SALTA

Vas-me a malacostumbrar (Comedia familiar interesante y divertida)

Salta es una comedia familiar, española, divertida con un humor gracioso, ni tonto, ni vulgar, ni el cansino repetido y soez de película veraniega española de repetidas secuelas. Es inteligente, divertida, con la que, de refilón, aprendes cosas de ciencia, asequible y muy entretenida.

Esta reseña se titula con una frase empleada en un momento emotivo de la película, vas-me a malacostumbrar, porque se adapta bien a lo que el público español está acostumbrado en las salas de cine en época veraniega: se sale de lo habitual y eleva el nivel, para que pidamos más de algo como esto.

La historia proviene y amplía el corto de la misma Directora (Olga Osorio) EINSTEIN-ROSEN, de 6 minuto, que recomiendo encarecidamente ver, porque es divertidísimo, original y sencillo. Está disponible en abierto en la web de Filmaffinity y no hay que dejarlo pasar.

Las interpretaciones de los niños, son muy naturales, sobre todo del protagonista, que actúa con un desparpajo, destreza y seguridad poco habitual en un niño de su edad. Es gratificante ver cómo esta Directora consigue llevar tan bien a unos actores tan jóvenes y muy disfrutable el buen resultado.

Capítulo aparte Marta Nieto, que todo lo que hace lo borda. Dice mucho de ella trabajar en un papel así, sencillito y de comedia familiar, dándole todo el sentimiento necesario y sin pasarse, con el punto justo, teniendo en cuenta que esta misma semana Marta Nieto tiene en cartel otra película como protagonista (verano en rojo) y otra en la que se estrena como Directora (La mitad de Ana), que proviene de su corto “Son”.

Destacar que la película tiene tono y acento gallego, tono por lo socarrón a veces y acento de la mayoría del equipo. Si de habitual no se sabe si un gallego sube o baja en una escalera, ya es el colmo si le pones en agujeros de gusano.

Un placer encontrar piezas como esta en la cartelera.

Buena fotografía, sin más.

Don Juan es una película que tiene una fotografía fantástica: unos muy bonitos planos, con una luz y unos colores magníficos.

Sin más.

La historia pretende poner en valor a la mujer, mostrar lo complicado de las relaciones amorosas, dando una vuelta al cliché del hombre conquistador que va teniendo romances con multitud de mujeres que, enamoradas de él, no pueden abandonarle y es él quien las deja, doloridas. Sin embargo en esta película, Don Juan (Tahar Rahim) es un actor que se obnubila con mujeres desconocidas y que se obsesiona sólo con una: la que le ha abandonado en el altar.
Planos cerrados de la cara de Tahar Rahim cada vez que ve a una desconocida atractiva, con un gesto demasiado embelesado, como perdido, que llega a cansar. Virginie Efira encarna a diferentes mujeres, a la que cualquier color de pelo, peinado y estilo le queda bien y que interpreta con soltura distintos estilos de mujer.
Otro personaje es el del padre (Alain Chamfort), pianista de bar, adulador de mujeres, que provocó en su hija el amor por la música y el detestar a los seductores. Padre sufridor que visualiza desde fuera toda la historia, la turbación con extrañas y las obsesión con su hija de Don Juan, que intenta acercarse a éste y que reconsidere su actitud, pero que finalmente abandona a su suerte, porque es superior el dolor por haber perdido a su hija (se intuye un suicidio a causa de Don Juan).

La película se autodenomina “comedia musical” y para ello incluyen diferentes canciones, interpretadas por los protagonistas en los momentos que se supone que son culminantes en la historia, que en lugar de fantasía aportan músicas y letras entro lo absurdo y lo ridículo, salvo un par de piezas, que pretendiendo ser original queda imperfecta, extraña, incoherente y que, al reír por no llorar, quizás es lo que le aporta la comicidad.

Lo potente de la película es la interpretación variada de Virginie Efira, la fotografía y, a quien le guste, la interpretación entre embelesada, inquietante e ingenua de Tahar Rahim; aderezado todo con canciones con una letra y música bastante torpe, rozando lo patético, que acaba aburriendo

Una vuelta de tuerca a las películas de amor.

Tregua(s) es, como dice su Director, Mario Hernández, una anti historia de amor, donde los enamorados son los infieles, los que engañan (Festival de Málaga, marzo 2023)

Es una película que tiene como escenario el mundo del cine, pero que la puesta en escena es teatral. Con sólo dos protagonistas, en una habituación de hotel, la terraza-bar o una discoteca, con un breve paseo por la calle que rodea la catedral de Málaga.

Tiene un guión muy bien escrito, con situaciones de comedia, excelentemente interpretado, con ese gracejo natural de Salva Reina y con la buena réplica de Bruna Cusí, que también canta una canción completa de forma solvente y emotiva.

La historia plantea una relación clandestina de una actriz y de un guionista que, desde que debutaron en sus oficios y durante 10 años, se encuentran brevemente unos días al año, con la excusa y tapadera de un Festival de Cine, el de Málaga, engañando a sus respectivas parejas, con las que ya tienen una relación consolidada.

Es una historia sencilla, pero profunda, donde su trascendente guión y conversaciones plantean la pasión, los celos, el entendimiento, la complicidad, el cariño enfrentado a la pasión, la necesidad personal de mantener un reducto, una ilusión que te permita ser auténtico o lo que sueñas ser, para dejarse llevar en una fantasía. Es una tregua de pocos días que sirva para mantener el equilibrio en la vida real durante el resto del año.

Lo difícil comienza cuando te dices “Te quiero”. Donde el amor, a veces, es la complicación. No tienes por qué ser feliz porque te hayas casado o porque vayas a tener un hijo. Hay que tener espacio para ser tú mismo o para vivir tu fantasía, es una tregua.
Tal y como explica Mario Hernández, en un momento de la película se dice “no creo en la fidelidad, pero sí en los celos y en la posesión”, mostrando muy atinadamente el guión que no es lo que nosotros queremos sino lo que nos molesta es lo que la otra persona desea y no somos capaces de darle.

La película mantiene muy bien la tensión y la diversión con sólo dos actores en pantalla.
Excelentes diálogos con unas interpretaciones muy a la altura.
Disfrutable.

Un matrimonio, sin dinero suficiente para repatriar el cadáver de su hijo, fallecido en EEUU, para conseguir dinero se hacen pasar por vendedores de videos de dibujos animados de los 80” (Enrique Otero, su director en el Festival de Málaga)

Honeymoon fue presentada en el Festival de Cans (Porriño – Vigo), es una película con mucho acento gallego (secundarios) rodada en Ourense, Coruña y en paisajes de Valladolid y Zamora.

Es una película que sorprende y engancha, tras su aparente sencillez, pero al mismo tiempo tiene situaciones rocambolescas. Unos protagonistas, el matrimonio desavenido, desilusionados, con reproches y hartazgo; unos secundarios enigmáticos, raritos, a veces truculentos.
Una “road movie” con un coche recorriendo carreteras rectas infinitas, unos personajes que se juntan por casualidad, una policía con una actitud ingenua y aparentemente bobalicona, pero sagaz y perseverante, como la de Fargo, en conjunto recuerda un poco a las películas de los Coen.

Lo mejor de Honeymoon, además de las interpretaciones de Nathalie Poza, Javier Gutierrez, María Vázquez y resto de buenos secundarios, es lo sorprendente de su trama. La historia va por caminos que no te esperas y, a veces por rocambolesca, va por vertientes que no hubieras imaginado, sin llegar a convertirse en una historia surrealista ni absurda, sino que mantiene la atención y en la que a veces puedes sentirte reflejado, sobre todo en la relación de la pareja.

Tiene un comienzo dramático, con la pérdida de un hijo por parte de una pareja en declive. Prosigue con situaciones de comedia negra, incluyendo referencias de dibujos animados de los años 80 (Mazinger Z). Es una historia de amor atípica, de un matrimonio distante a punto de destruirse, que sufre la desgracia de perder a un hijo y que esto les lleva a viajar para conseguir dinero y, sin pretenderlo ni buscarlo, quizás se reconcilian. Por el camino una historia impredecible, no tanto por los giros de guión sino por el desarrollo mismo de la trama, siendo a la vez un trhiller, una comedia negra, una road movie y un drama familiar.

“La gente cree que puede empezar de cero cuando quiera, pero la gente es gilipollas”.

La película merece la pena. Distrae, divierte y sorprende.

Esta película de 29 minutos es necesaria y didáctica.
Hace visible el acogimiento familiar especializado: jóvenes que han sufrido desprotección infantil, adversidades, en su infancia y, estando en centros de acogida, pasan a formar parte de una familia en la que por lo menos un adulto tenga formación especializada (psicología, pedagogía, trabajo social) para integrarles en la familia, en la sociedad, e igualmente importante, realizando terapia para reconstruir su vida, protegerles de sus miedos, de sus estallidos, y ayudarles a superar su desregulación emocional, con una especial y constante dedicación de 24 horas los 7 días de la semana, de forma incondicional.

La historia muestra, ficcionando situaciones reales ver spoiler), cómo es una acogida, cómo la decisión implica consecuencias en la familia que lo recibe, en la pareja, pero también en la situación y superación de un joven emocionalmente truncado, con las dificultades del acogimiento (no es una adopción), de la relación con la madre biológica, de los recursos imaginativos y la paciencia, determinación, voluntad y sentido del humor que deben tenerse.
Igualmente la historia contiene la evolución de otra acogida, la del abuelo con su triste viudedad. El abuelo (Ramón Barea) es otro acogido. Además es el que representa la opinión mayoritaria de la sociedad, incluso de las personas cercanas a esta familia, personificando el punto de vista de casi todo el mundo: “¿para qué te metes en estos follones?, ¿qué necesidad tienes de complicarte la vida?” y a través del que finalmente también se muestran las respuestas, la forma de entenderlo y posiblemente aceptarlo e implicarse.

Un punto destacable son las interpretaciones:
- Sobresaliente Manuela Velasco, natural, contundente, traslada emoción y firmeza.
- Ramón Barea, siempre impecable, esquivando su dolor y su soledad
- Raúl Fdez de Pablo que, siendo un secundario, consigue el matiz necesario, porque las pocas ocasiones que entra en escena no puede desafinar, tiene que modular su participación integrándose en la situación de alrededor y en el tono del resto, y lo hace excelentemente.
- Hugo Montilla, el adolescente protagonista, desde su juventud e inexperiencia, es solvente.
- La madre biológica (Raquel Guerrero) hace un papel brevísimo, pero crucial. Con esa mirada que representa la mirada de todas esas madres que pasan una situación similar. Espectacular mirada.
- Y, pudiéndose considerar parte del elenco, la botella !: una bonita botella de vidrio, azul clarito, con un relieve como de pequeños michelines, que cobra importancia cuando explican su cometido de ser un recurso familiar, no sólo para beber agua. (ver spoiler).

Respecto a los trabajos del Director, Santiago Requejo, resaltar la capacidad que tiene para mostrarnos situaciones o cuestiones sociales de las que normalmente no se habla y que son importantes sacarlas a la luz y lo bien que hace empaparse de ellas y plantearla y mostrarlas a los demás. Sin caer en lo que podría clasificarse como cine social o cine denuncia, él sin embargo aporta su maestría con la perspectiva emocional, evitando lo melindroso. Dibuja muy bien a los personajes y es hábil para hacer una velada denuncia social manejando las emociones. Para ello puede verse “Votamos”, “Abuelos” y “24 siete”.

Sin embargo, en esta película es la música la que desentona. Unos violines con demasiado volumen acompañan dos momentos de intensidad emocional. En el instante final llegan a sonar chirriantes. Da la sensación de que no hay confianza en el espectador para que sepa cuándo emocionarse, o que no se fían de la imagen, muy bien rodada, para transmitir la fuerza que tienen.

(sigue en spoiler)

Una mujer contra un mundo directivo de hombres: hoy es culpable porque antaño fue víctima.

“La sindicalista” es la historia real, llevada al cine, de Maureen Kearney.
La historia de esta mujer, fuerte, autodeterminada, con convicciones sobre los derechos de los trabajadores y que físicamente es muy parecida a Isabelle Huppert.

Maureen Kearney, una irlandesa que fue contratada como profesora de inglés de los técnicos y directivos de una multinacional de energía nuclear y que acabó como líder sindical del grupo Areva, defendiendo los intereses de 50.000 trabajadores en Francia. En 2012 destapó las negociaciones secretas con China que implicaba transferencia de tecnología nuclear y la pérdida de empleos, alerta que implicaba a directivos y a políticos franceses y que, al comienzo se la tildaba de locura, manipulación correspondiente a un mundo de hombres que se vió atacado por una fémina, seguidamente comenzó a recibir amenazas telefónicas mientras su marido e hija notaban que eran seguidos y que fue agredida en su propia casa, donde unos encapuchados la violaron, ataron a una silla, la marcaron una A en el vientre a cuchillo, que le dejaron metido en la vagina hasta que le descubrió su asistenta 6 horas más tarde. Lo terrible de la historia no acaba ahí, puesto que en el juicio se puso en duda su testimonio, argumentando que a sus 20 años había sido violada, que en la actual agresión no se encontró ADN, se sospechó de ella como autora de autoagresión y acabó siendo juzgada por denuncia inventada, con la fórmula de que hoy era culpable porque antaño fue víctima, siendo sentenciada con 5.000 euros de multa y 6 meses de prisión. Cuando apelaron, gracias a la ayuda del testimonio de otra mujer a la que habían agredido de forma similar hace unos años, después de que su marido destapara una corrupción en una gran multinacional eólica. Igualmente se demostró que ninguna de las pruebas de ADN recogidas en la escena del crimen no fueron conservados y que las pruebas enviadas al enviadas al laboratorio nunca fueron devueltas y todas desaparecieron y que era imposible que ella se hubiera automaniatado por una dolencia grave que tenían en el hombro. El proceso judicial duró hasta 2018, en que fue absuelta.

No obstante, el devenir siguió su curso, en 2016 se desmanteló Areva y la actividad de los reactores fue transferida a una empresa que sólo conservó 1200 de sus ingenieros técnicos y un par de años más tarde fue absorbida por una empresa china que desde 2020 construye centrales nucleares que vende a todo el mundo, incluida Francia.

La historia está bien desarrollada en la película, Isabelle Huppert es casi “hermana gemela” de la protagonista real, con su tamaño menudo y similar parecido físico, además de ir siempre vestida impecable, más del estilo del colectivo directivo que del sindical, siempre con los labios pintados, con unos pendientes bonitos y originales, sus gafas de colores, su siempre bien peinada melena, muy habitual recogido en un moño en espiral al estilo de Kim Novak que, por cierto, en esta película el recogido tiene su propio plano recordando el de “Vértigo”.

Llama la atención que Isabelle Huppert, siempre más que solvente en su interpretación, a sus actuales 70 años, tenga su rostro permanentemente retocado digitalmente en la película. Su faz no tiene ni una sola arruga, ni pliegue, siempre de un color blanco geisha y que, cuando está al lado de otra persona en cualquiera de los planos de la película, incluida la actriz veinteañera que hace de su hija, éstos tienen los pliegues habituales que dan las facciones y que, por el contrario, se han borrado de la Huppert. Tiene un resultado extraño a la hora de ver la película, donde la protagonista sale casi permanentemente en plano, el que se note tanto que ésta tenga su rostro recompuesto por ordenador.

Acetato de medroxiprogesterona.

El título de esta reseña está elegido por ser algo desconcertante como título y al mismo tiempo algo relacionado con la historia, de forma sutil.

Pablo Maqueda el Director pide que no se destripe nada de esta película, puesto que el argumento tiene varios giros que se disfrutan mucho cuando son del todo desconocidos. Ya solo conociendo esto dan ganas de verla y, por lo tanto, por esa petición de forma personal y directa y por la confianza que nos da a los espectadores, seguiremos su consejo y no habrá referencias al contenido y habrá que explayarse en la forma.

La historia está contada, según otras opiniones, de forma que recuerda a Hitchcock, Haneke o Fincher. En realidad se hace un pequeño tributo a Hitchcock contando pasajes de alguna de sus películas o mostrando admiración por él dando referencias de su apellido. Por mi parte, relacionándolo con otros Directores y seré más entusiasta con lo “nuestro”, haré patria y defensa del buen cine español y, aconsejaré encarecidamente, ver esta película junto con MANTÍCORA (2022), de Carlos Vermut. (disponible en Movistar+, Filmin, Amazon…)

Mantícora me parece una genialidad donde no todo está explicado, deja lugar a interpretaciones, pero la película se cierra al mismo tiempo que abre al espectador un abanico de opiniones para después generar debate. Es Mantícora una película muy disfrutable tanto en el momento del visionado como en las cavilaciones que genera y mantiene después.

Sin embargo, La desconocida, siendo una buena, muy buena historia, no queda cerrada. Por otro lado, y lo más irritante, es que a nivel técnico es algo pretenciosa: tiene varios planos eternos, de más de un minuto, de diferentes elementos, como la cara de alguno de sus protagonistas, de algún objeto (arena de gato, árboles), de un enorme zoom sobre un ojo, una ceja, un abdomen… todo ello se percibe como querer mostrar el virtuosismo del manejo de la cámara o de un montaje modernísimo, de los que últimamente se prodigan entre los nuevos estudiantes de cine, que resta intensidad a la trama y te lanza a pensar “vale, sí, ya me he enterado hace rato de que no llega, sí”…

Por otro lado, la interpretación de Manolo Solo es espectacular, magnífica. Es tan natural que se mimetiza con su personaje y te hace sentir verdadera intensidad en las emociones que van surgiendo de los diálogos y con el avance de la película. Desde los primeros minutos, donde Manolo Solo tiene un monólogo sobre temas variados, su interpretación te atrapa y te genera muchas sensaciones. Es él y su buen trabajo como actor quien da una gran solvencia a los buenos diálogos.

Casi a su altura está la interpretación de Laia Manzanares, que más allá de su aspecto físico, aporta tanto la sensación de fragilidad como de autodeterminación necesarias para su personaje.

Sin embargo, el resto de personajes secundarios tienen, en sus escasas apariciones, unas interpretaciones fingidas, como cantarinas y recitando, que rompen totalmente el clima que consiguen las escenas entre Solo y Manzanares. En el caso de Eva Llorach, actriz a la que adoro, me resulta muy sorprendente que interprete de la manera que lo hace y, conociendo otros de sus trabajos, se deduce que le han pedido que sea así y en realidad no es ella la que defrauda, sino que el resultado ha sido intencionadamente buscado. Es desconcertante verla actuar de esa forma y una pena que sus diálogos tengan un soniquete fingido, salvo en el momento en el pasillo de su casa, en el que sí es todo lo natural que ella consigue habitualmente.

Como curiosidad, la escena inicial de la película está rodada en Madrid en una ubicación que figura descrita en el libro de Fernando Aramburu “Los vencejos” y que, casualmente, estoy leyendo estos días en los que he visto la película y he tenido una sensación entre déjà vu y desconcierto en el que no sabía si estaba inmersa en la película o en el libro. “en La Elipa, cerca de la calle San Donato, en una pequeña área de juegos infantiles. Allá bosteza un dragón verde, bastante alto, invadido de niños. (…) con la boca del dragón formando una especie de repisa pintada de rojo (…)” - Los Vencejos, Fernando Aramburu –

Como reiteración final, muy recomendable ver Mantícora después (o antes) de ver esta película de La desconocida, para tener diferentes puntos de vista, diferentes reacciones que marcan la vida e historias de las personas, ante similares cuestiones, sobre las que no se puede contar más para no destripar.

Una obligación, una promesa, un compromiso.

Los soldados de EEUU desplazados en Afganistán tuvieron como colaboradores a personas locales que les hacían de intérpretes y a los que se les ofrecía la posibilidad de visado y vida en EEUU.
La sinopsis facilitada por la distribuidora o productora es toda la película en sí, colaboraciones, traiciones, emboscadas, guerra, lealtades, promesas por cumplir… todo ello contado muy a la americana, muy patrióticamente y con mucha lucha, esfuerzos y tenacidad de los buenos, para salvar a uno, con un montón de muertos por el medio, porque el fin justifica los medios y donde, está visto que todo el ejército sobra, puesto que tras mucha batalla, viene un avión pegando zambombazos y lo soluciona todo en un periquete… no se entiende para qué van tantos destacamentos y unidades de soldados a luchar, cuando con un avión pueden hacerlo todo.

Nada nuevo bajo el sol… alicantino.

Esta película, de alto presupuesto y mucha acción, no aporta nada nuevo a las películas del género o de la temática. Sin embargo, se puede disfrutar muchísimo si vamos más allá y nos metemos en la puesta en escena y los paisajes donde está rodada: Alicante, en pueblos como Novelda, Petrer, Crevillente, Villajoyosa, Elche, Monforte del Cid, San Vicente del Raspeig…

Como el paisaje no está retocado digitalmente, es entretenido ver los fondos en el paisaje o en el horizonte esos pueblos y a veces hasta divertido “pillar” una torre de alta tensión con su cableado eléctrico en medio de lo que sería el desierto afgano, que los soldados hagan escaramuzas en medio de pinos mediterráneos, que haya zonas de alta vegetación y campos sembrados en el fondo o, lo mejor, que en una batalla en la presa, se distinga en varios sitios el logo circular con las siglas CHJ entrelazadas, de la Confederación Hidrográfica del Jucar. Eso es buenísimo.

Entretenida, pero sin aportar nada nuevo a la puesta en escena de una guerra a lo americano.

¿Por qué Dios no nació en Australia? Porque no había Reyes Magos ni vírgenes.

El título de esta reseña, con un chiste fácil, de bar, machista, es representativo del sentido de la historia.

La película tiene una temática interesante, el abuso sexual, el maltrato en la pareja, la relación paternofilial, el machismo de la sociedad, en este caso enmarcada en un pequeño pueblo costero donde todos se conocen y tienen sus propias rencillas. Sin embargo está contada de una manera que no engancha, que llega a provocar a veces la desconexión o el asomo del aburrimiento. De hecho, la trama empieza pasados los tres cuartos de hora de la película.

Cuestiones interesantes como la acusación de una situación mantenida o un abuso espontáneo; el presunto maltrato en la pareja durante años ante el que nadie del pueblo hace nada ni le presta atención y, sin embargo y de repente, provocado por una situación, todos piensan que el problema es de otra persona que precisamente es la víctima de ambas situaciones; cuestión que por sí misma es nociva en el pequeño núcleo social y se añade a la anterior.

Interesante asimismo conocer cómo marisquean los criadores de ostras, el duro trabajo que supone, el peligro del mar aunque se haga pie, los bellos planos del mar, sus corrientes, la marea, los colores grises del clima frío y lluvioso del norte. La ambientación te traslada y llegas casi a sentir la humedad fría del ambiente.

La música es apropiada y acompaña las situaciones de tirantez, el clima húmedo, la lluvia y el golpear del viento, del oleaje del mar, puesto que se trata de una banda sonora repetitiva, rayante, de violines chirriantes, con golpes acompasados que parecen el choque de las olas del mar contra las piedras de la costa.

No obstante, más allá de eso, el conjunto no consigue captar toda la atención y el resultado que debería obtener unos actores de este calibre y una historia interesante.

Acertada pero simple.

Esta es la segunda historia llevada al cine, dentro de la trilogía “entreguerras” de las novelas de Pierre Lemaitre, “Au revoir là haut”, “Couleurs de l’incendie” y “Miroir de nos peines”.

La película anterior, primera parte de la trilogía, titulada como el libro “Nos vemos allá arriba” era colorida, fantasiosa dentro de la narrativa histórica del momento de la I Guerra Mundial y el retorno de los soldados que en ella sirvieron, con momentos imaginativos, con viveza. Esta segunda parte “Los colores del incendio” tiene un excelente ejercicio de ambientación de los años 20 y 30, estimula el placer visual con el uso de grandes cantidades de extras en las escenas que lo necesitan. Sin embargo acaba siendo simplemente una historia de venganza y resarcimiento de una mujer que, junto con su hijo con discapacidad, es manipulada, engañada, derribada de su clase social y arruinada; que va resurgiendo de sus cenizas (cual Conde de Montecristo) con inteligencia y jugando con la ambición y despotismo de aquellos adversarios que provocaron su declive, obteniendo una multirepresalia y resarcimiento en varios planos, incluidos el honor y el económico. Para titularse “colores” es precisamente lo que se encuentra a faltar: esa vivacidad, dinamismo y originalidad que se supone implícito en esa palabra.

Puntos fuertes de la película son las interpretaciones de la protagonista, Léa Druker, destacable por lo mimetizada con el personaje de la novela Madelain Péricourt, dado que es una mujer aparentemente frágil pero que demuestra tener una gran fortaleza. Igualmente la interpretación de la cantante de Ópera Solange Gallinato a la que da vida (y no voz) la siempre distinguida Fanny Ardant. Sin embargo, hay una escena de canto de ópera, delante de toda la plana mayor nazi, que aparentemente debería tener mucha fuerza, pero a la que le falta la emoción y la entrega a causa del playback. No hay que ser un entendido en ópera para saber que no todo el mundo sería capaz de interpretar un papel operístico con un sonido pregrabado y, aunque le daba confianza a la Ardant, la escena en su conjunto no transmite la fibra y la garra que debería, no cautiva, porque se nota que mueve la boca pero no le surge la pasión.

En defensa de la película hay que añadir por un lado, que logra plasmar en toda la historia el argumento al completo de la novela, sin dejar nada, cosa que se agradece, aunque realmente no aporte más intensidad de lo justo y discreto (eso sí, a quien no se quiera leer el libro tiene una buena y completa adaptación). Por otro lado, así como la primera novela de la trilogía es excelente y maravillosa (Au revoir là haut), y que el interés se va perdiendo en la segunda y mucho más en la tercera, de forma similar la película está a ese mismo nivel, correcta sin más, acertada pero sin llegar a las espectativas.

Colibrí: pájaro menudo que tiene la capacidad de mantenerse en suspensión en el aire.

Esta historia está contada en continuos saltos temporales, estructura compleja que, lejos de despistar más allá de los dos o tres primeros cambios, le aportan intensidad. Puede ser que al principio estos saltos temporales desorienten, pero muy poco después de comenzar la película lo que provocan es que conectes con el protagonista y lo hace de una manera que a veces es sorpresiva para el espectador y a veces le da la oportunidad de deducir y disfrutar con ello.

La película está basada en el libro, del mismo título, de Sandro Veronesi, donde el recurso literario es el uso combinado con la narración, de cartas, correos electrónicos, conversaciones de whatssapp y esos mismos saltos temporales que, como en la pelicula, presentan situaciones que no se resuelven en ese momento y que hay que esperar a desentrañar o que estimularn el placer de anticipar.

Una elección sobresaliente de los actores y actrices es lo que posibilita que no te pierdas en esos saltos temporales. Cada uno se parece muchísimo entre ellos y, estamos hablando de que, salvo los abuelos, mismos actores durante todo el metraje, el resto de personajes principales es interpretado por tres o cuatro actores en otras tantas fases de tiempo y, sin embargo, los rasgos faciales de las personas que se han elegido son tan similares que no ha lugar a perderse. Me parece muy destacable en la película que, más allá de la mera caracterización del peinado, las gafas o el tipo de vestimenda, sea la fisonomía y el modo de moverse, la gestualidad, lo que les mimetice entre ellos en sus respectivos personajes, incluso llegando a pensar, en algún caso, que los actores infantiles son hijos o hermanos pequeños de los actores con los que comparten personaje en edad madura.

La historia narra la vida del protagonista, médico oftalmológo de profesión y tahur de vocación, desde la perspectiva familiar, enamorado desde niño de una vecina de la casa de vacaciones, amor que se ha mantenido platónico toda la vida y la evolución vital que ha ido teniendo con las desgracias, momentos de felicidad, amores, pasiones, miedos, encuentros y pérdidas que acaban convirtiéndole en un ejemplo de resiliencia, de cómo reponerse a las desgracias y hacer un canto a la vida. En este sentido, la narración y la forma y sensibilidad como está contada hace que se relacione con un ensayo sobre la pérdida y el dolor. Invita a pensar, a reflexionar, cómo son las relaciones que tienes con los miembros de tu familia y el provecho que estás sacando (o no), el aprovechamiento de las oportunidades, para relacionarte con ellos mientras están vivos o sanos.

El título, Colibrí, corresponde a cómo la familia llama al protagonista, por lo menudo que era hasta su adolescencia y el transcurso de la película nos muestra que también se aplica a cómo es capaz de sobrellevar y sobreponerse a las vicisitudes de la vida, como un colibrí, tiene la capacidad de mantenerse en suspensión en el aire.

Muy buen entretenimiento. Muy aconsejable.

Insípida ensalada de gemelos.

Es una comedia tan floja que en lugar de francesa parece americana, con un título muy acorde a la película, para no generar sorpresas.
La primera parte de la película tiene ese componente de comedia facilona a la americana, la última parte tiende a la emotividad, pero sin profundizar.

Mucho cliché, gags tópicos y bromas típicas.
Hermano blanco, dedicado a la política, en partido de derechas, con padres pijos y de derechas, que vive bien, no ha trabajado en su vida y regresa a la ciudad de su infancia, que no conoce porque se ha pasado la vida interno en buenos colegios, para presentarse a las Elecciones. Además tiene a una colaboradora entregada, profesional y organizada, que aparentemente vale más que él (pero es tan Flojita como el cliché de su jefe) a la que apenas tiene en cuenta.
Hermano negro que se ha criado en casas de acogida de la comunidad, hasta que una pareja de ancianos, que se ocupa de los niños huérfanos o abandonados, le acoge, le proporcionan una familia y le motivan para forjarse un medio de vida, haciendo arreglos en electrodomésticos y evitando el trapicheo.
Cuando se conocen, por casualidad, y saben que son gemelos entre sí, aprenden el uno del otro y llegan a fraternizar, nunca mejor dicho, con un objetivo común, encontrar y entender a su madre biológica.

Flojita, predecible, con tópicos.

Lo más destacable de esta película es que, siendo una historia real, está bien llevada al cine.

En el ejército austríaco, principios de los 2000, encontramos a un oficial instructor similar al de “La chaqueta metálica” en cuanto a dureza y formas con los soldados de su compañía. Es temido y evitado a partes iguales. Pero, dentro de ese corsé, hay un soldado que, por reconocer su condición de homosexual y sobrellevar con dignidad las bromas de sus compañeros y por su interés en hacer bien todo, ser competitivo y perfeccionista, llega al “alma” del duro sargento, que empieza a reconocer interiormente que podría ser feliz fuera del encorsetamiento de la masculinidad, exagerada, del entorno y teatro que se ha montado en su vida, con una esposa, un hijo y siendo todo lo duro que pueda para mantener la coraza.

En el sentido del encorsetamiento de la masculinidad en un terreno muy especial, como el ejército, me ha hecho recordar y relacionar con otro de los terrenos especiales en este sentido, el salvaje oeste, para lo cual recomiendo encarecidamente ver la excelente película “El poder del perro” (también tengo publicada una crítica sobre ella, donde la parte “destripe” o spoiler es importante)

Eismayer se hace entretenida, con la evolución de la rompedura de la coraza del duro sargento, la evolución del soldado cada vez más destacable en lo profesional y la del resto de personas que los rodean, bien sea el resto de soldados, que pasan de la burla al respeto, o de la esposa e hijo de Eismayer, que tienen que afrontar la realidad descubierta.

Es curioso ver algunas circunstancias producidas en el momento del hecho real, principios de los 2000, con los ojos de 2023, puesto que la calificación cambia, en algunas para mayor suavidad, como la naturalidad con la que ahora se va consiguiendo “aceptar” la homosexualidad, como en otras con mayor gravedad, como que en la actualidad algunas situaciones serían consideradas acoso sexual.

Se echa de menos una mayor profundidad o detalle en la presentación de cómo su relación se va afianzando y, sobre todo, un poco más de preparación para entender que el desenlace no es como un cuento de hadas en el que te descubres, lo aclamas y todo el mundo aplaude alrededor.

Los personajes están muy bien interpretados, son muy creíbles y los actores físicamente están muy bien elegidos. Antes de los títulos de crédito finales tenemos la oportunidad de ver una fotografía de los personajes reales de la historia. Bravo por ellos y por el atrevimiento, constancia y convencimiento para ser los primeros en romper los corsés.

“Cambio de época en curso” - Genialidad o patochada (te divierte si te pilla por sorpresa)

Esta película se presentó en el Festival de Sitges y ganó el premio a mejor guión.

Desde luego es una “ida de olla” total y absoluta, con un guión absurdo, a veces retorcido a veces ingenuo casi infantil, que te hace reír y que te asombra. Yo me reí muchísimo. Si te gustó “Mandíbulas” esta es del mismo género divertido-diarrea mental y sencillo-cutre.

Genialidad o patochada (te divierte si te pilla por sorpresa), por lo tanto, si le vas a dar una oportunidad no sigas leyendo, ni esto, ni leas nada más sobre esta película, por favor.

Es una de esas películas que o la amas o la odias y, para amarla, creo que es mejor verla sin conocer nada de ella, ni ver el trailer ni leer la sinopsis ni siquiera seguir leyendo las reseñas que, aunque no la destripen, quitan el maravilloso efecto de la sorpresa de tanta absurdidad que, acaba maravillándote o aburriéndote. A mi me gustó.

Cinco superhéroes, con el aspecto de power rangers en azul, forman el equipo salvador del mundo llamado “Fuerza Tabaco”, compuesto por Benzeno (Gilles Lellouche), Metanol (Vincent Lacoste), Nicotina (Anaïs Demoustier), Mercurio (Jean-Pascal Zadi) y Amoniaco (Oulaya Amamra) que unen sus efectos y poderes para acribillar a los enemigos del mundo, generándoles un cáncer que les hace estallar.

Didier, el jefe de la patrulla Fuerza Tabaco, les envía a pasar un retiro de unos días, juntos, porque les ve poco cohesionados y por la noche, en el monte retirados, se cuentan historias de miedo junto al fuego.

Las historias son de lo más grotesco, absurdo, con crítica social a veces, sin sentido otras, pero todas sorprendentes y (si te dejas llevar) divertidas, dentro de lo terroríficas.
- Dos parejas van a una casa rural y encuentran un casco que propicia el pensar, tranquilamente.
- Un pez en el lago ve las aguas muy turbias y descubre el motivo
- Un trabajador del campo tiene un incidente con la trituradora y su tía-jefa le ayuda
- Lezardin, un malvado lagarto-humano está a punto de destruir el mundo, antes de cenar con su familia.

El guión de las historias, y de la película entera, no sé bien si es de un perfecto hilado y retorcido muy pensado o, por el contrario, un perfecto desvarío en el que se acometen todas las ideas que de improviso han venido a la mente. En este párrafo viene a colación recordar que la película ha ganado el premio al mejor guión en el Festival de Sitges.

Hay una parte de la historia entre los superhéroes y su jefe, en la que creo ver la crítica a la “erótica del poder” por el cual hasta una rata inmunda, asquerosa y radioactiva es capaz de seducir a las hembras. Quizás no haya sido la crítica su intención (con lo disparatado del guión vaya usted a saber!), pero en la sociedad actual, políticamente correcta, es por si misma ya una provocación que golpearía al feminismo, con un ejemplo muy extremo de los clichés de la relación jefe-mujer integrante de su equipo, intención que sí encajaría con lo insolente de la película en sí.

Por cierto, hay que remarcar el esfuerzo que ha tenido que suponer el rodaje de toda la película con los trajes de latex completos y permanentemente puestos, tanto en escenas de exterior, con sol, de noche, en el agua, como en las de interior con los focos. Vaya tortura debió ser.

Para finalizar esta reseña, hay que decir Changement d’époque en cours “Cambio de época en curso” (repetir quince veces)

Sigue en Zona destripe.

TIRALLEURS – PADRE Y SOLDADO
Los “escaramuzadores”, los de la avanzadilla en el campo de batalla.

Esta es una película que, intentando hacer un ejercicio descomunal de ambientación, no logra del todo sumergirse en la atmósfera de la I Guerra Mundial, quizás porque ya tenemos otras referencias de películas, con mayores presupuestos, que cuidan hasta el extremo esos detalles. No obstante, esta película sí consigue meterte dentro de las trincheras de 1917, con el barro y las ratas, con los uniformes, del tejido de la I Guerra Mundial, los aperos de cuero, las cantimploras, las armas… aunque se echa de menos más bigotes en “les poilus” y las bayonetas, ausentes.
(Poilu es, en argot, cómo se llamaba a los soldados de infantería franceses en la IGM, literalmente “peludos”, por su remarcable y habitual bigote)

La película no necesita mucha explicación histórica, porque eso ya lo encontramos en otras películas, sino que su pretensión es contar, por un lado la relación paterno-filial de dos soldados, uno de ellos, el padre, que quiere volver a toda cosa a su casa, a su tierra, en Senegal, y el otro, el hijo, que al hablar francés, descubre otro mundo y le conquista el tener poder, integrándose en el mundo de la ambición.

La originalidad de la película, en su faceta histórica, es la lengua hablada, casi siempre wolof, y el mostrar cómo reclutaba Francia a jóvenes negros en sus colonias de África: haciendo capturas de jóvenes entre los poblados, esclavos arrancados de África y obligados a combatir en una guerra que no era la suya, más tarde reclutados con sueldos casi miserables (entre 70 y 20 francos) que se robaban entre las tropas, y promesas de que si defendían a esta su nueva patria se convertirían en verdaderos franceses a los que se respetaría. Falsas promesas, sacrificios de unos jóvenes secuestrados de sus aldeas, desarraigados de sus familias y tierra, denominados entonces “indígenas”, para colocarles de avanzadillas ("les tiralleurs senegalaises" – escaramuzadores, aunque no sólo había de Senegal, sino del resto de colonias francesas) en el frente, luchando y defendiendo una tierra en la que se les prometía ser considerados héroes y que, al final y realmente, la forma de considerarles ha sido en homenaje al soldado desconocido.

Las ocho montañas es una película preciosa, disfrutable, tanto por la historia de amistad como por la luz y los paisajes donde está rodada.

Es una película con gran sensibilidad, sin ser para nada ñoña.

Narra realidades duras, la realidad de la vida de una forma objetiva. No se ceba ni en la felicidad ni en la desgracia, pero te las muestra tal y como son y vienen en la vida.

Hay dos personajes principales, amigos desde niños, Bruno que vive en la montaña y Berio que vive en Italia y pasa los veranos en la montaña. El personaje de Bruno es un personaje precioso, aunque un poco triste. El personaje de Berio, al ser el narrador, no entra tanto en la, a veces, idealización que se produce con Bruno. El personaje de Bruno es narrado desde fuera, desde la visión de su amigo, y muestra esa tristeza del personaje que necesita tan poco para vivir feliz pero hasta eso le es negado en la realidad del mundo moderno. Bruno sólo quiere su montaña, su familia y hacer las cosas que se han hecho siempre haciéndolas como siempre, construyéndolas, artesanalmente, disfrutándolas…

En una reunión de amigos se aprovecha para, también, hacer una crítica a la visión idealizada del urbanita hacia la naturaleza (“esto no es naturaleza, esto es la montaña, esto son los pastos, esto son los árboles….”).
También expresa muy bien las relaciones paterno-filiares, el crecimiento del niño, el cómo la figura paterna pasa de ser el héroe todopoderoso al personaje odiado al que en cierto momento se enfrenta y al que no se quiere parecer y, sin embargo, acaba reencontrando a su padre dentro de él mismo.

La película es capaz de mostrar esos momentos de felicidad instantáneos. Esa felicidad que se pierde. No puedes quedarte en una montaña, esos momentos son efímeros, tienes que moverte por otras montañas y recorrer las ocho montañas para encontrarte.

Hay momentos muy bonitos en la película, con escenas muy bien conseguidas, en apariencia simples pero de gran profundidad, que explico en zona destripe.

La película está rodada en formato cuadrado, en ¾, que en el momento de visionarla te hace pensar que es una pena, pues teniendo ya todas las pantallas panorámicas, tanto en el cine como en los televisores de casa, es lamentable perder las dos franjas laterales de esos paisajes inmensos y preciosos de la montaña. Sin embargo, una vez vista la película y madurada, al día siguiente, quizás comprendes la decisión del Director: lo qu ele importa son los personajes, su relación entre ellos y su evolución vital. No quiere que el paisaje subyugue al espectador. Que la montaña no te entretenga ni distraiga de lo importante, como aquellos urbanitas que quedan extasiados por el paisaje. Quizás con el formato completo panorámico, acaparando más visión del bello paisaje, la película perdiera emotividad.

El lema con el que comienza la película es acertado: The French Riviere, a sunny place for shady people.

Es una película en la que cuesta un poco entrar, a pesar de que su comienzo es impactante, luego la sucesión apabullante de presentación de personajes, con continuos flashbacks y diferentes puntos de vista, te hace perderte un poco y que parezca una película un poco pedante, pretenciosa, con tanto lujo banal, frivolidades y exageraciones fabulosas de sexo, poder, dinero y amoralidad.
Sin embargo, pasados esos 20 minutos iniciales, la película va dejando reposar al espectador, sumergiéndole en una trama de thriller donde los personajes están muy bien dibujados, desarrollándose a través de un juicio sobre un crimen en el que se van descubriendo todas las circunstancias y, en ese sentido, al final, el guión es redondo, puesto que cada personaje tiene sus propias razones, muy comprensibles y definitorias.

Femmes fatales, mujeres engañadas, arruinadas y abusadas por el patriarcado, mujeres que se alían, gigolos, ricos empresarios, tiburones de los negocios inmobiliarios, la decrepitud de la vejez que provoca pérdida de la autoconfianza, dependencia de halago social, juventud que sublima la belleza y que hay que aprovechar antes de que se amustie...
La Riviera Francesa, sus lujosas mansiones y coches, el vestuario de algodones y linos de tonos claros, similares a "Plein soleil" o "El talento de Mr. Ripley", donde los muy ricos se aburren, los ricos simulan ser muy ricos y el resto se muere de envidia.

Las actrices están pletóricas, cada una en su papel.
Desde el placer visual de ver a Marine Vacth (Jeune eT Jolie) , una belleza grandiosa, cómo habla, cómo se mueve con esos vestidos largos vaporosos o pantalones altos de cintura, con el pelo en recogidos desechados y mirada inocentemente sensual... una maravilla.
Laura Orante, una mujer con personalidad, belleza madura, con poderío atractivo y sensual, con toda la prestancia que el lifting le ha arrebatado a Adjani.
Isabelle Adjani, a sus 67 años, tiene una piel con menos arrugas y más luminosidad que sus compañeros de reparto treintañeros. Parece un rostro de cera inexpresivo, fantástico en foto estática, pero cuando habla, la falta de expresión y movimiento en su rostro, únicamente de parpadeo y la sonrisa de sus labios de salchicha, provoca una rara sensación. No obstante, en su papel de vieja estrella de cine y teatro casi olvidada que retorna al escenario y su valentía de recrear su propio papel, la hace grande y contrarresta su inexpresividad facial.
Punto a favor para la osadía del Director al incorporar un plano de una fotografía de Gina Lollobrigida con Javier Rigau, mientras explica el enamoramiento de la rica y olvidada actriz hacia un admirador joven arribista que acaba siendo su pareja. El plano de la foto dura un segundo y la mayoría del público apenas lo percibirá, pero es genial integrarlo en la metaficción de la situación.
Los personajes masculinos también están muy bien perfilados e interpretados, tanto Pierre Niney (Frantz) con sus ojos expresivos y agilidad corporal, como el siempre impecable François Cluzet.

La duración de algo más de dos horas es un disfrute total, por lo redondo del guión, el descubrimiento de las razones de todos los personajes y el espectáculo visual del paisaje de la costa francesa y de, sobre todo, sus protagonistas femeninas, tratadas por la cámara como si de obras de arte se tratara.

Muy disfrutable.

Matar cangrejos es como matar el tiempo.

Cuenta, con una puesta en escena y rodaje casi como vídeos familiares, la vida y sus cambios en los años 90 en Tenerife. El escenario de un verano, el de 1993, en el que dos hermanos, ella de 14 años y él de 9, sobrellevan ese aburrimiento estival ayudando a su madre, que trabaja en un Loro Parque, a montar el número de bienvenida para recibir a Michael Jackson en el aeropuerto, que viene a dar un concierto, tirando piedras al aire hacia los aviones que llegan repletos de godos, con el comienzo de la masificación turística desde la Península a Tenerife, haraganeando con los amigos en los bajos del enorme esqueleto de una construcción abandonada o haciéndose amigo de un anciano casi eremita y alcohólico que se mantiene de lo que pesca y de criar palomas.

Todas esas actividades, como de hastío, muestran el cambio que está sufriendo la isla, donde los crecientes complejos hoteleros amenazan las viviendas de toda la vida de los lugareños, algunos sin documentos legales de sus casas coloridas. Un trabajo como el de la madre, vestida diariamente con el traje regional y con un par de loros, tan coloridos como su vestuario, para que los turistas se hagan fotos.

La imagen es colorida, el paisaje del mar y la costa tinerfeña, de los poblados de casitas coloridas y de cuevas es espléndido, tanto como la sonrisa de la niña protagonista. No obstante, la película se hace demasiado lenta, el contenido puede ser interesante, pero la forma en que lo cuenta te lleva a ese mismo hastío y te hace plantear qué te quiere contar.

Las buenas mentiras se arman con verdades
Blanquita es una película basada en hechos reales, con la forma de un thriller donde se va desvelando una trama dura y sobrecogedora acerca de redes de pederastia, abusos a menores, tapaderas de poder, oscuros secretos de políticos, la marginalidad y falta de medios enfrentada al corporativismo cuando se da sordidez en las altas esferas.

La película nos muestra muy numerosos primeros planos, con la cámara fija, enmarcado todo en ambientes y fondos oscuros, carentes de luz incluso cuando parece de día, quizás pretendiendo que, al mismo tiempo que las declaraciones de la protagonista y la ayuda del religioso, se pudiera esperar la llegada de la luz que pudiera aportar el descubrimiento de la verdad.
Es como si ese fondo permanentemente oscuro y la descarnada historia pusieran el contrapunto a lo que poco a poco se va descubriendo, para que el espectador tenga la esperanza de que se va a hacer justicia y ésta es la que aportará la luz.

La película plantea si el fin justifica los medios. Si la falta de recursos, el olvido de las instituciones, el poco interés de sacar de la marginalidad a jóvenes rotos por la propia sociedad, puede paliarse y es lícito contrarrestarlo o combatirlo con perseverancia, imaginación, inventiva y armando una trama que, sea o no maligna, consiga hacer pagar a los abusadores; si David puede a Goliath cuando sólo tiene la palabra para atacar.

Película dura, puramente por la historia, más judicial y social, evitando escenas truculentas o duras de ver.

Pastiche de "8 femmes" y "Puñales por la espalda" con 4 arpías y 1 abobinable

A Laure Calamy siempre es un lujo verla. Esos ojos, esa sonrisa y expresión, esa interpretación... sin embargo en esta ocasión algo queda sin resolverse.

Lo mejor de la película es su música, aunque es quizás excesiva porque casi está en cada plano, así como la elección de Laura Calamy, porque es una actriz que siempre tiene carita de buena y mosquita muerta aunque de mujer luchadora.

La película es de intriga, misterio, de caos sentimental y falta de afectos familiares, junto con una obsesión o relación tóxica y dependencia hacia una pareja idealizada que saca provecho.
El ambiente tóxico en el que vive la familia rica, en una mansión llena de lujos de gusto chabacano, satura en su puesta en escena, con la acumulación de objetos, a lo síndrome de Diógenes de compras compulsivas ante el que no hay un fundamento argumental.

Lo peor, como parece definir su título, el origen del mal de esta película es su guión, en el que, a pesar de sus buenas ideas, no deja de ser predecible en su giro principal. Además, todas esas mentiras, juegos de esconder, falsedades, trucos sucios y golpes bajos, no acaban de justificarse puesto que se deja sin concretar qué pretenden las arpías. No se explica cuál es su intención, su móvil, tanto de la familia como de la intrusa. Por ello hay situaciones o referencias que no se acaban de comprender, escenas que pretenden una tensión sexual pero que no se completan ni respaldan un motivo futuro y por ello no se entienden.

A pesar de que la duración es larga, dos horas de película, y que el argumento y escenario es teatral, te deja con las ganas de entender el fundamento de los personajes y de qué hubieran sacado más partido "a lo francés" de un guión más completo y ensamblado.