“La conspiración del pánico” (2008) o la parte de la saga de “Fast & Furious” dirigida por Justin Lin son, además de la presente, otras de las películas que cuentan con la música de Brian Tyler, quien contribuye con una discreta pero efectiva banda sonora, vestida del mismo convencionalismo que el envoltorio de “Annapolis” pero muy adecuada para acompañar la trama de esta cinta, que no tiene pretensiones de grandeza y da como resultado algo más de lo que aparenta, dejando un buen sabor de boca.

El inteligente, frío, malvado, calculador y corrupto secretario del Arzobispo, Waleran (Ian McShane), cargado de ambición y capaz de todo por llegar a lo más alto dentro de la jerarquía de la Iglesia Católica. El déspota Rey Esteban (Tony Curran), hipotecado a los intereses de Waleran. El codicioso y despreciable William Hamleigh (David Oakes), ansioso de un título nobiliario de la importancia del deseado por otras muchas personas en la trama, como Richard (Sam Claflin), hermano de la preciosa Aliena (Hayley Atwell). La mágica Ellen (Natalia Wörner) y su talentoso hijo Jack Jackson (Eddie Redmayne)... muchísimos personajes para un número similar de cautivadoras aventuras.

De entre todas las interpretaciones, que bajo mi punto de vista son extraordinarias, hay (discúlpenme por mi redundancia) cuatro pilares fundamentales: Rufus Sewell (“El ilusionista”, 2006), transmitiendo toda la bondad, buenas intenciones y valores de su personaje desde una prodigiosa e importante aparición; Matthew MacFadyen (“El refugio de mi padre”, 2004), que convierte la religión de su personaje en un arte y se afianza en los primeros puestos de mi humilde lista de actores favoritos del momento; Eddie Redmayne (“Tess of the D'Urbervilles”, 2008), transformando la magia de la mirada de su personaje en fascinación y misterio, canalizando todo esto a través de una muy notable interpretación; y el que para mí es el mejor de toda la miniserie por la fortaleza de su trabajo: Ian McShane (“Deadwood”, 2004), quien dota a su vil personaje de una grandiosa y siniestra expresividad, desde el sosiego del que se sabe un excelente actor (además de veterano, pues empezó su carrera en 1962), dejando como legado una sobria e inolvidable caracterización.

No podía faltar una música a la altura de las circunstancias, misión cumplida por Trevor Morris, autor de bandas sonoras como las creadas para series como “Los Tudor” (2007) o “Kings” (2008), curiosamente ésta última protagonizada por Ian McShane. La parte más destacada de su admirable obra, que completa una selección enorme, variada y muy bella de fabulosos temas, se encuentra en la estimulante pieza utilizada para la cabecera (que comparte título con el nombre de la serie) y otra aparecida en determinados momentos románticos del metraje, de la que no revelaré el título por lo esclarecedor del mismo.

Así pues, se completa con todo lo citado una épica, inolvidable e intensamente entretenida miniserie, de la que me quedo con todo sin recorte alguno y de la que además puedo sacar en claro los nombres de algunos actores que desconocía hasta el momento y a los que a partir de ahora podré seguir con entusiasmo debido a la brillantez de sus aportaciones. Imposible me resulta explicar la esencia que envuelve a este producto, que personalmente me ha encantado y del que estoy seguro siempre guardaré muy buen recuerdo.

Su notable reparto garantiza, además de unas buenas interpretaciones, grandes dosis de adrenalina, impulsadas por unos efectos especiales muy bien conseguidos y utilizados sin demasiado abuso, logrando este conjunto grandes escenas de acción (gran punto el de cambiar las típicas e interminables avenidas norteamericanas por estrechas y complicadas calles de barrio como escenario de alguna de las mejores persecuciones del cine de los últimos años) que contribuyen a que el ritmo de la cinta no decaiga en ningún momento. Es por ello que nos encontramos ante un producto que presume de un exquisito equilibrio, sabiendo combinar la acción desenfrenada con escenas más pausadas en las que el guión deja frases memorables y reflexiones muy interesantes, dentro de una historia tejida con buena mano, elegancia y contundencia.

Segunda colaboración del compositor Harry Gregson-William (“El reino de los cielos”, 2005) con el Affleck-director, acompañado esta vez del también británico David Buckley (“Desde París con amor”, 2010). Ambos llevan a cabo unas partituras con mucho sabor a “Gone, Baby, Gone”, aportando a la historia unos compases esperanzadores y sosegados que se alternan adecuadamente con los trepidantes temas correspondientes a las escenas de acción.

No van muy desencaminados los críticos que relacionan esta película con “Heat” (1995), pues parece mantener en común esa persecución entre el gato y el ratón que aquí se produce entre el agente del FBI y Doug MacRay, aunque sin guardar la misma intensidad ni conceder la misma importancia que Michael Mann cedió a sus personajes en aquella fabulosa película. Con todo lo dicho, creo que asistimos a una gran historia, que sin ser un estandarte de la originalidad, desarrolla con esmero y acierto una historia convencional dentro del thriller, a la que su director sabe aportar el aroma necesario para que su sabor sea distinto, convirtiéndose “The Town” en un entretenimiento mayor y en, por qué no decirlo, una de las mejores películas de 2010.

Mención aparte para los actores, que llevan a cabo unas notables interpretaciones que evidencian el acierto de la producción y dirección al seleccionarlos, pues no se me ocurren artistas más indicados para llevar a cabo un trabajo de las características del citado. A Tim Robbins ya se le conoce sobradamente por sus inolvidables interpretaciones en “Cadena perpetua” (1994) junto a Morgan Freeman y “Mystic River” (2003) bajo las órdenes de Eastwood y acompañado en el reparto por Sean Penn. Menos conocido, por lo habitual de verle como secundario o en papeles muy breves, es Michael Peña, norteamericano de ascendencia mexicana que gracias a la regularidad y corrección de sus trabajos continúa abriéndose camino en Hollywood después de la oscarizada y magnífica “Crash” (2004), la correcta y dramática “World Trade Center” (2006) o, en el ámbito de la comedia, la pasable “Cuerpos de seguridad” (2009). Breve fue su aparición en la espléndida “Babel” (2006). Y por último, aunque no por ello menos importante (me ha encantado su papel en esta película), Rachel McAdams, especialmente conocida por “El diario de Noa” (2004), también vista en la italiana “My name is Tanino” (2002) y en “Sherlock Holmes” (2009).

Con todo esto decir que la dirección ha hecho lo que pretendía. Una cómoda ‘road movie’ repleta de simpatía en la que la comedia no es sangrante ni arranca carcajadas, pero sí consigue ser muy entretenida. Los juicios morales o políticos respecto a la guerra relacionada con el argumento de esta cinta, son guardados en la mochila y cambiados, como mucho, por una breve incursión en una de las escenas y una serie de pequeños sarcasmos, hecho que ayuda a que la película sea vista por gente de todas las ideas sin la incomodidad de estar asistiendo a alguno de esos filmes que tan de moda están, en los que se aprovecha cualquier momento para adoctrinar al espectador de turno.

A vueltas con las menciones a los papeles de Eastwood (“Gran Torino”, 2008) y Malkovich (“Quemar después de leer”, 2008), decir que ambos están acertadísimos al exprimir sus mejores cualidades. Mientras el primero da un recital de corrección y trabajo impoluto, dejando ver al personaje frío, con oscuro pasado y métodos cuestionables en sus deberes, que acostumbra a interpretar, el segundo lleva casi al límite uno de los papeles que mejor se le dan, afilando su histrionismo y expresividad hasta un nivel que le valió tres nominaciones a mejor actor -ninguna de ellas se consumó- en los Oscar, Bafta y Globo de Oro. La dirección, con sus también nominados guión y montaje, consigue que su metraje, de más de dos horas, no decaiga en ningún momento y entretenga hasta el último minuto. No veremos un producto increíblemente novedoso ni una película que rompa moldes en Hollywood, pero asistiremos al visionado de una cinta muy bien desarrollada, seria, sin resbalones de consideración y muy buena en lo que intenta representar, consiguiendo ofrecer un cómodo thriller al estilo de una fórmula que se repetiría dos años más tarde, con “Heat” (1995), compitiendo entre sí dos tiburones del cine (en la película de Michael Mann, ya saben, los fabulosos De Niro y Pacino) dentro de un argumento muy distinto pero con unas sensaciones y un pulso que guardan muchas similitudes.

No hace falta ser un gran entendido musical para deducir durante el desarrollo de la cinta, que los compases de la banda sonora que acompañan el paso de los minutos, pertenecen a uno de los mejores compositores del mundo: Ennio Morricone. Sus características notas, a pesar de no buscar un protagonismo que sí le es concedido en otras muchas películas, dejan un agradable y preciosista aroma, que gusta de volver a ser escuchado de nuevo.

En resumen, un gran conjunto que incluye todo lo dicho en las líneas superiores, dentro de un marco clásico, con ritmo moderado y calidad estable. Una fórmula que consigue gustar. Y mucho.

La película es un gran acierto sobre la temática al ser de las pocas que no se dedica a hacer valoraciones morales sobre si la guerra de Iraq es o no justa. Bigelow pone a sus soldados, allá en el lugar al que los han enviado y les hace vivir las experiencias que cualquier grupo similar fuera de la ficción puede llegar a palpar. Además, una de las grandes bazas de su argumento es que no sólo se centra en la acción militar del conflicto bélico al que pertenece, sino que procura crear unos personajes de carne y hueso, con unos sentimientos que podemos comprender y con unas vidas por las que llegamos a preocuparnos. No es una de esas películas de guerra en las que los soldados avanzan por centenares y mueren sin que a nadie le importe un comino la vida de cada uno de ellos porque no conoce quienes son. Aquí, la vida del soldado o del civil más recóndito, es importante. Se siente la realidad de sus vidas y esto es lo que ayuda a digerir bien el argumento. También veremos darse cita a los “mercenarios” de empresas de seguridad paramilitar privada contratados por el ejército americano para apresar a cabecillas terroristas, dando así sentido o explicación a su presencia en esta guerra. Como “pero” decir que la cinta parece imponer fronteras entre sus líneas argumentales, de manera intermitente, intercalando partes de acción, drama y suspense constantemente pero sin decidirse por una en concreto. Esta situación provoca que en ocasiones la tensión a la que nos había sometido una escena, desaparezca por completo con la situación posterior, no consiguiendo así (al menos al que escribe estas líneas) crear sobre el espectador una sensación angustiosa o de presión permanente.

Del apartado interpretativo podemos destacar las apariciones de prácticamente todos los que se dan cita en el reparto. Desde el destello de Guy Pearce al nerviosismo del personaje de Anthony Mackie, pasando por la actitud suicida de un gran Jeremy Renner, las preocupaciones de Briarn Geragthy y el miedo a la muerte de Suhail Aldabbach, que da vida a un iraquí que aparecerá en escena. Hasta la fugaz aparición de David Morse como el Coronel Reed, gusta.

La música, de Marco Beltrami y Buck Sanders, incluye alguna pieza que bien parece digna de un buen western, haciendo precisamente que algunos de los mejores momentos sean los acompañados por la mencionada melodía. Desagradables y tortuosos temas de rock fuerte también tendrán su protagonismo durante el metraje de la película, incluyendo su parte sonora más reconocida.

Decir también que En tierra hostil fue la gran ganadora de los Premios Oscar de 2009, compitiendo nada menos que con la inamovible de las salas de cine, “Avatar” (2009), llevándose seis de los mencionados galardones, tales como Mejor película, Mejor director (Bigelow), Mejor guión original (Mark Boal, co-guionista de “En el valle de Elah” (2007)), Mejor montaje, Mejor mezcla de sonido y Mejor edición de sonido. También arrasó en los BAFTA, de la academia británica.

Sus interpretaciones, además, son estupendas. Cecilia Suárez y muy especialmente Enrique Arreola dan un recital de emociones visuales, con la tristeza y la marginación incrustada en sus rostros . Ambos conseguirán dar vida a una pareja inolvidable que, a pesar de la empatía que puede producir, patina en ocasiones por algunos descuidos de una dirección que a veces parece pretenciosa, creando situaciones demasiado obligadas, metidas hasta con cucharilla, predecibles o simplemente, sin la fuerza necesaria para el momento. Un hecho que a pesar de descafeinar las sensaciones que transmite la película, ni merma el interés por verla, ni consigue que el espectador no acabe con un agradable sabor de boca después de haberla visto. Las ventajas y todo lo bueno que tiene esta película supera con creces a todos sus defectos.

En lo que respecta a la banda sonora, quizá el tema que mejor dibuje el sentido de la película sea el “Where we had never gone” de Sébastien Schuller, que alterna su aparición con otras melodías que también se caracterizan por su ritmo sosegado y melancólico, que busca no romper la armonía copada por el silencio. Con todo, buen cine y gran demostración de calidad. Buen cine y una gran demostración de calidad.

Candela Peña (“Torremolinos 73”) y Micaela Nevárez se marcan unas interpretaciones extraordinarias que inspiran la credibilidad necesaria para asumir a sus personajes. El resto del reparto está completado por, entre otros, un aceptable Luis Callejo (“Sobre el arcoiris”) en el papel de Manuel, y María Ballesteros (“Juana la Loca”) completamente metida en su papel y caracterizada como Miss Metadona, una prostituta drogadicta que campa por el parque en el que ejerce el grupo sobre el que dejará caer su cámara un León de Aranoa que con su guión deja para el recuerdo unos diálogos brillantes (no son pocos) llenos de sentido, realismo y, especialmente, reflexión. Pese a lo mencionado, me cuesta comprender cómo el personaje de Caye no es capaz de abandonar un mundo que a priori no parece corresponderle -y que desde luego no le apasiona-, siendo su situación familiar estable e incluyendo “a la mesa” a toda una directora de instituto.

El poderío de su banda sonora reside en la fuerza de los temas que el cantautor francés Manu Chao deja escuchar durante el desarrollo del metraje. Su “Me llaman calle” es merecedor de ser reproducido varias veces tiempo después del visionado de esta acertada y notable película, llena de historias y con el identificable estilo de su director.

Un encanto animado que vuelve con Toy Story 3 en una historia tan bien montada como las cintas que le preceden pero con más impacto emocional que las anteriores por recurrir sin complejos a cierta tristeza en una película infantil que, no en vano, no deja de ser una moraleja que deben aplicarse los más pequeños. Quizá y por adelantado, el mejor estreno animado del año de su lanzamiento (ya es el más taquillero de la historia de Pixar) y, desde luego, una gran sorpresa, un aliento necesario para los que en su momento nos quedamos con ganas de más. Pixar no ha utilizado el nombre de la saga en vano para hacer caja con una nueva producción. En el estudio parecían conscientes de que algo faltaba en la saga y, con gran acierto, han sabido plasmarlo en esta nueva película, dirigida en esta ocasión y en solitario por Lee Unkrich, quien ya ha sabido hacerse un hueco en el mundo de la animación con Monstruos S.A. o Buscando a Nemo, participando en ambas producciones como co-director al lado de realizadores de animación como Pete Docter, Andrew Stanton o David Silvermann.

El cantante y compositor Randy Newman completa con esta cinta su tercera colaboración musical al lado de los juguetes, consiguiendo unas partituras muy características que guardan la línea con las presentadas en las anteriores Toy Story pero que se permite la inclusión de algunos atrevimientos muy divertidos y sorprendentes que, seguro, no nos dejarán indiferentes.

Sus actores principales, Kevin McCarthy y la preciosa Dana Wynter (ésta en el papel de la novia del protagonista), llevan a cabo unas buenas interpretaciones de las que sobresale el férreo trabajo de McCarthy y se agradece la tranquilizadora presencia de Wynter. De la música se encarga el compositor Carmen Dragon, quien ejecuta unos tensos, vivos y casi omnipresentes compases que son esenciales para la incursión del espectador en la historia presentada.

Una gran película de ciencia-ficción, considerada hoy como una de las bases del género e incluida en el Registro Nacional de Filmes estadounidense de la Biblioteca del Congreso.

Evidentemente, para que una historia centrada en un sólo personaje funcione, la interpretación del mismo debe rayar a la altura necesitada. Giacomo Rizzo no sólo cumple con este requisito sino que se sale del papel con su Geremia, comiéndose todos los minutos en los que aparece y consiguiendo que al menos un servidor sienta más admiración que desprecio por su indescifrable personaje. Gran trabajo por parte del italiano. La preciosidad de Laura Chiatti aparecerá con firmeza y corrección en la historia como Rosalba De Luca, la hija de un matrimonio endeudado con Geremia que terminará por relacionarse de alguna manera con el citado personaje. Los momentos protagonizados por ambos, aunque bien labrados, son quizá la parte menos interesante del filme. Por último, aunque no menos importante y olvidándome a muchos secundarios, Fabrizio Bentivoglio como Gino, un melancólico amante de la música y la moda country que sueña con dejar su “rancho” italiano y marchar a Tenesse. Su trabajo es, después de Rizzo, el más destacado de la cinta, contagiando al espectador la tristeza de su personaje y consiguiendo que aquel que visione la película se interese por su papel.

El apartado musical es toda una garantía del bueno de Teho Teardo, que posteriormente repetiría colaboración con Sorrentino en Il Divo emulando la calidad de los compases presentados en L'Amico di famiglia, cargados de sentido, ironía y frescura.

Gian María Volonté ("Por un puñado de dólares") y Tomas Milian ("Los compañeros") realizan un trabajo espléndido, cargando a sus personajes de credibilidad y sobriedad, estilizados de una forma muy acertada por la realización. También destaca la presencia de William Berger (Oro sangriento) en el papel de Charley Siringo, un agente infiltrado de la compañía privada de policía Pinkerton, que tiene como fin hacerse con Beaugerard y todos sus secuaces, una vez éste último consiga reunirlos.

De vueltas con la mención al apartado musical, decir que es la principal otras de las excelentes piezas de Ennio Morricone, que completa una banda sonora cargada de nervio, que exalta con buena nota las escenas en las que hace presencia. Como ya se ha dicho, es una pena que sufra cortes tan sangrantes durante el montaje de las escenas, pero es sin duda una de esas piezas dignas a recordar.

No se perdona la incursión de un fallecimiento absurdo en pleno guión dramático, pues la muerte citada resulta cercana, aunque sin quererlo, a la comedia, todo para facilitar el carpetazo a una situación que busca facilitar las cosas a un determinado personaje. Bañada de cierto surrealismo por la espectacularidad de los golpes de Hobbs (las tormentas hacen su presencia en ocasiones de una forma alarmante para acompañar los home runs realizados por el personaje), “The natural” es una buena película a pesar de sus “peros”, al conseguir ofrecer un reflejo realista del significado más profundo del béisbol y entretener con una historia que introduce el drama dentro de una espiral deportiva y se permite el uso de la nostalgia y otras perspectivas que benefician a su conjunto.

El compositor, cantante y pianista Randy Newman (Ragtime, saga Toy Story) lleva los compases de una adecuada banda sonora que se encuentra a la altura del nivel épico y dramático que la cinta consigue representar sutilmente.