Otra vez el director Emir Kusturica se luce al llevar a la gran pantalla una hermosa historia en la que de nuevo, vuelve a plasmar su sufrida guerra de Yugoslavia. De nuevo, vuelve a mezclar géneros con mano maestra para disfrute del cinéfilo exigente al narrar la historia de Luka, un ingeniero Serbio que en 1992 sufre el reclutamiento de su único hijo en el ejército para ir a la guerra y la fuga de su mujer, una cantante de ópera con problemas psicológicos, mientras él, construye una vía ferroviaria sin perder su inocencia y buen ánimo. Con esta premisa, el director hila un drama romántico con tintes de realismo mágico que sitúa al espectador en la guerra de los Balcanes en la década de los años 90, arrastrando a todos a esa guerra a excepción de nuestro particular protagonista Luka, que sigue viendo la vida con esperanzas y alegrías.
Las grandes fortalezas de este peculiar director por tanto, es la mezcla de géneros hasta llegar a cierto punto para sorprender al espectador, y sitúa al público en la guerra que dividió su preciado país en muchas fronteras para su desgracia, pero tal hecho, logro sin duda inspirarlo para lograr hacer una cine personalísimo que acapara la atención de los buscadores de cine de autor, el de verdad, el que no se preocupa en sorprender, sino en ser fiel a si mismo. Por este camino, vuelve a contar con Slavko Stimac como ya hizo en otros de sus films, un actor capaz de calar con el corazón y su sonrisa sincera a todo aquel que visualice el film. Es destacable de nuevo señalar, la particular música autóctona usada aquí como en otros de sus films con Dejan Sparavalo y él mismo director, dando así un toque sonoro a una historia bella y llena de una inocencia poco real que choca frontalmente con la crueldad de la guerra. Mientras tanto, nuestro protagonista se enamora de otra alma cándida como la suya, una joven Serbia llamada Sabaha, protagonizada eficientemente por Natasa Tapuskovic.
El guion, escrito por el mismo director junto con Ranko Bozic, vuelve a ser el mismo pensamiento de su creador frente a la adversidad de la guerra, el mantenimiento del humor y el querer mirar para otro lado mientras su preciado país sufre la devastación del odio, el racismo y las diferencias políticas, dejando con ello constancia en su contrariedad a tal situación con la sutileza y el estilo de un realizador único e irrepetible, alguien cuyos trabajos son perfectamente reconocibles por diferentes aspectos técnicos y narrativos.
En definitiva, considero La vida es un milagro un film necesario. Algo digno de ver por la inocencia que trasmite su protagonista mientras todo se derrumba a su alrededor, y como además este encuentra consuelo y amor en una mujer perteneciente a un bando contrario, aunque eso a ellos poco les importa. Solo quieren reír y disfrutar de la vida, algo que queremos y consideramos justo todos, pero sin embargo, sufren y no poseen los que desgraciadamente les toca vivir los desastres de una guerra civil como lo fue la Yugoslava, que se llevó por delante cientos de miles de vidas que dejaron entonces de reír, de amar y de construir su propio futuro.

Perdóname compadre!!.. te puedo perdonar, pero no puedo olvidar. Con esta frase tan personal y desconcertante que se cita entre risas y bailes, finaliza una de las mejores comedias dramáticas que he visto en el séptimo arte. Esta magnifica cinta rodada por Emir Kusturica en 1995 en plena guerra de los Balcanes en Yugoslavia deja al espectador descolocado por su estupenda mezcla de géneros, ya que prácticamente todo el film parece una broma ruidosa, una sátira tras otra. Pero en realidad, en su interior se guarda mucho dramatismo del que se vivía en esos días en lo que sin duda fue una de las peores guerras civiles de la historia.
Su director Emir Kusturica, un hombre fuertemente marcado por la guerra y destrucción de su país, consigue hilar una película como pocas en la que el compadreo entre amigos y socios, el engaño y la ocultación para el beneficio de unos en detrimento de otros, van cogidos de la mano para sacudir al espectador con su realismo mágico, si, pero realismo al fin y al cabo. Con ella, Kusturica consiguió varios premios y el reconocimiento de la critica internacional, al consolidarse como un director de recursos e ideas propias que consigue plasmar perfectamente en esta inolvidable obra que será el deleite de los seguidores del buen cine de autor.
Sus interpretaciones son hilarantes del primero al último, y consiguen mediante un peculiar humor y forma de tomarse la vida sorprender al público y arrancarle unas risas que no espera por lo que va encontrando este a medida que va viendo el film. La música, aunque es mareante por momentos consigues entenderla al final del todo, y su guion, aunque basado superficialmente en el humor, tiene en su interior un gran mensaje patriótico de su director y guionista que culmina con una final que deja clara la postura de su creador hacia el odio entre naciones que había dentro de la que el consideraba suya, la desaparecida Yugoslavia.
En definitiva, la considero una obra especial de un director digno de ser descubierto por todos aquellos que quieren encontrar cine de autor que no pretende seguir la estela de otros, sino plasmar su pensamiento político en este caso y dar así su opinión a un conflicto bélico que dejo muchas vidas en su triste camino y que concluyo con la independencia de todas sus naciones. Por tanto, dentro de Underground encontrarás risas y desconcierto, pero también un cine sincero en el que su director quiso dejar clara su tendencia política y descontento, con la difícil situación que vivió su país en aquellos aciagos años 90.

El famoso director chileno Pablo Larrain se toma el film No en serio al mostrarle al mundo parte de la dictadura chilena cuando esta ya estaba llegando a su fin, exactamente cuando el gobierno de Pinochet puso en la palestra un plebiscito para el pueblo chileno para que votaran con un sí en el caso de que quisieran seguir con el gobierno de Pinochet, aunque en esta ocasión ya no como militar y dictador sino como político en una democracia o votar por un no, para quitar de en medio al que fue dictador de chile durante los últimos 15 años.
Los detalles técnicos de esta película son peculiares para trasladar al espectador al momento y lugar en cuestión. El mas convincente de ellos es la fotografía que simula las imágenes de los años 80, huyendo de lo digital y de la calidad máxima de las imágenes de hoy en día para dar mayor verosimilitud a una trama tan política como reivindicativa. La música de Carlos Cabezas también es importante para dar inquietud o esperanza al argumento de una historia tan real como triste en las diferencias políticas de un país latino americano como Chile. Cabe también destacar los planos y movimientos de cámara personales para exaltar mejor las interpretaciones y la cámara en mano para dar mayor inquietud al film. En cuanto a las interpretaciones, Pablo Larrain cuenta por primera vez con Gael García Bernal, para luego en otros films volver a repetir con él. También cuenta con los correctos papeles de Alfredo Castro, Luis Gnecco y Antonio Zegers entre otros.
El guion, escrito por Pedro Peirano y basado en la obra de teatro inédita El plebiscito, es muy político y demanda la famosa dictadura chilena y como después de 15 años al frente del poder se enfrentaban a ser una democracia para ganarse la opinión y favor extranjera, y seguir así al frente del poder cuando se dieron cuenta que la dictadura ya apenas tenía cabida en un mundo cada vez más “libre”. Lo que en la película se ve, sirve como documento fílmico para ser conscientes de lo que significa el poder unilateral, cuando la población es sometida a la voluntad de una sola persona, militar en este caso, y ser conscientes así de las obligaciones que tenemos todos y cada uno de nosotros en una verdadera democracia, para así mejorar como pueblo y perfeccionarnos.
En definitiva, la considero una obra necesaria de conocer para ser conscientes y partícipes de lo que ocurrió en Chile durante la dictadura de Augusto Pinochet, sobre todo en sus últimos años cuando ya no tuvo más remedio que dar al pueblo la oportunidad de votar para que escogieran si querían seguir con Augusto Pinochet al frente o buscaban otro nuevo líder dentro de una democracia que buscaba el avance como pueblo lejos del terror y el sometimiento del país chileno. Recomendable por tanto de ver, para los que buscan buenos films y conocer al menos en una pequeña parte lo que ocurrió en un país sometido a las ideas de una sola persona.

Estos son los 3 deseos que siempre tuvo la protagonista de este insólito documental que escribe, dirige y protagoniza junto con su madre el director Gustavo Salmerón. Deseos por cierto, que se convirtieron en realidad. Con este insólito nombre, deseos y realidad comienza este peculiar documental en clave de entrevista familiar que atrapa desde el principio al espectador ávido de historias peculiares y desde luego distintas.
La historia se centra en cómo la familia Salmerón llegó a tener un castillo y lo que tuvieron que hacer con el cuando estaban acuciados por las deudas, todo ello explicado con humor por la madre de la familia, Julia Salmerón. También es centro de la historia la curiosa búsqueda de las vértebras de la abuela de la protagonista, extraviadas desde hace años en alguna de las propiedades que tiene la familia.
Curioso es en esta empresa, el como incluso después de ser conscientes de la deuda, y de lo que van a tener que hacer para hacer frente a ella, como se lo toma la familia al completo, sin dramas ni exageraciones, sino todo con naturalidad y con un genio envidiable para cualquier mortal. Esto es en definitiva, el mayor logro del documental. El mantener entretenido y con una sonrisa al espectador gracias a las ideas y batallitas del pasado de la matriarca de la familia.
Con esta singular obra, el director consiguió ganar el Goya en la categoría de mejor documental en el año 2017, sin tener tras esto una larga experiencia como director, más allá de un corto en 2001 y muchas colaboraciones eso sí, en el mundo del cine. Pero sin duda, y gracias por supuesto a la ayuda de toda su familia, consigue situarse con este documental como un director quizás a tener en cuenta para futuros proyectos, que esperamos poder disfrutar aquella clase de espectadores insaciables de conocer obras nuevas que aporten novedad al séptimo arte.

Bellísima historia de animación la que recrea Anca Damian basada en la vida de una perrita y de todos sus dueños a lo largo de su vida. Todo realizado con una animación de lo más particular y sin duda original que hipnotiza al espectador con sus dibujos, sus colores y sus movimientos, dando lugar con ello a un film emotivo y digno de elogio que merece la pena ser descubierto por toda clase de públicos.
La vida de esta perrita, con sus distintos nombres que son puestos por diferentes dueños, llega al corazón del espectador gracias a una narrativa con voz en off de una mujer que simula ser la de nuestra protagonista. Es emotivo descubrir el alma de un personaje leal y bueno como lo son todos los perros que tan solo buscan el amor y el calor del hogar de un dueño que quiera cuidar de él, o como en este caso, de ella. Sirve por tanto también, no solo para emocionar al público en general, sino también para poner nombre y apellidos a lo que sufren estos animales cuando son abandonados y son partícipes de una vida vacía, falta del cariño y del amor más elemental, ese que todos buscamos.
Los perros, históricamente, siempre han dependido de la mano del hombre, o al menos en la parte que conocemos, y siempre ha compartido vida con él y le ha sido fiel en todos los sentidos, aunque no siempre este ha sido correspondido. Depende en gran parte de la humanidad y sobre todo de la responsabilidad que es capaz de adquirir una persona con respecto a su adopción, para dar con un dueño que cuide de él en todos los sentidos o tener la mala suerte de dar con una persona irresponsable que acabe dándote en el mejor de los casos, o abandonándote en el peor de ellos. En esta premisa se mueve este magnífico y sincero film, dando con esa dura realidad y mostrándola sin tapujos para hacer que el espectador tenga algo más de conciencia sobre lo que solemos darnos más cuenta cuando llegan las vacaciones o el mes de enero, cuando muchas mascotas son abandonadas por no resultar lo que sus dueños creían ser. Soy de ello bastante consciente al tener un gato que encontré abandonado y que tenía toda la pinta de haber sido un regalo de Reyes que no fue correspondido.
La considero por tanto una obra hermosa, no solo digna de ver por ser un trabajo cinematográfico vistoso y lleno de belleza, sino también por mostrarnos la cruda realidad a la que son sometidos los perros cuando dan con unos dueños que no están totalmente seguros de quererlos adoptar. Es además una cinta, que considero necesaria de ver si consideras hacerte de un perro para ti o tus hijos, ya que llega directamente al corazón y te hace ver claramente lo que pueden sufrir estos inocentes y nobles animales si no dan con el dueño apropiado. Tienes por tanto la oportunidad de hacerlos muy feliz, si lo adoptas de todo corazón, o tienes también la oportunidad de ser responsable y no adoptarlos, sino estás totalmente seguro de lo que vas a hacer.

El novel director Mark Jenkin consigue sacar mucho jugo a una historia rodada en blanco y negro con una vieja cámara Kodak 16 mm de 1976, procesando además el trabajo a mano. Consigue con ello añadir dramatismo y énfasis a las interpretaciones, sacando lo mejor de ellas con el uso de los primeros y primerísimos planos, además de unos soberbios planos detalles que hacen que las imágenes sean hipnóticas y también desconcertantes.
La fotografía, aun siendo de baja calidad por la cámara usada, es impactante en sus imágenes informales pero está bien cuidada en detalles que consiguen mantener al espectador pegado al asiento, dejando claro por tanto, que no es necesario poseer un extraordinario equipo para rodar un film que capte la atención del público. La música, aun siendo minimalista tiene detalles turbadores y en ocasiones inquietantes que acompañan con mucho acierto la trama cuando es necesario. Cabe destacar también, las estupendas y bien trabajadas interpretaciones que trasmiten en cada escena lo que el director se propone sacar de ellas. Cuenta con los trabajos de Giles Kong, Edward Rowe, Simon Shepherd y Mary Woodvine entre otros.
El guion, escrito por el mismo director, va creando poco a poco una atmósfera enrarecida que mantiene en alerta al público en lo que se le va ofreciendo, ya que el interés por su argumento va in crescendo a medida que avanza la trama y se va cociendo dentro de ella la sensación de que algo va a ocurrir, aunque no sabes el que, porque su director sabe bien esconder sus cartas. Da con ello su creador y guionista señales de que, aun siendo un realizador poco experimentado, tiene bien clara sus ideas a la hora de plasmarlo en la pantalla.
En definitiva, la considero una obra notable y bien trabajada al detalle que tiene además el aliciente de ser ofrecida con unas imágenes de baja calidad que dan sin embargo el resultado contrario a lo que en principio se espera, ya que esta técnica aumenta el dramatismo de las interpretaciones y la historia se vuelve a medida que avanza más y más inquietante en lo que va ofreciendo, logrando un final inesperado pero a la vez convincente que deja tras de si la grata sensación de haber visto una película digna de ser recomendada, no quizás al público en general, pero si a los cinéfilos más exigentes buscadores de cintas que aporten algo novedoso y arriesgado.

Oliver Hermanus nos trae un drama basado en la homosexualidad de lo más convincente al exponer esta condición sexual en el ejército, y además en el ejercito de Sudáfrica a principio de los años 80, donde el racismo y el machismo era el pan de cada día en un país en el que las diferencias raciales eran las más pronunciadas del momento. Y lo hace de forma notable Oliver Hermanus, aún con su corta experiencia fílmica, ya que lo que en él nos muestra es verosímil y además lo va manifestando poco a poco, sin tener prisas y dejando entrever en todo momento lo que se va cociendo en la trama.
Las interpretaciones son idóneas para lo que el director busca de ellas. Cuenta sobre todo con el acertado trabajo de Kai Luke Brummer y también de Ryan de Villiers entre otros. Los planos y movimientos de cámara son inteligentes y exprimen lo mejor de las interpretaciones. Los vestuarios y decorados son sugerentes y te transportan el momento y lugar en cuestión. La fotografía también es evocadora y estéticamente esta bien elaborada. Pero de los detalles técnicos de Moffie lo que más merece la pena destacar es la música y los sonidos gracias al trabajo de Braam du Toit, que consigue acompañar magistralmente la trama al lograr un estimulante trabajo que puede inquietar, apaciguar o entristecer según es requerido en la escena.
El guion escrito por el mismo director junto con Jack Sidey, no solo es realista sino que también es justo al mostrar lo que los jóvenes homosexuales han debido pasar en los servicios militares obligatorios, al ser estos siempre de corte machista y poco transigentes aparte de lo que les enseñan. Muestra hábilmente como el ejercito envilece y por supuesto embrutece a los militares, despojándolos de toda opinión propia y sometiéndolos a castigos despreciables que hace que se odien los unos al otros, y que muchos incluso no consigan superarlo, dejando sus vidas en el camino.
Considero por tanto que Moffie es un film recomendable, por ser un grito a la libertad de expresión, por ser una llamada al público a saber lo que han tenido que soportar los homosexuales en sectores de corte tan machista como lo puede ser un ejército, y más aún en épocas pasadas. Y sirve además, para darnos cuenta que algo que viene implícito en nuestro ser no puede ser despojado, y es más, jamas se puede tratar de cambiarlo, ya que nada nos da derecho a ello y es un papel que a nadie le pertenece, ni siquiera a ellos mismos les toca decidir si lo quieren o no lo quieren ser. Es sencillamente, algo innato en el ser humano.

Jóhann Jóhannsson lubrica su primer y último film, ya que por desgracia nos dejó en 2018. Este compositor que puso música a largometrajes tan conocidos como Sicario o Prisioneros entre otros, se encarga en esta ocasión de construir un film de ciencia ficción experimental que muestra la tierra tras millones de años en el futuro, donde tan solo 18 especies diferentes sobreviven. Es inevitable no ver en esta cinta imágenes que parecen evocar a 2001 Una odisea en el espacio, salvando las distancias claro, y es que en esta obra no hay protagonistas, ya que no consigues ver ninguna de las especies, -al menos corpóreas-, y es la voz en off de la conocida Tilda Swinton la que pone una narrativa algo oscura que llena de incertidumbre su visionado.
La fotografía en blanco y negro puro, da lugar a unas imágenes hipnóticas que se suceden unas tras otras sin ninguna prisa y sin ninguna pausa. La música, es turbadora y acompaña las imágenes de la cinta de principio a fin, es también grandiosa en ciertas partes del largometraje y también algo premonitoria. Estos dos elementos técnicos son de lo más salvable desde mi punto de vista, junto con la narrativa con voz en off de la ya citada Tilda Swinton.
En cuanto a la historia de esta película de ciencia ficción, carece esta de un argumento fijo, y se limita a explicar lo ocurrido por encima y las especies que sobreviven como son, con sus defectos y sus virtudes. Esta nos trasmite que están a más de 2000 millones de años de hoy día, y nos muestra el mundo inhóspito que quedó tras la desolación de la tierra tras el choque de una nube de gas no visible con nuestro sol en el sistema solar.
En conclusión, por sus características la considero más cercana a ser un documental que un largometraje, salvo por la excepción de ser una película de ciencia ficción. Y no puedo dejar de verla como un experimento más bien fallido al dejar demasiada carga a la imaginación del espectador, ya que no consigues ver nada en concreto y solo escuchas la voz en off mientras ves unas extrañas imágenes de estatuas o construcciones poco concretas. Comento esto porque, cuando ves cine de ciencia ficción siempre tienes la esperanza de ver algo que pueda llegar a ser cine de culto o algo que se quede en ti para siempre, pero este no es el caso. No sabes por tanto si la causa que hace que sea un film fallido sea por su extrema simpleza o por ser demasiado pretencioso, pero por suerte, su duración es corta y no te roba demasiado tiempo, ya que como creo haber dejado bien claro, no es una película que merezca ser vista, salvo que tu objetivo sea el tedio.

Cuando descubres una película de las características de System Crasher, en la que un director novel llamado Nora Fingscheidt consigue atrapar la total atención del espectador gracias a un argumento irreverente que no dejara a nadie indiferente, agradeces haberla visto. Dentro de ella encontrarás un producto novedoso que te somete a su voluntad con un tema tan delicado como lo es la educación infantil, cuando además esta se centra en un caso tan peliagudo como el de la jovencita Benni, una niña de tan solo 9 años que se convierte en un verdadero dolor de cabeza para todos los que la rodean, en especial para los que de verdad desean ayudarla.
La joven protagonista del film, Helena Zengel, logra machacar al espectador con una interpretación sublime, y desde luego digna de elogio. Su personaje, logra encender la ira del espectador por su complicada forma de ser, aunque también su lástima, al ser este consciente que se trata de una niña de 9 años abandonada a su suerte por su madre. El resto de interpretaciones son también notables en el caso de Albrecht Schuch, Gabriela Maria Schmeide, Lisa Hagmeister y Till Butterbach entre otros.
El guion es un plato fuerte también en las cosas a destacar, ya que no se limita a nadar sobre la superficie en un tema tan delicado como lo es la educación infantil de una joven complicadísima, sino que se adentra en su psique y te hace partícipe de una mentalidad muy difícil de clasificar, tanto en lo bueno como en lo malo, y expone sin tapujos a una niña a la que todos quieren ayudar, pero que en el fondo nadie se quiere comprometer con ella más allá de lo superficial, por tenerle miedo y no saber exactamente por donde te puede salir, logrando con ello un argumento que como ya he dicho, dejará a cualquiera boquiabierto.
La fotografía de la cinta, es cumplidora y logra un trabajo digno, al igual que la música y sonidos que consiguen trasmitir inquietud al público al acompañar con eficacia la trama. También el movimiento de cámara y planos están bien logrados según el momento para mantener la agitación del espectador.
Por todo lo mencionado, considero System Crasher una de las cintas que más me ha gustado de las vistas en el Atlántida Film Festival de este año 2020, y no son pocas las películas bien logradas de este certamen, por lo que sin lugar a dudas es una historia digna de ver salvo que seas de esa clase de personas que huyan de los argumentos en los que se profundiza mucho en la psicología de un personaje complicado, que te pondrá las cosas muy difíciles de digerir, ya que por mucha maldad o situaciones constantes en las que su comportamiento sea indescifrable, no deja de ser el de una niña de 9 años que busca desesperadamente el calor y el amor de una familia.

El primer largometraje de Tanel Toom, es un drama que transcurre en el siglo XIX en la Estonia rural, donde una joven pareja adquiere una granja que tiene que compartir con un vecino nada deseable, que le pone la vida más difícil aún de lo que el terreno, el clima y los pantanos del lugar se lo ponen ya de por sí a los protagonistas. La historia de estos, transcurre durante muchos años, desde que llegan siendo jóvenes y sin descendencia hasta que tienen hijos y estos se hacen ya mayores, cubriendo al menos un cuarto de siglo de historia familiar donde se ve como se va desarrollando la vida y la actitud de estos, en especial del protagonista.
El argumento de esta trabajada trama, tiene miga de principio a fin y son muchos los temas tocados. Como por ejemplo, la mano de la religión, la venganza, la honradez y sinceridad, el trabajo duro y también la intransigencia de un hombre que se obsesiona con la idea de sacar adelante una granja que por más que se trabaja, parece no tener futuro. Esto hace tener al espectador pegado al asiento incluso con un ritmo lento y una duración bastante larga de más de dos horas y media, ya que lo que en ella se va exponiendo mantiene el interés y la intriga en el espectador que busque buenos dramas, aunque sean largos y de ritmos algo lentos.
La fotografía es magnífica al sacar lo mejor de unos inhóspitos paisajes que junto con los vestuarios y decorados te transportan perfectamente a la época en cuestión. Además, es bastante oscura en imágenes dando sobriedad a su visionado. La música usada, es turbadora y algo triste, trasmitiendo la agonía del protagonista y sobre todo la de su familia al experimentar la impotencia de ver como año tras año apenas avanzan en su cometido. También merece especial atención los movimientos de cámara y planos usados que exprimen lo mejor de la acción y de las interpretaciones. Estas últimas por cierto, son bastante competentes. Cuenta con la participación de caras no conocidas para el público y con poca experiencia fílmica en su mayoría como es el caso de Loora-Eliise Kaarelson, Priit Voigemast, Maiken Schmidt, Risto Vaidla y Priit Loog entre otros.
Concluyendo, la considero un drama de época interesante y digno de ver en el que solo tendrás que lidiar con su extensa duración y su ritmo lento, ya que lo que te encontrarás en su interior es bueno y el director sabe bien como sacarle jugo de principio a fin. Hace que no pierda interés su historia y te mantiene eficazmente pegado al asiento, sorprendido de ver como unos personajes van cambiando con el paso del tiempo, y no siempre para bien, dando con ello gran verosimilitud a la trama y la sensación de que no ha querido sorprender su creador al espectador gratuitamente, sino más bien llegar a él con humildad y un trabajo digno de ser descubierto.

No son pocas las veces que prejuzgamos una historia sin conocerla en su totalidad. Son muchas las ocasiones en las que nos dejamos llevar por la ligereza de pensar mal sobre algo que suponemos que no es ético, o que simplemente no es como debería ser. Películas como esta muestran que nos podemos equivocar, que podemos pensar de antemano que algo es de un modo sin conocerlo, sin analizarlo en profundidad, y nos sentimos bien de pensar que lo que nosotros creemos es lo bueno y justo, y lo que otros hacen es lo incorrecto o falto de ética, cuando ni siquiera sabemos en su totalidad lo que ocurre o más aún, cuando ni siquiera nos debe importar lo más mínimo, ya que por ello no nos han preguntado.
Algo parecido ocurre con esta historia, en la que un Kurdo llamado Baran, que sueña con vivir en Europa y que trabaja en un bar de Turquía donde tiene que hacer de todo para vivir (cocinar, limpiar, servir y si es necesario, acostarse con turistas que buscan sexo fácil) conoce a Marion, una piloto de aviones alemana que acaba de ser diagnosticada de cáncer y que va a la deriva, en busca de su verdadero yo. Con esta premisa, comienza un film bien trabajado que tiene como base la inmigración y el amor no a primera vista, sino el que surge con el paso del tiempo y el roce de dos personas que en un principio no parecen ser el uno para el otro.
El guion, está bien trabajado de principio a fin y está bien llevado a la pantalla, aunque tiene el inconveniente de tener en ocasiones un ritmo irregular que puede hacer que el espectador se despiste, aunque luego lo recupera y va dando forma con éxito a una historia en la que cualquier cosa puede ocurrir, y de hecho ocurre, para deleite de los buscadores de buenas tramas. En cuanto a las interpretaciones, son correctas y no se les puede reprochar nada, en especial a los protagonistas del film Anne Ratte-Polle y Ogulcan Arman Uslu, que hilan un buen papel. En cuanto a la música del film, es apropiada en cada escena para añadir dramatismo o inquietud según es requerido, cumpliendo con su cometido.
En definitiva, la considero un gran drama que cautivará a los buscadores de historias sinceras que son llevadas a cabo con maestría y sin querer en ningún momento hacer trampa para captar la atención del público más comercial. Es fiel por tanto a su estilo de principio a fin y muestra poco a poco una trama que como he dicho no pretende sorprender, sino más bien calar con franqueza en el público más exigente que no se conforma con cine convencional, sino aquel que busca pureza y naturalidad en lo que se le ofrece, ya que aunque el resultado no goce de espectacularidad, si sobresale al tener gran realismo y verosimilitud.

A Son, es una película tan real que llega a lo más profundo de tu ser. Todo lo que en ella va transcurriendo hace al espectador partícipe de algo desgarrador y desde luego tan verosímil que te deja trastocado tras su visionado. Desde el principio, ya se masca el drama en todo lo que va sucediendo desde que el hijo de una pareja feliz recibe un balazo en una carretera. A partir de ahí, todo lo que sucede es traumático y desde luego desconcertante en su realismo, mostrándote algo que sabes que existe, pero que realmente no quieres ver, ni comprobar por hacerte sentir vergüenza de lo que es capaz de hacer el ser humano.
Desde el hospital, todo es una cuenta atrás para encontrar un donante de hígado para su hijo herido, el cual morirá sino recibe un lóbulo de hígado compatible con el suyo. Entonces, la pareja poco a poco se va derrumbando al descubrir cosas que no sabían el uno del otro y que repercuten directamente en el futuro de su hijo. Todo ello, va complicando la situación más y más y va generando una angustia en el público que lo hace sufrir y ser consciente de lo que la pareja está pasando y de las consecuencias en sus decisiones.
El debut de Mehdi. M. Barsaoui no podría haber sido mejor, dejando muy alto el escalafón con un drama arrollador que tiene todos los ingredientes necesarios para quedar en la retina del espectador. Su realismo es demoledor, los problemas que desencadenan todo lo que va ocurriendo minuto a minuto en su trama va dejando absorto al espectador con lo que se le va ofreciendo, y tras su visionado, deja tras de sí una sensación agría de extrema realidad que será difícil de olvidar.
En conclusión, considero la opera prima de este novel director una cinta notable y digna de ver tanto por la calidad de su trama y sus estupendas interpretaciones, como para ser conscientes de la extrema realidad que ocurre a lo largo y ancho de este mundo aunque resulte desagradable y demasiado dolorosa de ver, por abrirte los ojos y descubrir que no siempre vives en un mundo ideal en el que tus problemas irrisorios parecen ser los más graves, sino que descubres un mundo desconocido que te hace ver muchas de las cosas que sospechas que existen, pero que aquí te la sirven en bandeja para que también seas partícipe.

Notable ópera prima la que nos trae Guillaume De Fontenay, el cual cumple ampliamente con un film que nos trae a la memoria la casi ya olvidada guerra de Yugoslavia gracias al personaje y periodista real Paul Marchand, que cubrió el asedio a Sarajevo desde el principio para los gobiernos francófonos con un estilo particular y arriesgado que no deja a nadie indiferente, y que merece la pena ser descubierto para ver como se mojan también los corresponsables de guerra en ocasiones en defensa de La Paz mundial.
Técnicamente, la película está muy bien elaborada, con un estupendo trabajo de fotografía que te transporta eficazmente a la época y lugar en cuestión, gracias también a sus decorados y ropas del momento que te hacen revivir las terribles noticias que nos llegaban en los años 90 sobre esta guerra civil tan cruel y violenta. También merece especial atención el trabajo de cámara en mano cuando es requerida en las situaciones de combate o peligro para dar mayor verosimilitud a una trama que te mantiene en vilo de principio a fin, ya que escuchas las balas y las bombas pasar cerca de los protagonistas.
En cuanto a las interpretaciones, son dignas también de ser mencionadas, en especial el trabajo del joven actor Niels Schneider que cubre el papel principal con mucho estilo y verosimilitud y el de la joven Ella Rumpf, que también cumple con su cometido. El sonido de la cinta y la música usada es algo que consigue mantener en el espectador la zozobra y la sensación de pánico constante que vivían las personas allí presentes, tanto en el caso de los ciudadanos del lugar como de los soldados y periodistas allí desplazados.
Su historia, que cubre eficazmente los peores días del asedio a Sarajevo es algo digno de conocer y estudiar para tener presente a todos aquellos fallecidos de una guerra que tuvo en vilo al mundo entero por su crueldad, y por tratarse de una guerra civil en la que el odio de distintas razas y sus religiones sacaba lo peor de ellos para adentrarse en una de las peores y más sangrientas guerras que se recuerdan. Sirve por tanto como un documento histórico creíble para que las nuevas generaciones puedan conocer, aunque sea desde el punto de vista subjetivo de un periodista bastante particular, lo que allí ocurrió.
Por tanto, la considero una película merecedora de ser vista y conocida tanto por lo que muestra, que se trata por cierto de hechos reales desde el punto de vista de un periodista nada común, como por su trabajo técnico e interpretaciones, que dejan tras de si la sensación de haber visto una obra llena de mérito, que es expuesta además, por un director novel que consigue cumplir ampliamente con su cometido y cautivar incluso a los cinéfilos más exigentes.

Hay películas que por alguna razón siempre me cuestan un poco empezar a verlas. Esto puede ser por estar solo en versión original, por su temática, su género, su país de origen o un largo etcétera. Esta película, es una de esas. Principalmente por su temática y también por su país de origen (Rumania), del cual he visto pocas películas, la verdad. Pero después te decides a verla, y te llevas una grata sorpresa por la calidad de su guion y por ser una película sencilla que no trata de sorprender al público con una estupenda fotografía, música o interpretaciones de caras conocidas, sino simple y llanamente, por plasmar con mucho acierto la odisea por la que pasan dos chicas estudiantes para que una de ellas aborte ilegalmente en la Rumanía de 1987, que aún era comunista.
El aborto en sí, siempre ha sido un tema complicado de plasmar, generalmente porque genera controversias morales y religiosas en el ser humano y porque llevado a la gran pantalla es difícil de narrar sin colocarte a un lado u otro de la balanza. En esta ocasión, creo que lo consigue notablemente, y su director Cristian Mungiu expone unos hechos claros sin colocarse ni a un lado ni al otro en cuanto a la moralidad se supone, sino en el lado de dos chicas jóvenes que tratan de organizar un aborto ilegal en un país y en un momento en el que esto se pagaba con la cárcel. Lo que va exponiendo y como lo va mostrando es la clave del film para atrapar la total atención del espectador, el cual llega a sentir un miedo enrarecido e incertidumbre de lo que le pasará a las chicas, las cuales tienen que pasar por lo suyo para conseguir lo que se proponen. Además, no se juzga, solo se narran los hechos tal cual y deja al publico sin manipular para que sienta y opine si ve bien o mal lo que el director les acaba de enseñar, aunque esto poco importe, ya que la decisión está tomada y no corresponde a ellos, sino a la protagonista. Con esto, queda clara la intención del director al ser fácil opinar y juzgar a los demás, pero cuando son estos los que se ven en dicha situación es posible que esto cambie al explotarle el problema en las manos.
En cuanto a los detalles técnicos, llama la atención la continua cámara en mano que da un toque informal y cercano a la historia, con planos además personales que se centran en exprimir las miradas de las protagonistas. Dichas protagonistas, interpretadas por Anamaria Marinca y Laura Vasiliu, hilan un buen papel que no resulta brillante pero sí eficiente en lo que el director se propone. Consigue en definitiva Mungiu con 4 meses, 3 semanas, 2 días, un film notable y digno de ver para todos aquellos en los que el aborto sea un tema controvertido y de soluciones nunca fáciles, sea cual sea el camino a tomar. Por tanto, creo que pone el listón alto dentro del género o mejor dicho del subgénero y gustará a todos aquellos que se propongan verla para descubrir qué es lo que guarda en su interior, narrando un tema tan delicado como de difícil digestión.

El famoso director y guionista iraní Abbas Kiarostami, hace alarde de un original ejercicio cinematográfico narrando diez historias distintas que transcurren en un mismo coche conducido por Teherán por una mujer recién divorciada, mientras lleva de copilotos a personas de su entorno como por ejemplo su hijo, su hermana, una novia y una prostituta.
Mientras conduce, mantiene con ellos conversaciones afines a su parentesco o afinidad, mostrando con ello una parte de lo dura que es la vida de una mujer iraní que ha decidido divorciarse, escuchando incluso a su hijo culpabilizarla por haber dicho que su marido se drogaba para obtener ella el divorcio, ya que en su país es muy complicado conseguirlo de otro modo.
La cámara usada es fija en la parte del salpicadero y enfoca a uno u otro personaje según el momento o la conversación, a excepción de la prostituta para mantener su anonimato. Usa para ello tan solo una cámara digital que hace que la imagen sea simple, pero sin restar con ello calidad fílmica a la historia y dando además un aire mas informal a la película. Por tanto, la fotografía del film es de lo más sencilla aunque efectiva en lo que el director se propone exponer, ya que sus planos son muy personales y muestran la naturaleza de cada uno de sus personajes.
Las historias personales se suceden una tras otra, mientras se conduce en una ciudad tan caótica como Teherán, con los problemas del tráfico e incluso las riñas de otros conductores o la misma protagonista, dando con ello un plus de realidad a la trama. Dentro de ella, encontramos a una mujer fuerte que sobrevive y es capaz de sobrellevar no solo su carga, sino también la de la gente que la rodea, a la cual ayuda psicológicamente a superar sus problemas escuchándolos. Muestra por tanto, a una mujer orgullosa y ejemplo a seguir por las mujeres de una sociedad tan machista como lo puede ser la suya. Ella es el centro de atención de la historia en todo momento, la mujer, y no solo parece serlo esta mujer, sino también el resto de mujeres que aparecen en la cinta, donde el único personaje varón es el hijo de la protagonista, el cual es dependiente de ella y tiene marcado claramente el machismo de la sociedad a la que pertenece al no aceptar que su madre haya decidido seguir su camino lejos de su padre. Por ella, merece la pena ser visualizada la historia, y no solo por los incondicionales de Kiarostami y los seguidores del cine original que se quiere desmarcar siempre de lo más comercial, sino también por mostrar a una mujer valiente que se abre paso sola en una sociedad machista y además le sobran fuerzas para ayudar a otros, sin perder en ningún momento la sonrisa de su cara.

El director Aleksandr Sokúrov nos entrega con gran maestría un resumen magnífico de gran parte de la historia de Rusia, y lo realiza además con mano experta gracias a una soberbio plano secuencia que transcurre desde que empieza hasta que acaba el film, dejando patente con ello un derroche técnico inolvidable. No es esto lo único que visualmente llama la atención de la cinta, también son dignos de elogio los vestuarios y caracterizaciones de los personajes de las distintas épocas narradas en la película, que muestran episodios importantes de la historia de Rusia en los siglos XVIII, XIX y XX. Todos estos sucesos discurren en el impresionante Museo del Hermitage en Leningrado, donde la opulencia de sus decorados e innumerables cuadros te dejan boquiabierto.
La acción de la película es representada esencialmente por dos personajes, uno de ellos es el propio narrador, a quien nunca vemos y cuyos ojos son la cámara. Este personaje dice al principio que está muerto y que vaga por el palacio. El segundo personaje es el Marqués de Custine, a quien el narrador llama el Europeo, este personaje si es real y es visto por casi todas las personas con las que se van encontrando a lo largo del film, aunque en alguna que otra ocasión no es visto por otros. El Europeo, que es al único que vemos de los dos, tiene una forma de ser un tanto descarada y burlona, comportándose en todo momento con altivez y mostrando amor-odio por la patria Rusa.
La película, por tanto, no está desprovista de mérito ni en la parte técnica ni en la interpretativa, y el director y guionista se luce al exponer al público momentos históricos vividos en los últimos tres siglos, curiosamente los mismos que tiene el palacio. Lo hace además con una sobresaliente fotografía que exprime lo mejor de unos decorados y caracterizaciones dignos de ver, ya que consiguen transportarte eficazmente a cada época. Por lo tanto, debido a su originalidad y vistosidad es una obra necesaria de ver para todo aquel cinéfilo ávido de descubrir cintas hermosas tanto por dentro como por fuera, ya que lo que en ella se expone sin darte cuenta te cala y se queda dentro de ti para siempre como un bello recuerdo. Es como si ese fantasma que vaga desde hace siglos por el palacio, te trasmitiera lo que el siente y lo que vive dentro de él, ya que como reza al final, el palacio es un arca que navega eternamente en un mar sin fin con el dentro.

Uno de los subgéneros que más me gustan sin duda, es el neorrealismo italiano, donde el director Roberto Rossellini es uno de sus máximos exponentes. Supongo que la postguerra en un país donde la pobreza e incluso la vergüenza de haber sido un referente fascista en Europa, fueron las razones más importantes que ayudaron a los directores italianos de la época a mostrar unos dramas profundos y desgarradores, como es el caso de Europa ´51. Al contrario de lo que ocurría en Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial, triunfadores y orgullosos realizaban películas para levantar la moral del pueblo y dejar a un lado la pena y la miseria que tenían al otro lado del charco, donde la reconstrucción no solo era física en las ciudades, sino también en la moral del pueblo.

Segunda película del tándem Rossellini-Bergman, ese que tanta polvareda levantó en EEUU por el abandono de la actriz sueca a su familia para fugarse con el director y guionista italiano. Dicha pareja, dio como fruto varias películas de un gran sello como esta misma, donde Ingrid Bergman tiene un registro dramático muy conseguido y saca su mejor versión al bordar el papel de una madre que pierde a su hijo al suicidarse este, y su interpretación se adueña de la trama desde principio a fin gracias al gran desarrollo de su personaje, el cual se refugia en la ayuda a los más desfavorecidos para lograr salir de su depresión tras la muerte de su hijo, y porque no decirlo, redimirse de su culpabilidad.

La historia de la película en sí, es totalmente dependiente de la interpretación de Bergman, pero tampoco descuida los detalles para mantener al público pendiente de todo lo que va ocurriendo. La música, usada en contadas ocasiones sirve como apoyo a la trama para aumentar el melodrama, y la fotografía en blanco y negro está bien cuidada en detalles y junto con los decorados y caracterizaciones te transporta eficazmente al momento y lugar en cuestión.

En conclusión, la considero un gran drama no solo dentro del neorrealismo italiano, sino también en el género dramático y una de las cintas a tener en cuenta en el cine italiano. Por mostrar con acierto y sensibilidad una historia dramática, por hacer un gran papel la ya esposa del director italiano Roberto Rossellini, Ingrid Bergman, y por tener un desarrollo y un ritmo adecuado para lo que narra para disfrute de todos los seguidores del género y aquellos amantes del buen cine clásico europeo, ese que tras la postguerra dejo para la posteridad decenas de cintas de una calidad incuestionable.

Una de las cosas que más me llama la atención del cine independiente, es que sabes perfectamente que te vas a encontrar con algo con sello propio y posiblemente original. Son pocos los directores a los que se les puede ocurrir dar forma a una película basada en 5 episodios de taxistas en distintas ciudades, en este caso Los Ángeles, Nueva York, Paris, Roma y Helsinki, y además todos ocurren el mismo día y a la misma hora. Con esta idea, Jim Jarmush, conocido por cintas de cine independiente como Café y cigarrillos, Flores rotas o Paterson, da forma a un film recordable y desde luego original en el que cada historia tiene la propia idiosincrasia de la ciudad donde es rodada. No todas las historias son iguales de buenas desde luego, pero si tienen algo digno de recordar cada una de ellas.

En la primera de esas historias, que transcurre en Los Ángeles, Winona Ryder es una joven taxista que en realidad quiere ser mecánica y lleva del aeropuerto a su mansión de Beverly Hills a una buscadora de talentos para películas. En la segunda, la cual transcurre en Nueva York, un payaso alemán que lleva poco tiempo viviendo y trabajando allí como taxista lleva a un vagabundo de Manhattan a Brooklyn. En la tercera historia, que transcurre en Paris, un taxista africano transporta a una joven ciega a la que le pregunta que tal es su vida con su deficiencia visual. En la cuarta, un hombre que la Toscana que trabaja de taxista en Roma le habla sin parar y pretende confesarse con su cliente, un sacerdote al que llama en todo momento obispo. En la quinta y última historia, la cual transcurre en Helsinki, un taxista tosco recoge a 3 borrachines metepatas a los que les cuenta la historia del amor de su vida. Como he dicho antes, no todas son iguales de buena, pero desde luego la de Roma, interpretada de forma estelar por Roberto Benigni es sin duda la mejor y más divertida, aunque también tienen lo suyo la que transcurre en Nueva York y en Paris.

En resumidas cuentas, considero Noche en la tierra un film original digno de ver no solo por todos los seguidores del insólito cineasta, sino también para aquellos que busquen un cine distinto capaz de ofrecer algo fuera de lo común, algo que no busque impresionar o dejar mella sino más bien historias originales como la que logra este director, el cual es todo un referente en el cine independiente norteamericano. En resumidas cuentas, es una película y un director a tener en cuenta si te consideras un cinéfilo ávido de historias distintas que se alejan del cine más convencional y desde luego comercial.

Gran opera prima la que nos ofrece Andrey Zvyagintsev. Una obra personal y notablemente trabajada que expone la aventura familiar que emprenden dos hermanos adolescentes con su padre, al que no ven desde hace 12 años. Así comienza esta historia familiar de 3 personas muy distintas entre sí. El padre, distante y muy severo tras permanecer tantos años lejos del seno familiar, educa sin embargo con mano de hierro a unos hijos que no se sienten congéneres. El mayor de los hermanos, sí sigue la estela del padre aunque no la concibe del todo, sin embargo, el pequeño no encaja en absoluto con su padre y todo lo hace a regañadientes, si es que lo hace.

Lo que va pasando a continuación, es el auto descubrimiento de todos y cada uno de ellos, sobre todo del hijo pequeño que no acaba de encajar esta situación y desconfía incluso de que ese hombre sea su verdadero padre. Esté es, por tanto, el eje principal de la historia. La difícil conexión que existe entre el padre y el hijo menor. Así se va desarrollando la trama, con una tensión en aumento y con un desenlace que nadie se espera, y que desconcierta en gran medida al espectador.

En cuanto a la parte técnica podemos citar una música minimalista que es usada en escasas situaciones cuando la acción la requiere, una fotografía más bien fría y azulada que te transporta eficazmente a Siberia en épocas veraniegas y unos movimientos de cámara en mano en ocasiones que aumentan el dramatismo en las escenas oportunas.

La película en sí, es un viaje, pero no solo el que realizan los dos hermanos con su padre, sino el que el espectador descubre al finalizar la película, la cual no comprenderá del todo, eso es seguro. Pero esa es precisamente la finalidad del director, dejar una gran interrogante en la mente del público que busca sin respuesta posible la solución de un puzzle difícil de completar, quizás porque ni siquiera está completo, o porque tan solo está completo en la mente del director. Pero lo que sí es seguro, es que es una obra que sin saber porqué, gusta, ya sea por ser distinta, por ser arriesgada o por ofrecer un producto que no está cerrado, y que tiene que descifrar el espectador o simplemente dejarse llevar para satisfacer sus más básicos instintos cinéfilos.

Una película cuya trama gira en torno a dos fareros, uno de edad ya avanzada que ordena y otro joven que se encarga de todas las labores en una isla donde ambos están solos cuidando de un faro durante 4 semanas, a la fuerza tiene que ser digna de ver al tener pocas posibilidades el director de dejar pasar la oportunidad de dar buena forma a un film de los que solo por su sinopsis no olvidaras. Un director además, con poca experiencia fílmica pero que ya a logrado llamar la atención con la película de terror La bruja, con la que obtuvo buenas críticas.

La fotografía en blanco y negro, innecesaria a priori en una película moderna, deja evidencia del acierto visual del director al escogerla, ya que las expresiones de sus dos únicos protagonistas quedan acentuadas y aumentan la zozobra de una historia que desde que empieza hasta que acaba te mantiene pegado al asiento. Las interpretaciones de ambos actores son notables y cumplen ampliamente con su cometido, tanto en el caso del ya experimentado Willem Dafoe al que ya ningún registro le queda por bordar como del joven pero ya prometedor Robert Pattinson, cuyo registro actoral queda ya muy lejos de las conocidas Crepúsculos. También merece la pena ser destacada tanto la música, que solo es usada en contadas ocasiones para aumentar la inquietud en el visionado del film como los sonidos del mar, la lluvia, las gaviotas o de los mismos instrumentos que usan los protagonistas para sus labores cotidianas.

En definitiva, la considero una película oscura y turbia que atrapa sin dilación a todos los seguidores de los thrillers psicológicos bien hilados que van de menos a más y que consiguen mantenerte pegado al asiento en su turbadora historia que lejos de ser sobresaliente y aún con algunos fallos en su interior mantienen el tipo notablemente, y dejan tras su visionado la sensación de haber visto un film bastante completo y desde luego sucio en lo que expone, pero cumplidor para los amantes del género psicológico por hacerte pensar que es lo que realmente ocurre en su interior, ya que desde luego no es fácil de descifrar aún cuando has terminado de verla.