“El porvenir” es el relato de Nathalie, profesora de Filosofía, que ya entrada en la madurez ve cómo su universo particular, que hasta entonces parecía perfectamente estructurado, empieza a desmoronarse. Mia Hansen-Love habla de una generación de europeos que hemos crecido en pleno Estado del Bienestar, con todas las oportunidades a nuestro alcance, y que creemos haber fundamentado nuestra vida en valores de progreso y tolerancia. La protagonista ve que sus relaciones familiares se resquebrajan (el marido la abandona, la madre cae en el delirio…), su prestigio profesional se tambalea y su entorno social evoluciona ajeno a los valores que han marcado su vida. “El porvenir” es una historia sobre convicciones y fragilidades. Cuando Nathalie dice “ahora soy realmente libre”, lo hace sumida en la amargura y, sobre todo, en el desconcierto. La protagonista busca en la Filosofía y en una granja perdida en los Alpes un sentido a su vida, pero nota que su propio espíritu se ha ido perdiendo por el camino.

Dicho ello, y con todos los respetos, no llego a entender las grandes críticas que ha provocado esta obra. El gran aliciente de la película es una Isabelle Huppert magnífica, pero poco más. “El porvenir” es profunda y reflexiva, habla de ideales y de coherencia, pero ni sorprende ni conmueve. Mia Hansen-Love refleja tan bien el tedio y la rutina que deja al espectador (a mí, al menos) más bien frío. Durante todo el metraje estamos esperando un giro argumental (como ocurre en otras películas anteriores de la misma directora) que aquí nunca llega. Apenas hay conflicto en el argumento, porque el conflicto ya está latente desde el principio... Y sostener una película de ese modo es ciertamente difícil, aunque cuentes con Isabelle Huppert. Máxime cuando es algo que los franceses ya vienen haciendo, con mejor o peor fortuna, desde hace sesenta años.

Alberto Rodríguez cambia radicalmente de registro respecto de “La isla mínima”, su anterior y aclamada película. Si el director se había metido al público y a la crítica en el bolsillo con su magnífica creación de atmósferas opresivas, aquí nos ofrece un relato implacable y frío, con ritmo de martillo pilón, que agarra al espectador por las solapas para enfrentarle a una historia inverosímil pero, por desgracia, basada en hechos reales. “El hombre de las mil caras” recuerda al cine clásico de espías, pero con un cierto toque cañí. La elección de Rodríguez de situar el punto de vista en el personaje-narrador interpretado por José Coronado puede ser una concesión al público, ya que la voz en off lleva en volandas al espectador a través de una trama que con otro tratamiento habría sido difícil de seguir. A cambio, con ello consigue una visión ambigua y enigmática del protagonista, Fernando Paesa. Entre lo mejor de la película, destacaría la gran interpretación de Eduard Fernández (una más), los ingeniosos diálogos (afilados, verosímiles y ácidos), y el equívoco clima en el que se mueve la película, basculando siempre entre el thriller político de guante blanco y la historieta de Mortadelo y Filemón. La figura de Fernando Paesa, y el patético suceso de la fuga de Roldán, dan para una trama de alto voltaje político, pero también para una ópera bufa en un país de charanga y pandereta como éste. Quizá por ello los personajes secundarios no terminan de encajar del todo bien, comenzando con el propio Roldán.

O sea, que Alberto Rodríguez sólo ha cambiado el estilo, ya que en cuanto a temática sigue con su particular retrato de la España negra. La frase "Yo sólo hice lo que hacían todos" es una denuncia feroz a una época en la que esto se parecía a una república bananera más que a ninguna otra cosa, y que aún no hemos terminado de superar. En definitiva, una película entretenida e irónica, rabiosamente española, sobre un suceso vergonzoso que tenía que pasar aquí.

Condensar una vuelta al mundo hecha por una familia formada por un matrimonio y dos niños, fotografiando durante un año animales en peligro de extinción, en un documental de sólo 70 minutos, resultaba un reto muy ambicioso. Y, sin llegar a profundizar demasiado, “El viaje de Unai” consigue mostrar una imagen fiel y precisa sobre la situación precaria de muchas especies en nuestro planeta. De paso, la película es toda una exaltación de la diversidad. Andoni Candela hace un esforzado trabajo de síntesis, y aprovecha la voz en off de un niño (su hijo) para dar coherencia al documental y, además, aportar una visión decididamente didáctica y familiar. La narración es fresca y ágil, pero el contenido puede despertar el interés de cualquiera. Aunque muchos planos son bellísimos, y el montaje y el contenido son perfectos para el mensaje que se quiere lanzar, “El viaje de Unai” destaca mucho más por sus méritos divulgativos que por los propiamente cinematográficos. Seguramente, ésa era la intención de su autor. El documental nunca da sensación de apresuramiento, lo cual era un riesgo evidente, y dejará al espectador con ganas de saber más cosas de cada una de las especies que aparecen en la película, y de los modos de vida de los pueblos del mundo. “El viaje de Unai” tiene una dimensión de rito iniciático para el niño protagonista (el título no puede ser más explícito), y ello da también a la película un toque de aventura y de exotismo. A todos nos habría gustado que nuestro padre hubiese sido fotógrafo del National Geografic, y que nos hubiese llevado a un viaje como éste. En definitiva, una película para exhibir en las escuelas y para disfrutar en familia.

Una muy meritoria opera prima. Más allá de la inacabable y siempre discutible lista de cineastas que pueden haber servido como referente al director (ejercicio que dice más de quien lo hace que otra cosa), lo importante es si "Tarde para la ira" consigue transmitir la tensión que pretende o no. Y, en mi caso, puedo asegurar que sí. La película navega entre el costumbrismo y el thriller, con un estilo y un lenguaje que al principio pueden despistar, pero con una evolución medida y coherente a lo largo del metraje. El film muestra una historia pegajosa que se nos va enganchando sin remedio a medida que pasan los minutos. Arévalo pasa de los mareantes planos-secuencia iniciales a los interminables cuadros en cámara fija con las que resuelve algunas escenas, y la elección nunca es casual. Destaco también la manera en la que el espectador va obteniendo información sobre la trama. Hay algunas trampas y licencias por parte del Arévalo-guionista, que nos lleva por ciertos caminos para despistarnos y poder sorprendernos después, pero en un juego que se vive con agrado, sin artificios. El ritmo y la potencia de cada escena hacen que la linealidad del relato y la pobreza de situaciones un tanto rocambolescas queden debidamente camufladas. Raúl Arévalo es un novato en la dirección, pero parece un experto tanto a la hora de apostar por lo que quiere contarnos, como para disimular sus debilidades y carencias.

El trabajo de los actores es otra de las bases de la película, especialmente el del siempre genial Antonio de la Torre. Sin apenas hacer muecas, y manteniendo siempre el mismo gesto hierático, consigue transmitirnos diferentes sensaciones a medida que avanza la trama. La consideración que el espectador tiene del protagonista va evolucionando a lo largo de la película, sin necesidad de que el actor mueva una sola ceja. Pero, sobre todo, me quedo con algunas escenas como la del sótano del gimnasio (desbordante Manolo Solo), o la comida en el patio de la casa del pueblo en fiestas. Arévalo consigue provocar un clima de tensión que se puede cortar en trocitos, con cuchillo y tenedor, y nos la hace tragar con cada frase de los personajes. En definitiva, "Tarde la para la ira" es un thriller sucio, que va empapando al espectador con su relato de crueldad y venganza, que sigue la línea de otras propuestas del mismo género que se están haciendo en el cine español actual, y que pone el listón muy alto para nuevos trabajos del director.

Sentía curiosidad por volver a ver esta película, y la verdad es que ha superado con creces mis expectativas. Como las grandes obras, el paso del tiempo no ha hecho sino evidenciar que se trata de un film fresco y actual, con muchos matices. Desde el primer plano, “Fargo” destaca por la magnífica construcción de atmósferas y ambientes. Los Coen sitúan la historia en una remota y aparentemente tranquila región del norte de los Estados Unidos, en pleno invierno. Un entorno duro en lo meteorológico, pero apacible y que invita a vivir sin prisas. En ese escenario, la película nos ofrece un relato brutal, que muestra lo más rastrero y ruin del género humano: un vendedor de coches de segunda mano capaz de organizar el secuestro de su propia mujer para saquear la fortuna de su suegro, unos matones de poca monta capaces de cualquier barbaridad por dinero... Pues bien, a mi entender el mérito de los Coen no es el tratamiento humorístico de una historia truculenta (que eso ya se había visto antes), ni la contraposición o contraste continuo de ideas (que también, aunque en este caso sublimado hasta la excelencia), sino la ternura que despierta cada personaje. No es casual que la heroína sea una agente de policía embarazada de siete meses. Cualquier signo de dureza en ella habría sido chocante. Y es que los mayores malvados, por muy crueles que puedan parecernos y por más salvajadas que sean capaces de hacer, desprenden en esta película un halo de cercanía e ingenuidad. Estamos acostumbrados a filmes en los que los malos están tratados de una manera ambivalente o incluso positiva, hasta el punto de despertar en nosotros cierta solidaridad, simpatía, compasión... La grandeza de “Fargo” es que aquí no hay nada de eso. El vendedor de coches es sencillamente despreciable, un mindundi que no tiene otra idea para salir de su vida gris que la de poner en riesgo a su propia familia organizando una trama descabellada; su suegro, no digamos, es un ricachón odioso y tacaño; y los matones encargados de dar el “golpe” son unos salvajes que venderían a su madre por unos centavos. Sin embargo, hay algo en cada uno de ellos que resulta caricaturesco, como de tebeo, de modo que pueden parecernos amables incluso dentro de su patetismo e inmoralidad. En ese sentido, William H. Macy y Steve Buscemi hacen los mejores papeles de sus respectivas carreras. Con ello, los Coen hacen una película redonda, que es absurda pero también aguda, divertida pero también melancólica... Un thriller desfigurado que, dentro de la maldad más injustificada, ofrece un toque bonachón impagable. Un goce.

“Sparrows” parte de una premisa argumental simple y, si se me apura, trillada. Sin embargo, la película tiene la habilidad de ir atrapando al espectador poco a poco, a pesar de (o gracias a) su estilo austero y árido. La iluminación es siempre matizada, la música acompaña y envuelve sin avasallar, y los diálogos son lacónicos. La información nos llega a cuentagotas, sin abrumar, de manera creíble. Y poco a poco el espíritu se nos va enfriando, como si Rúnarsson nos estuviese empapando el alma con agua gélida. El protagonista es un adolescente de espíritu sensible que corre el riesgo de marchitarse en un entorno humano en el que difícilmente podrá integrarse, condicionado por una meteorología dura y un paisaje rotundo. El film es un relato sobre la pérdida de la inocencia, en tono amargo y alcohólico. Aunque el guión parte del mero costumbrismo y del relato de iniciación adolescente, poco a poco deriva hacia una reflexión más severa y trascendente, hasta el punto de admitir lecturas muy diversas sobre la voluntad individual, la educación, o la culpabilidad... A medida que avanza el metraje, la película se va haciendo más grande en todos los sentidos. El frío desenlace sobrecoge por su verosimilitud, y lleva implícito un mensaje demoledor y brutal. Una muy digna película.

Una película única e irreverente, que arrasó en su momento en el Festival de Sitges, y que a día de hoy está injustamente ignorada. “El incinerador de cadáveres” es un potente alegato en contra de los regímenes totalitarios y de la xenofobia, a través de un relato macabro y con tintes absurdos, de un humor negrísimo e insolente. La caracterización del actor principal es perfecta, el protagonista sostiene por sí solo toda la película con su voz metálica y su crueldad oronda y demente. Para construir el personaje del incinerador de cadáveres, Jujaj Herz crea una versión “padre de familia” del Peter Lorre del Vampiro de Dusseldorf. Sólo verlo da aprensión.

Cabe reprochar a la película, no obstante, su estilo recargado y barroco, casi diría engolado. Los originales encuadres y la siniestra banda sonora componen una atmósfera enfermiza. Las transiciones entre escenas son magníficas, el uso del blanco y negro y del gran angular da el tono perfecto de asfixia y zozobra. Sin embargo, algunos momentos de montaje enloquecido, con planos febriles y fugaces, hacen pensar que la película, muy arriesgada en su propuesta formal, no ha envejecido del todo bien. En cuando al contenido, el film va de menos a más, Juraj Herz hace que pasemos del desconcierto inicial al desasosiego posterior, hasta acabar en una tensión desbordada e incontenida de discursos enloquecidos y violencia gratuita. Una obra áspera y difícil, pero también hipnótica, propia del país y del momento en que fue hecha, y que merece la pena ser revisitada.

Un emotivo y trabajado documental que se basa en la realización de cientos de entrevistas de personas provenientes de diversas culturas y países. Las confesiones expresadas en crudo primer plano y fondo en negro contrastan con bellísimas imágenes sobre distintos rincones de la Tierra, con una banda sonora poderosa y envolvente. Si algo se le puede reprochar a esta película es que lo mismo ha de dar ver la versión completa de 188 minutos (!!!) que la más reducida de 143 que se ha exhibido en salas comerciales (que es la que yo he visto, y que tampoco está mal). Además, se echan de menos más comentarios sobre la ecología y la progresiva destrucción del planeta que, entre todos, está amenazando la continuidad de la especie. De todos modos, Arthus-Bertrand consigue el objetivo de ofrecer un cuadro único y coherente del género humano mediante la confrontación de mil y una vivencias diferentes. Da igual la raza o el idioma, al final cualquier ser humano está sumido en similares inquietudes y miedos, y sustancialmente tiene parecidas aspiraciones. Y, lo más meritorio, es que en ningún momento decae el interés y la emoción es creciente. Lo que una persona del primer mundo entiende por felicidad puede ser muy distinto de lo que considera por tal el último miembro de una tribu africana, pero la visión del director hace que sus afirmaciones no nos suenen como antagónicas, sino como complementarias. Las únicas diferencias son, a lo sumo, culturales. La variedad, curiosamente, sirve de amalgama. Sustancialmente, todos estamos hechos de la misma pasta.

No la pude llegar a ver entera. Spielberg rompe la barrera de la emotividad y cae en la sensiblería más barata. Una película formalmente muy bien hecha, pero cursi y ñoña desde el primer minuto. Por su metraje y su temática, "War horse" no es (ni pretende ser) una película infantil, y acaba navegando en tierra de nadie con su mensaje antibelicista muy obvio, unos diálogos blanditos muy desafortunados y azúcar a mansalva. Un borrón en la filmografía del director.

Para mí, una buena película de terror. Aunque el film parta de una premisa argumental relamida y explotada, y la trama no tenga más desarrollo que el juego de persecuciones en un entorno cerrado y claustrofóbico, Fede Álvarez consigue crear tensión sin recurrir a sustos baratos, ni a escenas gore. El director evita los artificiales brincos de montaña rusa en las butacas, y apuesta por una forma más angustiosa de terror. "Don't breathe" (apropiado título) juega las bazas habituales de la fotografía, el sonido y los planos-secuencia al servicio de un objetivo único: la creación de una atmósfera asfixiante. La esquemática definición de los personajes contrasta con el protagonismo que adquiere el entorno y la ambientación. La luz no sólo es un elemento formal, sino que constituye un elemento básico en la trama, en la medida en que supone que unos personajes tengan superioridad sobre otros. A mi juicio, Fede Álvarez pasa con buena nota la prueba de este ejercicio de estilo, y acaba aportando fisicidad a la película, que acaba siendo verdaderamente sensorial. Aparte de la obviedad de la vista y del oído, el espectador termina aguzando el olfato como el personaje de Stephen Lang (muy buena la creación de este actor), y siente asco con los babeos del rottweiler sobre la ventanilla del coche y con la escena del semen. Aunque espero que no haya secuelas, el desenlace es el apropiado en una historia en la que los personajes pasan en cada minuto de víctimas a villanos. Una disfrutable película de género.

"El doctor Mabuse" está aún por debajo de las grandes películas de Fritz Lang, pero se trata de una obra mayúscula, con grandes medios, en la que se vislumbra ya su maestría como cineasta. El film es un thriller u obra negra con los tintes paranormales y de ciencias ocultas que tanto gustaban en la época, pero en las cuatro horas y media totales de metraje la historia se estructura como un gran melodrama, con personajes que entran y salen de un argumento complejo y de situaciones bien engarzadas. A pesar de que en el año 1922 las escenas se seguían rodando de manera rudimentaria y estática, Lang avanzó ya la mezcla de géneros, la utilización del montaje para la narración simultánea de situaciones paralelas y la introducción de efectos especiales dentro de la trama. En suma, el dominio del lenguaje cinematográfico hace que el desmesurado metraje pueda digerirse mediante un ritmo dinámico y vivaz.

Hay que destacar que Lang renuncia a centrar la historia en los personajes positivos típicos (el héroe, la chica guapa, el galán...) y pone el foco en el malvado. Mabuse es la personificación de la Maldad absoluta, ya que su actuación se basa en la dominación y el poder gratuitos, entendidos como fin y no como medio. Mabuse no actúa por dinero, ni conoce el amor. Simplemente, obtiene satisfacción mediante el manejo caprichoso de las vidas de los demás. Muy bueno el trabajo interpretativo y de transformación de Rudolf Klein-Rogge, con sus múltiples caracterizaciones y poses a lo largo de la película (por cierto, acabo de leer que el actor era entonces exmarido de Thea von Harbou). Muchos han visto en este film una alegoría de los regímenes totalitarios y una premonición de lo que asolaría años después a Alemania y a toda Europa. Dudo que en 1922 Lang tuviese esas facultades visionarias, pero sí es verdad que "El doctor Mabuse" constituye una exaltación de la libertad individual. Por otro lado, Lang abunda en la idea romántica de humanización del malvado, como ya había hecho en películas anteriores ("Las tres luces"). Ello le sirve en este caso para resolver la trama y hacerla derivar hacia un desenlace memorable. Todas las escenas de partidas de cartas que hay en la película son verdaderamente remarcables y cargadas de tensión, y ello lleva a la sublimación en el final del film. Con todo ello, "El doctor Mabuse" fue la confirmación de un gran cineasta.

Una película indigna de la filmografía de Rafael Azcona y de todos los que de un modo u otro intervinieron en ella. "Suspiros..." tenía su gracia y su interés, pero no había razón alguna para una secuela, y menos aún si la misma se hacía así, abundando en lo peor de ella y sin una brizna de brillantez. "Siempre hay un camino a la derecha" pretende seguir con el mismo tono de parodia a la sociedad española, con una crítica directa a la tele-basura, pero su propuesta es tan burda y chabacana que la misma carece de interés. Los chistes no tienen gracia. La falta de originalidad no puede suplantarse con chistes artificialmente procaces de caca-culo-pedo-pis (aquí, tetas arañadas y penes arrancados de cuajo, qué risa tía Felisa). García Sánchez y Azcona intentaron dar una vuelta de tuerca a lo que ya estaba suficientemente exprimido, y la cosa ya no daba para más. La película quiere hacer humor del absurdo, pero más bien es una película absurda sin humor alguno. Patética y ridícula. No es que la película haya envejecido mal, es que ya nació vieja. Nada que salvar. Mala de solemnidad.

Vista ahora, cuarenta y pico años después, pueden ponérsele algunas pegas a la película, pero sin duda este film ha de mantener por siempre la categoría de hito cinematográfico. La bobaliconería del alcalde se antoja excesiva (por no hablar de su americana estampada), y no se entiende cómo apenas se le da relevancia en el argumento al resultado de la "autopsia" realizada al tiburón capturado. Podría hablarse también de los avances habidos estos años en materia de efectos especiales y de la falta de un mensaje más ecologista. Salvado eso (inconvenientes nimios después de tantas décadas), la película no ha perdido ni un ápice de potencia e interés. "Tiburón" es un festival de escenas memorables, que no desmerecerían en cualquier película de acción hecha hoy en día. En lo esencial, no ha pasado el tiempo por ella. Además, Spielberg se mueve como pez en el agua (chiste fácil) al combinar la aventura con los conflictos más intimistas y emotivos. La interpretación contenida pero muy expresiva de Roy Scheider es de gran nivel. El director muestra muy bien el conflicto interno que vive el protagonista al pensar que no está actuando de acuerdo a sus convicciones como servidor público (la escena de la bofetada, con sus lapidarias frases, es una buena muestra). La solidaridad-camaradería con el personaje de Dreyfuss está bien construida, y no digamos la relación ambivalente que ambos mantienen con el viejo lobo de mar interpretado por Robert Shaw. Como las películas de aventuras de siempre, "Tiburón" tiene una importante carga ética de dignidad y superación personal. Por otro lado, y desde un punto de vista formal, creo que desde "Psicosis" nunca se había utilizado tan bien la música como elemento generador de tensión narrativa, y nunca se habían rodado de modo tan sobrecogedor las escenas acuáticas.

La estampida en la playa, la inmersión de la jaula y el desenlace final son para mí los momentos destacados, pero es que la película está plagada de ellos. Es más, incluso las escenas más "familiares" (muecas de Scheider con su hijo, apertura de las botellas de vino con Dreyfuss...), o la conversación nocturna de los tres protagonistas en el camarote del barco, son excepcionales por la inusitada carga de tensión contenida. La última media hora, que relata pormenorizadamente la lucha contra el monstruo, son de una épica aclaparadora. En definitiva, un clásico incontestable.

Un año más, Woody Allen nos demuestra que sigue en plena forma. En este caso, nos ofrece en "Café Society" una comedia de encuentros y desencuentros amorosos ambientada en el glamour de los años 30, digna heredera en cuanto a temática y contenido tanto de "Manhattan" como de "La Rosa Púrpura del Cairo". Con una manera de rodar rigurosa y sofisticada, el director y guionista americano nos ofrece una nueva reflexión sobre el amor a su propio estilo, con el adecuado toque de tristeza, nostalgia y melancolía. "Café Society" es una película sin alardes ni estridencias, que no ofrece nada nuevo en la ya vasta obra del director, pero que aún así se disfruta con deleite. Como guionista, Woody Allen sigue construyendo historias consistentes utilizando como ingredientes básicos la comicidad y la tragedia griega. Los personajes son víctimas de una fatalidad ineludible que deriva de su propia debilidad. Por el camino, nos regala unas frases y diálogos siempre brillantes, de las que nos gusta recordar. Como director, Allen consigue que todos los actores estén entregados a la causa, y en especial que su protagonista (en este caso, un solvente Jesse Eisenberg) se convierta en su propio alter ego. "Café Society", tiene además el tono coral de las primeras comedias del director, con subtramas verdaderamente divertidas y bien engarzadas. En definitiva, un film de trama previsible, pero en cualquier caso estimulante, y que una vez más me ha hecho pasar un muy buen rato. Otra pequeña gran película de Woody Allen.

Un film duro y desgarrador sobre la recogida de niños huérfanos en el Chad por parte de una ONG, para su traslado a Europa. El objetivo inicial es salvar criaturas mediante la entrega a familias de acogida y posterior adopción. Lafosse relata esta historia con un estilo documental, filmando escenas cámara en mano y llegando a marear al espectador desde las primeras escenas, en un ambiente árido y desértico. El desasosiego es creciente a medida que somos testigos de cómo evoluciona la operación.

De las frases iniciales y lapidarias como "Recordad que somos una ONG" y "Nosotros no compramos niños" se pasa a actitudes mucho más equívocas a medida que comienzan las dificultades. Y las dificultades siempre existen, en un país asolado por la miseria y el conflicto bélico. Es entonces cuando se desencadena el drama. La operación consistente en salvar niños huérfanos cada vez se parece más a una misión militar. Desde muy pronto Lafosse plantea sin ambages y de forma directa un dilema moral y filosófico al que los personajes se tienen que enfrentar. Un niño recogido y trasladado a Europa es con toda seguridad un niño salvado del hambre y de la guerra, pero, ¿ello lo justifica todo? Mentiras, tráfico de influencias, secuestro puro y duro... Los niños terminan siendo mera mercancía, el éxito de la operación se termina midiendo en términos económicos y no humanitarios. Vincent Lindon está muy bien en un personaje que desprende ternura y aversión dependiendo del momento. Donzelli encarna a una reportera decidida inicialmente a dejar constancia de la realidad de la operación, y que termina sucumbiendo a la realidad de la que es testigo. Los miembros de la ONG parecen verdaderos mafiosos, casi terroristas, pero la única alternativa posible es mirar para otro lado o, a lo sumo, pagar un cheque mensual para tener la conciencia tranquila. ¿De qué lado ponerse? La película no da una respuesta clara, seguramente porque nadie la tiene, el problema sin duda está en unas esferas más altas. Lafosse sí nos ofrece un relato contundente, que lleva en cualquier caso a la reflexión, y que deja sin aliento hasta un desenlace crudo y plenamente apropiado.

"Caza a la espía" se nos revela de entrada como un thriller bien hecho, con la dosis de información suficiente para el espectador, el pulso narrativo perfecto, unas interpretaciones brillantes, y un mensaje social y político con el que todos deberíamos quedarnos. El hecho de que se trate de una película que refleja un suceso real debería enervarnos a todos. El gran problema, a mi entender, es que en la segunda parte del metraje Doug Liman termina desentendiéndose del thriller y cae en la tentación del melodrama más convencional. Francamente, que el matrimonio protagonista se rompa o no debería tener un interés muy secundario en esta compleja trama, y finalmente parece que eso es lo que más importa al director. Lástima, porque el material en el que está basada la película ya es cinematográficamente muy potente, y durante la primera mitad del film la sensación es de verdadera tensión. Es como si Liman (o los productores) no hubiese tenido confianza en la fuerza del film, y lo hubiese querido redondear con un dramón de tipo familiar, que en realidad lastra más de lo que aporta. "Caza a la espía" debería hacernos gritar a todos, pero parece que ni siquiera el director estaba decidido realmente a hacerlo. Le pongo un notable siquiera por esa primera parte, que me ha rememorado las mejores películas de espionaje y de política en la sombra, así como por Naomi Watts y Sean Penn, que siempre cumplen. Estoy generoso.

Un thriller de sótanos y túneles, en el que el entretenimiento no decae nunca. El planteamiento argumental es interesante, y el desarrollo tiene las suficientes dosis de sorpresa y tensión como para mantener enganchado a cualquier espectador. La idea de que alguien robe un banco por debajo de tu casa ya es en sí misma estimulante, pero ello se adorna aún más con el juego cruzado de escuchas y espionaje. Formalmente, Rodrigo Grande gestiona con acierto la limitación de espacios, jugando con ese elemento como un ingrediente más de la trama. La fotografía y la iluminación de ambientes claustrofóbicos es otra baza a favor del film. Sin embargo, "Al final del túnel" no ha llegado a emocionarme. Leonardo Sbaraglia está bien en su papel de paralítico amargado que descubre casualmente un atraco que se desarrolla por debajo de su casa (a pesar de ciertos excesos atléticos en las escenas de acción) y Clara Lago sorprende en su papel de joven argentina desarraigada. El problema, en mi opinión, es la falta de química entre ambos. Por otro lado, el malo (Pablo Echarri) es tan trastornadamente perverso y cruel que termina por no resultar creíble dentro de la lógica interna de la historia. Las relaciones que según el argumento habría mantenido previamente con otros personajes no son verosímiles ante una personalidad tan psicótica, y no me explico más para no reventar la película a nadie. En definitiva, algunos trucos del guión terminan por no encajar del todo bien, lo que hace de esta película un digno producto de entretenimiento, pero no mucho más.

Quizá Mar Targarona se lía al final, pero en general "Secuestro" me parece una película estimable, un producto correcto dentro de la corriente actual de cineastas españoles que apuestan por los thrillers entretenidos, de historias bien estructuradas, con giros bien engarzados y verosímiles, y con un fuerte contenido de crítica social. A favor de esta película juegan también las buenas actuaciones de los actores, si bien en este caso destacaría más a los secundarios (Dechent, Herrera, Macarena Gómez) que a la propia Blanca Portillo, que en cualquier caso está correcta en su rol de Madre Coraje capaz de arrasar con todo por proteger a su hijo y mantener su estatus. Quizá ello sea consecuencia de que en esta película el guión está por encima de la dirección. No obstante, el ritmo y el nivel de alerta se mantienen siempre altos. La actuación de Marc Domenech constituye todo un descubrimiento. En cualquier caso, una película que quizá no permanezca en nuestra memoria durante décadas, pero que sí constituye un sano entretenimiento cinematográfico.

Afilada comedia antimilitarista de Hal Ashby. El argumento es relativamente simple y la trama se desarrolla por derroteros más o menos previsibles, pero un guión plagado de situaciones bien engarzadas y de diálogos brillantes, y una interpretación colosal de todos los actores (Jack Nicholson a la cabeza), hacen de esta aparentemente obra menor un ejercicio cinematográfico muy interesante. La película mantiene a día de hoy toda su frescura, y los personajes siguen transmitiendo desprecio y ternura a partes iguales. La película se plantea como un viaje iniciático cargado de patetismo. Ashby utiliza una trama supuestamente banal para hacer un repaso al ejército y a los convencionalismos sociales, y plantea al espectador interrogantes sobre temas muy trascendentes como la libertad, la religión o la prostitución. La película contiene momentos deliciosamente cómicos (borrachera en la habitación del hotel), pero sobre todo me quedo con las escenas que dejan un poso triste y desgarrador como trasfondo de situaciones absurdas y de humor negrísimo (episodio en el burdel, salchichas en el parque...). El final, a pesar de su previsibilidad, sigue incomodando y dejando helado a cualquier espectador. Una película personalísima y poco convencional en el panorama hollywoodiense, que perfectamente podría conectarse con nuestra tradición de esperpento o con el mejor Rafael Azcona.

Vale, Tobey Maguire lo hace muy bien, pero eso no puede ser suficiente para alabar un film que podía dar de sí mucho más. La película es entretenida y se nota la mano experta del director, pero el problema es que parece un mero producto de encargo. Uno ve "El caso Fischer" y se queda con la impresión de que Edward Zwick no ha sabido aprovechar todo el filón que tenía a su alcance. Con independencia de si el film se ajusta o no a los hechos reales, el director se limita a poner el foco en las excentricidades del protagonista. En mi opinión, la trama daba para mucho más. Es posible que Zwick tuviese miedo de que su película acabase gustando únicamente a los aficionados al ajedrez, o a los interesados en los sucesos históricos que condicionaron el desarrollo de la Guerra Fría, y que lo que quería en definitiva era agradar al gran público. Pero, finalmente, el tratamiento un tanto chapucero y simplista de la trama da una sensación de simplicidad o de apresuramiento que resta interés al conjunto.

"El caso Fischer" vale para pasar el rato, pero es fría y desapasionada. Zwick podía haber rodado una historia sobre los excesos de una estrella del rock pasada de rosca, o sobre un deportista de élite superprotegido, o sobre un científico superdotado desconectado del mundo, o sobre el presidente de una república bananera, y ante ello la interpretación de Maguire habría sido muy similar, y el resultado final de la película habría sido también muy parecido. La figura de Bobby Fischer ofrece muchos matices, y lo que ocurrió en Islandia durante las semanas del enfrentamiento con Spassky merece un capítulo propio en la pequeña gran historia del siglo XX. Quien esté interesado en ello, que consulte en una biblioteca o en internet, pero que no pierda el tiempo viendo esta película.