Los rumores de un posible cierre del Studio Ghibli a mediados del año 2014 sacudió y conmocionó a millones de seguidores en todo el mundo, los cuales ya estaban muy afectados y afligidos cuando su fundador, Hayao Miyazaki, considerado el Walt Disney de Oriente, anunció un año antes a través de un comunicado su retirada como director de largometrajes. La compañía no tardaría en desmentir tales rumores sobre su desaparición tras informar que tan solo se tomaría un descanso provisional para realizar una reestructuración debido a los altos costes generados por la empresa. Pues bien, ahora vuelve con fuerza al panorama cinematográfico mundial, y lo hace con su primera coproducción internacional, La Tortuga Roja, dirigida por el director holandés Michael Dudok de Wit, y coproducida por Francia. Tres nombres propios importantes en la producción son la base en la que se sustenta este ambicioso proyecto: de parte japonesa, Hayao Miyazaki (El Viaje de Chihiro, La Princesa Mononoke, y Mi Vecino Totoro) e Isao Takahata (La Tumba de las Luciérnagas y El Cuento de la Princesa Kaguya), y de parte francesa, Vincent Maraval.

Hace más de diez años, Michael Dudok de Wit recibió un importante correo de Studio Ghibli, con dos peticiones; la primera, permiso para distribuir su cortometraje Padre e hija (2000) en Japón, por el cual recibió multitud de premios internacionales, como el Oscar al Mejor Corto de Animación o el Gran Premio en el Festival de Annecy, además de cosechar muy buenas críticas tanto de la prensa especializada como del gran público, para llegar a convertirse a día de hoy en todo un clásico y corto de culto. La segunda, una oferta para trabajar en su estudio con la posibilidad de dirigir su primer largometraje, ya que hasta ahora solo tenía en su haber la realización de cuatro cortometrajes. De esta manera, la idea de un hombre en una isla desierta que llevaba rondando la mente del director holandés desde hacía un tiempo, empezó a rodar, y así nació La Tortuga Roja. Diez años de esfuerzos ha empleado Dudok de Wit para realizar esta impresionante, emotiva y encantadora maravilla visual.

Sin utilizar ningún diálogo, nos cuenta la historia de un hombre que naufraga en una isla desierta poblada de cangrejos, tortugas y aves, cuyos intentos repetidos de escapar en diferentes balsas de madera improvisadas son malogrados por una fuerza invisible. Dicha fuerza resultará ser una gigante tortuga roja. Cuando al hombre enfurecido se le presenta la oportunidad de vengarse de esta misteriosa criatura, no la desaprovecha, y tras su posterior arrepentimiento por la acción cometida, la tortuga roja se transforma en una hermosa mujer que le hará compañía en la isla para el resto de su vida.

La escena inicial de una tormenta con un mar embravecido, en donde nuestro protagonista lucha por sobrevivir, recuerda a la famosa estampa japonesa La gran ola de Kanagawa del pintor Katsushika Hokusai donde se refleja esa dualidad existente entre la fragilidad de los seres humanos y la imparable fuerza de la naturaleza. La Tortuga Roja es un retrato de nuestro mundo, capaz de ofrecer belleza y crueldad al mismo tiempo. Esa furia y fuerza destructiva de la naturaleza actúa con mayor vehemencia y contundencia en otro episodio de la película, en el que sentimos toda su inmensidad y grandiosidad convirtiendo a las personas en diminutos, pequeños e insignificantes seres vivos.

A pesar de estar dirigida y coproducida por europeos, conserva muchos elementos y temas característicos de la factoría Ghibli, ese toque de misticismo y misterio en la historia, el respeto y el amor por la naturaleza, el paso de la infancia a la vida adulta, e inclusive intervienen unos traviesos y simpáticos personajes en forma de cangrejitos, con muchas semejanzas y similitudes a los asustadizos y curiosos Susuwatari que aparecen en Mi vecino Totoro y El viaje de Chihiro, unos seres pequeños muy oscuros en forma de bola y pelo rizado. Cuando la tortuga se convierte en una compañera humana, la película se transforma en un hermoso y lírico viaje a través de la vida, una apacible y onírica fábula llena de misterio, capturando la crisis existencial del hombre que termina aceptando su situación para enfrentarse a la isla, y aprender a disfrutar de su entorno.

El público al que va dirigido Ponyo en el Acantilado (2008) evidentemente no es el mismo que el de La Tortuga Roja, aunque hay momentos cómicos de mucha ternura, delicadeza, y muy conmovedores, no se trata de una película para niños debido a su trasfondo filosófico y existencialista donde se nos habla de la realidad de la muerte, y en la que Michael Dudok de Wit pretende transmitir que no necesitamos oponernos a la muerte, ni temerla, ni luchar contra ella ya que se trata de algo natural que forma parte del ciclo de la vida.

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La película se centra en Seok Woo (Yoo Gong), un padre divorciado y gestor de fondos demasiado ocupado siempre con su trabajo que apenas encuentra tiempo para estar al lado de su hija Soo-an (Kim Soo-ahn). Es el cumpleaños de Soo-an y su mayor ilusión es visitar a su madre que vive en Busan. A pesar de la negativa inicial de Seok Woo a conceder el deseo de su hija, termina aceptando para compensar su fracaso como padre. Al ser un viaje de tren muy largo, la distancia desde Seúl hasta Busan es de 442 kilómetros, el padre decide acompañar a la pequeña en el trayecto porque no quiere que viaje sola. Justo antes de empezar el viaje aparecen noticias de violentos disturbios que estallan por toda la ciudad. Rápidamente se constata que estos disturbios son debido a un brote viral que transforma a los seres vivos en zombis, y no tardaremos en darnos cuenta de que el tren no es ajeno a todo lo que ocurre en el exterior porque una chica infectada consigue subir al interior poco antes de emprender el viaje. Parece que la única parada segura de tren se encuentra en Busan.

Los aficionados al cine de zombis disfrutarán muchísimo con esta película y no se sentirán defraudados porque reúne todos los ingredientes propios del género, además de una magnífica realización, en cambio, los que son profanos en la materia y no sientan devoción por este tipo de cine pasarán como poco dos horas de mucha tensión muy entretenidos. La acción posee un ritmo trepidante y frenético desde el momento en que se pone en marcha el tren rumbo a Busan, cuando un pasajero contaminado por un virus que crea zombis inicia una espiral de infecciones y violencia con persecuciones constantes a lo largo de los vagones. Los espacios pequeños, estrechos y en ocasiones oscuros cuando el ferrocarril pasa por un túnel, generan un clima claustrofóbico y angustioso que nos recuerda de forma irremediable al éxito comercial coreano, Rompenieves (2013) del director Bong Joon-ho, donde los vagones de un tren eran el refugio para los únicos supervivientes de la tierra.

Es una película inteligente y elaborada, donde Yeon Sang-ho parece tomarse el asunto más en serio de lo que nos tiene acostumbrado este tipo de films y con un nivel más alto de otras recientes como Guerra Mundial Z (2013), la saga Zombis Nazis (2009, 2014), Maggie (2015)….. ya que consigue mantener un cuidadoso equilibrio, entre el drama humano con unos personajes muy bien desarrollados, la acción y ciertas escenas gore. A pesar de que los personajes que aparecen son los típicos del género, se percibe el esfuerzo y el interés del director por emplear el tiempo suficiente para confeccionar sus personalidades y diferentes puntos de vista, dotarlos de gran fuerza y autonomía, de establecer una precisa interacción entre ellos durante toda la acción, y de esta manera se logra que los tomemos en serio y nos importe todo lo que hagan y les suceda. El personaje principal, Seok Woo, poco a poco va evolucionando, de manera que la gestión de las cuentas de inversión dejan de ser su prioridad para centrarse exclusivamente en salvar la vida de su hija, y además, pasará de preocuparse de si mismo como le echa en cara su hija para fijarse más en los demás.

Uno de los personajes de Train to Busan, un mendigo traumatizado por haber presenciado el ataque zombi en la estación central de Seúl, nos sirve de enlace con la película de animación Seoul Station, una especie de precuela donde Yeon Sang-ho narra los mismos acontecimientos pero solo focalizado en el inicio de la expansión del virus, entre marginados, prostitutas y mendigos que viven alrededor de la estación central. Las frecuentes escenas de acción están muy bien coreografiadas, y aunque la mayor parte de ellas se desarrollan en el interior del tren aparecen algunas en el exterior para mostrarnos fundamentalmente el caos existente también fuera.

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El argumento de Solo el fin del mundo se desarrolla en una sola tarde, cuando el dramaturgo Louis (Gaspard Ulliel) regresa a su pueblo natal para visitar a su familia tras una larga ausencia de doce años con la intención de anunciar su inminente muerte. A medida que su madre, hermanos y cuñada se afanan por conseguir comunicarse con él para expresar su dolor y le recriminan todo el tiempo que ha pasado lejos de ellos, aflora en el ambiente un resentimiento que va in crescendo alimentado por la duda y la soledad. A Louis se le presenta, el fantasma de los resentimientos persistentes que fueron la causa de estar lejos de su familia durante tanto tiempo, y el reencuentro con su pasado a través de los recuerdos.

La familia está formada por su hermano mayor, Antoine (Vincent Cassel), un macho alfa violento, con complejo de inferioridad por el éxito de su hermano menor escritor, que lo lleva a reaccionar de forma destructiva, y su esposa Catherine (Marion Cotillard), una mujer afligida y atemorizada por Antoine y que parece ser la única persona que entiende lo que Louis quiere transmitir con sus acciones. Su madre (Nathalie Baye) con un carácter histriónico y desequilibrado, vestida siempre con un hortera traje y llena de maquillaje, y por último, su hermana pequeña, Suzanne (Léa Seydoux) llena de recuerdos cariñosos a través de las historias contadas por la familia, y con un profundo vacío interior por el abandono de su hermano. Louis interactúa con cada uno de ellos la mayor parte del tiempo en silencio, escuchando, sin apenas hablar, esperando el momento de dar la noticia, angustiado por saber como reaccionarán.

El principal mérito de Xavier Dolan con Solo el fin del mundo ha sido realizar una adaptación cinematográfica lo más fiel posible a la obra de teatro homónima de Jean-Luc Lagarce, sin modificar ni eliminar nada de su estilo, respetando el singular lenguaje del dramaturgo repleto de reiteraciones, redundancias, indecisiones con el tiempo verbal elegido y yuxtaposición de tiempos gramaticales. Un lenguaje utilizado por unos personajes temerosos e inseguros cuyos rostros y expresiones faciales observamos continuamente de forma clara y nítida, debido a la magnífica decisión de Dolan y su habitual director de fotografía, André Turpin, para realizar esta adaptación casi exclusivamente a partir de primeros planos y con una excelente iluminación. Este acercamiento de la cámara nos permite ver el estado físico de las caras, el sudor de la frente, sentir el ritmo de la respiración generado por la tensión latente dentro de la casa, captar la intensidad de las miradas, escuchar los silencios a través de cada gesto,…..A destacar el gran trabajo interpretativo de todos los actores y en especial de la maravillosa y angelical Marion Cotillard.

No estamos ante la primera película de Dolan basada en una adaptación teatral, en 2013 realizó Tom á la ferme a partir de una obra del canadiense Michel Marc Bouchard. En cambio, aunque Solo el fin del mundo fue filmada por completo en Canadá, si estamos ante su primer título rodado solo con actores franceses ya que las anteriores fueron protagonizadas por canadienses. También es interesante destacar el momento dulce en su carrera profesional por el que atraviesa la fabulosa actriz Marion Cotillard al protagonizar dos películas que competían por la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2016. La otra fue Mal de pierres de Nicole Garcia.

Aunque el tema de la enfermedad es una constante en la obra de Lagarce, fue a partir de 1988 (dos años antes de escribir la obra) al ser diagnosticado seropositivo cuando persevera de forma insistente en esta temática y se interesa por el regreso a casa del hijo pródigo que debe explicar y ser perdonado antes de morir. Es obvio que Solo el fin del mundo contiene aspectos biográficos del escritor aunque en la película no llegamos a saber cúal es la enfermedad de Louis, en parte porque trasladar la enfermedad del sida a la actualidad no tiene la misma transcendencia de cuando se concibió la obra y, por otro lado, en el fondo no es importante saberlo, lo verdaderamente interesante es conocer cúales son los sentimientos y emociones enquistados en el interior de cada miembro de la familia y la forma que tiene cada uno de ellos de exteriorizarlos.

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La última canción es una comedia romántica ambientada en una pequeña ciudad de Maine. Hannah (Rebecca Hall) intenta recomponer su vida tras el fallecimiento hace tres años de su marido, Hunter Miles, un afamado cantante de folk que tan solo grabó un álbum antes de su prematura muerte en un accidente de senderismo. El disco penetró en lo mas hondo de los corazones de muchísimos seguidores convirtiéndose en un álbum de culto. Ella visita de forma continua la tumba de Hunter al igual que muchos admiradores de su música hacen peregrinaciones acompañados de regalos para depositar a pie de lápida en su honor.

Hannah sigue sufriendo y no consigue superar la trágica pérdida por lo que para calmar el dolor decide escribir una biografía sobre su corta vida y música. Al mismo tiempo para mantenerse ocupada y liberar su cabeza, colabora en un periódico local que dirige un amigo suyo, Griffin Dunne, con historias de interés humano sobre habitantes del lugar, y mantiene sexo con un guardabosques interpretado por un rudo Joe Manginello, con el que no tiene ningún tipo de afecto romántico. Hannah descubrirá que está demasiado unida emocionalmente a su marido como para poder escribir una biografía rigurosa y objetiva sobre él por lo que aparece en escena Andrew (Jason Sudeikis), profesor del Manhattan American Studies especializado en cultura pop y admirador de la música de Hunter Miles, con la intención de aportar su perspectiva en la vida del músico para hacerlo inmortal, pero Hannah es una mujer muy recelosa y protectora del trabajo de su marido y rápidamente se producirá un choque entre ambos y muchas discrepancias, pero después de continuas peleas y de comprender las verdaderas intenciones de cada uno de ellos, ella aceptará a colaborar con él en la biografía.

Difícilmente La última canción puede llegar a ser del todo una comedia romántica en estado puro cuando por un lado se intenta rendir un homenaje al marido muerto y por otro se escenifica un juego de seducción para conquistar a la enviudada. En un principio tanto el director, Sean Mewshaw, como su mujer y co-guionista, Desiree Van Tila, permiten que Hannah y Andrew descubran sus sentimientos alrededor de Hunter, para poco a poco dar paso a una más que predecible y agria comedia romántica. El guion no se centra en mistificar y engrandecer la figura de Hunter Mills como si fuera un nuevo Kurt Cobain, sino en los sentimientos y emociones de Hannah para proteger la memoria de su marido. Se agradece los esfuerzos por alejarse de los clichés del género gracias a ese toque dramático de la historia pero La última canción se queda a medio camino y no pasa de ser una discreta película bien intencionada y sincera.

A pesar de la química existente entre Rebecca Hall y Jason Sudeikis sus personajes son poco creíbles, la historia de un erudito de la cultura pop que ve a Hunter Miles como un ídolo es una pieza difícil de encajar como la nueva pareja sentimental de Hannah, sino más bien como una fantasía propia de un fans que quiere ocupar el puesto de su héroe y más teniendo en cuenta el poco tiempo transcurrido en el desarrollo de la trama. Por otra parte, a Sudeikis, conocido principalmente por sus papeles en comedias, parece que le cuesta trabajo asumir una interpretación más sobria y dramática de lo acostumbrado por esos tic cómicos algo exagerados utilizados en muchas escenas a lo largo de la película para provocar que no nos tomemos en serio su personaje y sacarnos de la historia.

Posiblemente lo mejor de la película sea el excelente trabajo del compositor de Seattle, Damien Jurado, que escribió la mayoría de las canciones de la banda sonora y suministra la voz de Hunter Miles para conseguir que parezca un genial artista.

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Comanchería es la fascinante historia en el oeste de Texas de dos hermanos, un padre divorciado (Toby) y un exconvicto (Tanner) que trazan un peligroso plan para salvar la granja familiar de una ejecución hipotecaria tras la reciente muerte de la madre al no poder afrontar el pago. Por las mañanas a primera hora, Toby (Chris Pine) y Tanner (Ben Foster) deciden robar varias sucursales del Texas Midlands Bank (El mismo banco que amenaza con apropiarse del rancho y las tierras familiares) en ciudades pequeñas durante varios días para evitar riesgos y complicaciones, asegurandose tambien de robar solo pequeñas cantidades y nunca billetes de 100 dolares que al estar marcados dejan rastro. El hombre encargado de detenerlos es el veterano sheriff Marcus (Jeff Bridges), que está a sólo unas semanas de la jubilación y dispuesto a tener una retirada triunfal con su último caso.

Rápidamente nos damos cuenta tanto de los carácteres contrapuestos de ambos hermanos, mientras que Toby es tránquilo y metódico, Tanner es impulsivo e impetuoso, como de las verdaderas intenciones de cada uno de ellos, para Toby todo el plan trazado es con el objetivo de proporcionar una estabilidad y seguridad económica a sus hijos, mientras que para Tanner robar bancos y poseer armas de fuego le aporta subida de adrenalina y diversión. La relación entre los dos hermanos y el misterio existente detrás de cada una de sus vidas que poco a poco vamos descubriendo a medida que se va desarrollando la trama es uno de los aspectos mas estimulantes de esta película junto a la peculiar persecución del sheriff Marcus.

El viaje de Toby y Tanner transcurre por dilatadas carreteras, atravesando colinas sin límites, enmarcado dentro de terrenos secos y polvorientos, recorriendo vastos paisajes desérticos, pequeños pueblos degradados con ásperos habitantes y rincones olvidados por la Gran Recesión y la pobreza. Es muy significativa una pintada en la fachada de un pueblo al comienzo de la película en la que leemos "Tres veces en Irak, pero no hay dinero para nosotros" que nos pone sobre aviso del terreno que vamos a pisar. A continuación aparece el cartel de una sucursal del Texas Midlands Bank, comienza la acción.

Nuestros protagonistas, son dos bandidos provistos de pistolas en territorio comanche, donde sus habitantes están acostumbrados desde sus ancestros a resolver los asuntos con el uso de las armas, por ello, el verdadero peligro no reside en las fuerzas de autoridad sino en un temible campo de batalla de balas civiles en la que los ciudadanos pueden aprovechar la acción de estos delincuentes para afinar su punteria. Aquí vemos reflejada claramente una cierta hipocresia y contradicción de la población debido a que por un lado contemplamos como admiran y sienten cierta veneración hacia todo aquel que se enfrenta contra el poder abusivo del banco, al que consideran un ladrón, como lo demuestra unos interrogatorios de la policia en una hamburgueseria cercana y testigo directo de uno de los atracos, y por otro son capaces de poner su vida en peligro en un tiroteo para defender los intereses del banco. Estamos ante la América profunda, el último vestigio de la genuina América consumida por el mundo de las finanzas. El personaje de Jeff Bridges representa de alguna manera la muerte del viejo oeste.

Estamos en una zona donde las granjas familiares pasan duras penas para llegar a final de mes. El ficticio Texas Midlands Bank es el verdadero villano, tirano y usurero, aprovechándose de la gente que está luchando por sobrevivir. El guionista de esta tensa e ingeniosa historia, repleta de diálogos inteligentes, Taylor Sheridan, también lo es de una de las mejores películas del año pasado, Sicario. Ambas parecen estar interralacionadas entre si, cuyas acciones se desarrollan a pocos kilometros de distancia, sin embargo pasamos de la peligrosa y temerosa frontera mexicana a una inquietante tranquilidad texana. Comanchería es un thriller mas previsible y carece del factor sorpresa de Sicario, sin embargo nos mantiene siempre despierto el interés, sin bajar la guardia, debido a que en el fondo subyace una crítica contra la exclusión social y financiera, y como consecuencia de ello, desde un principio simpatizamos con los dos bandidos, quizás porque nuestro rico refranero nos recuerda que "Quien roba a un ladrón tiene cien años de perdón".

Comanchería se nos presenta como un western moderno con coches y camionetas en lugar de caballos, utilizando personajes complejos con estereotipos desgastados, donde David Mackenzie sigue la estela de producciones de finales de los años 60 y principios de los 70 que vieron en el western una oportunidad de difundir y extender su crítica sobre la sociedad américana y sus valores, como El Pequeño Gran Hombre (1971) de Arthur Penn o Grupo salvaje (1969) de Sam Peckinpah. Es una amarga y cínica reflexión sobre el concepto arraigado existente en el viejo oeste sobre la tierra y la propiedad, además del papel importante que juega como símbolo identitario de la sociedad americana.


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La historia de El Extraño arranca con un homicidio múltiple envuelto en un ambiente rural y húmedo dentro de una aldea coreana donde este tipo de violencia por ser poco habitual resulta extraña a sus habitantes. Para acudir al lugar de los hechos es llamado el sargento de policía Jong-Gu (Do Won Kwak) que no dejará de disfrutar de un relajado desayuno en compañía de su esposa y su hija antes de salir. Cuando nuestro protagonista llega a la escena del crimen, encuentra al asesino (marido y padre de las víctimas) de pie en el porche de su casa, con los ojos nublados y la piel cubierta de extraños forúnculos. En días sucesivos aparecerán diferentes homicidios perpetrados de forma similar en la zona donde los asesinos experimentan los mismos síntomas. Los medios de comunicación indican como causa más que probable de todos ellos la ingestión de unos hongos tóxicos, mientras que algunos habitantes del pueblo culpan a un japonés (Jun Kunimura) que acaba de llegar y vive instalado en las afueras.

Jong-Gu paulatinamente empieza a prestar atención a lo que en un principio consideraba como chismorreos y prejuicios hacia el extranjero hasta el punto de llegar a obsesionarse con él apareciendo constantemente en sus sueños transformados en pesadillas con la visión de un salvaje que le persigue enloquecido con los ojos rojos ardientes tras haberse comido el cadáver de un ciervo. Un día a Jong-Gu vigilando la zona acordonada donde se acababa de cometer un atroz crimen, se le aparece una misteriosa mujer llamada Moo-Myeong (Chun Woo-hee) que se dedica a tirar piedras de forma continuada a sus pies y le advierte de un inminente desastre en su vida. Pocos días después, su hija desarrolla una inflamación en la piel y empieza a comportarse de forma extraña y exaltada, con una conducta cada vez más violenta hasta llegar a tener convulsiones, por lo que Jong-hu, preocupado, terminará aceptando por insistencia de su suegra en la contratación de un chamán (Jung-min Hwang) para realizar un exorcismo. A partir de aquí la vida del policía se convertirá en una verdadera pesadilla.

La primera parte de El Extraño está configurada como un thriller a pesar del entorno sobrenatural que sobrevuela la trama, donde aparecen ciertas pinceladas de comedia al presentarnos a un sargento de la policía al frente de la investigación, como un anti héroe, torpe y miedoso con otras de humor negro que vemos reflejado sobre todo en sus encuentros con personajes encolerizados como si fueran zombies o perros salvajes hambrientos y en la manera que tiene el policía de desembarazarse de ellos, pero a medida que se van desarrollando los acontecimientos de forma cada vez más siniestra va tomando un giro completamente diferente para convertirse en una película de terror metafórica, abstracta, donde Na Hong-jin juega con nosotros a través de trampas narrativas y el uso magistral de la estimulación logrando desconcertarnos cuando tratamos de encontrar una lógica a todo lo que estamos viendo y además consigue que dudemos de todo. En esta segunda parte Jong-Gu pasa de ser el policía un poco torpe al padre decidido y dispuesto a hacer cualquier cosa para salvar a su hija. Según el director Na Hong-jin, esta película se hizo sobre la base de las religiones populares existentes en Corea y Nepal como también de creencias católicas, y las escenas del exorcismo provienen del chamanismo de Nepal.

El Premio a la Mejor Fotografía en el Festival de Sitges está más que merecido por el espectacular y sobresaliente trabajo de su director de fotografía Hong Kyung-pyo conocido principalmente por su participación en la magnífica coproducción de Corea del Sur y Estados Unidos, Rompenieves (2013) del director Bong Joon-ho. En El Extraño, el genial Hong Kyung-pyo captura con una gran maestría la atmósfera sombría de Goksong (localidad montañosa y lluviosa donde se desarrolla la acción que da el nombre al título original de la película) y el vasto paisaje rural que lo rodea ayudando a transmitir una constante sensación espiritual y mística a lo largo de los 156 minutos que dura la película. El paisaje en sí mismo con su densa vegetación y sus constantes lluvias está envuelto en un halo de misterio que parece siempre ocultar algo.

Na Hong-jin realiza una película que no intenta ser aterradora, pero es increíblemente inquietante. En una mezcla de terror y thriller brutal es como si se tratáramos de realizar una película sobre una historia sobrenatural en la Corea profunda mezclando a Old Boy (2003) con El Exorcista (1973). El ritmo va in crescendo siendo lento en la primera parte para explotar en una locura sangrienta en la mitad aproximadamente para mantenernos pegados a la butaca y no hacernos largas las más de dos horas y media que dura la cinta. Es también el tipo de película que no ofrece respuestas fáciles y al igual que los personajes no estamos seguros de a quién confiar, o de lo que realmente está pasando. Seguramente al terminar el film trataremos de buscar una explicación a lo que sucedió exactamente.

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Una historia narcisista sedienta de sangre con un toque de canibalismo y necrofilia es la base del cóctel llamado The Neon Demon cuyo autor, el director danés Nicolas Winding Refn parece sentirse cómodo al recorrer con su cámara terrenos truculentos, retorcidos y a veces excesivamente sórdidos para conseguir no dejar indiferente a nadie y justificar porque es considerado un director provocador. Lo demuestra el hecho de que es su segunda película estrenada en el Festival de Cannes tras Sólo Dios Perdona (2013), que recibe abucheos y burlas después de la presentación de la prensa. Hay escenas tan variopintas como la de una modelo obligada a tragarse un cuchillo o una maquilladora teniendo relaciones sexuales con un cadáver.

Se hace difícil soportar largas escenas de un completo silencio con sólo fragmentos de diálogo sesgados a base de interacciones interminables y pesadas entre las modelos. Refn tiene una retorcida y rara manera de explicar su visión sobre el mundo de la moda cuyo objetivo es desmitificar esa imagen fashion, celestial y llena de glamour que se tiene de ella desde el exterior para dar paso a un escenario mas cercano al infierno donde solo existe la envidia, la rivalidad, la obsesión por la belleza llevada a extremos y repleto de voraces felinos (Un puma de verdad aparece en la habitación de Jesse) al acecho deseosos de engullir a su presa al menor descuido, y aquí con Elle Fanning debemos reconocer que su elección ha sido todo un acierto, a pesar de que no fue la primera opción para el papel ya que reemplazó a Carey Mulligan por abandono de ésta debido a conflictos de agenda, para retratar esa inocencia perdida que cae en las garras del “demonio de neón” que da el título a la película.

La presencia de dos mujeres co-guionistas, Polly Stenham y Mary Laws, formando tándem con Nicolas Winding Refn coincide curiosamente no se sabe muy bien, si con una película misógina o con una sátira feminista posmoderna muy dura hacía el trato vejatorio que reciben las mujeres en la industria de la moda como si fueran mercancía o carnaza cuyas normas y cánones de belleza establecen unos determinados patrones para conseguir triunfar y obtener la fama abocando a muchas modelos a caer en la obsesión por la cirugía estética para ser más hermosas y en la bulimia para conseguir el peso perfecto. En una escena de una cafetería, Dean, el fotógrafo que ayuda a Jesse en su primer book y por la que siente una gran atracción, recrimina a un diseñador de moda homosexual defendiendo que la belleza está en el interior a lo que éste le responde inmediatamente que seguramente si no fuera guapa y con buen tipo no se habría fijado en ella dejando en el aire esta idea. Debido a ese discurso ambiguo por parte del director, quizás deliberadamente en busca de polémica, que no deja claro si se trata de crítica o de justificar unos actos como algo natural es por lo que es tachada de misógina por un amplio sector de la prensa especializada.

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Un interminable apagón es el desastre tratado en En el Bosque, adaptación de Patricia Rozema sobre la novela de Jean Hegland del mismo título cuya historia de dos hermanas, una estudiante, Nell (Ellen Page), y la otra bailarina, Eva (Evan Rachel Wood), es una lucha por la supervivencia. Ellas viven en los bosques de Carolina de Norte con su padre (Callum Keith Rennie) aislados y alejados a muchos kilómetros de la ciudad y acostumbrados a esa solitaria vida, pero cuando desaparece la electricidad por el demoledor apagón en toda la zona comienzan los problemas en la familia afectados por el caos y el desconcierto generalizado debido a que la población se queda sin provisiones y combustible. La frustración inicial se va superando gracias a las habilidades del padre para hacer la vida más cómoda sin necesidad de la electricidad y consiguen organizarse a duras penas todavía para cocinar y lavar. Después del fatídico accidente del padre en un accidente de motosierra, los problemas se agudizan y las dos deberán confiar la una en la otra para salir adelante.

Las dos hermanas tienen una vida llena de intensas experiencias en los más de 15 meses que dura la historia, incluyendo la muerte, el nacimiento, relaciones sexuales y la violencia física, y todo ello a través de un camino lleno de obstáculos y continuas pruebas de superación. La trama arranca en un futuro cercano, no más de una década, donde pasan de depender de internet y la tecnología para casi todo a ser unas expertas en recoger y seleccionar alimentos y plantas comestibles del bosque, a tener gran soltura para enlatar y conservarlos para su posterior almacenamiento, hasta conseguir la licenciatura en supervivencia aprendiendo a elaborar su propio jabón para lavarse o a cazar para conseguir la vitamina B 12 que se encuentra en los anímales y evitar la anemia. La fuente de sabiduría e inspiración para todo este rápido aprendizaje lo consiguen gracias a la vuelta de antiguos hábitos en objetos olvidados y que todavía conserva la familia en sus estanterías, los libros.

Es un drama post-apocalíptico reflexivo y contenido, en movimiento constante, a pesar de que los personajes realmente nunca van a ninguna parte, y al igual que en sus anteriores películas, Patricia Rozema sigue dando protagonismo a la figura femenina. La firme y sólida dirección, y la química entre Page y Wood que también participan en la producción, salvan ciertas lagunas existentes en el guion. Lo que Rozema y Hegland sopesan realmente en En el Bosque es como podríamos encauzar de nuevo nuestras vidas si desconectáramos por completo de la tecnología al tiempo que plantean la idea algo utópica y maternal de que el amor, la familia, los amigos y la naturaleza son todo lo que necesitamos.

En el Bosque, por otro lado, estamos ante una atípica narrativa post-apocalíptica por varias razones, primeramente porque los obstáculos que van apareciendo aunque tienen un impacto significativo en todo lo que sigue, no existe una amenaza oscura y extraña de la que haya que escapar para evitar ser aniquilado o exterminado ya que están rodeados de vida y poco a poco van prosperando. En segundo lugar el poco interés por mostrarnos el caos reinante tan habitual en este tipo de producciones, y por último, quizás la más original, su enfoque en dos personajes femeninos. Lo que verdaderamente le interesa a Patricia Rozema es la relación existente entre las dos hermanas y su evolución emotiva con los diferentes altibajos que experimentan. Los personajes de Page y Wood, aunque inicialmente son completamente opuestos en apariencia y personalidad, al final se complementan.

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Bar Bahar. Entre dos Mundos se trata de la brillante opera prima de Maysaloun Hamoud sobre tres mujeres palestinas, Leila (Mouna Hawa), Salma (Sana Jammelieh) y Nour (Shaden Kanboura) que comparten un piso en el corazón de Tel Aviv. Leila es una sofisticada e ingeniosa abogada criminalista cuyo estrés originado por su trabajo diario lo combate divirtiéndose de noche en la discoteca, Salma es disk jockey y camarera, y Nour es una joven musulmana creyente que se muda al apartamento para estudiar en la universidad.

Nour en un principio se siente intimidada por sus compañeras de piso debido a su estilo de vida. Cuando su novio la visita se siente horrorizado con sus compañeras de apartamento y suplica a su prometida que deje la ciudad, adelante el matrimonio y asuma su papel legítimo como esposa al cuidado del hogar y de sus futuros hijos. Ella se niega y la reacción violenta de él provocará la consternación de todas al mismo tiempo que servirá para reforzar aún mas la relación de amistad entre ellas. Leila es feliz porque cree haber encontrado el amor con un moderno musulmán al que le costará aceptar la forma de vida de ella y Salma descubre que su familia cristiana en un pueblo del norte de Galilea no es tan liberal como parecía ser.

Estamos ante tres mujeres muy diferentes pero con un denominador común, son mujeres independientes que se rebelan contra esa estructura tradicional familiar árabe dominada por los hombres donde se las relega a un segundo plano, casi a la sumisión, y además son conscientes de que la libertad tiene un precio a la hora de encontrar un equilibrio entre tradición y modernidad o ciudadanía y cultura. Las mujeres árabes en Israel se encuentra atrapadas entre dos mundos diametralmente opuestos, uno por desconfianza, recelo y prejuicios no las considera ciudadanas israelíes de pleno derecho lo que dificulta su integración en la sociedad judía y el otro nos las considera lo suficientemente palestinas a pesar de que forman parte de su cultura.

Es inevitable comparar esta película con la interesante producción israelí Tormenta de Arena que recién he visto en la Sección Oficial de la Semana Internacional de cine de Valladolid, Seminci 2016, tanto porque se trata igualmente de una ópera prima dirigida por una mujer, en este caso por la directora Elite Zexter, como por la coincidencia del tema tratado, relacionado con la vida cotidiana y no sobre conflictos políticos que tanto abundan en este tipo de películas, en el que las mujeres palestinas son el centro de la historia. En la película de Zexter la protagonista se niega a aceptar las imposiciones de su padre regidas por la sociedad machista en la que vive, sin embargo al final toma una decisión que puede interpretarse como una concesión a la tradición, en cambio, en Bar Bahar, entre Dos Mundos, las tres amigas tienen muy claro que su libertad es algo prioritario, nadie ni nada va a trazar sus vidas, ni siquiera valores tan importantes para ellas como el amor, la familia, la cultura van a poder desviarlas de su objetivo marcado, como tampoco van transigir con nada si previamente no son respetadas y aceptadas tal como son.

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En Un Hombre llamado Ove, Ove (Rolf Lassgård) es un viejo gruñón y antipático que solo quiere poder suicidarse para estar al lado de su recién fallecida mujer, Sonja (Ida Engvoll). Ella era la luz de su vida y no quiere vivir sin ella. Pero no es lo suficientemente habilidoso para conseguir llevar a cabo el suicidio ya que es interrumpido siempre en cada intento justo en el momento en que empieza a perder la conciencia. Son en estos momentos en forma de flashbacks cuando se nos revelan acontecimientos fundamentales y partes de su difícil vida que nos ayudará a entender su ira, frustración y pérdida. Además está demasiado ocupado peleando con sus vecinos y funcionarios del exterior como para morir todavía.

Nuestro protagonista tiene una especial inquina con la nueva familia que se ha mudado al lado, una mujer embarazada llamada Parvaneh (Bahar Pars), su marido y dos hijas, inmigrantes de Irán y con un sentido de la comunidad completamente diferente. Despedido recientemente de la empresa donde llevaba trabajando 43 años, y destituido como presidente de la Comunidad de Vecinos por su comportamiento extremo, Ove sigue vigilando el vecindario donde vive de arriba a abajo con patrullas realizadas a diario de forma puntual con el fin de hacer cumplir de forma escrupulosa las normas que rigen la Comunidad. Esto provocará continuas tensiones con sus vecinos.

Las escenas más profundas y divertidas de la película son los enfrentamientos de Ove con su embarazadísima vecina persa cuya sociabilidad y compresibilidad casi agresiva obliga al viejo gruñón a salir de su caparazón. El contrapunto físico existente entre ambos, Ove es alto, fuerte, de piel blanca mientras que ella es baja, delicada y de tez morena encuentra una cierta armonía con la obstinación de ambos. Al final desarrollan una química tan poderosa que Parveneh se convertirá de alguna manera en esa hija que nunca tuvo Ove.

Es una película agradable de ver con un tono tragicómico y sentimental, cuidadosamente equilibrado, muy envolvente donde contemplamos una profunda transformación espiritual de un hombre irritante con un carácter muy difícil que toma un nuevo camino para asombro de vecinos y personas cercanas a él. Observamos como Ove adopta a un gato callejero, salva a un hombre que cae en una vía de tren y permite a un camarero homosexual vivir con él en su casa después de que su homófobo padre lo echara.

La conjugación entre misantropía y el sentido del deber de Ove es parte del encanto de la película. No es una persona codiciosa sino más bien un hombre escandalizado porque su sentido rígido de la responsabilidad y la autosuficiencia no es igualada por el del resto del mundo a los que considera idiotas. Los flashbacks ayudan a enmarcar la psicología de Ove al tiempo que son utilizados para conseguir algunas lágrimas del espectador. Por poner un pero quizás se apoya excesivamente en clichés consiguiendo un desarrollo de la historia tan predecible que siempre ocurre todo aquello que uno espera que ocurra y justo cuando lo esperas.

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Después del irregular debut en inglés del director coreano Park Chan-wook con Stoker (2013) vuelve a sus orígenes, a su lengua materna con La Doncella, adaptación de la novela Fingersmith, escrita por la galesa Sarah Waters y ambientada en el Londres victoriano del siglo XIX, para trasladar la acción a la Corea de 1930 bajo el yugo de los invasores imperialistas japoneses. Sin embargo, el sentido de la hipocresía sexual de la época y la lucha feminista se mantienen firmemente en ambos relatos.

La historia gira fundamentalmente en torno a cuatro personajes. Sook-Hee (Kim Tae-ri) es una ladrona cuya madre fue ahorcada y vive con una pandilla de maleantes y timadores que manejan un lucrativo negocio de bebés utilizados para la adopción en el mercado japonés. Ella será captada por un consumado estafador (Jung-Woo Ha), el cual se hará pasar por un apuesto y rico aristócrata japonés bajo el nombre de Conde Fujiwara. Ambos trazan un meticuloso plan para apoderarse de la herencia de una noble japonesa huérfana, Lady Hideko (Min-hee Kim) y luego encerrarla en un manicomio. La delicada e ingenua Lady Hideko ha sido severamente criada y educada por su pervertido tío Kouzuki (Jin-woong Jo) que también tiene interés por arrebatar la herencia de su sobrina.

La película consta de tres partes, llena de detalles y sorpresas constantes, cada sección aumenta y enriquece la historia y ofrece una perspectiva diferente de los hechos, con una impecable puesta en escena acompañada de continuos cambios en el tiempo, la línea de la trama se retuerce sobre sí misma más de una vez y sucesivamente se revela una nueva cara de la historia. La trama se inicia desde la visión de Sook-Hee que entra en la casa como doncella personal de Hideko con la intención de persuadir a esta para que se fugue con el Conde Fujiwara y liberarse de la sofocante vida con su tío. Pero surge un pequeño imprevisto que pondrá en peligro el plan trazado inicialmente debido al enamoramiento de Sook-Hee hacía Hideko. Esta primera parte termina de tal forma que socava y pone en duda todo lo visto hasta ahora.

En la segunda parte vemos la historia a través de los ojos de Lady Hideko donde descubrimos sorprendentes revelaciones sobre su personalidad y lo que implican realmente las lecturas de esos libros tan raros de su tío. A partir de aquí, de forma fascinante la película da un giro, se acumulan las traiciones, los flashbacks revelan trucos secretos y sórdidas historias, las alianzas se reconfiguran constantemente, y deja de ser la historia de un robo con engaño para convertirse en otra bien distinta y que conoce muy bien Park Chan-wook, un cuento de venganza por mujeres humilladas cuyo objetivo no es otro que el patriarcado. La tercera y última parte revela cuál es el plan que realmente se concreta.

En la gran mansión donde se desarrolla el núcleo de la trama, Park Chan-wook realiza de forma sutil una minuciosa descripción de los diferentes espacios de la casa para reflejar la mezcla de culturas y estilos que caracterizó a Corea en su momento. Se trata de una combinación de influencias occidentales, en concreto victorianas, con otra parte japonesa y más tradicional dentro de un entorno formado por espeso bosque coreano.

La película profundiza en la sexualidad, la perversidad y la violencia pero más como un examen de la naturaleza humana y la forma en que la cohabitación forzada a menudo puede provocar manifestaciones inesperadas, siempre con un gran sentido estético y prestando una especial atención a los más pequeños detalles visuales donde destacan los colores saturados. La duración y el contenido de las escenas de sexo, cargadas de gran sensualidad y erotismo puede interpretarse de forma errónea y dar la sensación de estar viendo un porno suave y no sólo un thriller erótico. Las dos actrices que interpretan a Lady Hideka (Kim Min-Hee) y Sookee (Kim Tae-ri) poseen una química perfecta, una elegante y bella complicidad, una vibrante y eléctrica intensidad sexual, que consiguen convertir la pornografía en algo sublime, en arte en su máxima expresión. Posiblemente la escena más erótica de la película implica poco más que un dedal y un diente.

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El Editor de Libros se basa en el libro de 1978, Max Perkins: Editor de Genius por A. Scott Berg, y cuenta la historia de la simbiótica relación entre el editor Max Perkins (Colin Firth) y el excéntrico novelista Thomas Wolfe (Jude Law). Se puede afirmar con total rotundidad que Perkins (1884-1947) cambió la literatura americana más que cualquier otro editor y fue un héroe desconocido durante décadas que se preocupó por sus escritores más allá de la fama y del dinero. Trabajando en Nueva York para Scribners, fue el responsable de descubrir y dar forma la obra de genios literarios de la envergadura de F. Scott Fitzgerald y Ernest Hemingway, y en 1929 cuando conoció en su despacho a un Wolfe desilusionado e incrédulo tras haber sido rechazado en todas las editoriales visitadas, y después de leer sus extensos manuscritos, pensó que había encontrado a un nuevo talento al que pulir.

El tema principal de la película consiste en cómo, con la ayuda de Perkins, Wolfe fue capaz de reducir sus novelas de miles de páginas a una longitud razonable, convirtiéndose así en poco tiempo en un afamado y reconocido novelista. El proceso de cómo esto sucedió proporciona las escenas más entretenidas y originales de la película sobre todo en las que Perkins está agobiando a Wolfe para cortar y simplificar sus recargadas novelas de efectos literarios y en la tensa lucha que mantienen para crear un libro legible y comercial que no sea excesivamente largo y así reducir costes, ni demasiado descriptivo para hacer más amena la lectura, de esta manera lo que comienza como un hermoso párrafo elaboradamente escrito se reduce finalmente a unas pocas frases.

Sin embargo, el resto del relato da una sensación de déjà vu, de haberlo visto antes en otros muchos biopics, con personajes demasiado estereotipados donde el protagonista es una estrella en pleno ascenso, demasiado egocéntrico que termina dando de lado a todas las personas que le ayudaron en sus inicios.

Es bastante irónico que cerca de la conclusión de la película, aparece una visita de Wolfe convertido en una estrella y figura mediática de su época (Hasta el punto que Sinclair Lewis le citó en su discurso al recibir el Premio Nobel) a un casi olvidado F. Scott Fitzgerald en su casa de Hollywood al cuidado de su enferma mujer Zelda, y sin embargo, hoy en día Fitzgerald es considerado como uno de los autores americanos más importantes por no decir el mejor de la primera mitad del siglo veinte, a pesar de que William Faulkner, tras la muerte de Wolfe dijo que se había ido el mejor escritor de su generación.

Lo más destacado de la película es su magnífico reparto repleto de actores consagrados. Colin Firth interpreta de forma muy contenida a Maxwell Perkins, un individuo reservado y discreto cuya vida está completamente dedicada a la edición de libros. Jude Law en el papel del arrogante y talentoso escritor sureño Thomas Wolfe con una interpretación excesivamente histriónica. Guy Pearce aparece en algunas escenas como F. Scott Fitzgerald en sus años de decadencia, y Dominic West con una breve aparición en la que apenas se puede valorar sus registros como Ernest Hemingway. En cuanto a los papeles femeninos, no son muy bien tratados en este film, Laura Linney tiene el ingrato papel de ser la esposa de Perkins con la que tiene cinco hijas, sufriendo largo tiempo por la devoción de su marido a trabajar en los libros de Tom en detrimento de su familia, mientras que Nicole Kidman interpreta a una desequilibrada diseñadora, Aline Bernstein, una mujer casada que mantiene una tóxica relación sentimental con Wolfe, y extrañamente celosa por todo el tiempo que pasa su amante con Maxwell.

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La ópera prima de Julio Quintana avalada por la presencia de Terrence Malick en la producción, The Vessel (El Navío), nos cuenta la historia de una bella y pequeña aldea costera de Puerto Rico sin nombre donde un trágico acontecimiento ocurrido hace diez años marcó la existencia de todos sus habitantes, un tsunami destruyó la escuela de primaria situada a la orilla del mar, llevándose consigo la vida del profesor y la de todos los niños menos uno, nuestro protagonista Leo (Lucas Quintana).

El pueblo sigue de luto y afligido sin presencia de niños por las calles, sin ilusión ni motivación por volver a tener descendencia, la gente más joven se ve obligada a abandonar el pueblo dirección a la gran ciudad para encontrar un futuro más próspero. A pesar de todo, Leo se queda al cuidado de su madre Fidelia (Jacqueline Duprey) que sigue traumatizada por la muerte de su hijo menor. El padre Douglas (Martin Sheen) tiene la difícil misión de conseguir recuperar la fe perdida de todo un pueblo que se siente abandonado y rechazado por Dios y por tal motivo no acuden a la iglesia. Otra repentina tragedia junto a una rara ocurrencia de Leo (construir un barco) provoca que los habitantes de la aldea crean haber presenciado un milagro y consideren a éste como una especie de mesías. El Padre Douglas con en estos hechos y a través de la figura de Leo tiene la esperanza de resucitar a un pueblo deseoso de encontrar una señal que les devuelva de nuevo la fe.

En The Vessel (El Navío) se siente la presencia e influencia del director Terrence Malick con el que Julio Quintana trabajó en el Árbol de la Vida (2011) y en To The Wonder (2012). En la primera colaboró en la elaboración del documental El Árbol de la Vida que forma parte de los extras del interior del DVD comercializado de la película, y en la segunda como consultor. La presencia del maestro se percibe en la espiritualidad y el simbolismo de sus imágenes, muchas de ellas bellamente fotografiadas como si fueran composiciones pictóricas, en los elegantes travelling donde la cámara parece que flota y se balancea cuando recorre la aldea y persigue a los personajes, y en ese realismo imperante a lo largo de la película al mostrarnos el paisaje y los entornos iluminados de forma natural.

Julio Quintana crea una película muy emotiva y espiritual donde se cuestiona el significado de la vida, la existencia de Dios, cual es nuestro lugar en el mundo, o la eficacia del amor para curar las heridas de nuestro interior y olvidar el pasado. Se contempla la religión de una manera inteligente al mostrarnos tanto sus ventajas como sus inconvenientes dando lugar a establecer un interesante debate teológico sobre la necesidad e importancia o no de la Iglesia, y el sentido de su propia existencia. El tema central de la película se basa en la búsqueda constante de la esperanza y la fe como elementos vitales para encontrar esa fuerza y estimulo necesarios en las personas para liberarse de ciertas ataduras del pasado.

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Paterson es el nombre de un conductor de autobús y aficionado a la poesía (Adam Driver), que vive en Paterson, New Jersey. Para Paterson su poesía se inspira en el mundo que le rodea, en las conversaciones de los pasajeros que escucha durante la conducción diaria, e incluso en algo tan liviano como las cerillas de punta azul acumuladas en un tazón de la cocina. Su poesía es lo suficientemente buena como para dotar a esos objetos cotidianos de fuerza y emociones profundas. Paterson utiliza la poesía para reflexionar sobre su trabajo, su ciudad y su relación con su mujer, Laura (Golshifteh Farahani).

La película está dividida en siete días que narra la rutinaria vida del joven Paterson, su caminata diaria hacia al trabajo y de regreso a casa como sus visitas al bar de su barrio todas las noches aprovechando el paseo al perro. Siempre deja atado al perro en el mismo sitio de la calle antes de entrar al local, siempre se sienta en la misma parte de la barra del bar, y siempre en el interior mantiene el mismo tipo de conversaciones con su amigo Doc (Barry Shabaka Henley), camarero orgulloso de la localidad donde vive, dedicado a colocar en la pared cualquier celebridad o noticia importante vinculada a la ciudad.

Es un film al mismo tiempo sencillo y reflexivo, y lo que podría parecer tedioso y monótono resulta ser inspirador y estimulante, sin perder en ningún momento esa encantadora ternura y sensibilidad que impregna cada plano de la película, iniciada todos los días con un beso de Paterson a su amada esposa, Laura, tras despertar de la cama sin hacer uso del despertador para comenzar la “rutinaria” jornada. Aquí nuestro héroe no es sobrehumano, ni con poderes fantásticos, ni con una vida agitada llena de emociones sino más bien todo lo contrario, se trata de un hombre común, más terrenal, más cercano, con una vida existencial sin muchas pretensiones al que Jim Jarmusch homenajea y aplaude en contraposición a ese otro cine comercial con la idea equivocada que la mundanidad equivale a la mediocridad.

Poco a poco nos vamos acostumbrando a esa mágica y cautivadora rutina de Paterson de tal forma que comenzamos a envidiar su modesta existencia forjada para si mismo hasta el punto que cuando se interrumpe por la llegada del fin de semana se siente como un cataclismo. Paterson es un poeta de talento cuyo reflejo artístico es William Carlos Williams natural también de la ciudad de Paterson, que es feliz por compartir sus escritos únicamente con su esposa sin ningún otro tipo de pretensión a pesar de los intentos frustrados de ella para que los publique o al menos fotocopie su “cuaderno secreto” para conservar y salvaguardar sus escritos.

A medida que Paterson realiza sus poemas antes de su jornada de trabajo o en el almuerzo, su voz en off lee las líneas que escribe en su libreta al mismo tiempo que el texto fluye a través de la pantalla. Es interesante ver las diferencias en su trabajo a medida que pasa por varios borradores, la ligera reestructuración de las frases y los sutiles cambios en la inflexión, todos esos pequeños ajustes que convierten la buena escritura en una gran obra. Todo el proceso creativo del artista desde la inspiración hasta su elaboración está expresado de una forma tan meticulosa y elegante que Jim Jarmusch consigue hacer de lo simple algo bello y hermoso, y de lo rutinario una secuencia melódica y armónica de gran vitalidad.

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La vida de Pablo Escobar, llamado “el rey de la cocaína”, y todo lo relacionado con su imperio de la droga ha proporcionado numeroso material para libros (Matar a Pablo Escobar, de Mark Bowden), televisión (La reciente serie Narcos del canal Netflix) y cine (Escobar: Paraíso Perdido, 2014). En la década de los años 80 el gobierno de los Estados Unidos puso en práctica una serie de estrategias dirigidas a poner freno a todo el flujo de droga que entraba y salía del país. Una de ellas fue introducir agentes infiltrados dentro de la estructura mafiosa del cartel colombiano como nos cuenta Brad Furman en Infiltrado a través del agente de aduanas Robert Mazur interpretado magistralmente por Bryan Cranston, asociado inevitablemente por su papel del antihéroe Walter White en la serie Breaking Bad, como ese inicial padre de familia afable y cordial con cáncer que entra en el lado oscuro, en una espiral de destrucción sin retorno, para convertirse en algo parecido a un psicópata y pasar de honrado químico a cocinero de metanfetamina.

El guión de la película escrito por la madre del director, Ellen Sue Brown, está basado en hechos reales recogidos en el libro escrito por el propio Robert Mazur donde adopta la identidad secreta de Bob Musella, un hombre de negocios con múltiples empresas dispuesto a mover su dinero a través del mundo de la droga. Robert Mazur, a punto de jubilarse, se mete en esta complicada misión asumiendo que será la última para poder disfrutar de su familia, con la finalidad de paralizar una de las organizaciones criminales más notorias en el mundo. Su compañero de viaje y socio en esta operación policial es Emir Abreu, interpretado por el actor colombiano John Leguizamo, agente con una energía irresistible, ama y disfruta con su trabajo, es el contacto con los colombianos y posee un informante dentro. La actriz Diane Kruger interpreta a la policía Kathy Ertz como la pareja y futura esposa de Mazur en la farsa policial, algo inexperta pero con mucha capacidad para la actuación y una gran versatilidad para adaptarse a todo tipo de situaciones complicadas. La química entre ambos es perfecta y la tensión sexual es constante durante toda la misión. Por último, los espectadores españoles reconoceremos rápidamente en el reparto dos caras de nuestro cine patrio, la actriz palentina Elena Anaya ganadora al Premio Goya como Mejor Actriz en la Piel que Habito (2011), en el papel de Gloria Alcaino, la mujer del narcotraficante y brazo derecho de Pablo Escobar, Roberto Alcaino (Benjamín Bratt), y el actor mallorquín Simón Andreu, como el narcotraficante Gonzalo Mora.

Es difícil cuando vemos Infiltrado no acordarnos de Donnie Brasco (Mike Newell, 1997) ya que ambas películas tratan de policías infiltrados dentro de estructuras mafiosas, con familias que deben abandonar y proteger de manera provisional para que no obstaculicen su trabajo, y consiguen ganarse la confianza de la organización criminal e ir escalando poco a poco puestos para poder desarticular toda su estructura. A medida que contemplamos como se desarrolla y fortalece una auténtica relación de amistad entre Roberto Alcaino y Robert Muzar sabemos que éste terminará sintiéndose culpable al tener que traicionar a su nuevo amigo como ya vimos antes a Al Pacino en Donnie Brasco (1997) o a Johnny Depp en Blow (2001). A pesar de que estamos ante una película que no nos ofrece muchas cosas nuevas, que ya hemos visto reiteradas veces y con bastantes escenas predecibles, Brad Furman logra mantener una fuerte intensidad a lo largo de las dos horas que dura la película consiguiendo realizar un thriller tenso y emocionante.

Lo más destacado de la película es observar a dos personalidades tan diferentes y distintas, Mazur y Abreu, como son capaces de encajar y complementarse para formar un equipo perfecto. Esta fórmula de la pareja de policías antagónica obligados a trabajar juntos y que terminan por entenderse es muy típica en el género policiaco y ha dado lugar a importantes duetos como Ryan Gosling y Russell Crowe en la reciente Dos buenos tipos (2016) u otras más clásicas como Denzel Washignton y Ethan Hawke en Training Day (2001) o Michael Douglas y Andy García en Black Rain (1989) entre otras muchas de una gran lista. Pero en Infiltrado hay que destacar por encima de todo la más que sobresaliente actuación de Bryan Cranston como Robert Mazur, un personaje obsesivo pero sin perder nunca la cabeza que sabe exactamente cuando el peligro está acechando en cada esquina, frente la habilidad de Abreu para manejar cualquier situación y adaptarse e integrarse perfectamente a ese estilo de vida del mundo criminal.

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En El Tesoro, a un joven padre de familia, Costi (Toma Cuzin) un día su vecino Adrian (Adrian Purcarescu) le confiesa la más que probable posibilidad de la existencia de tesoros escondidos en los terrenos de la casa de sus abuelos pero no puede permitirse los aproximadamante 800 euros que supone contratar un detector de metales. Por tal motivo, le pide ayuda económica como socio capitalista para costear los gastos generados por el alquiler del detector a cambio de compartir a medias los posibles beneficios obtenidos por el reparto del tesoro. El escepticismo inicial de Costi poco a poco se va transformando, y no podrá resistir la tentación por encontrar el oro, hasta el punto que organiza su trabajo con el fin de tener tiempo libre para contratar los servicios de un profesional, Cornel (Corneliu Cozmei), lo que originará una serie de equívocos y divertidas situaciones en la oficina con su jefe.

Lo atractivo y mágico de El Tesoro reside en su simplicidad y en carecer de pretensiones artísticas y estilísticas con lo que tan solo parece un intento de Corneliu Porumboiu por salvar el frustrado proyecto inicial basado en un documental sobre la historia familiar de su amigo Adrian Purcarescu, según la cual su abuelo habría enterrado un importante tesoro en el jardín de su casa antes de que los comunistas se hicieran con el poder. La búsqueda fue un fracaso debido a que el tesoro no pudo encontrarse, y el motivo que propició la cancelación del documental. Sin embargo, el proyecto siguió adelante para transformarse en una película de ficción, donde el propio Adrian Purcarescu y Corneliu Cozmei se interpretan a si mismo, uno como el vecino que pide ayuda a Costi para realizar el viaje en busca del tesoro y el otro como el técnico contratado portador del detector de metales.

La aventura llevada a cabo por Costi y Cornel raya lo absurdo y surrealista pero vista con ternura y complacencia por los espectadores debido a la ingenuidad de nuestros dos héroes a la hora de afrontar y tomar decisiones en su ansiada búsqueda, provocando situaciones de lo más disparatadas y cómicas sobre todo cuando se encuentran en el interior de la casa y en el jardín observando las reacciones de los detectores de metales, uno que emite ruidos y otro que elabora gráficos. Esta aventura está muy alejada de las proezas de Robin Hood descritas en el libro que Costi lee a su hijo todas las noches en la cama antes de ir a dormir donde aparecen malvados villanos, cortesanas y princesas en peligro y combates de espadas. El verdadero interés de Costi sobre esta hazaña destinada a la búsqueda del tesoro escondido está encaminada a remover su anodina vida para transformarse en un héroe hecho realidad ante los ojos de su hijo, como en las historias de los cuentos.

Corneliu Porumboiu al igual que en sus excelentes películas anteriores, 12:08 al este de Bucarest (2006) y Policía, Adjetivo (2009), en El Tesoro despliega el uso del tiempo real a esmerados y laboriosos fines donde lo absurdo y cotidiano se dan la mano. Utiliza un enfoque discreto para convertir los minuciosos detalles de la existencia cotidiana, la burocracia, la rutina diaria, el pago de facturas…., en una comedia absurda. El Tesoro está lleno de sutiles observaciones relacionadas con la identidad nacional, no solo en la forma en que los rumanos miran al pasado donde la época comunista se ve como algo oscuro para olvidar, sino también en el presente en la forma en la que ven la educación de los hijos y el respeto en la ley.

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En Septiembre de 1938 se efectuó una conferencia en Múnich entre Adolf Hitler y los líderes aliados de Francia, Italia y Gran Bretaña en la se decidió ceder el control de Checoslovaquia con el fin de impedir una guerra europea. De esta manera Checoslovaquia es obligada a rendir su ejército y los alemanes ocupan el país sin emplear ningún disparo. Un año más tarde, el esfuerzo de aquella reunión se frustró debido a la invasión de Polonia por Hitler, dando comienzo a la Segunda Guerra Mundial. En esta guerra las fábricas checas son de vital importancia pero la producción se ve obstaculizada por la fervorosa resistencia existente en todo el país. Hitler intentó reprimir esta resistencia enviando a Praga a su tercer mando, Reinhard Heydrich, apodado “El Carnicero de Praga” y uno de los arquitectos de la “Solución Final” de Hitler para exterminar a los judíos, para vencer al país en sumisión. Ante esta situación el gobierno de Checoslovaquia exiliado en Londres planeó un ataque para la resistencia llamada Operación Androide para conseguir fortalecer el espíritu nacional.

La historia de Operación Anthropoid se inicia con la llegada en paracaídas a Praga de los soldados checos, Josef Gabcík (Cillian Murphy) y Jan Kubis (Jamie Dornan), en diciembre de 1941 para contactar con la resistencia en la ciudad y llevar a cabo el asesinato de Heydrich en un claro acto desafiante contra la dominación alemana. A pesar de que la narración de los hechos históricos sobre la organización y planificación del atentado contra Reinhard Heydrich ya fue llevada al cine con Siete Hombres al Amanecer por Lewis Gilbert en 1973, Operación Anthropoid se mantiene como una interesante e instructiva película con una nueva perspectiva para ayudar a conocer mejor un importante y poco conocido episodio sobre la historia de la Segunda Guerra Mundial protagonizada por los esfuerzos de la resistencia checa. En esta versión de Sean Ellis se reconstruye fielmente tanto los pocos minutos que duró el ataque al coche oficial de Heydrich como las sucesivas acciones llevadas a cabo despues por el ejército alemán culminadas con el asedio durante seis horas a la iglesia de San Cirilo contra los siete soldados de la resistencia checa que organizaron el atentado.

Si nos apartamos del valor didáctico estrictamente histórico del film y nos centramos en lo cinematográfico, deberíamos empezar diciendo que el interés y la tensión en la película es muy desigual a lo largo de su estructura narrativa, va de menos a más. La primera mitad donde se planifica toda la misión es bastante lenta y monótona, nada se filma claramente y le cuesta un horror arrancar, sin embargo la parte final, en la culminación y el desenlace, cuando Sean Ellis filma minuciosamente el ataque al coche oficial de Reinhard con cámara en mano en continuo movimiento y muchos primeros planos de rostros nerviosos, sudorosos y tensos, la película consigue algo de suspense, elevar el ritmo de la narración y contagiarnos de la tensión existente, pero dura demasiado poco, se hace corto, y no se entiende como no incide en filmar más escenas del atentado. Aun así, lo que viene a continuación no decae en intensidad, la brutalidad nazi es retratada de forma horrible y detallada, y la acción nos traslada minutos después del atentado de forma vibrante al caótico y violento desenlace final con los siete soldados checos asediados en la iglesia.

No estamos ante una película memorable sobre la Segunda Guerra Mundial pero es entretenida en líneas generales que no es poco, donde se nos plantean una serie de preguntas interesantes relacionadas sobre el precio a pagar de la guerra: ¿matar a un nazi sin escrúpulos como Heydrich tenía realmente algún valor y merecía la pena, sabiendo el alto coste de las represalias nazis que ejecutaron a más de 5000 ciudadanos checos y exterminaron a un pueblo entero (Lidice)? Difícil respuesta pero la realidad es que la guerra duró tres años más.

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La película de Anne Fontaine es un drama angustioso y esperanzador basado en hechos reales, cuya historia se centra en Mathilde Beaulieu (Lou de Laâge), una joven médico que trabaja para la Cruz Roja Francesa instalada en Polonia con el fin de garantizar la repatriación de los prisioneros franceses heridos en la frontera entre Alemania y Polonia. Una vez terminada la ocupación nazi, el país tiene que hacer frente a otro problema: el ejército ruso que se ha establecido en territorio polaco con unas consecuencias para la población en la mayoría de los casos igual de malas. Mathilde descubre en los meses finales de su estancia en Polonia, a través de una monja polaca en busca de ayuda, como el ejército rojo pasó por un convento violando a muchas de ellas y dejándolas embarazadas. En un principio contará con la oposición de la abadesa al cargo del convento, la Mère Abesse (Agata Kulesza) para aceptar la ayuda y con los obstáculos de algunas monjas que por razones religiosas no pueden ser tocadas ni vistas desnudas. Pero las fuertes creencias religiosas chocarán con la dura realidad y poco a poco las monjas se vuelven dependientes de Mathilde.

Las monjas se encuentran en una gran encrucijada, por un lado no pueden acudir a ningún médico ruso o polaco porque serian informadas las autoridades competentes en el poder y en el mejor de los casos implicaría ser desalojadas y quedarse sin hogar, y por otro lado si la iglesia se entera de los hechos acontecidos el convento sería cerrado de forma fulminante por sacrilegio. Por tal motivo, Mathilde acepta ayudarlas al mismo tiempo de mantener su secreto asumiendo enormes riesgos para su seguridad e integridad física.

Es un drama emocionante sobre la lucha interna por mantener la fe en situaciones extremas donde las monjas deben sostener una dura prueba de fe religiosa ante el temor de que serán castigadas por Dios por no cumplir con su voto de castidad. Es una película bellamente fotografiada en tonos oscuros y sombríos.

A continuación reproduzco el extracto completo de mi crónica de la Seminci 2016 donde hago referencia a Las Inocentes:

La segunda jornada del Festival se inició con Las Inocentes de la directora luxemburguesa Anne Fontaine que acudió por la mañana a la rueda de prensa para presentar su película. Ella nos descubre que el punto de partida del film es real, es el cuaderno de trabajo de la joven médico francesa que contaba el día a día de lo que hacía y de las personas que iba conociendo durante la guerra y en uno de ellos encontró a unas monjas a punto de dar a luz. El sobrino de la médico, fallecida un año después de haber salvado las vidas de estas monjas, conservaba el cuaderno y siempre estuvo interesado en hacer una película sobre este episodio por lo que según nos revela Anne Fontaine,”un día fueron a visitarme unos productores que me dijeron que tenían una historia para mí y me despertó mucho la curiosidad”. Los escritos de la doctora no eran muy descriptivos sino mas bien “técnicos y científicos” por lo tuvieron que poner mucho material ficticio en el guion para desarrollar una historia, nos confiesa la directora.

La última película de Anne Fontaine mantiene bastantes nexos de unión con la magnífica Ida (2013) de Pawel Pawlikowski no solo por compartir a la fabulosa actriz polaca Agata Kulesza que de juez desengañada y alcohólica pasa ahora a ser la estricta madre superiora de un convento de monjas sino también porque ambas están localizadas en la Polonia post Segunda Guerra Mundial y aparece el tema de las dudas de fe y la liturgia religiosa dentro del convento. En Las Inocentes todos los personajes principales son mujeres y nos ofrece una perspectiva únicamente femenina donde el espectro y la amenaza de la violación está presente a lo largo de la película como un espíritu sombrío flotando en el ambiente cada vez que un hombre interactúa con una mujer, sobre todo después de la situación traumática vivida por la protagonista en un control soviético nocturno de carretera que nos ayudará a comprender mejor el compromiso de Mathilda con las madres y los niños en el convento.

El relato de las monjas en el convento saca a relucir una serie de oscuros episodios acaecidos al finalizar la Segunda Guerra Mundial de los que se habla poco en los libros de historia como son las abominables violaciones a las mujeres por parte de las tropas vencedoras que ocupaban los territorios enemigos y que a pesar del paso de los años siguen estando desgraciadamente en plena actualidad porque en palabras de Anne Fontaine “en los países en conflicto la violación se sigue utilizando como un arma de guerra”. La película es un drama desgarrador que pone a examen el uso de la fe y condena los fanatismos y el dogma llevado a circunstancias extremas. Está realizada con mucha sensibilidad, equilibrio, y transmite al mismo tiempo emotividad y amargura.

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La historia de Michelle & Obama sobre como salió la primera cita, en un verano de 1989, de un joven asociado en un bufete de abogados de Chicago llamado Barack Obama con su tutora de despacho, Michelle Robinson, no tendría especial interés si no fuera porque aquella relación terminó en boda y se convertiría en 2009 en el matrimonio más famoso e influyente del mundo cuando trasladaron su residencia familiar a la Casa Blanca. Aquella cita cuyo objetivo inicial era únicamente laboral para asistir a una reunión vecinal terminó siendo un pretexto para pasar un día entero juntos, visitando obras de arte afroamericanas de Ernie Barns en el Instituto de Arte de Chicago, tomar unas cervezas, ir al cine para ver Haz lo que Debas (1989) del director Spike Lee, y acabar tomando un helado de chocolate.

En esa intensa jornada ambos tienen la oportunidad de conocerse mejor y divagar sobre la vida, además de proporcionarnos interesantes puntos de reflexión sobre problemas raciales y de género en la sociedad americana actual, donde se nos muestra el talento de Barack Obama para agitar a las masas y llegar a la gente (Incluida Michelle) a través de su excelente oratoria que comprobamos en su profundo y emocional discurso en una pequeña comunidad de vecinos, y las frustraciones e inquietudes de Michelle que vemos reflejadas en sus diálogos con Obama al sentirse capacitada para realizar otro tipo de actividad de mayor relieve y cuya vida social está enfrentada con la laboral. También hay que destacar esa lucha interior de Obama contra su padre que lo abandonó a él y a su madre a una edad muy temprana y que lo ha marcado toda su vida.

El tono de la película se aleja bastante de un biopic al uso ya que se trata de una historia romántica basada en hechos reales de un episodio concreto en la vida de los Obama, la primera cita, el primer beso, aunque el discurso en la reunión de la comunidad como ha reconocido el propio director Richard Tanne sucedió realmente un año después. La película tiene lugar en el transcurso de un solo día, conservando el mismo formato, estilo ligero y soñador de cualquiera de las películas de la trilogía “Antes de” de Richard Linklater.

En cuanto al guión, las conversaciones se sienten la mayoría de las veces espontáneas y naturales. La poca acción se compensa sobradamente con las magníficas y carismáticas actuaciones de la pareja protagonista. A destacar la interpretación de Parker Sawyers en el papel de Obama de forma magistral, tanto en la reproducción de los tonos de voz como en los gestos y tics, además de que físicamente ambos tienen bastante parecido entre sí. Hay un gesto muy característico de Obama con la boca y la lengua que Sawyers lo borda como también sus movimientos de manos y su peculiar sonrisa. En cuanto a Tika Sumpter como Michelle realiza una actuación consistente y vigorosa transmitiendo gran fuerza y carácter a su personaje. En definitiva es una película sin grandes pretensiones pero con mucho encanto, sincera y elegante.

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