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Críticas de Elcinederamon
Críticas ordenadas por:
La ciudad de las estrellas (La La Land)
La ciudad de las estrellas (La La Land) (2016)
  • 7,5
    50.774
  • Estados Unidos Damien Chazelle
  • Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Rosemarie Dewitt, ...
9
Excelente musical, drama y comedia que encandilará a tod@s
Pocas veces por desgracia, sale uno del cine con mejor sensación de las expectativas que llevaba antes de entrar, y eso es precisamente lo que consigue La ciudad de las estrellas (La La Land). Excelente musical que entra directamente en la selecta lista de mejores musicales de la historia, y una seria candidata a barrer en los premios Oscar. Todo brilla en ella, absolutamente todo, y son pocas las pegas que le puedes llegar a colocar (más bien ninguna), ya que siendo un musical, es totalmente recomendable para todos, incluso para aquellos que son incapaces de verlo, ya que tras su visionado descubrirán, que han sido conquistados por ella.

Su historia transcurre en el Hollywood actual, aunque en todo momento tienes la sensación de estar viajando por el Hollywood dorado lleno de posibilidades para aquellos que quieren brillar en él. Dos jóvenes con aspiraciones distintas. Por un lado, Ryan Gosling, un teclista y amante del Jazz que busca montar su propio negocio musical, y por el otro, Emma Stone, una aspirante a actriz que trabaja como camarera en una cafetería mientras espera su oportunidad. Ambos se conoce y...no, no se enamoran, al menos al principio, aunque como es de esperar, al final sí, y todo transcurre alrededor de ellos para deleite del público, ya que no solo se enamoran ellos, sino que también consiguen enamorar al espectador.

Su historia empieza en un atasco de coches en Los Angeles, donde comienza un gran número musical lleno de coreografías y alegres cánticos que dejan al público boquiabierto, y tras ese comienzo demoledor, comienza la trama a centrarse en nuestros protagonistas. En todo momento, se suceden uno tras otros los guiños al Hollywood clásico, y también a la música clásica norteamericana. Tiene también buenas notas de humor a cargo de sus protagonistas, pero sin caer en lo recargado, sino simplemente en ciertos detalles que harán reír al público sin dejar de lado lo importante de la historia.

Técnicamente, la película está trabajada al más mínimo detalle. La fotografía es colorida y a la par nostálgica para hacer viajar la imaginación del espectador. La música es como era de esperar, lo mejor del film entre sus números musicales y canciones de salones de jazz. Cabe destacar también, tanto el soberbio montaje que enlaza las historias con algún que otro salto temporal, y el notable trabajo de cámaras con largos planos secuencia, travellings, cámara en mano, seguimiento y planos personales que colocan al espectador justo al lado de los protagonistas.

En definitiva, La ciudad de las estrellas (La La Land) es un precioso musical de principio a fin por encandilar, divertir y romper el corazón de todos aquellos que se aventuren a visualizarla, ya que es un diamante en bruto tallado con mucho cariño y esmero, y es digna de ver para toda clase de públicos. Apunta, por tanto, bien alto a los premios Oscar, los cuales sin duda merece, ya que brillará allá por donde pase y se quedará en la retina y el corazón de todos, ya que es buen cine y se presenta de antemano nostálgico, al tener grandes momentos románticos y musicales que quedarán para siempre en el alma del espectador.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Silencio
Silencio (2016)
  • 6,3
    11.787
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Ciarán Hinds, ...
7
Un film religioso que pone a prueba la fe del espectador
Con Silencio, Martin Scorsese vuelve a la temática religiosa cristina como ya hizo en su momento con La última tentación de Cristo. Y lo hace, de nuevo, incitando al público al ofrecerle un producto distinto que no va por los ramales habituales que suele tomar la fe en el cristianismo en el cine, ya que igual que hizo con el citado film protagonizado por Willem Dafoe en 1988, propone un relato provocador y cruel que no sería bien visto o admitido por la misma iglesia, aunque sus personajes lleven al extremo su pasión y creencia por Cristo.
Su historia se sitúa en el siglo XVII, donde dos jesuitas portugueses viajan al Japón feudal para buscar al padre Ferreira, su mentor y maestro del que no saben nada desde que hace tiempo perdieron su pista en dicho país. Una vez allí, y con la ayuda de un peculiar Japonés, descubren que el cristianismo, aunque a pequeña escala, está bien arraigado en un país que castiga duramente a quien profese dicha religión, y más aún, a los que lleven allí la palabra de Cristo, en contra de su creencia y Buda.
En cuanto al guion, escrito por el mismo director junto con Jay Cocks, y basado en la novela de Shusaku Endo, conforma un drama psicológico que somete al espectador a una prueba de fe, llevando al límite su fuerza y poniendo a prueba su creencia en Dios, ya que muestra a los cristianos como mártires de la fe y a los sacerdotes como si fueran el mismísimo Jesús, aunque más terrenales y con fallos humanos cuando dudan de lo que hacen. Todo esto, es llevado a cabo con una narrativa pausada que utiliza la voz en off de sus protagonistas, destapando sus miedos e inquietudes, siendo el resto de la narración educada y correcta aunque a algunos les puede resultar pesada y lenta. En lo que se refiere a su metraje, eso sí, se excede de sobremanera y le sobran perfectamente 45 minutos para lo que ofrece el film.
En relación a los detalles técnicos, como era de esperar en una película de Scorsese, no dejan nada al azar. La fotografía está cuidada al más mínimo detalle, en especial en las escenas oscuras y con niebla, transportándote eficazmente al momento y lugar en cuestión, y más aún con el estupendo trabajo de decorados, maquillaje y vestuarios. Y la música, acompaña con sutileza las escenas claves en los momentos oportunos, casi sin darte cuenta para no restar protagonismo al drama.
En conclusión, con Silencio, Martin Scorsese, vuelve después de muchos años a tocar la temática cristiana, y regresa para provocar al espectador con una historia de lo más controvertida que sitúa a los cristianos japoneses, y en especial a los sacerdotes que promulgaban la palabra de Dios en países lejanos, como hombres terrenales, mostrándolos como personas de una fuerte convicción cristiana, pero también con dudas y errores como cualquier humano. Deja además, lo mejor para el final, la contestación a las dudas que surgen en el público a lo largo del drama, por lo que no dejará a nadie indiferente. Logra con ello un notable film, aunque cabe mencionar que no es apto para aquellos que detesten un cine lento y de largo metraje que no se tome la más mínima prisa en ser expuesto, y que además, se esmera en estirar las escenas menos trascendentes para desesperación de los cinéfilos más impacientes. Por lo que, piénsatelo bien antes de ver Silencio, porque si eres de los mencionados espectadores, se te harán interminables sus casi 3 horas de duración.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Loving
Loving (2016)
  • 6,5
    4.555
  • Estados Unidos Jeff Nichols
  • Joel Edgerton, Ruth Negga, Michael Shannon, Marton Csokas, ...
7
Un notable drama romántico que te acerca a una historia que cambio la constitución Estadounidense
Con Loving, Jeff Nichols se marca un punto importante en su haber dando forma a un film, que no plasma un relato de amor convencional para la época, sino un drama repleto de realismo que deja patente que hace no demasiados años, determinadas historias de amor no eran bien encajadas por la autoridad y la sociedad al ser de personas de distinta raza. Con esta pasada realidad se da pie, a una estupenda película que sin brillo y con un corte clásico encandila al espectador más exigente.
Su historia nos sitúa en el estado de Virginia (EEUU) en los años 50, donde Mildred y Richard Loving comienzan un idilio amoroso que acaba en matrimonio. Él es blanco, y ella negra, pero su amor es el mismo que pueda surgir en cualquier pareja, solo que en esta ocasión no tiene la aprobación de casi nadie, por lo que son juzgados por la ley a poner tierra de por medio y exiliarse a otro Estado norteamericano, ya que en Virginia están vetados por la orden de un juez, y serán arrestados si vuelven los dos juntos a dicho Estado.
Con esta premisa basada en unos hechos reales, con los que se consiguieron a base de mucho esfuerzo y litigio cambiar la Constitución de los Estados Unidos, y poder así, personas de distinto sexo contraer matrimonio sin ser penados por la justicia, el director coloca al espectador en un marco de injusticia e incomprensión que les hace plantearse ciertas ventajas que poseen hoy en día, y con ello en la mente, observan como el film sin prisa pero sin pausa va exponiendo poco a poco el caso sin querer ser en ningún momento pretencioso y sin ofrecer ningún burdo espectáculo que quiera llamar la atención.
Las interpretaciones, son magnificas en su naturalidad y contenidas tanto en el caso de Joel Edgerton, que sorprende a todos con un registro sencillo pero a la vez sobresaliente, y de Ruth Negga, que con su discreta pero admirable labor llega con sinceridad al público. Sin olvidar por supuesto, el breve pero certero trabajo de Michael Shannon, que llena de energía el film cuando aparece. Cabe destacar también, que el trabajo de dirección artística, maquillaje y fotografía logra transportarte al momento y lugar en cuestión. Y que la música, sin ser usada en modo excesivo, consigue aumentar el dramatismo en las escenas oportunas.
En cuando al guion, se marca un tanto con un ritmo narrativo y de acción tranquilo pero que en ningún momento hace que el espectador pierde interés en lo que se le relata, y con ello, hace que sus personajes vayan madurando a medida que avanza su trama. También es menester destacar, que el trabajo de dirección de Jeff Nichols, es digno de elogio por tener al público pegado al asiento sin necesidad de florituras ni de innecesarias exageraciones fílmicas tan usadas hoy en día para evitar el aburrimiento del público, y es precisamente en ese riesgo que corre el director con el que consigue salir airoso, ya que el visionado de la película en ningún momento cae en el desinterés.
Por tanto, considero Loving un pequeño gran film, uno de esos que con una bonita, triste y sencilla historia en su interior, es capaz sin brillo pero con mucho oficio y corazón, de calar en el corazón de todos aquellos espectadores exigentes que busquen dramas reales cuya trama e interpretaciones te transporten eficazmente a esa época de poca aceptación social a las parejas interraciales. Por esto, deja poso tras su visionado en el espectador paciente y ávido de buen cine que no pretende sorprender, sino aleccionar al público sobre la fuerza del amor, y sobre todo en este caso, del sentido común.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
American Honey
American Honey (2016)
  • 6,1
    2.365
  • Reino Unido Andrea Arnold
  • Sasha Lane, Shia LaBeouf, Riley Keough, McCaul Lombardi, ...
7
La libertad contemporánea
American Honey, de Andrea Arnold, es una comedia dramática y un road movie basado en Star, una joven descolocada en su vida personal y profesional que atraída por la persona de Jake, decide lanzarse a la aventura en un trabajo de inscripciones a revistas en el que irá recorriendo todo Estados Unidos junto a un grupo de jóvenes como ella.
Con esta premisa -que abiertamente denota la libertad que buscan sus protagonistas-, la directora Andrea Arnold busca en su cuarto largometraje hacer sentir al público sus propias ganas de evadirse de todo y vivir de la aventura y las pocas preocupaciones a través de las vivencias de un grupo de jóvenes que tratan en todo momento de divertirse, incluso cuando están trabajando, para dejar constancia de lo que podría ser perfectamente hoy día una vida hippie. Con ello, el espectador siente durante gran parte del film (aunque no todo ya que este se excede en metraje), que el viaje exterior que hacen los protagonistas es más bien un viaje interior para descubrirse a sí mismos y ver así, lo que verdaderamente quieren hacer en la vida.
Técnicamente, la película está bien construida. Su música es de lo más diversa y atractiva para acompañar el libre albedrío que practican los protagonistas entre día y día de trabajo. Su fotografía es hermosa y está bien trabajada para transportar al público eficazmente a cada lugar visitado por estos jóvenes vendedores. Pero lo mejor de todo, son sin duda las interpretaciones de sus protagonistas. Sasha Lane sorprende a todos con su primera interpretación en un difícil papel que borda con naturalidad, aunque desde luego el que brilla con luz propia y es el centro de atención de toda la película es el personaje de Shia LaBeouf, ya que sus movimientos, miradas y pensamientos hacen sentir envidia "sana" no solo a sus compañeros de trabajo, sino también a más de un espectador que asiste atónito a cómo viven al límite su vida un grupo de jóvenes cuya única preocupación es vender algo cada día para seguir pagándose su derecho a seguir en tan variopinto grupo.
Se podría decir, por tanto, que el mayor atractivo del film reside en la libertad y la despreocupación por las responsabilidades que vende la película. Con lo que el espectador siente tras su visionado que se ha dejado algo atrás, como si hubiera descubierto dentro de él una posible vida que nunca vivió, o que podría incluso vivir si se dejara llevar por la nostalgia de una libertad no escogida al seguir el camino que tomó la mayoría, un camino lleno de obligaciones y sensatez que si bien es el que en teoría todos debemos escoger, siempre deja la duda de ¿Que hubiera pasado si hubiéramos tomado un camino más rebelde y valiente en contra de todo sistema?. Es, en ese sentido, donde la cinta acierta de lleno, aunque como nota negativa para dar forma a esto se excede en su metraje.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mechanic: Resurrection
Mechanic: Resurrection (2016)
  • 4,8
    4.687
  • Estados Unidos Dennis Gansel
  • Jason Statham, Jessica Alba, Tommy Lee Jones, Michelle Yeoh, ...
5
El eterno cabreado (Statham), vuelve a la carga con más de lo mismo
Mechanic: Resurrection, de Dennis Gansel, es un thriller de acción secuela de Mechanic que basa su trama de nuevo en Arthur Bishop, un asesino especialista que tras años alejado del crimen, vuelve forzado para matar a tres hombres por encargo para poder salvar así la vida de su amada, que esta secuestrada por sus enemigos.
Cuando vas a ver una película de Jason Statham, tienes bien claro que vas a ver acción a raudales y a un hombre sin piedad que mata a los malos como moscas. Pues Mechanic: Resurrection no es ninguna excepción. Comienza con un ritmo excesivamente rápido, no en la acción, (lo cual es esperable), sino en la trama, la cual presentan en un plis plas y comienza el ritmo frenético del protagonista en su búsqueda de hombres a eliminar. De modo, que la trama es tan solo la excusa para dar pie a Statham para matar a sus enemigos y llevar a cabo así, su casi imposible misión de salvar a la chica que ama, historia arto explotada en el séptimo arte pero que aún sirve para crear gancho en los buscadores de acción en abundancia sin demasiados quebraderos de cabeza. Pero después, la acción va a trompicones y aunque tiene escenas apasionantes, la mayoría es más de lo mismo sin ofrecer nada nuevo y da la sensación de que no se han molestado mucho en mejorar la secuela.
Como ya he mencionado anteriormente, la interpretación de Statham es tal como te la imaginas antes de ver el film, y en esta ocasión tiene las colaboraciones de Jessica Alba como chica florero, ya que con su corta actuación dejan claro que solo querían engrosar con ella la lista de actores famosos y Tommy Lee Jones, que da el toque de humor cínico al film en una también corta interpretación pero fiel a su estilo.
En cuanto a la parte técnica de la cinta: los efectos visuales y de sonidos son el punto fuerte gracias a escenas violentas y rápidas que mantienen absorto a los seguidores del género. Los planos y movimientos de cámara dinámicos ayudan a incrementar la acción como era de esperar en el tipo de película que es, y en cuanto a la fotografía, te transporta eficazmente a cada lugar visitado por el protagonista en una competente labor. Pero poco más se puede añadir a una película que tan solo vale como una mera distracción para los buscadores de acción en exceso, y dentro de estos, los que sean exigentes saldrán decepcionados por no ofrecer Mechanic: Resurrection nada nuevo y dar vueltas sobre la misma historia que tantas veces se ha usado ya, la del incombustible asesino que para una vez que se enamora en la vida, le secuestran a la chica y tiene que salvarla de manos aún peores que las suyas. Por tanto, no es recomendable de ver en líneas generales ya que aunque no defraude, no deja en ningún momento la sensación de ser una cinta digna de visión o rescatable en ningún punto.
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0 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hombre de las mil caras
El hombre de las mil caras (2016)
  • 6,7
    16.768
  • España Alberto Rodríguez
  • Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura, ...
6
Interesante aunque no imprescindible film sobre el espionaje en España en los años 90
El hombre de las mil caras, de Alberto Rodríguez, es un thriller biográfico basado en hechos reales ocurridos en los años 90 sobre la vida del espía Francisco Paesa, cuando decide ayudar al ex director de la guardia civil Luis Roldan a fugarse de la justicia española con 1500 millones de pesetas, a cambio de un millón de dólares.
Efectivo aunque algo pretencioso film sobre espías españoles de los años 90, que mantiene el tipo gran parte de su metraje aunque acaba cayendo en lo reiterativo y ampuloso para marear al espectador con una historia más que conocida para todos aquellos mayores de 30 años, que vieron con asombro como en los años 90, el más alto mandatario del respetado cuerpo de seguridad del estado de la guardia civil, se fugaba con 1500 millones de pesetas de dinero público. Con esta interesante historia, su director Alberto Rodríguez da forma a un film quizás excesivamente largo y no falto de atractivo, aunque quizás abarca más de lo que puede y acaba dejando en el espectador la sensación de haber querido agradar más de lo que realmente podía, dejando tras de sí, la sensación de ser una buena aunque desde luego no imprescindible película. Detalle a detalle, la cinta no está desprovista de mérito. Sus interpretaciones son desde luego más que acertadas gracias a un notable Eduard Fernández, que da vida al espía Paco Paesa con gran carácter, José Coronado efectúa una buena actuación como era de esperar en él y Carlos Santos cumple decentemente con el difícil papel de Luis Roldan. Cuenta también con las estupendas colaboraciones de Marta Etura y Emilio Gutiérrez Caba.
Técnicamente, la música de la película ayuda a mantener en vilo al espectador, quizás mejor incluso de lo que consigue el film en una inquietante banda sonora que acompaña la acción cuando es requerido, y la fotografía, vestuarios y exteriores te transportan al momento y lugar en cuestión donde se va desarrollando la acción. Pero, en definitiva, aunque la cinta no está mal y no acaba defraudando, si esperas por su trama más de ella, ya que notas que quiere abarcar más de lo que realmente puede, y aunque sus interpretaciones son buenas, no se consigue en líneas generales mantener al público absorto todo su metraje y permite que este se relaje con su presuntuosa historia de espías que intenta emular a films norteamericanos de la misma temática. Por tanto, aunque puede ser recomendable para los seguidores del género y del director, no satisfará ampliamente al gran público con lo que se le ofrece, ya que su engalanada trama acaba produciendo el desinterés del público por momentos, dando la sensación de que podría haber sido más notable gracias a la mano de un gran director, capaz de tallar con estilo propio enormes films como La isla mínima, o a menor escala 7 vírgenes y Grupo 7.
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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sing Street
Sing Street (2016)
  • 7,2
    12.163
  • Irlanda John Carney
  • Ferdia Walsh-Peelo, Lucy Boynton, Jack Reynor, Aidan Gillen, ...
8
Pocas veces esta combinación de géneros llega con tanta sinceridad al público
Sing Street, de John Carney, es un drama musical con tintes de comedia basado en un adolescente de 15 años que reúne a un grupo de jóvenes para formar un grupo musical, y poder componer así, canciones para la joven a la que ama, mientras que con ello huye también de los problemas de su hogar y el instituto.
Pocas veces la mezcla del género musical y dramático llega con tanta eficacia no solo al gran público, sino también al cinéfilo exigente, y si a eso le añadimos detalles estupendos de comedia, la diversión está servida. Repleta de un humor sencillo pero notable, es dinámica y vuelve nostálgicos a todos aquellos que en algún momento de su juventud quisieron tocar algún instrumento para ser partícipes de un grupo musical. Su historia, te transporta con energía a un instituto Irlandés de los años 80, donde transcurre la acción y se mezclan los matones de toda la vida con aquellos más sensibles y sentimentales que quieren crear su mundo a través de la música. Consigue el director, por tanto, que el amor y la música fluya a través de una comedia dramática que hace mella en el espectador al quedarse esta para siempre en su corazón, por el enamoramiento real y nada efectista que surge entre sus jóvenes protagonistas, y por supuesto, porque su música te hace fantasear con la idea de ser un buen compositor capaz de crear canciones que lleguen al público o a la mujer que amas.
La película consigue poner al espectador al filo del sentimiento y la nostalgia con una trama sincera y bien contada que no hace aguas en ningún sentido. Cumple estupendamente con más incluso de lo que se espera de ella al principio, y deja tras de sí, la estela de un amor verdadero e inocente que marcará el corazón de todo aquel que se aventure a descubrir el atractivo cocktail musical de amor, drama y comedia que encontrarán en su interior.
Sus interpretaciones, de caras no muy conocidas por el gran público, y aún menos la de su protagonista Ferdia Walsh-Peelo, -músico que se estrena como actor con nota-, son de lo más convincentes y destacan por su naturalidad y por el feeling que entre ellos surge, razón por la cual llegan al público con más convicción, por no limitarse a intentar captar la atención del espectador a través de falsas situaciones o miradas llenas de cinismo como ocurre en otros dramas románticos, sino que se dejan llevar por su papel y edad para aparentar ser unos jóvenes corrientes y con defectos visibles que quieren llegar a ser algo a través de la música.
En conclusión, considero Sing Street un drama con mucha intención que no pasará desapercibido para nadie, al no ser su romanticismo excesivo ni meloso y transportar con su música al espectador a los años 80, logrando con ello tallar un relato digno de ver por toda clase de públicos, tanto para los que son exigentes con el cine como para aquellos que buscan entretenimiento, amor, risas y música en estado puro. Es, por ello, una cinta apreciable que te atrapa sin esperarlo y hace que te dejes llevar por su sincero romanticismo adolescente, y por su historia que huye del sensacionalismo y cautiva con espontaneidad a todo aquel que decida visualizarla, ya que en ningún caso saldrá defraudado con lo que verá en ella.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tarde para la ira
Tarde para la ira (2016)
  • 7,0
    30.103
  • España Raúl Arévalo
  • Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, ...
8
Una ópera prima turbia y desconcertante que sitúa al director en el mejor panorama de cine Español
Tarde para la ira, de Raúl Arévalo, es un thriller basado en la venganza que sitúa la acción en Madrid, donde Curro, un hombre que acaba de salir de la cárcel tras 8 años de condena por el robo frustrado a una joyería, conoce a José, un extraño desconocido que aparece en su entorno y trastoca la esperada y tranquila vuelta de Curro a su vida cotidiana.
Notable ópera prima de Raúl Arévalo, un buen actor que al parecer no se conforma con serlo, sino que también pretende dirigir y no cualquier tipo de cine, sino este que atrapa y sacude al público tras dejarlo un buen rato en suspense. Intención de sorprender al espectador no le falta al novel director, tallando con Tarde para la ira una gran obra que mantiene al público expectante de principio a fin con lo que se le va ofreciendo. Por tanto, no estamos hablando de que Arévalo busque un período de transición, sino que pretende, directamente, estar en lo más alto del reconocimiento del cine Español en cuanto a la dirección se refiere.
Dura e insidiosa, la película es áspera y muestra la venganza de un modo real y sucio, tal y como ocurriría en la vida misma para machacar al público con una propuesta tan auténtica y turbia como el oscuro corazón de sus protagonistas, modelando con ello un film donde no existen los buenos y malos, sino los corrompidos por la sociedad, circunstancias y lóbrego pasado. Logra con ello el director, quedar en la retina del cinéfilo que busque obras interesantes y llenas de la firme intención, de no dejar a nadie indiferente.
Cabe destacar también, que sus planos y movimientos de cámara son muy personales y usa bastante la cámara en mano y el seguimiento para experimentar con la búsqueda de su propio estilo, huyendo en todo momentos de los planos fijos más habituales. La música es inquietante y perturbadora, solo usada en las escenas oportunas para no desviar la atención del espectador, y su fotografía, sin ser nada del otro mundo, te transporta eficazmente a los barrios marginales donde habitualmente no entrarías y por los que transcurre su perniciosa trama.
En conclusión, considero Tarde para la ira, un magnífico film que coloca al director en un alto listón difícil de igualar, ya que su nocivo argumento apoyado en la venganza sacude con furia a toda clase de espectadores, en especial, a los más exigentes por ser, no solo cine bueno, sino del que aparenta serlo incluso antes de verlo. De modo, que es esa clase de cine que el espectador español busca de su tierra, ya que nada tiene que ver con los dramas superficiales o comedias cochambrosas que con tanta frecuencia aparecen en el panorama cinematográfico Español.
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11 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Principito
El Principito (2015)
  • 7,1
    5.310
  • Francia Mark Osborne
  • Animation
7
Solo con el corazón se puede ver la verdad
El principito, de Mark Osborne, es una cinta de animación y stop-motion que narra en forma de drama fantástico la historia de una niña bastante responsable para su edad, que mientras estudia para entrar en una prestigiosa academia, conoce a su vecino, un hombre anciano que le descubre un mundo de fantasía que le abrirá las puertas a ambos para vivir una aventura llena de imaginación que va directa al corazón del espectador.
En esta notable cinta infantil -por cierto, más indicada para los más pequeños que para los mayores-, consigue el director que el público se evada gracias a una maravillosa historia repleta de imaginación y fantasía que mezcla con mucho acierto la animación y el stop-motion. Además, tanto su sutil música como sus coloridos dibujos aumentan el humor o el sentimentalismo del film según es requerido con mucho acierto. Hace con ello el director, una gran fábula que por supuesto lleva impreso un mensaje en su interior en el que, como es ya costumbre, se crítica la falta de tiempo que los adultos dedican a sus hijos y también la excesiva responsabilidad con la que cargamos sus vidas.
Su hermosa historia, que surge de la amistad de una niña y un anciano, se basa en la narración de un principito que sale de la imaginación del anciano y que continua la pequeña según avanza el film. Por tanto, es un eficaz relato, en especial para los más pequeños de la familia, ya que estos se sumergirán en un mundo de fantasía que los hará volar y sentir la belleza del significado de la amistad, aunque sin llegar a ser imprescindible dentro del género, pero al menos cumple bien con lo que se espera de ella.
En definitiva, lo considero un lindo cuento que gustará a toda la familia, en especial a los más pequeños por la imaginación y ternura que desprende una historia en la que el anciano y la niña conectan en dos mundos repletos de fantasía en los que la animación es la realidad y el stop-motion el relato. Tiene, por tanto, buenos detalles en su interior y por supuesto sirve como una veraz crítica a los padres que cargan de excesivas responsabilidades a los más pequeños. Por eso, es una cinta recomendable de ver que no defrauda y hace pasar un rato agradable a todos aquellos que decidan visualizarla.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Café Society
Café Society (2016)
  • 6,4
    21.089
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively, ...
7
El título 46 en solitario del genio Allen, no iba a ser menos que el resto
Café Society, de Woody Allen, es una comedia romántica con tintes dramáticos que sitúa la acción en Los Angeles de los años 30, en la meca del cine, donde llega desde Nueva York un joven con la idea de triunfar en el mundillo del séptimo arte gracias a la ayuda de su tío, un famoso productor de Hollywood que tiene como amante a su secretaria, de la cual se enamora también el joven.
El título 46 de Woody Allen, como era de esperar, habla a voces en cuanto a trama y estilo del genio de Nueva York. Con estupendos planos secuencias que tienen el objeto de enardecer la meca del cine, así como el glamour y el cinismo de la gente que lo componen gracias a la notable dirección artística, que realiza un enorme trabajo repleto de elegancia y encanto. Su estupenda fotografía con colores cálidos y hermosos te transportan eficazmente y con mucho estilo al Hollywood dorado de los años 30, ese que era tan codiciado por jóvenes prometedores buscando un hueco en lo que sin duda era la mayor maquinaria de hacer cine del planeta. Es en ese ambiente, donde aparece nuestro protagonista Jesse Eisenberg, un joven actor ya conocido que actúa bien aunque parece en todo momento estar emulando al propio Woody Allen. Lo acompañan en el elenco la hermosa Kristen Stewart, que aprovecha la oportunidad que le brinda el director para hilar un buen papel, y Steve Carell, también como protagonista del trió amoroso en una labor con tintes de comedia comedida que hace de él un serio candidato a papeles más dramáticos que se alejan cada vez más de su estilo de comedia más evidente con las que empezó en el cine.
En cuanto a la narrativa del film, comienza con una voz explicativa del propio Allen que es perfecta para presentar a los personajes y su entorno, y dar así, un toque jocoso y preparatorio de lo que espera ver al espectador. El resto de la película está repleto de diálogos sutiles y sarcásticos que hacen reír al público incondicional de comedias sofisticadas repletas de críticas (en este caso sobre todo del judaísmo) por sus frases perspicaces. Esto es lo mejor que encontrarán en el guion, ya que el resto, aunque tiene momentos buenos, tiene el defecto de no estar en todo momento al alto nivel de humor capaz de conseguir su director, y además, su historia puede parecer a muchos algo light, aunque desde luego efectiva y suficiente para los seguidores del inigualable Woody Allen.
En definitiva, considero Café Society otra notable obra de Woody Allen, necesaria de ver para todos los adictos a la comedia ingeniosa del director, ya que vuelve a dejar la sensación tras su visionado de que has visto lo que esperabas, una comedia con buenos detalles románticos y dramáticos que rozan mucho el realismo y que no nada en este sentido en la superficialidad del amor, sino que es bastante verosímil para dar un toque humano a la frivolidad que rodeaba Hollywood. Por tanto, no es de sus mejores películas, ni tampoco de las peores, sino una de tantas que puedes ver con la completa certeza, de que no vas a salir del cine en absoluto decepcionado, sino con la impresión de que has visto justo lo que necesitabas, otra divertida y en este caso hermosa película del que sin duda es, uno de los mejores directores de la historia del séptimo arte.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sunset Song
Sunset Song (2015)
  • 5,8
    1.279
  • Reino Unido Terence Davies
  • Agyness Deyn, Peter Mullan, Kevin Guthrie, Mark Bonnar, ...
7
Sensible y emotivo drama
Sunset Song, de Terence Davies, es un drama romántico basado en la vida de una joven escocesa desde su adolescencia viviendo con sus padres y hermanos hasta sus vivencias como mujer casada, en el que una serie de trágicos e inesperados acontecimientos marcan su vida en una continua desgracia mientras mantiene la esperanza.
Hermoso drama que inspira y cala en el espectador seguidor del género con lírica en estado puro. Sunset Song llega para quedarse en el corazón y la mente de todos aquellos que se decidan a visualizarla sin prisa ni pausa, ya que sin pretensiones ni espectáculo su dramática historia llena de infortunios machaca al espectador con magnificencia y sensibilidad. Es, sin duda, un film bien trabajado que llega al público con emotividad y tristeza a través de unas estupendas interpretaciones que sin excesivos diálogos atrapan la total atención del público, ya que sus gestos y miradas es lo que más trasmite en el film. Sin olvidar eso sí, una profunda narrativa con voz en off de lo más sugestiva que va narrando todo lo referente a los deseos y pensamientos de la protagonista.
Su confortante fotografía está repleta de imágenes inspiradoras y desde luego evocadoras al llenar su argumento de belleza mediante sus estimulantes paisajes. Su música es melódica y solo es usada en las ocasiones pertinentes para no empalagar el film de innecesarias canciones. Y los planos y movimientos de cámara son majestuosos y están bien elaborados para transportarte eficazmente in situ. Cabe señalar también, que los vestuarios y caracterizaciones son de lo más sugerentes a la época y lugar donde se va desarrollando la acción en un buen trabajo artístico.
Su argumento, triste y desgarrador de principio a fin, es de lo mejor de la película y no se toma prisas en ir desarrollándose, al igual que sus personajes, y sacude al público con una historia sencilla pero profunda en la que su creíble trama te transporta con estilo e intención a aquellos años en los que el padre de familia era indiscutiblemente el que mandaba, y la figura de su mujer e hijos pasaba a un segundo plano. Ese momento en el que, la guerra transformaba a los hombres en crueles máquinas sin sentimientos que destruyen todo a su paso, incluso a su familia.
Consigue con todo esto el director, hacer mella en un público expectante tanto del desarrollo del film y de sus personajes como del final de la historia, ya que esta no es presuntuosa en absoluto y muestra con sencillez y abrumadora belleza una trama llena de desolación y desventura pero sin olvidar la esperanza que lleva por bandera su protagonista aunque todo este en su contra. Por tanto, es recomendable de ver para todos aquellos amantes de los dramas tristes de época que tienen la única intención de calar muy hondo en el espectador para quedarse siempre en él.
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5 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Duke of Burgundy
The Duke of Burgundy (2014)
  • 5,9
    1.871
  • Reino Unido Peter Strickland
  • Sidse Babett Knudsen, Chiara D'Anna, Monica Swinn, Eugenia Caruso, ...
6
Un extraño drama erótico que penetra en el público aunque no apasiona
The Duke of Burgundy, de Peter Strickland, es un drama psicológico y romántico que toma como base la homosexualidad de dos mujeres que estudian las polillas y las mariposas y practican el sadomasoquismo, aunque con distintos puntos de vista sobre los límites de esta práctica.
Un ritmo lento y sensual y una trama tan extraña y perturbadora como atrayente, dan forma a un incitador film que se adentra en el sadomasoquismo y en las relaciones poco comunes para sorprender a los sexualmente hablando "más normalitos". Con ello, su director Peter Strickland, acierta en lo que propone y desde luego provoca reacciones encontradas entre el espectador abierto de miras a nuevas experiencias y el más recatado, ya que moldea poco a poco una historia tan intensa y comprometedora que inquieta por su realismo al espectador.
Las interpretaciones, de Sidse Babett Knudsen y Chiara D´Anna son sorprendentes en su contención de sentimientos y en la frialdad de sus hechos para trasmitir al espectador en todo momento verosimilitud y convicción. También como nota negativa, la cinta peca de exceso de lentitud y hacia la mitad del film se vuelve más carente de tensión o interés, aunque mantiene el mismo propósito de provocar reacción en el espectador con un argumento que se va volviendo cada vez más oscuro y menos comprensible. También cabe destacar, que la narrativa es escasa pero directa y de lo más sugerente en las escuetas conversaciones entre las protagonistas.
Concluyendo, considero The Duke of Burgundy, una película incitadora y sugestiva que se adentra en las relaciones poco convencionales y explora el sadomasoquismo para darle naturalidad y penetrar así en el público con acierto e intención, aunque no mantiene un alto nivel todo el rato y en ocasiones peca de un ritmo asfixiante e incluso tedioso. Pero desde luego, es recomendable de ver para aquellos exploradores de un cine provocador y distinto que se basa en el erotismo de las relaciones sadomasoquistas, y que además, tiene la clara intención de mostrar que incluso en los vínculos poco comunes también existe la monotonía y la desgana.
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1 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Suburra
Suburra (2015)
  • 7,0
    3.908
  • Italia Stefano Sollima
  • Pierfrancesco Favino, Elio Germano, Claudio Amendola, Alessandro Borghi, ...
8
Una de las cintas más notables de 2015
Suburra, de Stefano Sollima, es un thriller basado en la corrupción política que hay en Roma en sus diferentes estratos sociales, tanto en políticos, mafia, empresarios y clero para ofrecer al espectador un producto que lo dejará sin aliento.
Rara vez un film basado en la mafia que es tomado en serio decepciona al público, y Suburra no es ni por asomo una excepción. Su director Stefano Sollima se marca un tanto con un notable film que va creando poco a poco gran tensión a medida que avanza la película y que culmina en un magnífico final, que deja clara la corrupción y la violencia que vive Italia incluso en nuestros días. Deja con ello tras de sí, la sensación turbadora de estar viendo una cinta que plasma con mucho acierto la corrupción en Italia desde los diferentes estratos sociales.
La cinta también posee algunos detalles técnicos que aumentan su calidad cinematográfica. Como por ejemplo, su oscura y desconcertante fotografía que plaga el film de violencia para perturbar al público. La música ayuda a crear o mejor dicho a aumentar el ambiente turbio que se genera alrededor de su trama, gracias a sus intensas y penetrantes melodías. Y los planos y movimientos de cámara son usados de manera inteligente para inquietar al espectador y transportarlo eficientemente a la acción.
Su historia, que es con diferencia lo mejor de la cinta, presenta al comienzo distintos personajes que están entrelazados de un modo u otro, y los dota de personalidad y una oscura intención para realizar un cometido que beneficie a sus bolsillos. Además, su argumento no se toma la más mínima prisa en ir desarrollando tanto a sus personajes como su escalofriante trama que deja mella en el espectador amante de los thrillers y las cintas basadas en la mafia.
En definitiva, considero Suburra un film soberbio y bien construido que tiene mucha intención en todo lo que ofrece y se adentra con valentía en temas ásperos para las altas esferas del gobierno italiano y la mafia, y hace con ello que te hagas una idea de la corrupción y los pocos escrúpulos que existe incluso hoy día en Italia. Por tanto, es una película totalmente recomendable de ver por ser uno de esos films que te dejan desconcertado tras su visionado y hace que su trama sea recordada incluso con el paso de los años.
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8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
La leyenda del pianista en el océano
La leyenda del pianista en el océano (1998)
  • 7,4
    6.699
  • Italia Giuseppe Tornatore
  • Tim Roth, Pruitt Taylor Vince, Mélanie Thierry, Bill Nunn, ...
9
Otro gran drama, en esta caso musical, de un estupendo director
La leyenda del pianista en el océano, de Giuseppe Tornatore, es un drama musical basado en la década de los años 20, 30 y 40 en los que un misterioso bebe que aparece abandonado en el piano de un barco, es cuidado por el hombre que lo encuentra y criado en su entorno de trabajo -la sala de máquinas de un barco-, donde es cuidado por este hasta su muerte, momento en el que descubre que es un excelente pianista que, además, no quiere abandonar el barco.
El director de Cinema Paradiso, construye en esta ocasión un drama musical basado en la novela de Alessandro Baricco, la cual atrapa sin dilación al público con una hermosa y nostálgica historia llena de melancolía y recuerdo al más puro estilo de Tornatore, usando en esta ocasión la música como excusa para llegar al corazón del espectador. Por tanto, es un magnífico film que vuelve a dejar recuerdo tras su visionado en toda clase de cinéfilos que busquen historias llenas de sentimiento.
Técnicamente, la película brilla con intensidad gracias a su cautivadora fotografía que es de lo más alusiva a cada época mostrada y está cuidada al más mínimo detalle. La música del gran Ennio Morricone es hermosa y añade tristeza y emoción al film según es requerido por la trama, gracias a unas excelentes notas musicales que se quedan para la posteridad en el oído del espectador. Y los vestuarios y caracterizaciones de los personajes son sugestivos del momento en un soberbio trabajo de la dirección artística, que consigue transportar eficazmente al público a la época y lugar en cuestión.
Su argumento, basado en la novela Novecento, está adaptado por el propio director Giuseppe Tornatore, el cual consigue que esta historia brille para los amantes del séptimo arte por su belleza, teniendo además todo lo necesario para atraer a toda clase de públicos tras su visionado y ser recordada tanto por las apropiadas interpretaciones de Tim Roth, Pruitt Taylor Vince, Mélanie Thierry, Bill Nunn y Peter Vaughan entre muchos otros, como también por todo lo que rodea a este atrayente y taciturno film.
Para finalizar, considero La leyenda del pianista en el océano, un drama eterno por lo que ofrece y por el sentimiento y nostalgia que desprende para cautivar a toda clase de cinéfilos y al público en general, gracias a su hermosa historia, emotivas interpretaciones, espléndida fotografía, magnífica música y notable dirección artística que hacen de esta película otra obra maestra de un director, que sabe como pocos llegar al corazón del espectador gracias a historias llenas de vida, nostalgia y una bella tristeza que no se olvida fácilmente.
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1944
1944 (2015)
  • 6,3
    1.581
  • Estonia Elmo Nüganen
  • Märt Pius, Mait Malmsten, Ain Mäeots, Magnús Mariuson, ...
6
Un buen drama bélico que va de menos a más hasta alcanzar un digno final
1944, de Elmo Nüganen, es un drama bélico basado en la segunda guerra mundial que narra las vivencias de varios soldados Estonios que tuvieron que escoger el bando en el que luchar cuando la situación se complicó en su país, luchando entonces los unos contra los otros.
El film se desarrolla sin pena ni gloria al principio, y así continua hasta la primera mitad. Ya que al comienzo su historia transcurre de forma lineal, sin decepcionar ni tampoco conquistar a nadie, sirviendo eso sí como un eficaz documento histórico de la segunda guerra mundial en Estonia para los interesados en historia bélica. Sin embargo, tiene el inconveniente que aún siendo una buena cinta, no ofrece nada nuevo y se limita a presentar un producto que carece de pasión y algo de emotividad durante gran parte del film, y el espectador tiene que esperar al final de la película para ver más dramatismo en sus escenas y arrebatar así toda su atención, ofreciendo entonces una obra más interesante y objetiva.
Tal como he mencionado, se divide en dos partes bien diferenciadas. La primera de ellas discurre directamente en la acción de las trincheras y se centra en las vivencias de varios soldados Estonios que tienen que escoger que bando defender, culpándose los unos a otros de la decisión escogida, y es una parte un poco tediosa y falta de chispa. La segunda parte sin embargo, es mejor y expone de forma más personal la vida de algún soldado al volver con su familia o seres queridos, siendo este momento más triste y nostálgico, proporcionando además la crudeza de las batallas con más efectividad que la primera parte.
En conclusión, considero 1944 un film bélico que va de menos a más hasta alcanzar un notable final que gustará a los amantes del cine bélico, y que sin brillo pero con oficio e intención cumple con su cometido, aunque para llegar a eso tienes que pasar por una primera mitad menos trabajada. Por tanto, es recomendable de ver para los seguidores del cine bélico aunque sin esperar de ella un gran trabajo que aporte algo nuevo al explotado género, sino más bien el conocimiento de lo que ocurrió en la segunda guerra mundial en el país Estonio y documentarse así de algo poco conocido.
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8 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un amor de verano (La belle saison)
Un amor de verano (La belle saison) (2015)
  • 6,8
    2.189
  • Francia Catherine Corsini
  • Cécile de France, Izïa Higelin, Noémie Lvovsky, Kévin Azaïs, ...
8
Un historia de amor verdadera en un momento poco afortunado
La belle saison (Un amor de verano), de Catherine Corsini, es una historia de amor basada en la homosexualidad que narra el momento en el que dos mujeres se conocen en Paris y comienzan una relación juntas ocultas a la sociedad y seres queridos, en una época tan difícil para la aceptación de tal relación como lo eran los principios de los años 70.
Magnífica historia de un amor imposible que sacude a todo aquel que se aventure a descubrirla. La homosexualidad es tan solo la excusa sobre la imposibilidad y el desatino que sufren dos mujeres enamoradas en un momento en que su amor no era nada aceptado. Transcurre su hermosa historia con naturalidad y un ritmo apropiado que va creando más y más drama a medida que avanza para dejar claro al cinéfilo exigente, que el cine francés está en plena forma gracias a dramas románticos como este.
Técnicamente, la película se apoya bastante en una bella e inspiradora banda sonora que trasmite perfectamente lo que su argumento propone, y además, es usada solo en los momentos oportunos. La espléndida fotografía te transporta notablemente a la época y lugar en cuestión, junto también a los vestuarios y caracterizaciones bien trabajados. Además, su montaje lineal y seguido marca el ritmo apropiado para su historia. Y qué decir de sus interpretaciones, más que son sobresalientes y muy acertadas a la hora de contagiar en todo momento al espectador los sentimientos encontrados pero irrealizables de un amor nada aceptado.
En definitiva, considero La belle saison (Un amor de verano), una obra magnífica que deja una sensación profunda y notable que hace que el film sea una cinta imprescindible y recomendable para todos los seguidores del género que busquen historias creíbles y bien contadas, para deleite del cinéfilo más cultivado y riguroso en lo que decide ver. Por tanto, es digna de ver al mostrar con una naturalidad poco acostumbrada en el cine, la homosexualidad no desde el punto de vista de la aceptación, sino para hacer ver con sinceridad y sencillez que lleva pasando toda la vida aunque la gente más cerrada miraba hacia otra parte cuando la veía.
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11 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
El valle oscuro
El valle oscuro (2014)
  • 6,1
    1.295
  • Austria Andreas Prochaska
  • Sam Riley, Tobias Moretti, Paula Beer, Helmuth Häusler, ...
8
Western y venganza en estado puro
El valle oscuro, de Andreas Prochaska, es un drama y un western basado en la venganza. Narra las vivencias de un misterioso hombre que llega a un pueblo de los Alpes austriacos tras salir del oeste americano, portando tan solo una cámara de fotos y algunas pertenencias. Allí encontrará, la violencia y las maldades que comete una perversa familia que hace y deshace lo que les viene en gana.
Recóndito film que construye Prochaska para los seguidores del género. Un cinta que funciona bien como western aunque esto sea tan solo la excusa y el entorno de una venganza que se va cociendo poco a poco, y que va creando a medida que avanza, una atmósfera turbia y fría que engancha al espectador amante del género, tanto por lo incitador de lo que expone como por lo sanguinaria que es cuando debe serlo. Mantiene con ello al público absorto y pendiente de principio a fin de una obra, que es inesperadamente buena y se recuerda eficientemente tras su visionado.
Técnicamente, la película mantiene un alto nivel a través de una música inquietante que penetra sin dilación en el público gracias a sus intensas melodías. La fotografía es alusiva del género y oscura tal como reza el título del film, y te transporta eficazmente tanto al momento como al lugar en cuestión. Los vestuarios y caracterizaciones están bien trabajados del primero al último y con ellos logran crear la ambientación perfecta de un pueblo austero y bastante apartado de todo. Y el montaje de la cinta es lineal y seguido, se toma su tiempo y no se da la más mínima prisa en ir desarrollando su historia y a sus personajes.
Las interpretaciones, de unas caras nada conocidas al excepción de su protagonista Sam Riley, son notables y dramáticas cada uno en su papel para añadir tensión e inquietud a la película. Además, son de lo más efectivas para hacer sentir rabia e impotencia al espectador que asiste con asombro a una cinta inesperadamente buena y provocadora como pocas. Un acierto cinematográfico para el que no se conforme con obras de medio pelo y busque trabajos bien logrados y con la intención de dejar poso tras su visionado.
En resumen, El valle oscuro es una cinta turbia y absorbente que cautivará hasta al cinéfilo más exigente ávido de cine del bueno, en este caso de la venganza que usa el género western como excusa para llevar a cabo un argumento que va de menos a más, creando una atmósfera inquietante y de interés que deja tras de sí notables vibraciones tras su visionado para deleite del buen cinéfilo. Por tanto, es totalmente recomendable de ver, aunque se debe tener en cuenta, que su ritmo es algo lento y su historia no tiene la más mínima prisa en ir desarrollando su arrebatador entramado.
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7 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
La leyenda de Barney Thomson
La leyenda de Barney Thomson (2015)
  • 5,3
    1.124
  • Reino Unido Robert Carlyle
  • Robert Carlyle, Ray Winstone, Emma Thompson, James Cosmo, ...
6
Una comedia negra que funciona por momentos
La leyenda de Barney Thomson, de Robert Carlyle, es una comedia negra que toma como base los asesinatos en serie accidentales de un tímido y nervioso barbero que tras las múltiples quejas de sus clientes, es despedido por su jefe, dando comienzo entonces a una serie de desafortunados sucesos que lo irán envolviendo en un problema cada vez mayor.
Con esta premisa, su novel director Robert Carlyle, construye su ópera prima con los cimientos de un humor negro inglés que funciona por momentos, aunque en ocasiones baja algo su nivel y se posiciona finalmente como un film decente pero no imprescindible. Tiene eso sí, el acierto de ir enlazando nefastas coincidencias en su protagonista interpretado por él mismo (Robert Carlyle), para llamar la atención del espectador seguidor de esta clase de cine negro que mezcla con habilidad el drama y el humor. En este caso, tomando como referente los asesinatos en serie de un extraño individuo que es sometido a la voluntad de su madre (Emma Thompson), de carácter fuerte y manipulador.
Es, por tanto, una obra que tiene escenas de un humor retorcido pero efectivo que va llegando al espectador con más o menos acierto, dependiendo de la aceptación que este tenga sobre el género. Además, es digno de mención, que para ser la primera obra de un director muy reconocido dentro de la interpretación inglesa, tiene bastante intención en lo que realiza y se posiciona dentro de una difícil categoría que tiene un público seguidor bastante exigente, cumpliendo decentemente en lo que realiza, aunque podría haber sido algo mejor si su ritmo hubiera sido más dinámico.
En conclusión, considero La leyenda de Barney Thomson, una obra modesta pero intencionadamente provocadora que deja tras de sí, la sensación que aunque podría haber sido mejor, es una buena ópera prima que quizás abra la puerta al reconocimiento en el género de comedia negra a un director principiante que tras obtener satisfacciones en la interpretación, se haya propuesto dar el salto a coger la batuta en la dirección de películas. De modo, que es una película recomendable de ver aunque sin esperar a cambio una gran obra que deje enormes sensaciones, sino más bien como algo que deja correctas vibraciones y la duda de si en el futuro Robert Carlyle, seguirá en la misma dirección tomada con esta comedia negra de firmes convicciones.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Johnny Guitar
Johnny Guitar (1954)
  • 7,8
    12.370
  • Estados Unidos Nicholas Ray
  • Joan Crawford, Sterling Hayden, Scott Brady, Mercedes McCambridge, ...
8
Un western con solera y todo lo necesario para atraparte
Johnny Guitar, de Nicholas Ray, es un western considerado por muchos como una película de culto. Se basa en un misterioso hombre que se hace llamar Johnny Guitar, y que aparece solo con una guitarra en un salón a las afueras de una ciudad del oeste, donde es contratado por su propietaria para que toque la guitarra.
Con este western con solera, escrito por Philip Yordan y basado en la novela de Roy Chanslor, el director Nicholas Ray consigue dar forma a un film por el que no pasan los años y que se queda además eficazmente en la memoria del espectador, ya que en su interior se encuentra todo lo necesario para cautivar tanto a los cinéfilos exigentes, como a los nuevos espectadores que quieran conocer un género tan americano como el del oeste, plagado además, de estupendas estrellas del momento como la irreverente Joan Crawford, que forma una genial pareja junto a Sterling Hayden para deleite del público, contando además con las notables colaboraciones de Scortt Brady, Mercedes McCambridge, Ward Bond, Ernest Borgnine y John Carradine entre otros.
En cuanto a la parte técnica de la cinta, destaca por encima de todo una grandiosa banda sonora que acompaña magistralmente el film en las escenas donde es requerido, una evocadora fotografía en color que es hermosa y está bien cuidada en detalles, y un montaje lineal y seguido al que no le sobra ni le falta un minuto. Pero por encima de todo esto, lo que más brilla es su absorbente argumento, al que no se le priva de su contenida historia de amor, la lucha por permanecer donde uno quiere aunque todo este en su contra, y unas amistades que son también perseguidas por la ley aunque su culpabilidad es provocada por el mismo acoso y derribo que las autoridades inducen en ellos.
Sin duda alguna, Johnny Guitar es un western a tener en cuenta, una de esas cintas que se quedan en la retina del espectador por sus magníficas interpretaciones de caras conocidas, su argumento repleto de amor, amistad, acción, justicia y honor, y unos detalles técnicos soberbios que dan forma a una obra clásica a la que el paso del tiempo no ha hecho mella, y que además, es un film de culto cuyos incondicionales seguidores citan a menudo no solo como una de las películas del oeste más respetables, sino como una de las obras más representativas y recordadas del séptimo arte.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Amor de mis amores
Amor de mis amores (2014)
  • 5,0
    144
  • México Manolo Caro
  • Sandra Echeverría, Marimar Vega, Sebastián Zurita, Erick Elias, ...
5
Una comedia romántica con detalles pero bastante flojita
Amor de mis amores, de Manolo Caro, es una comedia romántica basada en historias cruzadas sobre dos parejas que están a punto de casarse, pero justo una semana antes, conocen a otra persona para acabar dudando si deciden o no casarse con su pareja de siempre.
Comedia romántica bastante flojita que tiene algunos momentos interesantes que parecen querer desmarcarse de lo convencional, aunque en realidad acaban siendo bastante predecibles. El amor es puesto a prueba en dos parejas a punto de casarse, cuando conocen a una tercera persona que hace que se tambalee todo su universo sentimental. Todo ello, llevado a cabo en una clave de humor bastante usada que no hace reír en todo momento al espectador, solo en contadas ocasiones. Por ello, la considero una película bastante prescindible para el gran público, a no ser que seas seguidor de culebrones de hora y media.
Su argumento, que desde el principio tiene la firme convicción de explicar la infidelidad ya sea carnal o sentimental, entretiene por momentos, pero acaba siendo repetitivo y sus mensajes de ética y buen hacer están ya demasiado usados, siendo por tanto bastante prescindible. De modo, que cuando intenta ser seria la cinta no es tomada como tal, y cuando intenta bromear con el drama tampoco acaba por convencer a un espectador que no es que se sienta defraudado, sino que acaba viéndola como un producto que entretiene a ratos pero que no deja ninguna buena sensación tras su visionado.
En conclusión, considero Amor de mis amores, una película que no termina de arrancar ni en humor ni en drama, pero que al menos agrada ver por momentos y distrae al público menos exigente con lo que se le va ofreciendo, aunque esto no sea original y además sea bastante predecible su final. Pero al menos, sin ser pretenciosa en lo que argumenta, no deja mala sensación tras su visionado en su enredo de amoríos y pasiones carnales puede hacer pasar un buen rato a todos aquellos seguidores de culebrones y cintas de amores que vienen y van, sin dejar en el público algo más allá de la distracción en lo que ve.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil