“Sunshine” es una fascinante obra de ciencia-ficción, otro indispensable aporte al género que provoca o reaviva la sensación de mantenernos totalmente maravillados con ese Universo al que pertenecemos y con todo aquello que no valoramos lo suficiente hasta el momento en el que llegan los problemas. Ese es el planteamiento de la película dirigida por Danny Boyle (“127 horas“, 2010): el Sol se apaga y un grupo de astronautas de la nave Icarus II se dirige hacia el mismo con el objetivo de insuflarle una bomba nuclear que pueda devolverle la vida. Sin el Sol, toda la Humanidad se encuentra en peligro y por ello la magnitud de la misión es descomunal, algo que tienen claro los tripulantes de la nave, reconociendo que el cumplimiento de la misión está por encima de su supervivencia personal.

Los miembros de la nave se verán obligados a soportar las tensiones surgidas entre ellos a raíz de diversas decisiones trascendentales acerca de la misión, mientras los espectadores somos testigos de un apasionante despliegue visual que nos muestra con detalle el Sol y el Espacio. La dirección, muy cuidadosa con los detalles y realista en la descripción de la vida espacial, también acierta derivando la trama hacia un misterioso e intrigante territorio a medida que avanza el argumento, lo que nos generará tensión y aumentará el interés sobre los actos que se van sucediendo. Pero lamentablemente, esto nos lleva hasta un punto en el que, desperdiciado el factor sorpresa o de fascinación sobre el descubrimiento más sorprendente de la película, la cinta cae en el desvarío con un tramo final decadente y reprochable.

Esto se perdona porque las ventajas son muy superiores, contiene escenas apasionantes y es una película que se sigue con asombro y muchísimo interés. Porque no sólo es una cinta original y bien realizada sino también necesaria y hasta didáctica, por lo menos en lo que respecta a que podemos ser más conscientes de la importancia, fragilidad o vulnerabilidad de nuestro Universo y las estrellas que lo componen. La más grata sorpresa interpretativa del reparto es un Cillian Murphy (“El caballero oscuro: La leyenda renace“, 2012) que se sale, pues logra transmitir la fascinación y el nerviosismo de su personaje, un joven físico que tendrá la mayor responsabilidad a bordo de la nave: el lanzamiento de la bomba nuclear. El resto del elenco se muestra equilibrado, ofreciendo unos correctos y creíbles papeles que cumplen con su objetivo.

De la banda sonora de esta película salió el extraordinario y cientos de veces versionado y reproducido “Adagio in D Minor” de John Murphy, uno de los mejores aportes musicales de la Historia del séptimo arte: cautivador, enigmático, de inmensa belleza y ejecución, magnifica cualquier momento en el que aparece y nos recuerda la importancia de la música y hasta qué punto podemos llegar a enamorarnos de una partitura. No es el único tema, pues otros menos recordados -de Karl Hyde y Rick Smith, además de John Murphy- pero de muy buena calidad acompañan al principal. También destaca un sonido que casi es melódico, una de las señales más misteriosas que he oído en cine: la “Icarus I Distress Beacon”.

José Luis Garci ha sido siempre uno de los pocos directores del panorama nacional que han conseguido mostrar a través de su cine una imagen muy especial de un Madrid único, una ciudad tan particular como irrepetible, que combina su carácter cosmopolita con lo campechano y tradicional de sus gentes. Lo hizo en el díptico de “El crack”, lo fotografió con mucho acierto en el “Tiovivo c.1950” y tiró de mucha Historia para hablar de héroes y revoluciones en la notable “Sangre de Mayo”, entre otras cintas que siempre han dejado ver buena parte de la idiosincrasia madrileña. Con “Holmes & Watson: Madrid Days” sus intenciones caminaban por el mismo sendero, pero lamentablemente el resultado del film deja más espacio para las malas sensaciones que para lo que él hubiera pretendido.

Garci rescata a los dos famosos personajes de Sir Arthur Conan Doyle para enviarlos a Madrid para investigar una serie de crímenes que pueden guardar relación con Jack el Destripador. La primera vez que tragué saliva al contemplar lo que estaba viendo en la película (si no contamos una de las primeras escenas pésimamente interpretadas por Leticia Dolera) fue al escuchar cómo los dos protagonistas, encarnados por Gary Piquer y José Luis García Pérez, combinaban su perfecto español natal con un inglés que sólo aparecía por sorpresa y de manera exagerada entre sus frases para pronunciar nombres de personas o lugares. Este hecho desconcertante, que nos muestra a dos personajes británicos hablando un perfecto español que sólo disimulan con alguna perla salteada de inglés (más que nada para que no se nos olvide de dónde son…), nos saca completamente de situación e incluso casi nos dibuja una situación cómica que al menos en el pase de prensa arrancó las risas de muchos de los asistentes.

Gary Piquer (“Mal día para pescar“, 2009), español nacido en Glasgow y que estudió Artes Dramáticas en Londres, habla un perfecto inglés, y por ello tengo que preguntar ¿tanto costaba haberle dado todas las líneas de su guión en inglés y ofrecer la película subtitulada?. Tanto a él como a cualquiera de los otros “británicos” que aparecen en escena. De todos modos, lo peor desgraciadamente es que dudo que aún arreglando ese punto, la película hubiera podido salvarse de la quema. Garci intenta ofrecernos a unos personajes tan sofisticados como profundamente cargantes por repipis y forzados, encargados de reproducir una serie de diálogos sin mucha trascendencia que sólo se ocupan de intentar retratar la época en la que la se desarrolla el argumento. El pretendido carácter de intriga de la cinta también se diluye por el camino, mostrándonos a unos Holmes y Watson que no investigan absolutamente nada y cuya única función es la de ir alternando mesas y lugares en los que charlar para, a veces, encontrarse de pura casualidad con alguna pista caída del cielo, y nunca fruto del ingenio al que siempre nos ha acostumbrado Sherlock Holmes. Todo se investiga solo.

De alguna forma, aún con todo lo reprochado desde estas líneas, la película se deja ver e incluso disfrutar por momentos, gracias también en buena parte a un magnífico trabajo en la dirección artística por cuenta del maestro Gil Parrondo (“Patton“, 1970), su ambientación y a varias secuencias que sí logran contemplarse con interés, como aquellas que nos acercan a personajes históricos o nos dejan ver los oscuros entresijos de la alta sociedad. Aunque los citados Gary Piquer y José Luis García Pérez (“Cachorro“, 2004) hayan sido víctimas de la equivocación de Garci, cumplen con su cometido ejecutando unas correctas interpretaciones. Lo mejor que he visto en el plantel han sido los papeles del siempre notable Carlos Hipólito (“Ninette“, 2005), un Enrique Villén (“Barrio“, 1998) que aporta muchísima naturalidad a la cinta, sublime Manuel Tejada (“La comunidad“, 2000) como el Marqués de Simancas y, en la parte de los cameos, a un más que correcto Inocencio Arias, diplomático que colabora por segunda vez con José Luis Garci. Victor Clavijo (“Silencio en la nieve“, 2011) también raya a buen nivel.

Después de ver esta película, creo firmemente que su director ha cometido un grave error queriendo que los protagonistas de su historia fueran, a toda costa, los personajes de Conan Doyle. Todo hubiera encajado muchísimo mejor de haberse arriesgado creando él mismo a dos detectives españoles de la época, con los que además no chirriarían tanto las alusiones jamoneras y folclóricas a los churros, los toros y el cocido, que oído en boca de Holmes y Watson cuesta demasiado digerir. Garci ha sido aquí demasiado valiente, pero su jugada no ha ido a parar a buen puerto y el resultado ha sido una floja e irregular película que se desinfla progresivamente (su tramo final se hace demasiado largo) y que en el fondo se deja ver, pero que no es, ni de lejos, ni uno de los trabajos más destacables del realizador madrileño ni, desde luego, una buena película, aunque sea muy digno el esfuerzo de hacer un trabajo elegante y diferente, que apuesta por un tipo de cine que ya no se hace. Y lo siento, lo siento por Garci y la admiración que tengo por él. Le deseo mucha suerte para la próxima vez y, que al menos entonces, sepa escoger una mejor trama y cree él mismo a sus personajes, sin necesidad de tener que recurrir a los de nadie, y menos de esta manera.

Frankie (Scoot McNairy) y Russell (Ben Mendelsohn) son dos delincuentes de poca monta comandados por Johnny Amato (Vincent Curatola), que se apuntan al robo de una importante partida de poker ilegal organizada por Markie Trattman (Ray Liotta). Como es de esperar, el grupo mafioso afectado por el asalto no se queda de brazos cruzados y encarga a Jackie Cogan (Brad Pitt), un peculiar asesino a sueldo con sorprendentes principios morales, encontrar y ajusticiar a todos aquellos que estén involucrados en el robo de la partida. Para cubrirse las espaldas y ser fiel a su intención de cumplir con sus trabajos manteniendo cierta distancia, Cogan hace llamar a un especialista, Mickey (James Gandolfini), pero la actitud mundana de éste le provoca la duda de si será capaz de hacer correctamente su sangriento trabajo.

Puede que su argumento destile un aroma convencional pero lo llamativo, lo que hace que “Mátalos suavemente” sea una cinta original y cargada de peculiaridades es, además de su plausible, rico y atrevido apartado técnico (inmensa fotografía, cargada de imágenes frías y desoladoras pero muy contundentes, bellas en definitiva), la forma de contarlo y cómo la dirección convierte a los personajes en lo más importante de este film, pues es la descripción de los mismos a través de nutridos, absorbentes y sosegados diálogos la que se erige como el principal motor de la película. Las palabras priman sobre la acción en “Killing Them Softly”, pero las escenas más movidas y violentas de la cinta son tan brillantes como sus diálogos.

“Mátalos suavemente” es también una película extraña, que posiblemente no pueda caer bien sobre todos los espectadores a menos de que vayan mentalizados de ver una pequeña rareza (insisto que por la forma en la que se cuentan las cosas, no por lo que se cuenta) por la que el tiempo no corre demasiado rápido y en la que lo más importante, por encima de la trama, es el despliegue de sus magníficos personajes y sus características particularidades técnicas (sonoras y visuales), convirtiéndose en otro interesante aporte al subgénero del cine mafioso. Lamentablemente, si hay algo que le falta a la película es más carne en el asador, contundencia en su argumento y mensaje: definitivamente, que te cuente algo más y mejor que a lo que se limita aquí.

En el reparto sólo encontramos buenas interpretaciones, gustando el siempre notable Brad Pitt como el escrupuloso y particular matón, y James Gandolfini como el sicario especialista en horas bajas, siendo la aparición de este último lo mejor, a mi parecer, que podremos encontrar en la película. Son sus diálogos los más interesantes y la actitud de su personaje, la más cautivadora. Curiosamente, no es el único miembro del reparto de “Los Soprano” el que aparece en escena, viéndose también a Vincent Curatola y Max Casella haciendo de las suyas. Muy buen papel de Ben Mendelsohn como el ladrón drogadicto, y correcto Scoot McNairy. El trabajo de Ray Liotta es bueno, pero los escasos minutos de los que disfruta convierten su papel en testimonial. También gusta Richard Jenkins como el “contacto”.

Son varios los temas musicales escogidos con muy buen gusto por la realización, pero me quedo con el “The man comes around” del extraordinario Johnny Cash que ya sonó en el trailer y que aquí vuelve para reproducirse casi al completo durante la primera escena de Brad Pitt.

En numerosos momentos del metraje podremos escuchar discursos de Barack Obama, que al principio casi podrían considerarse como una ciega idolatría de la dirección sobre el presidente norteamericano pero que según avanza el argumento se pueden interpretar como la ironía de unas palabras que siempre han sonado muy bien pero que acaban estampándose con la realidad. Estos diálogos también se transforman en una reflexión sobre la verdadera identidad o significado de los Estados Unidos.

Divertida, inteligente y original comedia dirigida por el creador de series animadas tan populares y reconocidas como “Padre de Familia” y “American Dad”, Seth MacFarlane. En “Ted” no sólo cuenta una historia sino que crea un icono, el del gamberro pero a la vez entrañable oso de peluche que da pie a las locuras que se suceden en una película cuya descripción se asemeja a la del susodicho ser.

La falta de complejos de un humor tan atrevido como el ya expuesto por MacFarlane en sus conocidas creaciones animadas, se fusiona con un profundo mensaje cargado de realidad que nos recuerda las penurias de la soledad, la falta de amigos y las dificultades que pueden surgir en pareja cuando uno de los dos pretende cambiar al otro o hacer que renuncie a algo que quiere.

La película también refleja en sus protagonistas un estilo de vida despreocupado, inmaduro, reacio a abandonar los vicios y costumbres de la adolescencia, e ironiza sobre diversos temas sociales, laborales, religiosos y políticos.

La historia comienza con una narración que nos explica cómo John Bennett, un niño sin amigos, deseaba profundamente que su oso de peluche pudiera cobrar vida y hablar. Tras clamar al cielo y pedir este deseo, sus ilusiones fueron hechas realidad. Los problemas surgen cuando Bennett, ya con 35 años, una novia y un humilde trabajo como vendedor de coches, comienza a ver en el grosero y políticamente incorrecto Ted una mala influencia que perjudica su relación de pareja. Mark Wahlberg (“Boogie Nights“, 1997) cumple muy bien con su papel protagonista.

La voz de Ted, en la versión original, es la del propio realizador Seth MacFarlane, mientras que en la versión doblada al español esta función corresponde a Santi Millán, cuyo buen trabajo es digno de reconocimiento. En el resto del reparto, destacan todo un desfile de de guapas actrices (Mila Kunis y Jessica Barth a la cabeza) y algunos sorprendentes y muy simpáticos cameos. El doblaje español se permite algunas licencias, ya que mucho me extraña que en el guión original se haga alusión a personajes y frases que fuera de España no conocerían.

Puede que “Ted” no resulte desternillante, pero no para de divertir y sorprender con unos ‘gags’ frescos, originales e inesperados. La realización sabe perfectamente dónde está el límite entre lo escaso y lo excesivo, y por ello ha sabido encontrar el equilibrio en una película ausente de lagunas y que produce interés desde el principio hasta el fin.

Esta es, pienso, una acertada elección a la hora de querer ver una comedia de las buenas, que divierte pero también te habla de algo, y que anima con un trasfondo amigo de los detalles y construido con mucha calidad. MacFarlane también acierta en no cargar todo el peso de la película en un personaje tan importante como Ted -uno de los roles más divertidos, especiales y desenfadados del año- y su pareja protagonista (el bueno de Wahlberg), y demuestra su ingenio confeccionando a toda una serie de personajes secundarios que también nos sorprenderán muy gratamente.

Dentro de su apariencia convencional, cuenta con la suficiente autonomía como para ofrecernos una historia que engancha, que motiva, que gusta tanto por sus diálogos como por el desarrollo de su esperanzador argumento, basado en hechos reales (un frustrado jugador de béisbol -interpretado aquí por un correcto Dennis Quaid- que, rozando los cuarenta años tiene la oportunidad de ver cumplido el deseo de su vida: jugar en las Ligas Mayores).

Diseñada para todos los públicos, es emocionante por momentos y al menos este servidor la ha podido digerir en un abrir y cerrar de ojos. Muy entretenida, bien hecha.

Narrada con buen ritmo e interpretada eficazmente, nos cuenta el infame hecho real de una serie de jugadores de béisbol del Chicago White Sox que en los años 20 se dejaron comprar por unos apostadores. Los remordimientos y la pasión por el propio béisbol chocarán con el interés por ganar dinero fácil, siendo el personaje encarnado por John Cusack el que mejor transmite sus preocupaciones.

Aunque cuenta con varias escenas de partidos (poco emocionantes, debo decir), no se centra exclusivamente en las mismas, por los que no aficionados a este deporte podrán seguir la trama sin dificultad. La ambientación de la época es muy acertada.

Cuenta con unos sorprendentes efectos visuales, poderosas escenas de acción, buenas interpretaciones de sus actores principales (Michael Fassbender, Charlize Theron e Idris Elba; Noomi Rapace no me entusiasma, parecía más fuera que dentro de su papel) y se admira ese universo creado para la película y otras virtudes que extenderían innecesariamente este texto (pues esas son mejores que cada cual las descubra por sí mismo), pero falta algo y esto se llama pasión.

Falta ese tenso gancho del que no puedes soltarte, ese que provoca que te interesen o conquisten sus personajes, ese que te arrastra hasta un campo en el que las preguntas que la película te hace son más perturbadoras que las encontradas aquí. Y esto pese al buen punto de la interesantísima reflexión marcada por Scott sobre nuestra Creación, bien hilvanada con la trama de esta máquina de generar entretenimiento (aunque a ratos, espesa), auténtica lección de la mejor acción y técnica, pero sin corazón, sin capacidad para emocionar.

Según me consta, el propio Orson Welles catalogó a ésta como su peor película. Esto no quiere decir que sea mala, ya que el director estadounidense siempre ha sido como esos deportistas de élite que, aún rindiendo por debajo de su nivel habitual, son mejores que la media de sus compañeros (se me vienen a la cabeza algunos malos partidos de Zidane o Ronaldo Nazario). Lo que sí puedo decir es que hay muy poco de Welles en esta película (exceptuando su magnífica interpretación), prácticamente nada por lo que se pueda deducir que es un film suyo.

Y es que esta obra era un trabajo de encargo, un reto para el propio Welles que solventó realizando una más que correcta cinta, teniendo como hilo argumental la historia de un nazi evadido (Welles) que se encontraba en Estados Unidos con un nombre falso. Edward G. Robinson (también, como siempre, fenomenal) es el encargado de darle caza y, de paso, adentrarnos en las tripas de un tranquilo pueblo americano excepcionalmente ambientado, del que podemos destacar tanto personajes únicos como detalles memorables.

David Lynch (“Inland Empire“, 2006), que siempre ha sabido adentrarse como nadie en lo más profundo de las oscuras grutas de la perversidad humana, no titubéo a la hora de escoger un camino diferente, uno que nos guiaría a través de los terrenos de lo más entrañable de nuestra especie. Y no es que el inimitable director de Missoula no haya tenido siempre presente, a lo largo de su carrera cinematográfica, la cara más buena del ser humano (pudiéndose encontrar en la mayoría de sus trabajos tanto a personajes encantadores rodeados de lúgubres seres y desoladores ambientes, como un trasfondo en el mensaje que nos señala una luz en medio de un mundo de crueldad), pero es en “The Straight Story” donde esta parte se asoma a la superficie sin rubor como la principal protagonista. Personajes llenos de bondad, propietarios de sonrisas sinceras y miradas enternecedoras, dominan la cinta para transmitirnos una de esas historias que llegan dentro.

El argumento se desarrolla sobre unos territorios a los que Lynch siempre le ha apasionado explorar (véanse “Twin Peaks”, “Terciopelo azul”…), zonas rurales que despliegan un amplio abanico de personajes y ofrecen un meticuloso dibujo de la idiosincrasia del lugar. En esta ocasión nos encontramos en Laurens (Iowa), donde un afable anciano, Alvin Straight (Richard Farnsworth), de 73 años, vive con su hija Rose (Sissy Spacek), a la que el propio Alvin describe como: “hay quien la llama lenta, pero no lo es. Tiene una mente que atrapa todos los datos”. Un día, Alvin recibe una llamada. Su hermano Lyle (con el que no se habla desde hace diez años) ha sufrido un infarto. Sin apenas dinero, sin coche, sujetándose en dos bastones y con un principio de enfisema pero un envidiable espíritu, decide partir en su busca para visitarlo, y de paso enterrar el hacha de guerra. Más de 500 kilómetros los separan y un cortacésped de los años sesenta con un remolque enganchado es lo único que puede llegar a unirlos.

Esta extraordinaria película nos ofrece una visión muy particular de un hecho real, aguardando tras sus mejores escenas un mensaje o diálogo penetrante que aspira a enseñarnos más cosas sobre esta vida. Las bellas imágenes de los paisajes que Alvin Straight recorre se fusionan con las inolvidables y extraordinarias melodías de Angelo Badalementi (“Carretera perdida”, 1997) mientras somos testigos de unas secuencias que nos obligan a reflexionar y que destapan que detrás de toda la decadencia moral del ser humano hay un halo de esperanza, representado por esas buenas personas que como Alvin y su encantadora hija en “The Straight Story” hacen su vida aprendiendo a valorar los pequeños detalles, expuestos aquí como lo más hermoso que podamos contemplar. Y es que en cuestión de detalles pocos realizadores pueden superar la maestría del que para mí es uno de los mejores directores de la Historia del cine. David Lynch siempre ha sido de los que prefieren llegar al alma mediante pistas expuestas en un gran plano, para después recorrerla mientras va construyendo su apasionante atmósfera.

Richard Farnsworth (“The natural“, 1984) se marca una interpretación extraordinaria, apasionante, desgarradora. Su mirada, sus palabras y su pasión en todo lo que hace llega tan dentro que es muy difícil no emocionarse siendo simplemente testigo de la entrañable actitud de su personaje. Puedo decir sin dudar que es uno de los mejores papeles que he visto en el cine. Farnsworth, a los ochenta años de edad y con un cáncer terminal decidió dejar esta vida suicidándose en su rancho en Lincoln, Nuevo México, apenas un año después del estreno de esta película. Sissy Spacek (“En la habitación“, 2001) como Rose, es también una delicia interpretativa, con un papel cargado de tanta fuerza y contundencia como ternura. Tanto por las melodías de Angelo Badalamenti, que compone una banda sonora digna del mayor de los reconocimientos, como por varios pasajes rodados por Lynch y el ritmo de “The Straight Story“, el estilo de la película me ha recordado al de otro gigante de la Historia cinematográfica, el Clint Eastwood de cintas como “Sin perdón“, “Un mundo perfecto” o “Los puentes de Madison“, aunque podemos encontrar fácilmente las particularidades que hacen de Lynch un director único pese a su cambio de registro.

Pienso que va mucho más allá del béisbol y del deporte en general, pues lo que consigue hacer es dejar claro que las reglas, las normas, las hojas de ruta, están ahí, pero no son indispensables y pueden cambiarse, pueden mejorarse, podemos arriesgarnos.

Es la historia de un (en realidad, dos) valiente visionario, un mánager de los Oakland Atlethics que se jugó todo a una carta para intentar sacar del pozo a su equipo con un presupuesto irrisorio y confiando en los remiendos baratos que pudo aplicar. “Moneyball” no sólo cuenta con unos diálogos que enganchan desde su primera palabra sino que además está excelentemente protagonizada por un reparto del que destaca un inmenso Brad Pitt, que da vida a uno de esos personajes que te arrancan una sonrisa de admiración.

Es una película necesaria, real, que ayuda, que enseña, que te señala un camino o al menos recuerda que existen otras posibilidades que las marcadas por la inercia a la que estamos acostumbrados. Una de las mejores películas sobre el deporte -pienso que la mejor sobre el béisbol- pese a no recurrir a las típicas y tópicas escenas emocionantes de carreras y bateadores. Aquí el poder, el verdadero homerun, está en los diálogos. Perfecto también Jonah Hill.

Una de esas películas cuya reseña se antoja muy difícil de realizar debido a su atípico formato y a la multitud de interpretaciones, detalles y mensajes que se pueden sacar de ella, todo esto a través de una de las fotografías más apasionantes que he podido contemplar en el cine.

Creo que en “El árbol de la vida” hay mucho más de lo que se esconde tras la corteza contra la que han chocado muchos, pensando que Terrence Malick pretende inculcarnos algún tipo de mensaje de forma explícita. Yo he contemplado esta obra como un ensayo (sin pretensiones) que nace con la vida y sigue quedando abierto con la muerte, centrándose especialmente en lo que sucede en el nacimiento y crecimiento, y planteándose con mucho interés cosas tan simples como poco analizadas durante diversas etapas vitales: las reflexiones que nos despierta aquello que hasta entonces era desconocido para nosotros, cómo empezamos a palpar las injusticias, cómo nos arrepentimos hasta sentirnos culpables, cómo queremos, odiamos, lloramos, reímos… sentimos en definitiva. Vivimos.

Pero he visto más, muchas más cosas en esta cinta que habla de la vida, sí, pero de TODA la vida, de todo lo que esta significa, y también de hasta dónde y de qué manera la muerte (en todos sus sentidos) puede llegar a afectarnos. A diferencia de mucha gente, no he encontrado demasiadas connotaciones religiosas en la película. Me explico: vale que es evidente que lo cristiano mueve parte del motor del argumento, pero la religión como tal no es vista aquí ni como un remedio ni como un problema, simplemente se recuerda que existe, que está ahí, y cómo influye sobre nosotros.

Excepcional, como siempre, Brad Pitt, pero sería injusto deslumbrar con su poderoso nombre al joven Hunter McCracken, cuyo papel y personaje es lo mejor de un elenco inmerso entre las impresionantes imágenes que se van sucediendo durante toda la película.

Un escaparate de la vida, la muerte y la religión que transmitirá cosas muy diferentes a cada espectador.

Desaprovechada, insípida, sosa, previsible, sin tensión. Sólo Luis Tosar aporta algo que pueda producir interés sobre esta cinta que parte en su inicio con un montón de posibilidades y finalmente se queda en algo absurdo, inocente, con dos golpes de guión que pueden ser interesantes pero poco -poquísimo- más. Marta Etura cumple pero su personaje es tópico y aburrido: se han conformado con un cuerpo y una cara bonita olvidando que también hay que saber crear un personaje cuya personalidad conquiste e importe al espectador.

La aparición en pantalla de Alberto San Juan obliga a echarse las manos a la cabeza, pues dinamita las escenas en las que aparece sacándonos del todo de ellas por su nefasta, infame y ridícula interpretación, pero es que, claro, no se le pueden pedir peras al olmo y este hombrecillo pegaría más en una churrería a las seis de la mañana que no jugando a lo que los actores de verdad pueden hacer en su lugar.

Finaliza la película y te invade la indiferencia. Toca pensar: rescatemos su fotografía, su banda sonora, algún travelling o plano secuencia, ALGO. Pero es que eso tampoco brilla o está ausente.

No es sólo una serie de médicos. Es la mayor y mejor exploración de las entrañas del ser humano que he visto nunca en televisión. La tristeza, la soledad, la amistad, todas esas emociones, estados, virtudes y miserias del ser humano son mostradas aquí no sólo desde la óptica de uno de los personajes más emblemáticos de la Historia de la pequeña pantalla, sino desde la de todos aquellos que lo secundan, ofreciendo una análisis muy completo del interior de las personas. Explora concienzudamente el difícil terreno de la felicidad, temática muy recurrida en gran parte de sus capítulos, ofreciendo una explicación más bien desesperanzada sobre la misma. Los personajes que tejen los magníficos diálogos de unos guiones que siempre dejan alguna reflexión o pretenden ponernos a prueba (no me refiero a los puzzles médicos, sino al estudio de sus protagonistas), son las columnas de este robusto Partenón en cuyo centro reposa la efigie del despótico, amargado, infeliz, manipulador, rebelde y deslumbrante doctor Gregory House (Hugh Laurie), para quien parece que jamás se inventaron las reglas.

Él pone a prueba a los miembros del equipo de diagnóstico que dirige -con muchas caras nuevas a lo largo de las ocho excelentes temporadas de las que está compuesta la serie-, haciendo de cada persona un juego o más bien un reto del que siempre está seguro acabará teniendo la razón. House cree en lo que ha repetido hasta la saciedad, que todo el mundo miente y que una cosa es lo que uno dice ser y otra la que es de verdad. Por eso desprecia a quienes pululan con una sonrisa de oreja a oreja transmitiendo la sensación de que la palabra “problema” no se inventó para ellos. Por eso los aprieta hasta que no tienen más remedio que explotar. Por eso y porque sabe que nunca podrá ser feliz, porque ese estado anímico es una utopía vendida como si fuese una marca de detergente. La felicidad no es una compañera permanente de viaje, sólo una desconocida que a veces se digna a hacernos una visita. Eso a lo que llaman los pequeños momentos.

Pero en “House” no se habla sólo de ella. En su argumento más técnico elabora minuciosamente rompecabezas médicos que siempre son llevados al extremo, pues no en vano el departamento que dirige House es el encargado de llevar a cabo los diagnósticos que otros departamentos del hospital no podrían resolver. En este aspecto, el protagonista maneja a su equipo como si él fuese un dictador y los miembros del mismo sus lacayos, pues saben que es la brillantez de House la que terminará resolviendo los casos más complicados. Aunque este es el punto más repetitivo de la serie, se solventa eficazmente con el interés que pueda despertarnos la reacción de los personajes frente a los casos que investigan, pues lo importante aquí no es qué se investiga sino cómo se hace y qué consecuencias puede acarrear.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento, por falta de espacio)

Brendan Gleeson encarna a Gerry Boyle, uno de esos personajes cuyas características conquistan la pantalla. Un peculiar policía de un pequeño pueblo, racista, aficionado a las putas, el alcohol y no muy distanciado de las drogas, con una forma de trabajar más propia de un Sheriff del Lejano Oeste que de un agente contemporáneo, y que de la noche a la mañana se ve inmerso junto al FBI en una descomunal operación contra el narcotráfico internacional. Ópera prima de John Michael McDonagh (guionista de “Ned Kelly: Comienza la leyenda”, 2003) en la que se nota mucho más acierto del que podríamos esperar de un director novel.

Aunque el pilar fundamental de la película es la completa descripción del protagonista, las formas del realizador se palpan en la creación de la deprimente atmósfera sobre la que se inyecta una exquisita dosis de un humor letrado, inteligente, trabajado, que rehuye el mal gusto pese a la tosquedad de su personaje principal. Estos son los principales puntos que nos hacen ver en “El irlandés” una comedia distinta, divertida, muy interesante, que logra disimular el gran pero que supone haber elaborado su parte de thriller sobre la base de una historia que ya hemos visto muchas veces y cuyos patrones más básicos pueden palparse fácilmente.

Aún con ello, se notan los esfuerzos de la realización en crear un producto auténtico, que no cae en lo pretencioso ni recurre a los típicos artificios que buscan llegar al espectador por la vía fácil. El director se la juega y pese a que, insisto, trabaja sobre una base convencional que no está exenta incluso de algún vicio inocente, es fiel a su apuesta y la película mantiene durante casi toda su duración la firmeza que el realizador ha impuesto para llegar al resultado que él quería conseguir.

Sumado esto a la gran interpretación de Brendan Gleeson (“El invitado“, 2012) y el buen apoyo del siempre agradecido Don Cheadle (“Los amos de Brooklyn“, 2009), sin olvidarnos del inestimable malo de rigor encarnado por todo un especialista en la materia (Mark Strong, “Sherlock Holmes“, 2009) y la corrección del resto del reparto, se tiene como resultado una original comedia negra cuyo máximo aliciente es el retrato de la personalidad de su solitario protagonista y la irónica relación que mantiene con el agente del FBI, quedando en segundo plano todo aquello relacionado con la operación policial.

El característico y agradable grupo estadounidense Calexico se encarga de la cara musical de la película, que contribuye a crear ambientes cercanos al western en un puñado de escenas orientadas hacia ese género.

“Habemus Papam” se adentra en la Santa Sede con fina ironía, ofreciendo un abstracto y atípico reflejo de la vida dentro del Vaticano antes, durante y después del cónclave en el que se deberá elegir a un nuevo Papa tras el fallecimiento de Juan Pablo II. Pese al carácter de comedia de esta película, las formas de Nanni Moretti (“Querido diario“, 1993) en la dirección denotan respeto sobre el tema elegido y por ello el contenido nunca busca ser hiriente o demasiado provocador, aunque es entre líneas donde se pueden palpar sus críticas. Va más allá de la propia Iglesia y se convierte en un acertado retrato de la depresión vivida a través del padecimiento del nuevo Santo Padre, completamente desorientado e inundado por el miedo que le provoca la grandeza de su nuevo cargo.

Con una interpretación extraordinaria y profundamente sentida, Michel Piccoli encarna al afligido y asustado nuevo Papa, que parece preguntarse “qué he hecho yo para merecer esto” y cuya inestable pero fascinante personalidad ofrece desconcertantes golpes que dejan sorprendidos a los presentes. La película, que podríamos clasificar como una comedia muy negra, no divierte en demasía pero cuenta con buenos momentos muy capaces de hacer reír, que aparecen sin avisar para romper la estabilidad de un conjunto cuyo resultado obliga a preguntarse qué quiere decirnos exactamente. Cuál es la moraleja: la que debería ser la verdadera humildad de un Papa, un viaje a la depresión o a un confuso estado psicológico con todos sus efectos, el miedo del Vaticano a enfrentarse ante una situación insólita…


Las agradables partituras de Franco Piersanti (“La bestia en el corazón“, 2000) acompañan a una magnífica dirección artística y de vestuario que consigue una gran representación de las estancias vaticanas y las personas que las recorren, ya sean cardenales u otros religiosos, miembros de la Guardia Suiza, el preocupado portavoz de la Santa Sede (Jerzy Stuhr) o el psicoanalista que deberá estudiar el caso del Papa prácticamente secuestrado por los cardenales, interpretado por el propio Nanni Moretti (“Caos calmo“, 2008), que completa un elenco que da vida a multitud de personajes interesantes. La simpática absurdez de algunas de sus escenas se entrelaza con el sinsentido de otras más inocentes y de excesiva duración como un partido de voleibol que no sé sabe qué pinta en el metraje exactamente.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento, por falta de espacio)

La ignorancia es la felicidad. Esta es una de la frases que divide los capítulos por los que navega este curiosísimo análisis de nuestras miserias, lleno de personajes frustrados, tristes o fracasados, pero amenizado por la envidiable felicidad de algún otro que aparece en escena, no sin tener tras de sí la amenazante sombra de todos los miedos que representan los demás protagonistas. Con un estilo sobrio y a través de una atmósfera tranquila que transcurre al ritmo de un espléndido y trascendental guión, la espontánea directora y productora Jill Sprecher (“The convincer“, 2011) ofrece una película de muy rápida digestión. Es ligera pero deja un marcado sabor a verdad, obliga a hacerse más de una pregunta y sugiere sobre qué podemos reflexionar en nuestras vidas ahora que estamos a tiempo. A su vez, es otro de esos relatos de personajes anónimos en la ciudad de Nueva York, historias cruzadas de gente cualquiera que no deja de ser el reflejo de aquello con lo que muchos nos sentimos identificados.

Los devenires de un joven y exitoso abogado (Matthew McConaughey), un aburrido y místico profesor de universidad (John Turturro), una risueña empleada de la limpieza (Clea DuVall) y un carcomido director de oficina (Alan Arkin) que no se cree la indestructible felicidad del ajeno son guiados a través de una inteligente ruta que traza los caminos paralelos de todos estos personajes, dejando completamente abierta la posibilidad de que puedan encontrarse en alguna intersección. Todos parecen muy distintos pero están más cerca de lo que piensan, pues comparten grandes dilemas sobre la vida y parecen inmersos en una encrucijada de la que sólo podrán salir si la línea que van trazando conecta con algún sorprendente destino. También podrían estar esperanzados por tener suerte pero ¿existe ésta realmente? Otro de los puntos que se tocarán en la cinta.

Como si de un podio se tratara y ordenándolos de mayor a menor en función de sus grandes trabajos, puedo decir que Alan Arkin (“Pequeña Miss Sunshine“, 2006) es el que mejor está de toda la película, sabiendo dibujar a la perfección ese personaje acabado, envidioso e infeliz. Para el va el primer puesto, seguido de un John Turturro (“Muerte entre las flores“, 1990) que te hace bien cualquier papel que le eches. Magnífico retrato de un personaje vacío y perdido que busca algún tipo de emoción en su vida mientras su mujer (Patricia, interpretada con corrección por Amy Irving) debe pagar la factura de estas emociones. Completa el ránking (y no muy alejado, pues todos los protagonistas están a un nivel admirable) un buen Matthew McConaughey con un papel que repetiría años después en la película de “El inocente” (2011), un exitoso abogado algo engreído y de jugosa cuenta corriente -un sobrado, vamos- que terminará viéndole las orejas al lobo.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento, por falta de espacio)

Simiocracia trata de explicar los detonantes de la crisis económica española centrando su perspectiva en el imparable enriquecimiento de los bancos mientras los ciudadanos se distraían aplaudiendo a los jugadores de su selección de fútbol tras ganar el mundial. Una crítica al borreguismo de esa gente que ignora la decadente casta política y el paradójico sistema de España, visto a través de una óptica que pretende ser graciosa sin conseguirlo y finalmente se resume como obvia, tópica, previsible, repetitiva e incompleta, mera promoción del libro del autor de este cortometraje documental.

Su veracidad (que la hay) se diluye entre unos datos que cualquiera que siga con un mínimo de interés la política ya conocerá de antemano, por lo que la capacidad de sorpresa o el aporte de este vídeo se reduce enteros.

Españistán nos devuelve hasta el año 1998 para tratar de explicar el origen de la crisis económica en España, centrándose en el fenómeno conocido como “la burbuja inmobiliaria”. Si bien parte desde una base que es cierta, se olvida -con intención- del resto de agravantes (derroche de las administraciones públicas, desbarajuste autonómico, prebendas y gastos de los políticos, mala gestión, mercadeo presupuestario y un extenso etcétera) que fueron hinchando el globo que al explotar se conoció como crisis.

Simplifica los motivos de la misma de una forma descaradamente sesgada y con la evidente intención de mostrar a dos únicos culpables de la crisis económica en España: José María Aznar y el crash financiero mundial, dejando libre de cualquier sospecha, análisis o culpa a la persona que ocupó la Moncloa en el lápsus intermedio de nada menos que casi ocho años, José Luís Rodríguez Zapatero. Considero pues que es un cortometraje documental politizado, propagandístico e incompleto, que encuentra su punto de apoyo en el posterior trabajo de Alex Sailò ("Simiocracia", 2012), más acertado y de sesgo menos palpable.

Absorbente, fría, extraña e incómoda por momentos. Película y protagonista comparten una descripción que se convierte en sensaciones transmitidas al público, que tiene la oportunidad de vivir la decadencia psicológica del rol interpretado por una contundente Elizabeth Olsen. La dirección opta por elegir un ritmo pausado y una fotografía apagada para encuadrar la tristeza y desolación que provoca su argumento, que nos cuenta la historia de Martha, una joven que escapa de una secta inclasificable para volver con su hermana y comprobar si es posible retomar una vida normal después de haber sido sometida a todo tipo de absurdas e increíbles experiencias. Esas vivencias irán ofreciéndose a través de diversos flashbacks perfectamente montados.

“Martha Marcy May Marlene” (que se rodó en 20 días) logra superar la prueba de querer hacer sentir lo que vive su protagonista con toda la fuerza que puede desprender una persona derrumbada, invitándonos a dar un paseo a través de su descolocada mente y así comprobar su distorsionada percepción de la vida, claramente afectada por la confusión que arrastra desde que abandonó la secta. Esta lucha por la reinserción atraviesa algunas escenas tan incómodas como agobiantes por lo deprimente de las mismas. Encuentro, lamentablemente, una duración excesiva de su metraje, que bien pudiera haberse acortado media hora para contar exactamente lo mismo y así ahorrar ciertas dosis de aburrimiento. Si bien su atmósfera tan apagada concuerda perfectamente con las sensaciones que debe hacernos llegar su historia, no se aleja mucho de la fina línea que separa lo sosegado de lo tedioso.

La interpretación de Elizabeth Olsen (primera experiencia en el cine junto a “Silent House“, estrenada en el mismo festival que esta película) demuestra madurez y credibilidad, pues con una mirada describe prácticamente todo lo que pasa por su cabeza, y su actitud deja ver que está completamente entregada a su personaje. John Hawkes (“Winter’s Bone“, 2010) está sencillamente prodigioso como el sodomita líder de la secta, ofreciendo no sólo una buena interpretación sino también la ejecución de un tema extraordinario que canta y toca durante una de las escenas, el “Marcy’s Song”. La banda sonora, compuesta por Daniel Bensi y Saunder Jurrians, no es demasiado llamativa pero sí muy cumplidora e idónea para acompañar esta desapacible historia que no será trascendente por todo su conjunto o su discutible desenlace, pero sí por ese análisis que hace comprender hasta qué nivel puede llegar una mente herida y cuán de incomprensible puede ser esta no sólo para quienes rodean a la persona afectada sino para la propia persona que explora esos miedos y sensaciones abstractas.

Ya han pasado años desde que tuve la maravillosa oportunidad de ver una de las películas más apasionantes, profundas y repletas de belleza visual, narrativa y melódica que jamás he podido contemplar. Un nostálgico recorrido a través de toda una vida, la de Salvatore Di Vita (al que llaman Totò), primero un niño revoltoso a la par que encantador, después un adolescente fascinado por el mundo que empieza a comprender el significado del amor, y luego un adulto de hipnótica mirada que refleja el brillo de todo lo que añora, esos recuerdos maravillosos de momentos que ya no volverán. En todas esas etapas el corazón que bombea sus historias es el cine, visto aquí como una religión, una devoción a la que te entregas simplemente porque crees en ella, una pasión imperecedera, un arte que nos recuerda que el ser humano, detrás de toda su inercia auto-destructiva es también capaz de regalarse uno de los medios de transmisión de historias y sensaciones más extraordinarios que existen.

“Cinema Paradiso” es capaz de introducirte ‘tanto y tan bueno’ en la piel de su personaje principal que puedes llegar a sentir como propia la evolución de su vida a través de todas las etapas vitales, sintiendo incluso -vista por un público joven- la perspectiva de un hombre cuyo blanco cabello delata sus años. Giuseppe Tornatore (“La desconocida“, 2006) consigue mediante una magnífica dirección, trasladar a través del séptimo arte el verdadero sentido y auténtico valor de la vida, porque habla de toda ella de una forma anatómica y tocando prácticamente todas las vivencias más importantes que podamos llegar a protagonizar. El viejo cine de un pueblo de Sicilia (localizaciones llenas de belleza y encanto) se convierte en el epicentro y fábrica de emociones que transmiten todos los personajes que pululan por él. Lo divertido o entrañable se codea con lo más dramático, mientras un puñado de vecinos (inolvidables personajes culpables de todo tipo de anécdotas) se reúne semanalmente frente a su querida gran pantalla para transportarse a otro mundo a través de las películas que se proyectan, todas ellas sometidas a la censura que un capellán les aplica.

Conmovedora, llena de encanto y con un reparto inmejorable, “Cinema Paradiso” es la respuesta a muchas preguntas, es una invitación a abrir los ojos definitivamente y dejarse llevar tanto por la magia del cine como la de la propia vida. Obra maestra (y yo utilizo muy poco esta expresión) en la que su intensa concentración de emociones se va agitando durante todo el metraje para convertirse en un exquisito y oscarizado cóctel que nos hace recordar, sufrir y disfrutar.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento, por falta de espacio)