name. Su director Luca Guadagnino logra dar forma a una trama repleta de detalles hermosos y tan naturales como la vida misma, para deleite de cualquier seguidor del cine romántico. En su interior, lograras encontrar amor en estado puro, pero un amor algo imposible de llevar a comienzo de los años 80, cuando las relaciones homosexuales no eran nada bien vistas, y estos tenían o bien que ocultarse, o bien aparentar ser heterosexual para evitar una vida que quizás bajo las circunstancias de entonces se antojaba algo imposible.
El guion, escrito por James Ivory y basado en la novela de André Aciman, consigue atrapar la total atención del espectador abierto a descubrir historias que hasta el momento no han sido llevadas en exceso a la gran pantalla, y que además pienso que cuando lo hagan, perderá la magia del descubrimiento y se volverá algo más banal, como la mayoría del cine de amor actual que pocas veces te ofrece algo novedoso. Esta película sin embargo, da en el clavo, situando al público en esos momentos difíciles que pasaron los homosexuales en épocas pasadas, y como debido a la represión que sufrían debían llevar una vida aceptada socialmente para no levantar sospechas.
En cuanto a las interpretaciones del film, son notables del primero al último, tanto en los protagonistas como en los secundarios, logrando todos una gran labor al conseguir trasmitir cada uno en su papel lo que el público desea ver. Cuenta con las actuaciones de Timothée Chalamet, Armie Hammer, Michael Stuhlbarg, Amira Casar y Esther Garrel entre otros.
Los detalles técnicos de la película también son dignos de nombrar. Utiliza una fotografía lumínica que sabe exprimir los detalles hermosos de ese lugar idílico donde la familia pasa unas vacaciones de verano. La música acompaña magistralmente la acción conforme es necesario sin caer en detalles innecesarios. Los vestuarios y caracterizaciones consiguen junto con los decorados transportarte eficazmente al momento y lugar en cuestión. Y los planos y movimientos de cámara, sin querer lucirse en ningún momento, hilan una estupenda labor técnica que también saca lo mejor de su trama.
En definitiva, considero Call me be Your Name, una película sobresaliente que consigue situar de forma eficaz al espectador en una pequeña parte de lo que sufrían los homosexuales al tener que esconderse de una sociedad que no aceptaba bajo ningún pretexto sus relaciones, condenándolos a esconderse o bien a llevar una vida que no querían para no estar eternamente juzgados. Además, encontrarás en su interior unas estupendas interpretaciones y detalles técnicos que logran redondear un film de los que puedes recomendar perfectamente sin temor a equivocarte.

Cria cuervos y te sacaran los ojos. Así reza el famoso refrán que en esta película tiene más sentido que nunca. El director Andrey Zvyagintsev saca a la palestra una historia de lo más incitadora que se va cociendo poco a poco y en la que el dinero es el gran protagonista. El dinero cuando te sobra, y el dinero cuando te falta. Pero también es gran protagonista la justicia, y con ello no me refiero a la justicia universal o la que se practica en las salas con magistrados, sino más bien esa justicia particular que todos sentimos en algún momento creer que está por encima del resto. Esa justicia subjetiva que sale de nuestro corazón o intelecto y que decide que sería lo mejor desde nuestro punto de vista.
Con esta premisa, el director Zvyagintsev saca jugo a la trama, ya que nuestra protagonista, llamada Elena y que también da nombre al film, es una mujer ya de edad algo avanzada que vive con un hombre rico que conoce desde hace algunos años y con el que está casada, pero tiene también un hijo con problemas de alcohol que no tiene el más mínimo interés en trabajar. Su marido por su parte, tiene una hija que él mismo califica como “hedonista”, y que se dedica tan solo a vivir sin querer tener muchas preocupaciones, ni siquiera en cuanto a la salud de su padre se refiere. Con estos ingredientes, pueden salir muchos cócteles, y el que sale, es el más desconcertante de todos.
Es digno de elogio creo yo, que un director con no demasiadas películas a sus espaldas como es Zvyagintsev, haya filmado tantos títulos notables como ha realizado hasta el momento. Ha dirigido películas de la talla de El regreso (2003), El destierro (2007), Leviatán (2014) o Sin amor (Loveless) (2017). Todas ellas de gran calidad fílmica y un estilo propio, que se va haciendo cada vez más reconocible para deleite de los cinéfilos más exigentes que siempre tratan de buscar realizadores originales o con sello propio.
Aunque los detalles técnicos de la película están por debajo de la calidad de su trama, cabe la pena destacar las interpretaciones de los protagonistas, incluso de los secundarios. Cuenta con las interpretaciones de Nadezhda Markina, Elena Lyadova, Aleksey Rozin, Andrey Smirnov y Evgeniya Konushkina entre otros. También merece especial atención la música, que es usada hábilmente según el momento de la trama, la fotografía lumínica y los planos y movimientos de cámara que en algunas escenas parece recordar -salvando las distancias-, al famoso director ruso Andrei Tarkovski.
Por tanto, considero Elena un trabajo digno de elogio, como el resto de cintas que hasta el momento ha realizado el director. Por tener en su interior una historia insidiosa y repleta de detalles que la hacen sencilla pero a la vez turbadora, para disfrute de todos esos cinéfilos ávidos de un cine propio y bien trabajado que ofrece un producto llamativo que no dejará a nadie indiferente tras su visionado, ya que incluso sin ser una obra maestra, cumple ampliamente con su cometido y deja la sensación tras verla de haber visualizado un cine particular que no te deja en absoluto indiferente.

Amante por un día es una sencilla pero efectiva historia de amor y drama que convence por su naturalidad en lo que expresa. El director y guionista Philippe Garrel se basa en un argumento donde el amor es el protagonista, pero no el amor sentimental, sino el amor de pareja defectuoso y más real basado en una pareja en la que él, un hombre de Edad Media que es profesor de universidad, sale con una estudiante de su universidad que tiene la edad de su hija y un pensamiento sobre el amor y el sexo bastante liberal, aunque quiere aparentar ser su pareja idílica. La protagonista sin embargo, es la hija del profesor, la cual acaba de ser dejada por un joven al que no consigue olvidar, y se va a vivir a casa de su padre, donde conoce a su joven novia.
El guion de la película, carece de florituras y del menor intento de sorprender al público con lo que expone. Simplemente va ofreciendo una trama creíble donde el amor, el sexo, los celos y las infidelidades son el principal fuerte de la historia. Todo ello, narrado con la misteriosa voz en off de una joven que no aparece en el film, y que va contando todo lo que sienten y piensan sus protagonistas. Esta narradora, es uno de los fuertes de la historia al ser algo original que pocas veces se ve, ya que lo habitual es que el narrador sea uno de los protagonistas.
En cuanto a los detalles técnicos de la obra, llama de sobre manera la atención el uso de la fotografía en blanco y negro, algo dicho sea de paso muy utilizado por su director en muchos de sus films, quizás para aumentar la expresividad y el movimiento de las interpretaciones, lo cual consigue de forma notable. La música es sutil y acompaña la acción en determinadas escenas, pero más bien en pocas. Los planos y movimientos de cámara son usados de forma inteligente según la escena para exprimir lo mejor de cada una de ellas. Cabe también destacar, las formales y dignas interpretaciones de Eric Caravaca, Esther Garrel y Louise Chevillotte, formando el principal trio protagonista.
Por todo esto, considero Amante por un día una cinta digna de ser descubierta por los cinéfilos exigentes que no buscan obras espectaculares, sino más bien naturales al centrarse en ofrecer una trama sencilla que cala precisamente por su sencillez y por ofrecer un producto que no equidista nada de la realidad que tenemos hoy día. En su interior encontrarás, una historia creíble en lo que ofrece que engancha por su naturalidad y destreza al crear interés con algo más bien cotidiano.

La directora y guionista Lynne Ramsay vuelve a sorprendernos con un film sombrío y repleto de detalles para volver a sorprendernos con En realidad, nunca estuviste allí. La película toma como base la trata de blancas y el trabajo de liberación de estas de Joe (Joaquin Phoenix), un ex marine y antiguo veterano de guerra que tras su paso traumático por el ejército se dedica a salvar a niñas que son explotadas sexualmente. Esta es la premisa para que la directora haga de las suyas gracias a una historia violenta y desde luego fría en lo que expone que deja trastocado al espectador tras su visionado, pero sin duda con la sensación de que ha visto una obra distinta y bien trabajada al detalle, de esa clase de las que se queda en tu memoria sin saber muy bien porque.
En cuanto a los detalles técnicos de la cinta cabe destacar la oscuridad de sus imágenes sugestivas que mantienen al espectador en tensión con lo que se le va ofreciendo. Son tambien destacables los planos y movimientos de cámara que exprimen lo mejor no solo de la sublime interpretación de Phoenix, el cual va mejorando registro tras registro interpretativo para deleite de todos los cinéfilos, sino tambien de la acción estremecedora que nos muestra este sobrio film. En cuanto a la parte más destacable de los detalles técnicos, merece especial atención la música de Jonny Greenwood, que logra captar la atención del público gracias a unos sonidos estimulantes y desde luego penetrantes que te mantienen pegado al asiento durante todo el metraje, incluso contando con que el ritmo de la cinta es lento y en ocasiones asfixiante.
El guion, escrito por la misma directora y basado en la novela de Jonathan Ames, logra trasmitir inquietud desde que empieza gracias a su absorbente trama que cala sin remisión en el público más exigente buscador de obras oscuras y provocadoras. Logra con ello redondear una obra que está más bien indicada para el cinéfilo más exigente y buscador de películas distintas que para el público en general, ya que este posiblemente tachara la cinta de ser un trabajo lento y falto de pasión, aunque en realidad es ese desde mi punto de vista el mayor fuerte del film.
Concluyendo, la considero una obra digna de ver si eres de esa clase de cinéfilos que se jactan de descubrir un cine distinto y oscuro que acaba atrapándote en su espiral de violencia e imágenes repleta de detalles que no son fáciles de discernir, ya que la directora y guionista no nos lo pone demasiado fácil al centrarse toda la trama en la mente desquiciada de un hombre que se dedica a salvar niñas de la trata de blancas para salvarse en realidad a sí mismo, ya que su mente perturbada por su pasado da pie a un hombre violento pero con las ideas claras en lo que es su cometido, dando forma con ello a un personaje inolvidable de los muchos que ha realizado ya nuestro particular Joaquin Phoenix.

De nuevo Pawel Pawlikowski vuelve a rodar un film en blanco y negro. Tras el éxito de Ida (2013), película rodada en blanco y negro con la que obtuvo el oscar a la mejor película extranjera, vuelve a utilizar el cine en blanco y negro para rodar Cold War, una película basada en el amor imposible que toma como hilo conductor la historia de amor de los padres del cineasta, aunque con algunos cambios. Se ve que el director Polaco le ha cogido el gusto a un cine propio donde se potencian las imágenes con una fotografía bien lograda en detalles que exprimen lo mejor de unas interpretaciones sobrias, logrando unas escenas memorables.
Los detalles técnicos de Cold War son dignos de elogio. La música clásica escogida por el director atrapa la atención del público en su visionado. La fotografía en blanco y negro aumenta la potencia de las imágenes y evocan al momento y lugar en cuestión de finales de los años 40, los años 50 y por último los años 60. La historia gira en torno a la vida amorosa, aunque más bien pasional de una pareja durante 14 años. Los planos y movimientos de cámara son notables en su uso de primeros y primerísimos planos para engrandecer las estupendas interpretaciones de Joanna Kulig y Tomasz Kot, los cuales se apoderan de toda la trama con sus dramáticas y seductoras interpretaciones.
El guion, escrito por el mismo director junto con Janusz Glowacki, se centra en la imposible historia de amor de una pareja que por distintas situaciones políticas o incluso sentimentales, luchan por conservar uno de esos amores de quiero y no puedo, ya que aunque ambos se afanan en seguir juntos incluso con las adversidades que se les presentan, todo parece indicar que es francamente imposible que eso ocurra. Este es precisamente el mayor fuerte del film junto con su potente fotografía, el lograr un argumento convincente y desde luego sincero que no se centra en dar esperanzas al espectador en que sea fructífera la historia de amor que está visualizando, sino más bien lo contrario, el que sea partícipe de la decadencia e imposibilidad del amor que ambos se profesan mutuamente.
En definitiva, considero Cold War una obra de arte bien hilada y desde luego convincente en lo que ofrece. El director Pawel Pawlikowski vuelve a deslumbrar al público más exigente con otro film en blanco y negro e imágenes sugerentes que se quedan en la retina del espectador, ya que sus detalles técnicos acompañados de unas interpretaciones convincentes, logran dar forma a una cinta repleta de detalles formidables que deja tras de si la sensación de que has visto una gran película. No una de esas comerciales, sino más bien una de esas que el tiempo volverá a recordarte para volver a visualizarla y disfrutarla posiblemente aún más si cabe, de lo que los cinéfilos llamamos cine del bueno que no pretende impresionar, sino simplemente quedarse en tu interior para siempre.

Melodrama en estado puro el que nos trae Luca Guadagnino. El director saca a la palestra la vida de una familia acaudalada y burguesa de Milán, que como era de esperar, tienen costumbres clásicas que se perpetúan generación tras generación. Dicha familia la forman el patriarca, que está a punto de jubilarse y pasar el control de su empresa a su hijo y nieto, y el resto de la familia, que terminan de completar el cuadro pero poco más, ya que los que realmente importan dentro de este entorno son los implicados. En medio de esta escena, hay varias mujeres que poco pintan en el poder que ostenta la familia, y una de ellas será la protagonista de esta historia. Esta mujer se llama Emma (Tilda Swinton), aunque en realidad su nombre es otro, ya que es rusa, y resulta ser la esposa y la madre de los futuros herederos del imperio. Con ella, empieza y acaba la trama, ya que a medida que avanza esta te das cuenta que está inmersa en un mundo que no siente al parecerle este falto de sentimiento, amor y pasión. Pronto conoce al amigo cocinero de su hijo, el cual primero la seduce con la comida y luego con la pasión, a partir de aquí y como es de prever, empezarán los problemas.
Yo soy el amor es un drama romántico que parece más bien sacado de otra época, pero funciona bien en esta tal y como lo trasmite el director. Este, en su guion, -escrito también por Barbara Alberti, Ivan Cotroneo y Walter Fasano-, trata en todo momento de trasmitir al espectador que una vida por muy llena que esté de riquezas y de propiedades, está vacía si falta lo primordial en ella para ser feliz. Basta solo saborear un plato de comida para descubrir que hay mucho más sabor en ella que en el resto de las cosas que te rodean. Plasman además el machismo de una sociedad clásica pero también capitalista, en la que la mujer se limita a estar en casa y observar como los varones de la familia son los que aumentan las riquezas. Ellas tan solo tienen que estar ahí para ellos.
En cuanto a los detalles técnicos del film son eficientes en cuanto a la fotografía, los decorados y vestuarios, que logran mediante lugares pomposos trasladarte a esas mansiones de familias pudientes. Los planos y movimientos de cámara son muy personales, logrando una notable labor al usar mucho los primeros y primerísimos planos para aumentar el dramatismo y la sensualidad de algunas escenas. Es sin embargo la música, el lunar técnico de esta película, ya que desde mi punto de vista se excede en su uso en las escenas clave para aumentar el dramatismo e inquietar al público innecesariamente.
En conclusión, considero Yo soy el amor un melodrama eficaz que merece la pena ser visto por tener un guion bien trabajado al exponer la dificultad de encontrar la felicidad y la libertad cuando sigues tus instintos en una sociedad capitalista y desde luego machista. Por tener una estupenda interpretación de Tilda Swinton que se apodera con su magnética mirada de toda la trama. Por trabajar correctamente ciertos detalles técnicos a excepción de la música. Pero sobre todo, por esos detalles de película clásica que ya apenas se realizan para disfrute de los cinéfilos clásicos, que disfrutan con dramas románticos bien trabajados que llevan implícito un mensaje de lo importante y costoso que puede salir, seguir los dictámenes de tu corazón.

Una de las virtudes que más admiro del cine independiente norteamericano, es que se sale de los cánones convencionales del séptimo arte para ofrecerte siempre una obra que se desvía de lo comercial. Esto mismo le ocurre a Ghost Story, cuyo argumento gira en torno a las vivencias del fantasma de un hombre joven que murió en un accidente de trafico frente a su casa, donde vivía con su pareja. Con esta premisa, el director David Lowery construye esta sencilla pero a la par genial obra de cine independiente, logrando captar con ella la atención y el respeto de todos los seguidores del género, todos esos que siempre buscan algo novedoso.
Para ello, cuenta con las interpretaciones de Casey Affleck y Rooney Mara entre otros, aunque los trabajos de estos en cuanto a narrativa y apariciones se refiere es escueta, siendo más predominantes los silencios prácticamente durante todo el film. En cuanto a la música de la película es de lo mejor como detalle técnico gracias al trabajo de Daniel Hart, que logra con sus canciones y sonidos hipnotizar al público o inquietarlo según es requerido en la escena, exprimiendo lo mejor de cada momento.
El guion escrito por el mismo director es original en lo que ofrece y además también bastante poético en su visión de la muerte, ya que según su versión es como si quedarás suspendido en ella eternamente en el lugar donde falleciste, y el universo, o mejor dicho el universo del fallecido, se centrara para siempre en ese lugar hasta que cumpliera con su causa pendiente o libere la curiosidad que siente de saber algo que quería y nunca llegó a saber. Cumple el director y guionista con ello notablemente gracias a esta obra y encandila al público ávido de cine independiente del bueno, ese que no se compromete con la causa comercial y se desmarca hacia una libertad fílmica digna de elogio.
En definitiva, A Ghost Story es una obra notable y merecedora de ser vista por todos aquellos cinéfilos buscadores de cine independiente que busca agradar a ese pequeño porcentaje de espectadores que no buscan cine comercial, sino un cine distinto y provocador que como siempre digo es posible que sea o no sea de tu agrado, pero sin lugar a dudas es respetable por ser insólito y en este caso algo bucólico en su visión de la muerte, ya que esta está representada por el típico fantasma de sabanas blancas que vaga por la casa donde falleció haciendo lo que sea necesario para conseguir su propósito.

El primer largometraje que realizó Charlie McDowell no puede estar más provisto de géneros en su interior. Toca la temática romántica, el drama, lo fantástico, el thriller y la ciencia ficción, incluso un poco el humor en esta extraña película de cine independiente norteamericano que puede que te guste o puede que no, pero sin lugar a dudas no la tacharas de estar carente de originalidad y misterio en lo que te va ofreciendo.
El guion escrito por Justin Lader es enigmático y desde luego desconcertante. Comienza siendo un drama romántico de lo más normal al describir una pareja que acude a un terapeuta matrimonial para buscar solución a los problemas de su matrimonio, y este les recomienda que pasen un fin de semana en una casa apartada de todo para reconducir su vida sentimental. Una vez allí, empiezan a pasar cosas inexplicables que alguno achacaran al consumo de marihuana, que también podría ser, ya que todas las insólitas situaciones que se suceden pueden dar lugar a todo tipo de hipótesis.
El argumento en sí, es entretenido y te mantiene eficazmente pegado al asiento. Como he dicho, la mezcla de géneros es inédita o al menos singular en lo que nos va ofreciendo para deleite de los buscadores de películas distintas que no se limitan a rizar el rizo de algo ya expuesto en innumerables ocasiones, sino que se adentra con valor y sin complejo en una serie de temáticas que sorprenden y que te mantienen notablemente expectante, viendo cual puede ser el desenlace de esta historia que tiene miga en su interior.
Podemos decir por tanto, que The One I Love es una obra original y valiente. Como era de esperar, algo así solo puede salir del cine independiente, ya que del comercial no pasaría seguramente por los filtros de esos productores que solo buscan el beneficio económico. En esta ocasión, por suerte, y como es habitual en el cine independiente, se logra crear un producto incitador y distinto que puede que te guste en mayor o menor medida, pero sin duda no le puedes achacar que no ofrezca algo inédito que explora varios géneros para intentar seducir al público más exigente. Indistintamente de lograrlo o no, deja tras si una extraña sensación que sabes que no se te olvidará. Esa es en mi opinión la mayor virtud del cine independiente, el lograr captar la atención de tan solo unos pocos pero exigentes y desde luego fieles espectadores, que agradecen de sobremanera estas pequeñas joyas que de vez en cuando encuentras en el séptimo arte.

El director Spike Jonze en su afán de mostrar un cine distinto, consigue dar forma a una película extraña como pocas aunque también divertida. Con tintes de autentico surrealismo, esta película fantástica y de culto es considerada por muchos cinéfilos como un referente en el cine extraño, esa clase de cine que no gusta a todos pero que a los que les gusta atrapa sin excusa para dejarlos absortos mirando de principio a fin una cinta de las que no se olvidan. Gracias al guion del conocido guionista Charlie Kaufman, el director logra adaptar a la gran pantalla una historia insólita, de esas que consiguen enfrentar al público en opiniones encontradas y a la crítica en lo que ofrece, lo cual puede que te guste o no, pero desde luego no puedes negar la originalidad de su trama.
El elenco actoral de la película no se queda atrás en lo que calidad interpretativa y caras conocidas se refiere. Cuenta con actores de la talla de John Cusack, Cameron Diaz, Catherine Keener, Charlie Sheen, Brad Pitt y por supuesto el que da nombre al film, John Malkovich.
También merece la pena ser destacada la difícil mezcla de géneros a la que el director consigue unir sin problemas. El humor en la parte de comedia es lo más destacable al comienzo de la cinta, mezclado generalmente con un surrealismo difícil de descifrar, como es normal en el género. A continuación se suceden los géneros fantásticos y de ciencia ficción, y por último incluso el drama para conseguir entre todos estos al final una auténtica película de culto, de esas de las que se queda suspendida en el tiempo para recurrir a ella cada vez que quieras descubrir un cine distinto y repleto de detalles y extrañezas.
En cuanto a la parte técnica de la obra, merece la pena destacar los planos subjetivos para hacer sentir al público lo que se ve a través de una persona desde dentro, así como los movimientos de cámara. También la fotografía es evocadora y la música ayuda a crear el ambiente propicio en cada escena.
En definitiva, considero Como ser John Malkovich, una obra distinta y llena de detalles singulares que acaparan la atención del cinéfilo buscador de experiencias cinematográficas distintas, de esa clase que se queda para siempre en la retina por su originalidad y por ser valiente en lo que ofrece a riesgo de ser un fracaso, cuando en realidad consigue un éxito de crítica y publico exigente que sobrevive perfectamente el paso del tiempo, y que incluso gana enteros con el paso de los años y la opinión positiva sobre ella de los buscadores de cine más exigentes.

Gran ópera prima de Darren Aronofsky, una película que además deja ya claro el estilo reconocible que el director usará en futuras cintas de amplio reconocimiento de público y crítica como lo fueron posteriormente Réquiem por un sueño (2000), El luchador (2008), Cisne negro (2010) y Madre! (2017) entre otras. No son demasiadas las películas que tiene en su haber este particular director, pero si son notables en su mayoría y desde luego no están desprovistas ninguna de ellas de un estilo propio, fácilmente identificable y desde luego satisfactorio para los cinéfilos más exigentes.
Rodada en blanco y negro y con unos planos y movimientos de cámara personales que usa mucho los primeros, primerísimos planos y la cámara en mano para exprimir lo mejor de la interpretación del protagonista, añade además zozobra a la trama, y aunque se nota que está rodada con un bajo presupuesto tanto por estos detalles técnicos como por contar con actores no conocidos, es esto sin embargo un detalle insignificante para un resultado final destacado, ya que cumple ampliamente con lo que se propone el director.
Su trama, basada en un matemático obsesionado con descodificar el sistema numérico que rige el mercado bursátil y otras claves numéricas, va creando inquietud al espectador y desde luego desconcierto al hacerlo partícipe del declive de un joven que sufre además de fuertes dolores de cabeza que le afectan al ánimo y a su trabajo, al que además no es capaz de ponerle fin. La música de la película, a la que da forma Clint Mansell, quien además después de esta colaboración puso música casi al resto de película de Aronofsky, es turbadora en casi todas las escenas y añaden ansiedad a la historia, logrando con ello un notable trabajo musical que es además reconocible en sus futuros trabajos con el director.
En resumidas cuentas, considero Pi, fe en el caos, una película de culto digna de ver para todos aquellos seguidores del cine de este género, del director y de los thriller psicológicos y cine independiente norteamericano al ofrecer algo auténtico, una trama basada en la obsesión por conseguir algo que quizás no esté en su mano, con la consiguiente paranoia derivada del excesivo trabajo y ningún descanso, ofreciendo con ello un producto digno de elogio que no dejará indiferente a nadie que se aventure a ver, lo que sin duda es una de las óperas primas mejor conseguidas y con un sello propio más reconocible en el séptimo arte.

Malick en estado puro, nos ofrece otra de sus obras bien cuidadas en imágenes, una fotografía espléndida y música acorde en lo que ofrece, aunque también es cierto que tal vez por debajo de lo habitual en cuanto a las imágenes hipnóticas suyas habituales se refiere. Quizás, se centra más en su trama para sacar jugo a una historia basada en hechos reales que denota autenticidad. Con el trasfondo de la Segunda Guerra Mundial, en un paraje montañoso de Austria, un feliz matrimonio que vive con sus tres hijas y trabajan de campesinos a la par que estalla la peor guerra que ha vivido el ser humano, tienen que escoger entre una ideología con la que no comulgan, o seguir sus principios aún con graves repercusiones para su familia.
Como he comentado antes, la fotografía como suele ser habitual en el universo Malick, es magnífica y esta repleta de detalles que te transportan al momento y lugar en cuestión junto con los decorados y vestuarios de los personajes, aunque quizás en esta ocasión, explota un poco menos de lo habitual su derroche técnico de imágenes y movimientos originales que dan gran realismo y un toque personal a la historia. El guion, escrito por el mismo director, te atrapa e inquieta desde el principio y te hace eficazmente partícipe de lo que tiene que soportar la familia en la aldea donde viven ,cuando deben escoger obligatoriamente un lado, y este se va desarrollando sin la más mínima prisa para deleite de los incondicionales del director y de los seguidores de un cine lento que te atrapa sin prisas pero sin pausa.
En cuanto a la parte interpretativa, la cual cumple ampliamente con su cometido, no cuenta en esta ocasión con caras muy conocidas para el público en general. Cuenta con August Diehl y Matthias Schoenaerts como actores principales y con algún nombre conocido más como Bruno Ganz de secundario, pero desde luego no se apoya como en otras ocasiones en caras conocidas para tener más repercusión en lo que ofrece.
Podemos decir por tanto, que siendo en cuanto a la parte fotográfica e interpretativa de las cintas con menos repercusión del director, si es de las más hermosas y auténticas obras que ha rodado hasta el momento por centrarse en la decisión de una familia fiel a sus ideales y sus creencias en el lado más peligroso de la balanza, aún a riesgo de que su decisión tenga un desenlace fatal. Pero dejan claro con ello su valor y el no querer participar en una guerra de locos donde falsas palabras como ser ario u odiar al distinto, se hicieron eco en una sociedad que se dejó llevar por un fanatismo enfermizo y desde luego fuera de toda lógica humana.

Oliver Stone da forma con mano experta, al que posiblemente sea el asesinato con más papeletas de ser una conspiración de la historia. Lo hace además de forma valiente, sin dejarse nada en el tintero, mostrando además vídeos inéditos hasta aquel momento donde se ve perfectamente el asesinato del presidente Kennedy. Esta película, con grandes tintes de documental, sitúa perfectamente al espectador en la duda más que razonable de que el presidente no fue asesinado por Lee Harvey Oswald, sino que fue objeto de una conspiración de la que no se ha podido probar lo suficiente como para poder demostrarla. Tras todas estas dudas, la larga sombra de la sospecha recae entonces sobre Castro, La Mafia, La Cia y las altas esferas del poder Estadounidense.
La parte técnica de la película, es de notable talla. Se utiliza el blanco y negro para las imágenes pasadas e incluso imágenes de archivo impactante sobre el asesinato del presidente. Mezcla por tanto el documental y película para hacer más creíble si cabe el film, concluyendo un estupendo trabajo de fotografía. La música de John Williams envuelve la obra en las escenas oportunas para crear inquietud y aumentar la sensación de intriga, cumpliendo ampliamente tal y como se espera siempre de él. Los vestuarios y caracterizaciones ayudan al público junto con los trabajados decorados a transportarlos a la época en cuestión, a los años 60 para situarlo justamente en los años donde se cometió el crimen y la posterior investigación años después. Cabe destacar junto con la espectacular trama, el estupendo trabajo interpretativo de actores de la talla de Kevin Costner, Tommy Lee Jones, Gary Oldman, Joe Pesci, Kevin Bacon, Donald Sutherland, Jack Lemmon, Sissy Spacek y Walter Matthau entre muchos otros. El guion, escrito por el mismo director Oliver Stone junto con Zachary Sklar y basado en la novela de Jim Garrison, es lo más cercano a la verdad que podrás encontrar sobre esta historia, ya que nada se pudo demostrar, aunque eso no quite que todo fue de lo más extraño y que hubo una conspiración si o sí en todo aquello, aunque nunca salieron a la luz los verdaderos culpables.
Por todo esto, y por mucho más que encontrarás dentro de esta obra irrepetible, considero J.F.K. Caso abierto una película digna de ser vista por todos los públicos para conocer de primera mano todo lo que rodeo -o al menos todo lo que se sabe-, de uno de los asesinatos más estudiados en la historia de los Estados Unidos, y por ello da para una trama tan sobresaliente como la historia misma del asesinato para sorpresa de todos aquellos que quieren descubrir, todo lo que hasta ahora se sabe del triste asesinato de uno de los hombres más respetados de la historia de EEUU, el presidente John Fitzgerald Kennedy.