Muy pocas veces, y creo que este film es una de esas contadas y gloriosas excepciones, la combinación de tantos géneros produce un buen resultado. En este caso tenemos la fantasía, el policial, la comedia, el romance, el drama. Inspirado seguramente en las historias de personas declaradas muertas por la medicina y reanimadas minutos después, el guión nos presenta el caso de un hombre asesinado cuyo espíritu permanece en este mundo, tanto por estar aún aferrado a la vida como por el deseo de proteger a su mujer amada. Para contactarse con ésta tratará de valerse de una médium que a priori parece simplemente una farsante y que es encarnada por Whoopi Goldberg en el que seguramente será uno de los personajes más recordados de su carrera. Muy buena película en todos sus rubros, salvando la actuación de Patrick Swayze, tan inexpresivo que parece de madera, pero que es totalmente soslayable en el resultado final.

Sencillamente increíble. Tanto la película en sí misma como el hecho de que hoy sea en general tan poco recordada. Filmada en blanco y negro, se inicia con un accidente automovilístico a consecuencia de una picada: un auto cae al agua desde un puente.. Todos mueren, excepto una muchacha que luego parte a ocupar un puesto vacante como organista en una iglesia de pueblo. En las cercanías, años atrás, una inundación provocó unas cuantas muertes en una feria. No contemos más. Digamos simplemente que se trata de una obra maestra del terror sicológico y el único largometraje de Herk Harvey. Que nadie espere la habitual y ya aburrida parafernalia de efectos especiales, que nadie la vea si lo suyo es el terror que asquea a fuerza de mucho maquillaje y efectismo barato. Esta es una obra de arte superior.

Los superhéroes, en historieta, nunca me gustaron, pero debo reconocer que algunos de ellos, en el celuloide, me están cayendo muy bien. En este caso es más llamativo porque Iron Man, el personaje, estaba entre los que me caían mal. Se trataba de un fabricante de armas que en definitiva defendía sus intereses, y alguien así no podía resultarme heroico. Aquí, sin embargo, se lo ve arrepentido del daño mundial causado por sus industrias, y eso lo predispuso a mi favor. Después de todo, cualquiera comete un error y todo el mundo tiene derecho a la redención. Su alter ego, Tony Stark, tiene a veces comentarios muy irónicos e ingeniosos, como cuando su hermosa asistente, Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) lo encuentra por primera vez enfundado en la armadura. Los efectos especiales son excelentes, pero lo contrario sería lo asombroso, dada la solvencia técnica de las películas norteamericanas en ese rubro. Sí, a mí me gustó.

Es un poco difícil, a priori, saber qué decir de esta película, sobre todo porque lo mejor es el final, y si lo cuento, me matan con justa razón. Pero comencemos diciendo que asombra el escaso éxito de esta película teniendo en cuenta que se trata del mismo director de SEXTO SENTIDO. Además, las actuaciones deben ser realmente formidables, porque aunque hay unos cuantos nombres famosos, no reconocí a nadie excepto a Joaquín Phoenix (aunque sin duda el vestuario y puede que el maquillaje, ayudó). THE VILLAGE está ambientada en...¿Qué siglo? Es difícil precisarlo, pero una cosa es segura, esa ropa está pasadísima de moda, y los escenarios se ven un tanto rústicos, apacibles e inocentes. Francamente, dan ganas de mudarse allí, salvo por esas criaturas misteriosas que moran en el bosque vecino a la aldea y que parecen una vaga, tácita amenaza. No, no es una película de terror, pero da la impresión que sí. ¿No se entiende? Bueno, mírenla y juzguen por sí mismos. Igual es mucho mejor la película que esta crítica, así que, si se tomaron la molestia de leer hasta aquí...

Las películas épicas de los últimos años, para qué negarlo, me han resultado decepcionantes, salvando alguna honrosa excepción. En el caso de ésta vacilé un tanto antes de ponerle el puntaje, porque una vez más se trata de una distorsión de personajes históricos y tiene un final muy similar, o casi idéntico, al de alguna otra película muy famosa del mismo género, pero como compensación tenemos a Russel Crowe con una gran actuación (la verdad es que sus gestos a partir de la pérdida de sus seres amados parecen realmente los de un hombre que ya no pone grandes esperanzas en la vida, y sólo busca venganza), de manera que pongámosle un cinco y a otra cosa. Eso sí, como ya no está para defenderse, digamos que Cómodo fue un tirano, sí, pero no peor que cualquier otro emperador romano de los malos, un Nerón o un Calígula, y decididamente no mató a su padre; es más, el propio Marco Aurelio lo designó como sucesor. En Hollywood hacen lo que se le da la gana con las historias personales de otros porque no son las suyas. Me gustaría ver la cara de Oliver Stone si se lo pintara como un asesino serial, y la de Ridley Scott si se dijera de él que es un homosexual sadomasoquista, y la de Cóppola si se lo describiera como un malvado dictador caribeño. A ver qué dirían luego.

La verdad sea dicha, no es la primera ni sin duda será la última película que desvirtúe una historia mitológica, y como prueba ahí tenemos, si no, a FURIA DE TITANES, entre otras. Pero mientras que a aquélla se le podía perdonar ciertas adulteraciones del original para enhebrar todo en un único argumento, ésta no tiene tal excusa. En Homero, Patroclo era le escudero de Aquiles y su amante según dicen algunos, pero en cualquier caso no su primo, pero esto, vaya y pase. El tema es que "La Ilíada" se inicia cuando Troya lleva ya diez años de sitio, y con la relación entre Helena y Paris ya muy desgastada por lo que podríamos llamar la rutina matrimonial. Helena está un poco harta, después de todo, de ese marido cobarde que tuvo coraje para raptarla pero no para hacerse cargo, él solo, de las consecuencias de tal audacia; tanto más cuanto que las troyanas, que pierden una a una sus maridos por causa de esta guerra, sencillamente la detestan. A tal punto está harta, que cuando Troya finalmente cae, ella vuelve con el mismo marido al que ella le metió los cuernos, Menelao, aprovechando que éste se encuentra en un momento de magnanimidad y le ofrece el perdón (esto ya no se encuentra en La Ilíada, sino en otras fuentes, pues el libro de Homero concluye el relato mucho antes). A Aquiles tampoco se lo veía tan repugnantemente soberbio y estúpido como en este filme, ni a Agamenón tan odioso y desagradable. Y tampoco era tan conmovedor el encuentro entre Aquiles y Príamo, pues éste ofrecía al primero, una buena cantidad de regalos para persuadirlo de que hiciera, en fin, lo que se muestra en la película. Si el soborno es conmovedor, sé de unos cuantos funcionarios sospechosos de ser conmovedores. Por lo demás, la película es correcta en sus rubros técnicos, pero quede claro que es Hollywood, no Homero ni mitología. A quien esto no moleste, que no me haga caso y que la vea, que seguro la pasará bien.

Ya es cosa sabida que la prensa especializada en cine tiene sus niños mimados que, si de veras fueran niños, a esta altura serían unos malcriados insoportables. No necesariamente quiere decir esto que sean malos actores, guionistas o en este caso (que a éstos me refiero) directores. Sí quiere decir que, lamentablemente, por el solo hecho de que el fulano de turno es James Ivory, John Cameron o Francis Ford Cóppola, se le aplaudirá cualquier cosa que haga, desde una obra maestra insuperable hasta un bodrio mayúsculo. Infelizmente, lo contrario muchas veces también es cierto. Vale decir, que si una película es excelente, como la que nos ocupa, pero la dirigió alguien ignoto, la misma será considerada mediocre, floja o apenas soportable. Por suerte el público, para bien y para mal, hace poco caso de los críticos pretensiosos. LEYENDAS DE PASION es un drama romántico ambientado en épocas pretéritas de los Estados Unidos, primeras décadas del siglo pasado para más datos. En lo interpretativo el máximo mérito es de Anthony Hopkins en el papel del Coronel retirado Ludlow que combatió en la Guerra de Secesión y descree del Estado, el gobierno y los políticos en general. Cuesta creer que se trata dela misma persona que hizo nada menos que del sádico Hannibal Lecter. Encarnando a sus tres hijos tenemos a Aidan Quinn, Brad Pitt y Henry Thomas, ordenados por la edad que tienen en la ficción, pero la historia se centra en el segundo, Tristan, y en su vida un tanto agitada, vista desde la óptica de un anciano indio muy ligado al pensamiento mágico. Trágica y conmovedora, esta película tiene una fotografía deslumbrante que le hizo ganar un Oscar, y una hermosa banda de sonido. Muy recomendable.

Una parodia no es, un filme de aventuras supongo que tampoco, una interesante recreación de la era de oro de los torneos y las justas mucho menos. ¿Alguien sería tan amable de explicarme qué es esto? ¿Y por qué se involucró al poeta inglés Geoffrey Chaucer, que debe estar revolviéndose en la tumba y que aquí aparece interpretado por Paul Bethany, un actor al que, eso sí, los papeles medievales o cuasi-medievales le vienen como anillo al dedo? ¿Y qué tiene que ver con todo esto Queen, cuya música suena en varios momentos de la cinta y siempre fuera de lugar? ¿Y qué hago yo perdiendo el tiempo con esta película? ¿Qué, eh?

Sin duda hay muchas películas más horrendas que ésta, pero tampoco merecía un premio a absolutamente nada. Actuaciones no mejores ni peores que en cualquier película promedio, malos que lo son en grado sumo, homosexuales estereotipados como en un mal programa cómico de TV, escenas finales que se han visto ya en otras películas y se vieron luego en otras y la engañosa afirmación de que se trata de hechos reales, como de costumbre. Sí, William Wallace fue efectivamente un noble menor de Escocia que tuvo algún éxito militar antes de ser vencido en la batalla de Falkirk, pero no se sabe mucho de lo que fue su vida anterior, ni se le conoce una trágica historia de amor como la que se le atribuye aquí. Aunque como se sabe poco de su vida personal, la película al menos tampoco contradice realidades conocidas y aceptadas. De la famosa "prima noctis" (¿se llamaba así? No recuerdo) no he averiguado nada. Tal vez haya existido, pero me da la impresión de que es otro invento del guión para realzar la maldad de los ingleses. Puedo equivocarme; lo hago muy bien, y es algo que tengo en común con Don Mel "Soy-de-Madera" Gibson, quien cada vez que asume como director hace algún desastre fílmico, de los cuales temo que éste es el más leve. La banda sonora del filme es preciosa, tiene bella fotografía y en lo dicho acerca de los intérpretes debe hacerse una salvedad con el niño que interpreta a Wallace en su infancia.Y eso es todo.

Buena parte de la crítica destrozó a esta película en ocasión de su estreno en cines hace más de dos décadas. Es probable que en ello tuvieran importancia capital dos factores. El primero está en el hecho de tratarse de una remake. No conozco el original y por lo tanto no puedo trazar comparaciones entre una versión y otra, pero evidentemente, en estos casos, es siempre la remake la que lleva las de perder. El segundo factor es el género en el que se la encuadró. No considero que pueda decirse que ésta sea una película de terror; de fantasía, más bien, pero una que cala muy profundamente en la psique por su metáfora acerca de lo prohibido. Las escenas iniciales relatan hechos de un pasado remoto y semimítico en las que seres humanos eran ofrendados en sacrificio a grandes felinos negros, en el interior de cuyos cuerpos pasaban a morar las almas de los sacrificados. Mucho tiempo después asistimos al reencuentro entre dos hermanos (la bellísima Nastassja Kinski y Malcolm McDowell, ambos muy adecuados para los papeles que interpretan en este filme) cuyos padres eran artistas circenses y que a la muerte de éstos crecieron separados. Misteriosos, magnéticos, se les adivina de entrada que ellos mismos tienen algo de felino... Qué sigue, mejor que lo descubra el lector. La música de Giorgio Moroder puede parecer un tanto minimalista, pero es adecuada para la atmósfera enigmática y trágica en que se desarrolla la historia; y en los títulos finales, David Bowie interpreta el tema principal.

Algunas historias, ya sean fílmicas o literarias, me sorprenden porque, más que nuevas, parecen vagos, lejanos recuerdos de otras que uno conociera de algún lado y no supiera de dónde. Esto me sucedió y me sucede con esta película, de la que diremos en primer lugar que deja boquiabierto por su magnífico despliegue visual, doblemente para los hombres, porque contamos con el plus de Sandahl Bergman. En lo interpretativo hemos de reconocer que Arnold Schwarzenegger no se muestra muy expresivo, pero que esto encaja como anillo al dedo con el papel que hace aquí. Los demás, cumplen, y tal vez no mucho más, pero el argumento tampoco lo precisa. La historia se desarrolla en una era mítica, pródiga en monstruos, hechiceros y héroes. Maravillosos los juegos de luces y sombras en la escenografía, que contribuyen a crear un clima misterioso, legendario. Y la banda sonora a cargo de Basil Poledouris, sencillamente no tiene desperdicio. para mí, la película épica por excelencia.

Voy a ser sincero: si quieren una crítica ecuánime de esta película, una que juzgue la trama, las actuaciones, etc., mejor vayan a otro lado. No soy capaz de ver más allá del dragón del tìtulo. En cuanto aparece en pantalla, regreso a mi niñez, me olvido de cuaquier otra cosa y cuando desaparece de escena me pongo a clamar por su vuelta. En un supremo esfuerzo por juzgar algún rubro técnico, diré que, además, Draco (así se llama o lo llaman al bicho) está muy bien realizado digitalmente, con gran naturalidad. Si la película destaca por alguna actuación magistral, es por la de él. En otro de los roles principales tenemos a Dennis Quaid encarnando a un Caballero que tras un inicio en el que se demuestra apegado a los viejos ideales, se convierte casi en seguida en un matadragones que ofrece sus servicios a cambio de dinero, mientras que David Thewlis encarna a quien alguna vez fuera su discípulo y ahora ciñe la corona de manera despótica, Einon. Alguna vez, hallándose al borde de la muerte, Einon recibió la mitad del corazón de un dragón, hecho que le salvó la vida pero que (presumiblemente) le contagió la malevolencia del reptil para consternación de su entrenador, quien decidió en venganza dedicar el resto de su vida al exterminio de la especie. Contar más sería sencillamente imperdonable. CORAZON DE DRAGON es una película sencilla, sin grandes pretensiones, épica y conmovedora, con una espléndida banda de sonido muy en consonancia con las escenas. Tal vez no haga más que entretener, pero lo hace muy bien. Eso sí, quiero saber dónde puedo conseguir un dragón igual que ése...

La Edad Media es un período histórico que me resulta fascinante y atractivo. Ya quisiera poder hacer una crítica positiva de una película ambientada en dicho período. Por desgracia, no podrá ser en esta oportunidad. Este filme, que en mi país se estrenó con el nombre de CRUZADA, versa sobre personajes que realmente han existido, pero hace con ellos lo que quiere, distorsionando la realidad hasta dejarla irreconocible. En este sentido, los más trastocados fueron Balian de Ibelin, cuyo origen nada tiene que ver con el que se nos presenta aquí, y la Reina Sibila, quien para empezar no se casó con Guy de Lusignan obligada por su madre, como se nos quiere hacer creer, sino que consiguió hacer de ésta su aliada para que el Rey Balduino IV, quien no veía con buenos ojos este matrimonio, cediera a sus deseos. Precisamente Balduino IV, el rey leproso de Jerusalén, es el que relativamente sale mejor retratado. Pero el mayor problema con esta película no es simplemente la simple deformación de la Historia, sino que tal deformación llega a niveles increíbles y hasta ridículos.

Supongo que no hace falta aclararlo, pero esta película narra, ignoro con qué fidelidad a los hechos reales, los sucesos preliminares de la aparición del libro A SANGRE FRIA, de Truman Capote, entonces un escritor ya conocido por DESAYUNO EN TIFFANY'S. Un sensacional crimen múltiple llamó su atención y durante cierto tiempo se dedicó a entrevistar a los acusados, en especial a uno de ellos, en busca del material necesario para su libro. Como dije antes, no soy capaz de emitir juicio acerca de cuán exacta es esta película en relación a la verdadera historia, de la que he oído muy superficialmente versiones que difieren de ésta. Ahora, más allá de ese detalle, permanece el hecho de que Capote, tal como nos lo presenta la película, fue un personaje sumamente desagradable, y cuando llegan los títulos finales uno se queda preguntando si valía la pena ver una historia dedicada a semejante sujeto. Desde ya, la película está correctamente realizada, y es muy buena la actuación de Philip Seymour Hoffmann encarnando a Capote; de ahí el puntaje con que califico a esta película. Pero debo agregar que no volvería a verla, a menos que fuera lo más potable de la programación televisiva y yo no tuviera un programa interesante para el fin de semana. El protagonista me resulta demasiado antipático y no puedo menos que concordar con el reproche que por teléfono le hace en los instantes finales su amiga Harper Lee, la célebre autora de MATAR UN RUISEÑOR, quien también está entre los personajes.

Esta película marcó el debut cinematográfico del australiano Russell Mulcahy, quien luego de tan promisorio debut descendió algo de nivel con "Highlander"y por último se hundió en el olvido con una serie de filmes que ya nadie o casi nadie recuerda. Creo recordar que el que nos ocupa ganó algunos merecidos premios, por lo que no se puede menos que lamentar que luego de tan brillante comienzo Mulcahy no haya sido capaz de brindarnos algo que esté a la misma altura. RAZORBACK se inscribe en el género del terror, y la trama gira en torno a un jabalí al que una mutación ha convertido en una criatura tan grande como un rinoceronte y, por supuesto, muy, muy mala. Como en los mejores exponentes del género, al monstruo se lo muestra sólo parcialmente o de lejos. Cuando nos referimos al monstruo cabe aclarar que nos referimos al jabalí de marras, ya que en el argumento hay un par de personajes, cazadores para más datos, a los que tal calificativo les viene como anillo al dedo. Además de éstos hay un anciano sediento de venganza hacia el jabalí que mató a su nieto, una defensora de los animales, el marido de ésta y algún otro personaje. Cuáles de ellos serán víctimas del monstruo mutante es algo que no se revelará aquí. Sí, en cambio, haremos hincapié en que esta película, visualmente, es una verdadera joya, con bellísimas tomas del desierto australiano mostradas con óptica casi surrealista. Creo que aunque más no fuera por ello, vale la pena ver esta cinta de las que tan pocos se acuerdan en la actualidad.

Imagino que nadie, a estas alturas, ignorará quién fue Dian Fossey, su valiente lucha para salvar de la extinción al gorila de montaña y su misteriosa muerte. Cosa rara en Hollywood, hasta donde sé, esta película es una semblanza exacta o al menos muy aproximada de esta gran mujer. Ha sido un gran acierto la elección de Sigourney Weaver para el rol principal. Es cierto que la verdadera Dian Fossey fue menos agraciada físicamente, pero al menos la actriz tiene una expresión enérgica, decidida, muy a tono con el personaje que interpreta. Una crítica que se le ha hecho a la película es que no se muestran los motivos de la pasión de Fossey por los gorilas. Esto es correcto, pero no le resta méritos a cinta. Mención aparte para la fotografía: esas soberbias tomas de jungla africana envuelta por niebla sencillamente quitan el habla. Imperdible.

Es un retrato de épocas ya desaparecidas y para muchos, tal vez, de la propia alma. Alguna vez fuimos primero chicos y luego adolescentes. Alguna vez fuimos por primera vez al cine, con esa inocencia de la niñez, y nos maravillamos ante ese increíble desfile de imágenes que llenaban la pantalla. En ese entonces Ekeledudu no era un desalmado que masacraba sin piedad las películas que le parecían mediocres, porque el simple hecho de que fuera posible esa sucesión de imágenes era una maravilla incomparable. Luego uno creció, se volvió selectivo, adquirió sus propios gustos. Pero siempre el escenario era el mismo, la sala de cine de nuestro barrio, adonde íbamos con la habitual provisión de golosinas, por lo general para una función en doble programa, y se apagaban las luces y a uno el corazón le latía con más fuerza. Pasó aún más tiempo, y un día aquel cine tan querido ya no estaba. Había desaparecido para reemplazarlo por un supermercado, un estacionamiento o un lugar de encuentro para grupos religiosos. Era como enterarse de la muerte de un viejo amigo. Vaya si dolía, ¡cómo dolía!... Lo que trato de decir, para que quede claro, es que ver esta película puede ser, para los más jóvenes, una ventana a tiempos más dulces e inocentes, ésos en los que la magia de la pantalla grande era una aventura y resultaba impensable que pudiera sustituírla la comodidad gris del video y el DVD. Para otros, es recordar algo de uno mismo. Se los digo yo, que soy un tonto emocional y que hice al menos la mitad de esta crítica llorando como una regadera. Sepan disculpar.

En otras circunstancias, esta película hubiera dado para un 4 ó un 5, porque la verdad es que no es el primer maltrato, ni será el último, que sufra Drácula en su paso por el celuloide. Pero el problema es que desde el mismo título se nos presenta esta versión como la más fiel al libro de Bram Stoker, cuando en esencia es una de las que más se aleja de él. La prensa especializada se ha hecho en múltiples ocasiones eco de esta afirmación tan insólita como falsa, y uno se pregunta si será que no leyeron el libro o que a Francis Ford Cóppola le perdonan hasta el mayor de los sacrilegios y le avalan todos sus dichos por el simple hecho de ser un director de renombre. En cualquier caso, yo sí he leído el libro, y puedo asegurarles que nada tiene que ver con esta payasada. Drácula era allí un ser diabólico, no un criatura trágica y enamorada; Lucy era pudorosa y cándida, no una chica moderna que hace a su amiga comentarios sexuales con total desinhibición; Van Helsing era un hombre de ciencia de mentalidad abierta y dedidido a terminar con un monstruo malévolo y peligroso, no el fanático que se replantea sus objetivos según nos lo muestra Cóppola. Si quería dar una versión distinta, allá él, pero lo hubiera hecho sin involucrar a Bram Stoker ni engañar al público como lo ha hecho. Para colmo, los rubros técnicos contienen tantos aciertos como desaciertos y entre estos últimos algunos son ridículos, como cierto hombre-lobo más parecido a un Yeti y que no asusta ni al más cobarde. Pero estos ya son detalles.

Muy rara vez Hollywood ha brindado algún retrato creíble de Hitler o de cualquier otra figura destacada de la Alemania nazi, si es que lo ha hecho alguna vez. La cinematografía de los Estados Unidos siempre optó por una postura absolutamente maniquea, mostrando a las tropas de su país como los héroes y a los alemanes como los monstruos que se regodeaban en la maldad. Olvidan (o no les importa) que manzanas podridas hay en cualquier bando, y que los malos, por lo general, no se aceptan como tales. Esta película, que no procede de Estados Unidos sino, precisamente, de Alemania, muestra al Führer y a sus colaboradores desde ese ángulo tan poco explorado. No es que se nieguen los crímenes cometidos en ese período tan tenebroso de la Historia, no es que Hitler y su entorno se vuelvan queribles. Sencillamente, uno entiende, aunque no comparta ni justifique, qué motivos los impulsaron. Hitler no se veía a sí mismo como un monstruo. Al contrario, iba a llevar a Alemania a la grandeza y al mundo a una nueva Era Dorada. El nacionalsocialismo era el sueño que se derrumbaba para angustia de quienes querían ese futuro para su país. Viendo a Hitler y al matrimonio Göbbels sufrir por ese sueño tan acariciado que se desvanece, uno no puede menos que lamentar que no hayan luchado, y más exitosamente, por una mejor causa. Porque uno, a priori, no le desea dolor a nadie, pero hay cosas inadmisibles. Y no obstante, uno se lamenta igual, y no sólo por el Führer y sus incondicionales, sino también por esta maldita Humanidad que tan poco acierto demuestra a la hora de hacer elecciones. Decididamente, un enfoque distinto.

Años atrás tuve opportunidad de ver fragmentos de esta película en una antologia que aquí, en Aregentina, se estrenó como ERASE UNA VEZ EL TERROR, pero recién hace pocos meses pude verla completa. Pensar que fue filmada hace tanto tiempo (en blanco y negro, dicho sea de paso) y hace empalidecer a la tan promocionada "Misery", brindando, además, varios puntos de reflexión. El argumento comienza mostrando a la Baby Jane del título, la estrella infantil del momento, con todo lo que ello implica (descarado merchandising incluído) y a su hermana, Blanche, más talentosa pero completamente ignorada. Ya antes de los títulos nos enteramos de que ha pasado el tiempo y la situación se ha invertido: Blanche Hudson es ahora una famosa estrella de cine, mientras que nadie recuerda a Baby Jane Hudson, esa moda pasajera que sirvió más que nada para vender muchas muñecas con su figura. Y no obstante, Blanche, a la hora de firmar contrato para un filme, siempre exige que su hermana sea contratada junto a ella, para pesadilla de las compañías cinematográficas. Estas escenas iniciales hacen que uno se plantee muchas preguntas; sobre todo, cómo habrá tomado Baby Jane, precoz, sobrevalorada. malcriada y caprichosa estrella infantil, que de repente nadie se interese por ella y sólo la figura de su hermana le otorgue algún interés. Luego, ese enigmático accidente automovilístico, los títulos iniciales y... Y sería un crimen contar más. Películas como ésta pertenecen probablemente a una de las épocas más gloriosas de Hollywood, una en la que la riqueza imaginativa era muy superior a la actual. ¿QUE FUE DE BABY JANE? es terrorífica, dramática, y deja pensando al espectador. Eso no lo logra cualquier filme.