A pesar de no ser una de las más fuertes películas del director de Sin perdón y Million Dollar Baby, entre otras muchas, El sargento de hierro podemos incluirla entre sus mejores realizaciones, por sus diálogos, su forma de entretener y por lo ameno de verla.

No se equivoquen, no estamos ante una de las películas más puras de Clint Eastwood, cargadas en la última década de mensaje y sostenidas sobre lo sentimental. Estamos ante un film comercial, entretenido, divertido, con un fuerte y grosero guión, sólo comparable al inicio de La chaqueta metálica (1987, Stanley Kubrick).

La historia, que no es excesivamente original, destaca por lo bien contada que está y el buen desarrollo de la misma.

Un cuartel repleto de jóvenes marines indisciplinados, acostumbrados al libre albedrío que les permitía su anterior superior, se ve sorprendido por el sargento de artillería Highway (Clint Eastwood), quien se presenta con un memorable discurso que hace comprender a la tropa que las cosas a partir de su llegada no van a ser tan cómodas como hasta ahora, que será formada hasta que todos sus miembros demuestren que son soldados de verdad.

Buen lucimiento de Clint Eastwood, que encarna como sólo el sabe, a un tipo duro, un héroe cargado de medallas pero de vida personal fracasada, habiendo llegado al divorcio con su mujer y refugiándose de sus problemas en el alcohol. Algo que sólo podrá superar en su admirado ejército, formando estrictamente a sus nuevos discípulos.

Sería simplemente una película interesante de no ser por lo original, desenfadado y divertido de sus diálogos, que elevan esta cinta un peldaño más arriba, haciéndola buena.

La última obra del magistral director italiano Sergio Leone, además de la mejor. El inimitable realizador supo superarse a sí mismo, película tras película, comenzando discretamente con El coloso de rodas, pasando después a la gran reliquia del western conocida como la trilogía del dólar, seguida de la bellísima Hasta que llegó su hora. Se despidió del western con la desconocida para muchos ¡Agáchate, maldito!, la cinta antecesora de la que sería la obra maestra de Leone: Érase una vez en América.

Gigantesca dirección, descomunal fotografía, impresionante banda sonora (de las mejores de la historia del séptimo arte, compuesta por un tal Ennio Morricone). Y que historia. Sorprende como una película de tan larga duración (225 min.) no aburra en ningún momento, deleitándonos con la magnífica calidad que muestran todos y cada uno de sus fotogramas.

El argumento gira en torno a la vida de David Aaronson “Noodles”, un joven de origen judío que encabeza una pandilla formada por su nuevo amigo Max, además de sus otros tres colegas de siempre: Patsy, Cockeye y Dominic. Juntos y a pesar de su edad, se comportarán como auténticos gángsters de la época (principios del siglo XX) cometiendo todo tipo de fechorías en los suburbios de Manhattan, consiguiendo aumentar el poder de la banda hasta llegar a convertirse en unos verdaderos artistas del mundo de la delincuencia, mientras van pasando los años y aquellos que eran niños ya se han hecho hombres, en plena época de la Ley Seca.

Un film repleto de ternura, tristeza y hermosura, que parece varias películas en una sola, pues el amor es tan protagonista como el mensaje sobre la amistad que transmite, así como los negocios y el crimen organizado van por encima de todos los valores anteriores.

Todos los papeles están interpretados a la perfección: nadie sobra. Parecen haber nacido para protagonizar Érase una vez en América. Quien quisiera que fuese el director de casting acertó plenamente en la elección de tan exquisito plantel. Tan sobrecogedoras y bonitas son las actuaciones de la parte de la película en la que nuestros amigos judíos son unos niños, como las que después pasarán a interpretar los Robert De Niro, James Woods y compañía.

Obra maestra del cine, absolutamente imprescindible, que gusta hasta enamorar, emociona a la vez que enfría y embelesa hasta hacernos abrir la boca, cautivando nuestros sentidos.

Gracias a la fuerza de su fotografía (que nos muestra unos preciosos paisajes), su envolvente banda sonora ganadora de un Oscar (compuesta por Luis Enriquez Bacalov) y las soberbias interpretaciones de Massimo Troisi y Philippe Noiret (Cinema Paradiso), nació una de las mejores películas de la historia del cine italiano.

Bella, apasionante y sumergida en una atmósfera tranquila, la película nos cuenta la historia de Mario (Massimo Troisi), un humilde y sencillo cartero auxiliar que tiene como única función entregar el correo al poeta chileno Pablo Neruda (Philippe Noiret), que se encuentra residiendo temporalmente en Italia debido al exilio de su país por razones políticas.

Progresivamente, entre ambos se irá creando una bonita amistad. Mario será aconsejado por Neruda para conquistar a la de la que se ha enamorado y el poeta, a su vez, recibirá la creciente admiración de su nuevo amigo cartero.

La película es una preciosidad repleta de bonitas metáforas. Pura poesía, empañada quizá por su descarado tono político y sus últimos minutos, en los que la historia se va diluyendo.

Massimo Troisi fallecería apenas 24 horas después de finalizar el rodaje, a causa de una enfermedad cardíaca arrastrada desde hace tiempo, dejando como legado, entre otras películas, esta hermosa cinta engrandecida por su genial interpretación.

¡Goooooooooood Moooorning, Vietnam!

Adrian Cronauer (Robin Williams) es un pinchadiscos de la radio oficial del ejército de los Estados Unidos, que es enviado a Saigón con la misión de revitalizar las locuciones de la mencionada emisora, encargada de informar y entretener a los soldados desplegados en la Guerra de Vietnam durante el año 1965.

La llegada de Cronauer a la emisora supone un bálsamo para los combatientes americanos, que ven como el nuevo locutor dota a la radio de un estilo completamente diferente al de sus aburridos antecesores, que se limitaban a ofrecer música e información en un tono soporífero. Las simpáticas y dicharacheras locuciones de Cronauer, que tiene como ayudante a un tímido soldado interpretado por un nada despreciable Forest Whitaker, gustan a la tropa pero no al teniente Houk, estricto defensor de lo políticamente correcto que supondrá un duro obstáculo para el charlatán pinchadiscos desde el mismo día de su llegada a la emisora.

Una buena comedia dirigida por Barry Levinson (Rain Man y La cortina de humo) que sabe aprovecharse de las facultades de Robin Williams y Forest Whitaker para ofrecernos un film en el que conviven a la perfección comedia y drama, y que cumple con la difícil tarea de convertir la desgracia en algo, no divertido, pero si menos trágico.

Klute es lenta, oscura y a ratos previsible, pero con todos sus defectos el resultado es una buena película de intriga que conserva muchos elementos del cine más clásico del género, en la que destacan sus personajes principales, Klute (Donald Sutherland) y Bree (Jane Fonda, que no en vano ganó un Oscar a la mejor actriz por su interpretación).

El film nos presenta una trama no demasiado compleja pero si muy bien elaborada que se basa en la inexplicable y repentina desaparición de un hombre. Klute, amigo de éste y policía, es reconvertido a investigador privado, tratando de resolver el caso.

Unas cartas que el desaparecido envió a una prostituta sirven de pista para iniciar la investigación, que desemboca en el nacimiento de un romance entre Klute y la prostituta, Bree, por la cual vela el detective al sospechar que su vida corre peligro después de una serie de intrigantes y desgraciados sucesos.

Triunfadores en taquilla, aclamados por la crítica y adorados por el público, los Malditos bastardos de Quentin Tarantino son un canto a la excentricidad, la originalidad y lo sangriento.

Desde el primer minuto, en el que podemos disfrutar con una introducción al más puro estilo del spaghetti-western que tanto admira el peculiar realizador de esta cinta, de sobra conocido por su obra cumbre, Pulp Fiction, flanqueada por Jackie Brown y Reservoir Dogs.

Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) pierde a su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Tras una memorable escena que culmina con la huída de la chica, ésta huye a París, donde se oculta tras una nueva identidad, dedicándose a regentar un cine.

Mientras, en alguna otra parte de Europa, un injustamente colocado como cabeza de reparto del film, Brad Pitt, que interpreta al teniente Aldo Raine, se encarga de atacar al ejército nazi, protagonizando los momentos más sangrientos de la película, hasta contactar con una actriz alemana que trabaja como agente encubierto para el ejército aliado, Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger).

Obviamente, el trabajo de los Malditos bastardos incomoda a los dirigentes del Tercer Reich, quienes ponen manos a la obra al ya nombrado coronel Hans Landa, interpretado por un grandísimo Christoph Waltz que se come la película: sus escenas son las más divertidas, irónicas, interesantes y extraordinarias de toda la película.

Lo más previsible de todo esto es que todos, llegado el momento indicado, deberán encontrarse, deleitándonos con momentos graciosos y con escenas de auténtico clímax.

La música, rescatada de algunas de las películas más clásicas del spaghetti-western, junto con otras piezas, ha sido exquisitamente seleccionada conformando una banda sonora de infarto.

El título hace honor a una película de 1978 dirigida por Enzo G. Castellari y que de nombre original era el de Quel maledetto treno blindato, llamándose también, Inglorious Bastards. Es lo único en lo que coincide la obra de Tarantino con la producción italiana.

Crimen perfecto es otra de las más bellas obras de uno de los realizadores más aclamados de todos los tiempos: Alfred Hitchcock.

El argumento a simple vista parece bastante sencillo y es ya prácticamente un clásico en el género de intriga. Tony Wendice (Ray Milland), un calculador ex-tenista profesional sabe que su mujer, Margot, (Grace Kelly) le es infiel y por ello planea asesinarla sirviéndose de la ayuda de un antiguo compañero universitario.

Las instrucciones de Tony parecen haber sido meticulosamente estudiadas, labrando un plan perfecto que para que consiga dicha categoría deberá culminar con el asesinato de Margot cuando ésta reciba una llamada telefónica.

Tal y como pasa en La ventana indiscreta, obra cumbre del director inglés estrenada el mismo año que Crimen perfecto, en ésta película prácticamente toda la historia transcurre en una habitación, por lo que para conseguir una historia que interese e intrige al espectador, el guión y los pequeños detalles son los encargados de cumplir con el mencionado trabajo, teniendo un resultado magnífico.

Algo más sorprendente que La ventana indiscreta pero igual de extraordinaria.

Obligado a guardar reposo debido a un accidente laboral, un reportero fotográfico (James Stewart) se vale del ventanal de su casa para hacer menos pesadas sus horas postrado en una silla de ruedas. Pero lo que al principio comienza siendo un simple entretenimiento se convierte en una obsesión, al haber desaparecido repentinamente la mujer de uno de sus vecinos.

Como aliados en su cruzada por la búsqueda de lo que el considera un claro asesinato, cuenta con su preciosa novia (Grace Kelly), su enfermera (Thelma Ritter) y un incrédulo amigo suyo, detective de la policía.

La ventana indiscreta, considerada popularmente como la mejor película de un Alfred Hitchcock que hizo magia en apenas unos pocos metros cuadrados de una habitación, demostrando que para hacer una de las mejores obras cinematográficas de la historia no hacen falta ni grandes efectos especiales ni kilómetros de escenas exteriores. En un palmo se fabrica el mejor suspense con un guión a la altura de las circunstancias.

A través de la querida ventana de Jeff, el personaje principal, podemos ver decenas de pequeños detalles que se suceden entre sí, acompañados todos del suspense mejor producido e impulsados por el simpático clima de vecindario con sus típicas singularidades, algo que consigue que la trama se haga muchísimo más llevadera.

Una película a la que en mi opinión, nada le falta, nada le sobra y en la que el mítico James Stewart es el idóneo para el papel que encarna. Aunque, ¿hay algún papel con el que no haya podido Stewart?

Un film no apto para aquellas personas que no acepten su lado curioso y no se consideren, al menos en parte, unas mironas empedernidas.

Últimamente estoy saldando la deuda pendiente que tengo con los hermanos Coen y me estoy entregando a ver todas las películas de su filmografía que me llamen la atención. Después de haberme desternillado con EL GRAN LEBOWSKI me decidí a ver EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO ALLÍ sabiendo anticipadamente que me iba a gustar: y vaya si me gustó.

Las películas con una narración por delante me encantan y aquí la voz doblada de Billy Bob Thornton nos acompaña durante casi todo el desarrollo del film. Primero nos presenta a los curiosos personajes que nos iremos encontrando (¿hay alguna película de los Coen en los que sus personajes no sean 'curiosos'?) y a partir de aquí empezamos a sorprendernos con una película agradable, tranquila y muy bien hecha.

Ed Crane (B. B. Thornton) es un introvertido y silencioso barbero de un pequeño pueblo de California, que para romper con lo monótono de su vida cotidiana y tras comprobar que su mujer le es infiel, decide aprovecharse de esta situación para iniciar un chantaje.

En el transcurso de la película, que se desarrolla en el verano de 1949, veremos aparecer a Jon Polito, otro actor de reparto fetiche de los Coen (Muerte entre las flores) y superarse a si mismo a Tony Shalhoub (que hoy podemos verle en la serie Monk) con un papel cargado de fuerza interpretativa y lleno de detalles histriónicos. Sobra comentar la función de Frances McDormand, que en FARGO me pareció repipi y atontada y aquí, amargada, asquerosa y calculadora.

Nos encontramos ante una película que supera lo entretenido y roza lo excelente pero que a pesar de ello ha sido prácticamente enterrada ante los ojos de muchos desde la fecha de su estreno.

Desenterrémosla y comprobemos que el hecho de que los hermanos Coen son de los mejores en lo suyo, no es un tópico.

Con tintes descaradamente alusivos al Bronx de Robert De Niro (Una historia del bronx, 1993) en los comienzos de la película, que empieza ambientada en los años 60, Barry Levinson (Good Morning Vietnam, Bugsy, Rain Man, La cortina de humo) nos cuenta la historia de cuatro inseparables amigos que sobreviven al mundo de mala muerte que se les presenta en el barrio neoyorkino de Hell's Kitchen.

Como único guía espiritual tienen al padre Robert Carillo, un sacerdote cercano y preocupado por su gente que cubre el vacío que dejan los padres de los propios chavales, demasiado ocupados despreciando a sus mujeres.

A pesar de que los chicos incluso participan como monaguillos en la Iglesia y que uno de ellos pretende ser cura, una de sus travesuras desemboca en el amargo final de su libertad callejera: tras casi matar a un hombre, son conducidos al Hogar Wilkinson para jóvenes.

La actuación de todo el reparto es impecable, siendo la de Dustin Hoffman mi favorita a pesar de su brevedad. Para no perdérsela.

Para que una película de estas características convenza al espectador, necesita transmitir realismo, y TROPA DE ÉLITE lo consigue gracias a un reparto que se compenetra a la perfección.

José Padilha acierta dosificando la acción de una forma que no se hace pesada y utilizándola cuando de verdad es necesaria, sin caer en el pecado de muchas películas del género de acción que abusan de los efectos especiales sobremanera, algo que no convence al espectador que busca "un mundo real".

Durante los 114 minutos que dura el film vemos a unos miembros del BOPE (Batallón de Operaciones Especiales) de carne y hueso, humanos, con sus problemas y objetivos, con una vida que peligra y por la que nos interesamos de verdad y nos preocupamos por ella durante el transcurso de la trama.

La voz en off del protagonista principal que encarna Wagner Moura nos guía mostrándonos el mundillo de corrupción que envuelve a la policía brasileña y lo peligroso de adentrarse en las favelas, donde sólo el BOPE puede acceder, pues la policía convencional carece de recursos y preparación para enfrentarse en un territorio en el que los narcotraficantes están equipados con armamento militar.

En TROPA DE ÉLITE veremos como un incorruptible capitán de un escuadrón del BOPE lleva a cabo las misiones que le son encomendadas. A punto de ser padre, planea dejar el batallón y para ello debe encontrar al sustituto adecuado: alguien como Neto y Matías, dos honestos policías, uno el corazón y otro la cabeza, que alterna su trabajo en la policía con los estudios de derecho. Otros dos incorruptibles que sean capaces de entrar en las favelas y mirar con asco la corrupción y el narcotráfico, a diferencia de muchos de sus compañeros de la policía convencional.

Una gran película.

Sin un sólido argumento y acompañada de una pobre fotografía, "Enemigos públicos" es una especie de recopilatorio de escenas que no se sostienen en nada. Antes de ir al cine a ver esta película mi duda era cual de los dos protagonistas principales tendrían mayor protagonismo, si John Dillinger (Johnny Depp) o Melvin Purvis (Christian Bale). Mi sorpresa al ver rodando la cinta fué que la chica de Dillinger es la que goza de un verdadero protagonismo.

Si no sabe quien es John Dillinger no vaya a ver la película por que Mann le hace saltar al campo con el partido ya jugado y sin calentar. Ninguna narración. Calles vacías y ausencia total de detalles interesantes. En una escena alguien parece que va a ser uno de los protagonistas fuertes de la película pero luego no aparece más que como un mero figurante.

Y entre col y col, lechuga: a falta de guión, largas escenas de tiroteos en las que los únicos efectos especiales son los disparos y la rotura de cristales.

Una película pasable que no pasará a la historia del séptimo arte. Pura estrategia para dar el taquillazo gracias a una buena promoción en la que Depp es el mejor reclamo. Y si luego no le gusta la película, oiga, fastídiese: ya tenemos su dinero.

Si de verdad quieren disfrutar con el auténtico Dillinger, vean cualquiera de las clásicas de 1973 o 1945.