Rocambolesca provocación cuidada al detalle en lo visual.

Pues una vez vista LA PIEDAD: estéticamente es una pasada, cuidada al extremo en maquillaje, peluquería, puesta en escena, decorados, todo rosa o pastel y muy perfeccionista en todos los detalles.

Ahora bien, la historia es simple, madre posesiva al extremo, hijo dócil palurdo enfermo a causa de la madre.
Con escenas entre perturbadoras, histriónicas y enfermizas por llevarlas al límite de la provocación casi obsesivamente.

No me ha gustado.... pero tampoco me ha espantado tanto como pensaba.
Sobre todo, comparada con otras películas de esas de sensación de ver crecer la hierba, o las de rodar y mostrar (sólo) los pequeños detalles de la vida, que están tan de actualidad, por poner un ejemplo de ese tipo, AFTERSUN, una peli que debería ser estupenda y...
resulta que una vez vistos los primeros 30' de peli aún no ha pasado nada... NADA !!!! una niña que se va de vacaciones con su padre y ya está.... es horroroso este cine naturalista que narra la vida, sencilla, monótona y sin nada más que el pasar del tiempo... en el que todo vale, cualquier exceso de tiempo, ya que para grabar ahora ya no se usa celuloide (que era carísimo).
Este ejemplo de peli, rodada y montada sin mas, es peor que la de Eduardo Casanova, sin duda... que por lo menos está cuidada y currada al máximo, y trabajada tanto en la preparación como en la ejecución.

Qué grande es el cine y qué grande compartir las sensaciones que nos produce !!
Con esta película me ha ocurrido algo gratamente excepcional, gracias a Filmaffinity y sus usuarios:
No me gustó la película, escribí una reseña sobre ella y un usuario desconocido me escribió con el propósito de que yo entendiera algo más de esta película, porque era una lástima que me hubiera perdido las partes sensacionales que él había descubierto en ella.

Después de leerle, modifico mi crítica, porque merece la pena mostrar esos buenos "colaterales" que tiene el cine y los cinéfilos desconocidos que comparten su experiencia.

Mi crítica inicial:
Como ver un video de vacaciones en Benidorm rodado por un chaval, con su móvil

Se supone que esta película debería ser estupenda, se llama AFTERSUN y...
resulta que pasa y pasa el tiempo... y en 31' de peli aún no ha pasado nada... NADA !!!! una niña que se va de vacaciones con su padre y ya está....

Me parece terrible de sobrellevar este cine naturalista que narra la vida, sencilla, monótona, los pequeños detalles de la vida y sin nada más que el pasar del tiempo...

Es que es como ver un video de vacaciones grabado por un chaval en su móvil, incluido el baile de La Macarena en hotel cutre.

Cómo se nota que ahora no se gasta celuloide (carísimo) para rodar.
Lo de seguir la presentación, nudo, desenlace... para qué?.. mucho mejor coger la cámara e ir rodando trozos de momentos de las vacaciones. Total, están montados sin estructura alguna...
Una pena, como ver la vida pasar, a tiempo real, cuando no hay nada Interesante o un hilo conductor.


En spoiler la explicación del usuario OMOLOC (merece la pena leer la crítica que ése usuario ha escrito en Filmaffinity), para poder disfrutar de esta película

Edén es una película que, de puro misteriosa, es tediosa.

Las cuatro personas que acuden a esa empresa de asistencia al suicidio, cual balneario suizo pero en el norte de España , rodeados de verdor, montañas y lluvia, tienen cada uno sus motivos para matarse, pero no se han atrevido a hacerlo por ellos mismos.

La película avanza lentamente con la interactuación entre ellos, de manera misteriosa, con miradas largas, conversaciones a media voz, a veces a gritos, según las ofensas que se hayan hecho unos a otros...

La grandiosa actriz habitualmente suprema Marta Nieto en esta película no luce para nada y, al contrario, creo que desaprovecha sus dotes interpretativas. Ramón Barea es el que mejor está, pero casi es el mismo papel de siempre, abuelete comprensivo que intenta ayudar y remediar los problemas de los demás.

Cuando acaba la película ya tenías ganas de que se murieran todos... de puro misteriosa resulta tediosa

Con esta película de 12 minutos Santiago Requejo nos hace cuestionarnos, nos enfrenta a nuestros prejuicios y miedos asociados a la enfermedad mental y nos abre una ventana a su entendimiento y al reconocimiento de la lucha callada y heroica que libran en el día a día las personas afectadas por seguir llevando una vida "normal".

A pesar de la gravedad del tema tratado, Requejo consigue dotar a su trabajo de ritmo, cercanía y verosimilitud.
Lo consigue con un uso inteligente del humor y la ironía, con un guión que soporta unos diálogos ágiles, en los que no sobra ni falta nada, y con un hábil uso de los recursos técnicos puestos al servicio de la narración.
El plano secuencia en el que está rodado y la coreografía de cámara no son meros alardes técnicos sino que integran al espectador como un miembro más de la junta vecinal.

Destacar la forma en que cierra el corto:
la última frase, sensacional.
Y los títulos de crédito, en los que sigue haciéndose visible esa ironía y sentido del humor que rodea esta película, desplazándose al ritmo traqueteante del viejo ascensor.


Votamos nace de una conversación de Santiago Requejo, su Director, con un amigo especialista médico, que le cuenta una anécdota sobre un problema al que se enfrenta un paciente, que desencadena el proceso y que acaba dando forma a esta inteligente, interesante e impactante película de doce minutos.

Extraterrestre con techo de cristal.

Una maravilla de corto, trata un tema social en un contexto de ciencia-ficción castiza.

Habla de un tema relevante, social, al que se le saca punta de una forma actualizada, pero evitando caer en “lo que está de moda”, cosa que se agradece, y con ese ingenio y toque de humor murcianico que se disfruta tanto.

Nótese que en el título de esta reseña, “ExtraterrestrE” acaba en e, y tanto puede ser “él” como “ella”.
No se puede hablar más de la historia para no destriparlo. Dura 5’ y es genial.

Merece la pena saber que, según explica su Director, Pedro J.Poveda y equipo, este corto fue un reto muy interesante: se presentaron a un concurso de cortos donde en 48 horas tenían que crear, rodar y montar el corto. En las diferentes fases de esos dos días, mientras unos dormían otros preparaban el guión, buscaron localizaciones asequibles y planos y escenas sencillas, matizaron cómo dar dinamismo a la historia con matices y elipsis con pinceladas de humor.
El resultado es como para sentirse muy orgulloso: este corto es la prueba de que la falta de medios, de tiempo y de recursos, agudiza el ingenio.

Sigo en zona spoiler

El poder del cine mostrando la fragilidad de la memoria, las imágenes distorsionadas de los recuerdos.

No es una película sobre terrorismo, ni sobre Bataclán, sino que es una película sobre dos personas concretas, sobre su retrato, partiendo de lo concreto, de lo íntimo de las vivencias y de los recuerdos (muchos de ellos tergiversados en el tiempo o por la intensidad de lo vivido), en lugar de partir sobre temáticas amplias como un atentado directo a los placeres compartidos, los lugares donde la sociedad occidental es feliz: un estadio de fútbol, terrazas, un concierto…
Trasciende el hecho o la crónica de Bataclán y de lo que habla es del dolor y de lo que recuerdan los personajes, la producción de recuerdos inventados o tergiversados por la mente, por lo que la historia logra una universalidad.

Isaki Lacuesta cuenta sobre la película:
Lo que más costó es conseguir que no se recreara de una manera documental lo que pasó en Bataclán sino que querían mostrar una experiencia subjetiva que se va modificando con el tiempo. Cuando se intenta distinguir entre recuerdos vividos y recuerdos inventados no hay una diferencia, en nuestra cabeza todos son los mismos y están transfigurados. Son muy interesantes las investigaciones que se han hecho en psicología sobre la memoria y los falsos recuerdos, que nacen casi todos a raíz del 11 de septiembre, un evento en el que hay muchos testigos que están ahí todos al mismo tiempo y pueden comprobar cómo los recuerdos se modifican a lo largo de los años. El cine permite plasmar esta idea, porque la imagen objetiva y la subjetiva tiene la misma presencia y puedes elegir como Director cómo mostrar eventos temporales como el pasado, el futuro, el recuerdo, etc, con blanco y negro, con flashbacks, pero también puedes hacerlo sin distinguirlos y el cine lo admite con tanta naturalidad como nuestra forma de pensar.

Las personas reales que inspiraron esta película han asesorado durante todo el rodaje y ayudaron a la reconstrucción de todos los espacios, de los movimientos, la iluminación, etc. explicando también al equipo técnico y al artístico logrando entre todos tener una misma longitud de onda.
La primera vez que quedaron con ellos dos en París, después de leer el libro, que está escrito en primera persona; fue muy llamativo que incluso después de haber hablado tanto entre ellos, después de escribir el libro, se contradecían en los recuerdos que tenía cada uno de ellos.

Por eso la película está estructurada así: por un lado la imagen reprimida, no son flashbacks sino imágenes que emergen en ese momento, son recuerdos diarios que van apareciendo en ese bloqueo postraumático mientras se va rompiendo la coraza. Igualmente la película plasma lo que ocurre con los recuerdos que parecen vívidos y reales, que luego no lo son, pero se quedan fijados en tu memoria (mejor explicado en zona destripe).

En cuanto a la escritura de guión, entre tres personas, hubo cambios clave de la película respecto al libro:
- La estructura: el libro dedica mucho tiempo al atentado y justamente lo que más importaba en la película era lo que los medios de comunicación no pueden cubrir, que es lo íntimo, la experiencia de vida y por eso invirtieron la proporción de tres cuartos de película lo que hablaron con ellos y un cuarto a aquella noche, a la inversa que el libro.
- incorporan el punto de vista de ella, que en la realidad es argentina pero en la película es francesa, que les permitía incorporar la visión del país más conmocionado donde ha habido más víctimas y eso también permitía que tuvieran diferencias con la posibilidad de huida, Ramón tiene un lugar donde volver, que es España (aunque luego se da cuenta de que ese lugar tampoco es el suyo), pero Celine no puede escapar de Francia

En la vida real, al cabo de un año, cuando los cuatro amigos se volvieron a reunir en la sala Bataclán en otro concierto de Rock, aparecieron Ramón con su camisa y los cuatro amigos con la misma ropa que llevaban aquella otra noche; aunque una de ellas dijo que no era intencionadamente, que no fue para hacer catarsis, sino que nunca más se había comprado ropa de rockero y no tenía más que eso para asistir a un concierto de Rock; pero es obvio que los tres acudieron así, con la misma ropa que llevaban. Uno nunca sabe cómo funciona la cabeza y esa camisa igual sirvió de coraza y ayudó a sobrevivir.

La música está compuesta casi toda por Refree, desde las canciones que suenan en el concierto de Bataclán, como una recreación de las canciones del grupo original, hasta variantes y descomposición tecno electrónica del "Lamento della Ninfa" de Monteverdi.

Muy buena película, disfrutable.

He visto este corto varias veces y… me lleva “loca”.

En una de esos revisionados he entendido por qué me gustó tanto y por qué no me gustó la primera vez que lo vi: porque es como si mi cerebro dijera “no lo entiendo, no me gusta”, pero luego mi cerebro amante de las elucubraciones y desafíos le da una vuelta y le ve un entendimiento, un propósito y entonces dice “qué enrevesado, me hace pensar, me gusta mucho!”

Qué significado tiene el título? y ese abrazo del cartel con el que comienza el corto?
y los segundos que pasan y van contando?

No puedo desvelar más en esta parte, continuo en la zona destripe/spoiler.

Sólo decir que es un corto estupendo, que te hace pensar y cavilar y que atrae muchísimo.

Por otra parte, resaltar que este Director, Javier Marco, trabaja con la guionista Belén Sánchez Arévalo de forma frecuente y no sólo en este corto; y que el resto de sus trabajos conjuntos también son muy buenos y te hacen pensar, bien en la temática que abordan ("Uno", "Josefina") o bien en las particularidades y entresijos del montaje o la forma de rodar para que las sensaciones del visionado van más allá de cuando aparece fin en la pantalla.

“No lo harías si no lo ves. Pero si lo ves, entonces estás involucrado”

La Sede de CCOO en Madrid organizó un preestreno de esta película, invitando a sus protagonistas reales, a las personas sobre las cuales se ha basado la historia que cuenta, a plataformas de ayuda contra desahucios y demás organizaciones relacionadas con la temática, con la presencia de Juan Diego Botto, su Director, de Olga Rodríguez, guionista, dos representantes del sindicato en Madrid, además de Unai Sordo y Alberto Garzón.
Lo que queda después de visualizar la película, que llega directamente al corazón, queda la pregunta de si todos hacemos lo suficiente, cada uno se salva y hace lo que puede, pero la conciencia social en esta película está presentada desde el punto de vista del hijastro de Tosar. Un chaval adolescente que socializa con diferentes casos y plataformas antidesahucios, que descubre una situación tan complicada como perder la vivienda, que todos estamos sujetos a que esto nos puede pasar a cualquiera que viva de un salario ajustado o que éste le desaparezca. Esta película tiene un componente de clase, situaciones que no suceden a gente que vive de rentas.

JUAN DIEGO BOTTO, el Director, comparte que las razones de realizar esta historia son muchas, plantear al público en general que se entiendan estas historias, porque la precariedad en este país está íntimamente ligado al problema de vivienda, siendo un país con poca inversión en vivienda pública, porque cuando conoces a esta gente, las personas que están pasando los dramas y las personas que ayudan aportando lo que pueden para dar apoyo y soluciones, cuando conoces esos problemas pasar de largo no es una opción, por eso ha intentado contar estas historias de una manera sencilla y honestamente.
Decía Federico García Lorca que debajo de las multiplicaciones hay una gota de sangre. Debajo de las estadísticas, de los números, de las noticias informativas hay personas reales que están padeciendo las consecuencias reales de determinadas decisiones que enriquecen a determinadas personas o colectivos, que las decisiones políticas
Esas consecuencias, esas personas que se esconden detrás de los números es lo que se quiere contar en esta película, como homenaje a un montón de gente que no sólo sufre consecuencias de políticas egoístas sino que además ofrecen una alternativa y una respuesta, como solución inmediata.

OLGA RODRÍGUEZ, coguionista, comenta que el objetivo es que se conozca el problema, confiando que la película sirva para que la gente empatice y se planteen soluciones factibles y eficaces. Personajes como los de la película están creados a partir de la mezcla de las personas reales, intentando retratar una realidad y que pudiera ser eficaz en la narración cinéfila. El objetivo de hacer este guión, esta película, es despertar conciencias y poner el debate encima de la mesa, que se conozca que estas historias se dan en la actualidad. En un futuro, cualquier historiador honesto, para definir nuestro presente tendrá que subrayar que esto está ocurriendo y esto define nuestra sociedad actual, aunque sea un tema que levante ampollas. Como decía Camus hay épocas donde toda indiferencia es criminal y este guión, esta película busca terminar con esa indiferencia que hay a nuestro alrededor y subrayar que la unión hace la fuerza y juntos se pueden cambiar las cosas.

ROZALÉN:
Dado que la canción de Rozalén sale en los créditos finales de la película, raramente será escuchada por el público, ya sea porque rompe una ovación (ojalá!), ya sea porque la gente se levanta, porque el cine enciende las luces o porque interrumpen la emisión (tele, plataformas), así que por eso pongo por aquí la letra de la canción, cuyo video-clip puede verse y escucharse en FA: https://www.filmaffinity.com/es/evideos.php?movie_id=173309

LETRA DE LA CANCIÓN (banda Sonora) de ROZALÉN:
Desde el límite, no es tan fácil cuidarte
Si nos falta calor, ¿quién abrigará este viaje?
Si nos falta albergue, ¿qué nos dará las fuerzas?
¿Quién nos dará esperanza?
¿Quién todos los motivos, para apretar los puños
Y deshacer la piedra de este muro?
Vamos a darle
Otra vez que se tiñe de oscuro el sendero por andar
Las llamas de mi fuego nos impiden respirar
La marea empuja el barco, se bebe el tiempo
Se truca la balanza, nosotros con la rabia al cuello
Invento instrumento nuevo para aplacar el miedo
El grande se come al chico, y sobrevive el fiero
Reconozco en tu mirada mi misma desesperación
Dejamos redes nuevas, la fuerza será nuestra unión
Grita "esta vida no es vida"
Si pa acabar el día
Tengo que pelear
Lucha porque tú voz se escucha
Y sonará potente
Si es en comunidad
Siente que el alma está valiente
Y siempre va de frente
Con fuerza y dignidad
Grita "esta vida no es vida"
Si pa acabar el día
Tengo que pelear
Lucha porque tú voz se escucha
Y sonará potente
Si es en comunidad
Siente que el alma está valiente
Y siempre va de frente
Con fuerza y dignidad
Fuente: Musixmatch
Autores de la canción: Eduardo Cruz Sanchez / Maria De Los Angeles Rozalen Ortuno
Letra de En Los Márgenes © Sony Music Publishing (spain) S L

UNA ACTUALIZACIÓN DE “CRASH” ENSALZANDO EL ARTE, LOS ÓRGANOS INTERNOS Y EL COMER PLÁSTICO.

En un futuro distópico, en el que el humano ha perdido el sentido del dolor, por tanto, donde las infecciones ya no duelen y, por tanto, nada se limpia, todo está mugriento; una de las formas de arte es realizar intervenciones quirúrgicas que, siendo repelentes de ver, la gente disfruta con un agrado similar a ver cine porno.
En ese universo Cronenberg donde el protagonista es el bisturí y los secundarios son los órganos internos que se visualizan tras abrir el tajo con espátulas, es donde se mueve esta película, una versión actualizada de lo que ya antes mostró Crash, con unos acompañantes como Viggo Mortensen, Léa Seydoux o Kristen Stewart con unas interpretaciones sobreactuadas, de las de poner cara estática intensa cuando se sorprenden o para demostrar su excitación, que antes ya mostró Crash. Igualmente Cronenberg adapta la historia al cáncer medioambiental actual, la generación de plástico, haciendo una forma de evolución humana perfecta en los mutantes que han desarrollado un sistema digestivo para comer plástico.
El arte es el hilo de la historia: arte en el cuerpo de ciertos humanos que crean órganos nuevos e inservibles dentro de su cuerpo, como una especie de cáncer artístico. Arte en aquellos que les abren las entrañas para extirpárselos, formando un espectáculo y creándose fama. Arte en el éxtasis formado entre público y artistas, como sustituto del sexo que ya no disfrutan.

Esta vez Cronenberg remodela el placer: en lugar de lograr el éxtasis viendo o sufriendo accidentes de coches, el clímax se alcanza viendo operar y sacando vísceras del cuerpo de alguien. Misma situación visual con heridas y cicatrices que el Cronenberg-Crash/Cronenberg-Crimes. Ideas que, por otro lado, Cronenberg tiene en la cabeza desde los años 60, puesto que en 1970 ya hizo una película con el mismo título con una escena donde circulan en tarros de vidrio los órganos inútiles creados por el cuerpo de un hombre con cáncer creativo, con una puesta en escena propia de la época.

Aburrida, a veces desagradable de ver, interpretaciones estáticas-histriónicas y poca cosa de disfrutable.

En un paisaje idílico y una familia idílica, no todo es lo que parece.

Esta es una película sencilla en la puesta en escena pero con complicaciones en las voluntades y en lo que mueve a los personajes.

El entorno y paisaje donde se encuentra la casa es idílico, un valle verde, frondoso, una casa de piedra, tranquilidad, cactus autóctonos que rodean el paisaje.... en el que se mueven y viven una familia idílica, una pareja que se ama, se quiere después de muchos años juntos, cinco hijas preciosas a las que ellos mismos educan, con la ayuda de una profesora a domicilio, una educación completa, buen ambiente, risas, complicidad entre las hermanas, juegos con los padres, arte, cultura, sol, juventud.... hasta que llega un visitante inesperado que esconde sus intenciones y que inicia el cataclismo.

Cuando se ve el trailer de la película nos puede recordar un poco a la historia de Clint Eastwood (El seductor) con las jóvenes hermanas que viviendo en solitud lejos del bullicio social son seducidas una a una, pero..... la película torna un giro que nada tiene que ver con esa similitud inicial que provoca el trailer.

La primera mitad de la película es ágil, con tensos momentos que te pinchan el interés, como un cactus.... para intentar resolver el misterio que rodea la visita y a la familia... la segunda mitad se hace un poco lenta, con quizás una excesiva "introspección" de alguno de los personajes, alargando algún plano estático y rompiendo ese ritmo del comienzo... para acabar recuperando el ritmo en los cinco últimos minutos, con un final muy apropiado.

Bellas escenas, como el baile entre la pareja, los juegos entre hermanas, pinceladas de tensión muy bien llevadas sobre todo por Ariadna que, como madre, marca el misterio con su cara de bondad hacia los demás, pero su contundencia a tener un secreto objetivo muy claro.

Mención especial a dos cuestiones que me han tocado el alma: el cuento recitado de la rana debajo del agua, que yo misma cantaba con mis padres y la canción del disco setentero... además de la banda sonora, como esta por Zeltia Montes, que siendo sencilla acompaña momentos tensos y siendo tenue acompañando momentos de "alegría" familiar.....

Da gusto ver que se dan oportunidades a Directoras como Carlota González-Adrio que, con 25 años ha conseguido hacer una película entretenida, misteriosa, sencilla y con un paisaje precioso... aparentemente... :)

Alegre, divertida, comedia simpática muy disfrutable.


Historia muy actual de una familia con muchos posibles, familia tipo de las pelis de Woody Allen, en la que el mayor encanto lo tienen Alexandra Lamy y el elenco de unos adolescentes que conquistan por su forma de ser, su forma de actuar y su forma física, tan rebonica.

Alexandra Lamy lleva el peso de la película, con una actuación simpática, agradable, jovial y alegre, llena de matices de asombro, tristeza y desencanto, aunque también esperanzada. Junto a ella un marido que no le llega a la altura y que parece como distanciado del resto de actuaciones, incluso de la que hace de su amante psicóloga. El marido es el que queda un poco en la sombra, al que incluso le sobrepasa el niño pequeño gritando “conard” de forma graciosa.
El hermano mediano, un chico guapísimo con un pelo rizado y cuerpo precioso, tiene una novieta igualmene preciosa que se siente aburrida en su relación. El hermano mayor, de belleza muy escondida, tiene una forma de ser que conquista arrebatadoramente a todos, con actividades como la música en el conservatorio, pilates, danza… todas las chicas de su entorno le adoran y es el que, en momentos cruciales, ayuda a relajar a los miembros de su familia, les da cariño y apoyo con muchísimo carisma y una sonrisa encantadora. La hermana esconde un secreto en su propia timidez canalizándola a través de la danza, en la que sin mucho éxito, nunca es elegida para exhibiciones…

Hay un momento en el que uno de los hermanos está triste y el resto le anima, iniciado por el hermano mayor, logrando un buen rollo familiar, de complicidad, confianza y alegría en el que la madre, por casualidad, visualiza lo mayores que se han hecho sus hijos, lo bien que se llevan y que ya apenas tienen necesidad de ella como madre, momento igualmente de ruptura contra las reglas impuestas por la madurez, la responsabilidad y los corsés sociales del buen hacer familiar…. Momento acompañado por una música deliciosa y muy bien elegida de SIA -Thunderclouds, que vuelve a repetirse acompañando los créditos del final de la película.
Una comedia sencilla, alegre y muy disfrutable.

Venciendo falsos pudores.

La confrontación de dos personajes:

Él, Leo, Daryl: tan bello, distinguido en el porte, joven, apuesto, cultivado, con viveza, con sentido del humor, sensible, algo impulsivo, con improvisación, dado a las sorpresas y al juego, sabe usar su mirada pícara e inquietante;

Ella, Nancy, Emma: entrada en años, sintiéndose tan mayor, está marchita, apesadumbrada, es pudorosa, culta, muy planificadora, centrada en su organización, odia las sorpresas, está encorsetada y arrepentida de la falta de pasión en su vida, con una mirada hastiada, descrédula, que busca la charla y satisfacer su curiosidad intelectual más que la física.

A lo largo de la película, encerrados en esa habitación de hotel, esperamos lo que desde el principio se intuye como una explosión a los 60 años de una mujer de esa naturalidad en el sexo reprimido hasta entonces; sin embargo el momento tarda en llegar, pasando por posturas descaradas y situaciones de humor súbitamente devenidas en momentos de tremenda honestidad dramática y recuerdos a menudo autoindignantes; en lugar de encontrarnos al instante con momentos de pasión física desenfrenada, éstos se hacen esperar y, mientras tanto, vamos obteniendo vaivenes constantes como en un torbellino de revelaciones en los que el alma deplora.

En esos intercambios dialécticos, en los que él se desenvuelve muy bien con picardía, ligereza honesta, humor y destreza manejando situaciones, acaba de vez en cuando bajando la guardia y saciando la curiosidad de la vetusta profesora, desembocando a veces en instantes algo crueles emocionalmente, a veces pícaros, a veces con traumáticos recuerdos, a veces de descubrimiento físico. Para ella, Nancy-Emma, instantes de reconocer, de asumir que su vida ha tenido un encorsetamiento permanente, hacia ella misma y de ella hacia los demás, en ocasiones a sus alumnas, una renuncia a sus ilusiones y fantasías en favor de un marido muy digno, respetuoso, convencional y aburrido. Para él, Leo-Daryl, instantes de exposición de su intimidad, saliendo del personaje de fantasía creado para ser prostituto, rememorando sus traumas de infancia familiares, sus avatares, el juego de salir y entrar entre la verdad-realidad y la falsedad-ilusión.

Es valiente, es original, las actuaciones y el guión están muy bien trabajados, así como la luminosidad y los estudiados planos de los rostros y los cuerpos de la pareja. Planos divinos que parecen irradiar luz.
Entremezcla dosis de humor con dosis de drama de forma muy sabia, a la vez que reivindica la madurez y la vejez en la mujer, la visibiliza y la reivindica.

Emma Thompson es muy valiente al llevar adelante un papel como este. Reivindica toda una generación de féminas que no se atrevieron a gozar de sus cuerpos, la sociedad les imponía un pudor incluso en la intimidad de sus parejas, que no permitían aflorar la genuina identidad sexual, interesarse por su placer y sus cuerpos, transpirando aflicción y desconsuelo por todos sus poros. Reivindica el descubrimiento del cuerpo, el atrevimiento sin pudor, la naturalidad de la sexualidad, el goce íntimo del propio cuerpo, del que sentirse orgullosa a cualquier edad y disfrutarlo.

Emma está espléndida, lleva su papel con una naturalidad, adaptabilidad y naturalidad pasmosa. Se atreve a mirarse en un espejo totalmente desnuda mostrándoselo al público, irradiando belleza y seguridad y transmitiendo esas sensaciones al público, que siempre viene muy bien recibirlas siendo mujer. El último plano es sublime. Aceptación, que no resignación, del propio cuerpo y del paso del tiempo.

Daryl McCormack, en su papel de prostituto está sensacional. Además de ser guapo, guapísimo, tener el cuerpo de un dios griego mejorado con su piel mestiza, está primorosamente filmado por la cámara de la Directora, Sophie Hyde, que trata su fotogenia como una obra de arte. Es un muy buen contrapunto a Emma Thompson, que sin él no luciría tanto. Es como si Leo fuera transmitiendo a Nancy parte de su glamour, de su luminosidad y belleza casi élfica, a lo largo de sus encuentros en la habitación de hotel, a través de sus conversaciones e intercambios de fluidos.

Un disfrute de película, en las interpretaciones, los diálogos y sus planos.

La película no es feminista en el sentido de contraposición al machismo. No hay confrontación de los personajes mujer-profesora y hombre-puto, por mucho que éste sea idealizado. La película es una reivindicación de la mujer como persona, con sus propias especificidades y con sus diferencias, que la enriquecen.

Ella reconoce que sus faltas o carencias no son realmente imposiciones externas sino que vienen originadas por su falta de valentía, de su no atrevimiento a contravenir las normas sociales.

La Seguridad Social debería prescribir Leo Grande ¡!!!!! LeoGrandón en cápsulas ¡!!

La Seguridad Social se derrumba

Urgencias. Hospital público. Una noche en la que los ingresos y la gravedad de los incidentes son mayores que lo habitual, es un servicio que lleva tiempo desbordado, con sus trabajadores extenuados, siendo una noche de "fractura".

Esta película te hace pasar por emociones desde la risa o sonrisa que agradeces que surjan en algunos momentos tensos, por la ternura, la rabia, y en su tercera parte va creciendo la intensidad en angustia, tensión, cólera... como un tobogán en el que subes y bajas, tu corazón se pone a cien y tu mente acaba teniendo remordimientos planteándote si, como ciudadano, estás haciendo lo que deberías, si te involucras lo suficiente, o si estas dejando pasar las complicaciones sociales porque de momento no te afectan.

Enfermera:
Llevo muchos años en el servicio, es mi vocación, pero pienso que voy a dejarlo.
Si nos vamos todos quizás entiendan que algo va mal.
Al final de cansas de sacrificarte, siempre igual, viendo que no nos respetan. No nos respetan ni a nosotros ni a nuestro trabajo

La Fractura comienza como una comedia, menos mal que de vez en cuando nos hace sonreir, y se torna una tragedia mostrando, cámara en mano, los servicios de urgencias de un Hospital público, durante una noche de manifestaciones de los chalecos amarillos, en los que la ciudadanía estalla reivindicando los derechos sociales que está perdiendo y unas fuerzas del orden desbordada, una policía que hace cargas provocadas por el nerviosismo pues desde hace mucho tiempo nada funciona en el funcionariado, que se están fracturando los estamentos públicos, espejo de la sociedad que ya no puede más, en un hundimiento conjunto, que se lleva por delante al ánimo y los derechos de la sociedad.

Con carteles como "una Francia en urgencias", "Mucha espera poco personal", "tiempo de espera para ser atendido en urgencias: entre 8 y 10 horas. Rogamos su comprensión "; esta sala de espera y centro de urgencias de este Hospital público es como un espejo de lo que está pasando no sólo en Francia: la vulneración de los derechos que tanta lucha y años han requerido para conseguirlos, unos políticos cuyo discurso es "hacemos lo que podemos", pero no solucionan sino que dificultan aún más, que roban en las arcas públicas o aprovechan políticamente la oportunidad del descontento para resurgir franjas extremistas de derecha o de izquierda que popularizando el odio y el miedo promueven el voto por descontento.

Descorazonadora por lo real, tensa por las situaciones, te deja con inquietud física y mental, von un final muy triste en el que el último minuto es tan devastador que casi prefieres no ser consciente de esas realidades que se están dando.

Extenuante pero necesaria.

Belleza y colorido rellenando la angustia de la opresión cultural y social.

Lingui stá rodeada de belleza y colorido, en las caras, los movimientos de las protagonistas, en sus coloridas túnicas y vestimendas, en el cuidado de los planos, que se notan rodados con cariño, con intención de mostrar lo preciosas que son y angustiadas que están sus mujeres.

Circunstancias como la que tiene la madre coraje de Lingui, madre soltera a la que abandonó el único hombre que conoció y del que estaba enamorada, o como la de la jiven adolescente, con un embarazo por violación, o la mal llamada circuncisión femenina, cuando es una ablación a una niña de 7 u 8 años, que su madre no quiere hacer, la matrona experimentada que intenta ayudar a sus congéneres, exponiéndose a grandes consecuencias...

Una situación de opresión cultural, social, económica y psicológica, donde una violación a una quinceañera provoca un embarazo que las condena, a la joven y a su madre, a ser repudiadas, desacreditadas y vejadas en su comunidad, con la expulsión en el colegio, la falta de trabajo, de respeto de sus vecinos, el constante control de su imán... una situación provocada y controlada por hombres, en la que cualquiera que intente ayudar queda relegado, por relacionarse con alguien que no merece respeto o se expone a oenas de cárcel, por colaborar en un aborto, más que necesario.

Sin embargo el conjunto de la película queda como ingenuo, con algunos momentos que parecen muy fingidos o casi teatralizados en sus interpretaciones, con una historia que queda algo plana, a oesar de la intensidad de emociones y angustia que portan todas las mujeres.
Más que con su puesta en escena, me quedo con su historia, con sus situaciones terribles socialmente y sobrellevadas con sororidad, con su belleza, con sus colores y su luz.

Bien como documental o contemplación, hastío como película.

Este film es más un documental de bonitos paisajes, preciosas tomas de naturaleza, para contemplar pausada y tranquilamente, que una pelicula con el dual hilo argumental que presenta: los proscritos escapados de las caravelas de Colón, que acaban en Canarias; la mujer que intenta salvar a su hermana llevándola a una curandera.

Es curioso que, en esta obra, las personas hastían, adormecen y, sin embargo, los paisajes abruman, incluidas las tomas del volcán en erupción y las del parque del Garajonay (refrescantes, inquietantes)

La película está imbuida de una atmósfera inquietante, húmeda, sólo con espléndido sol en algún plano costero, con el mar de fondo.

Como documental se disfruta, pero como película sólo para muy entendidos o momentos muy muy muy tranquilos, contemplativos y apenados, para que el clima sea propicio.

Científicos sádicos, una jefa de policía feminazi tonta y los políticos que lo arreglan todo.

Si lo que queremos es dar lecciones de vida y comportamiento sumergidas en este tipo de películas de animación, en esta se te ponen los pelos de punta, dado fue el principal mensaje es: los políticos y los filántropos lo arreglan todo, en contraposición a los científicos, que son unos sádicos.
Mal, vamos muy mal.

La sociedad que se presenta:
Unos científicos que, tachados de sádicos por experimentar con cobayas, sin tratar en ningún momento que la ciencia es lo que salva la cuestión más importante que tenemos: la salud.
Un filántropo que, rico y adinerado, vela por la bindad de la humanidad, dando ejemplo.
Una política que arregla siempre todo, que es comprensiva, psicóloga, que ve más allá de la apariencia de las personas, que defiende el bien común y que gracias a ella la humanidad se salva.
Una jefa de policía gritona, tonta que no hace más que meter la pata, de aspecto marimacho y doblada por un hombre, tan obsesionada por dar caza a un determinado grupo de ladrones que no ve más allá, pero que grita y grita.
Unos ladrones que, una vez apresados, no van delannte de un juez para ser juzgados, sino que los ciudadanos, la gobernadora y el filántropo son los qje deciden soltarles para que se reinserten.
Un lobo que, para ser bueno, salva a un gatito de un árbol.
Un grupo de ladrones que tienen su botín impoluto, sin gastar nada, desde hace años y que luego lo devuelven todo....


Quizás convendría enseñar/educar a nuestros pequeños con unos ejemplos más acordes a lo que puede en realidad hacernos mejores y, en realidad, dar la vuelta y ejemplificar justo con lo contrario a lo que muestran los personajes.

Me ha dado vergüenza ajena, pena y la lastimosa convicción de que cada vez vamos a crear una sociedad más tonta, preocupada por las mascotitas en los árboles en lugar de por los desequilibrios sociales y la responsabilidad de los estamentos, como políticos, científicos, educativos y judiciales.

Cenicienta o la belleza del gesto de coser en Chez Dior.

Lo bueno de la película es ver cómo en casas de costura de alta gama, como es la manufactura de Dior, trabajan perdonas normales, como en otras profesiones en las que existe "el oficio", donde el perfeccionismo, el amor al arte, el cariño hacia la tarea del día a día y el trabajo en equipo, coordinado, es lo importante.
Ver las sedas transformarse, ver el movimiento de las manos con la aguja e hilo, tan cuidadosamente tratado... la belleza del gesto.

Sin embargo, el guión presenta la historia de Cenicienta modernizada: joven con aspecto árabe que vive en los suburbios, es "adoptada" casi a la fuerza como aprendiz de una mujer que ama su oficio y que a punto de jubilarse encuentra en ella la ilusion de la persona a quien traspasar su conocimiento dado que con su verdadera hija apenas se hablan.
Con sus personajes buenos, la tutora, un hada madrina, una compalera que salió del musmo suburbio, y personajes malos que está siempre fastidiando, chivando, malversando y que es tontita, a pesar de trabajar toda la vida en Chez Dior y ser una promesa hasta el momento en que ha llegado la nueva.

La oportunidad de hacer la renovación de la historia de Cenicienta con la puesta en práctica en una casa de lujo de cuestiones como la integración, la igualdad, la diversidad cultural... queda desmerecida por un guión algo insulso que no aporta nada nuevo y que desperdicia la ocasión para mostrar inconformismo y una realidad social más allá del cuento con personajes estereotipados.

Una policíaca con la acción en los diálogos, oero un poco desconcertante.

En esta película, rodada a medio camino entre película y documental, acaba teniendo una narración algo confusa y compleja: expone los múltiples puntos de vista de periodistas, de la justicia, del informante, de la policía e intenta hacerlo sin artificios, aunque resulta un poco lioso debido a que quizás hay demasiada información, entrecruza la historia de alante a atrás y no deja claro cuál ha sido la realidad.

Utiliza planos secuencia, diálogos muy naturales, que parecen de documental, buenas actuaciones tanto de los protagonistas como de los secundarios...
pero nos quedamos sin respuesta...

El informante tiene muy buena argumentación, con pruebas documentales y hechos en los que ha participado. No obstante no se muestra su intención. Por qué tira ahora de la manta.

El juicio final tiene una escena de argumentación policial, realizada excelentemente por Vincent Lindon, que parece irrefutable pero que ya sabemos que puede desmontarse con lo visto en la película hasta ese momento.

No conocemos la intención de unos y otros, si quieren acabar con sus enemigos, si lo hacen por honestidad moral, si una mezcla de los dos....

Es una película sobre el poder de la palabra, más que de espionaje, aunque al final no quede nítidamente clara cuál es la realidad.

La película se presenta como pura ficción, sin embargo, su guión se inspira en el libro L'infiltré, donde se relata una investigación identificando a exministros.
Es esa mezcla de ficción y realidad que decía al principio, como película y como documental, con bastante buen resultado, permite conocer el periodismo de investigación y comprender cómo se realizan las investigaciones que involucran a personajes que están en el poder.

Pero, el misterio queda para resolver por parte del espectador, que tendrá que decidir o juzgar qué ha visto.

Interesante pero un poquito tramposa

La película Entre la vida y la muerte es un goce para ver otra de las habituales grandes interpretaciones de Antonio de la Torre. Fantástico, como siempre.

Película de acción que te atrapa desde el primer momento, donde tanto la policía y el misterioso Castañeda (de la Torre) persiguen al mismo grupo de criminales, aunque por razones distintas.
La película consigue tener un tono de misterio, de tensión y de curiosidad constante, pero la explicación final y las reacciones de los protagonistas son un poco tramposas.
No se sostiene la idea expuesta como explicación, que se muestra en un par de frases de conversación policía -Castañeda, con las actuaciones policiales o del chaval muerto.

En fin, es una buena peli para ver en verano, porque entretiene y te mantiene en tensión por descubrir qué ocurre, aunque cuando lo averiguas decepciona un poquito por lo tramposilla que es.

LES CRIS SANS FIN QUI AGACENT

J'ai bien aimée la musique, Lost Frequencies, Moby, Grimes, Dragostea Din Tei...
le bouquet d'acteurs, que j'aime comme Marion Cotillard, Gaspard Ulliel, Vincent Cassel ou Léa Seydoux
... mais les interpretations, si bruyantes et criantes, m'ont agacée un peu.

C'est dommage parce que je crois que le film veut raconter une histoire intime d'une famille mais n'attaint pas à réussir, le gêne et les cris finalisent par faire chez l'espectateur qu'il s'en fiche de tout l'ensemble.


LOS GRITOS INTERMINABLES QUE IRRITAN
Me ha gustado mucho la música, Lost Frequencies, Moby, Grimes, Dragostea Din Tei...
el ramillete de actores, que me encantan como Marion Cotillard, Gaspard Ulliel, Vincent Cassel o Léa Seydoux
... pero las interpretaciones, tan lloronas, lloricas, brutas y chillonas, me han repelido un poco.

Es una pena porque creo que la película quiere contar una historia íntima de una familia pero no lo logra con éxito, la vergüenza y los llantos terminan haciendo que el espectador se preocupe por todo pero sin tener control o concreción de nada.