Los cuatro actores, actorazos, forman un elenco que, por si mismo y el tiempo que llevaban sin estrenar, merecía la pena ver y disfrutar.
La ilusión llevada a la práctica, viendo la película, queda lejos del, no ya goce, sino divertimento que se le supone a una comedia o el entretenimiento.

El trabajo de los cuatro grandes no está mal, hacen lo que pueden con esa puesta en escena de mundo pijo que pretende ser culto y un guión que hace aguas por lo diluido que resulta.

Es como una película de Woody Allen pero con un guión aún más aguado que las últimas que viene haciendo.
La historia parte de unas infidelidades cruzadas y el encuentro de las dobles parejas en la presentación de los respectivos padres de una pareja joven que duda de la evolución del matrimonio tras el devenir de los años.
Una vez que ves, hacen todo lo que pueden, el trabajo de los actores y admiras sus vestimentas, originales y estilos as, como siempre en Diane Keaton, elegantes y sensuales, como siempre, en Susan Sarandon, comienza la deriva en el guión aguado lleno de reproches sin ingenio, en lugar de plantear los motivos del desgaste de pareja, de frases artificiales o vacías grandilocuentes, en lugar del análisis de lo que ha llevado a descuidar a la pareja y con ello a uno mismo, una comedia sin ingenio, en lugar de atreverse a explicar la deriva del cariño hacia el desdén. En definitiva, propone que los años de matrimonio en lugar de consolidar deriven en la pérdida de la ilusión, pero sin desarrollo ni adentrarse en lo interesante que podía haber sido unos planteamientos como los de "Historia de un matrimonio" o "Buena suerte, Leo Grande" a doble vertiente, con estas dobles parejas con más años de vida en común, más hartazgo y con tan buen plantel.

Cine alimenticio para grandes estrellas del cine, pero que no sé por qué me extraño o desilusión o, cuando la música de los créditos iniciales (la misma que en los finales) ya lo dice todo, con su letra trivial y música pegadiza comercial.

CANCION
ALWAYS YOU- Ruth B

El amor viene y el amor va
El amor se desvanece y a veces crece
¿Quién sabe?

Se siente como ayer
Eras una cara nueva
Pero eso se va

Tal vez en otra vida
Encontrarías a alguien más y yo también
Y yo también
Pero si un día nos encontraríamos
¿Tu corazón daría un vuelco?
Porque sé que pierdo la cabeza

E incluso después de todas estas peleas
Largas noches, altibajos
Salir y dar la vuelta
Eres tú
Siempre, siempre, siempre, siempre eres tú

El amor viene y el amor va
El amor se desvanece y a veces crece
Quién sabe
Se siente como ayer
Eras una cara nueva
Eso se va

Tal vez en otra vida
Encontrarías a alguien más y yo también
Y yo también
Y si no fuéramos tú y yo
¿Sabrías que lo verías?
Porque sé que perdería la cabeza

E incluso después de todas estas peleas
Largas noches, altibajos
Salir y dar la vuelta
Eres tú, es siempre siempre siempre

Tal vez en otra vida
Encontrarías a alguien más y yo también
Yo también
Pero si un día nos encontramos
¿Tu corazón daría un vuelco?
Porque sé que perdería la cabeza

E incluso después de todas estas peleas
Largas noches, altibajos
Salir y dar la vuelta
Eres tú
Siempre, siempre, siempre, siempre eres tú
Siempre, siempre, siempre eres tú
Siempre, siempre eres tú

L'ENVOL – SCARLET

Un cuento campesino (precioso visualmente) en una comunidad matriarcal.

Esta película debe verse en pantalla grande. Sus imágenes, fotografía, montaje, planos de naturaleza y del físico, peculiar y muy determinante, de sus personajes, hacen de ello un disfrute.

La historia contiene muchas derivadas. Comienza presentando a un soldado de la primera guerra mundial regresando a casa, después una relación entre padre e hija, donde la madre ha fallecido y es el padre quien debe ocuparse del bebé, el vínculo afectivo entre ellos. La convivencia en la misma granja con un pequeño grupo de personas marginados por el resto del pueblo: una mujer a la que acusan de bruja y que se erige en la matrona de la granja, y otra familia, la del herrero, su mujer e hija despreciados por diferentes razones. Todos habitan en comunidad, que el resto del pueblo llaman “La Corte de los Milagros”. La educación y desarrollo de la niña, las relaciones entre los habitantes del pueblo campesino, la ausencia de juicio social ante los vecinos canallas del pueblo y, sin embargo, el acoso y desconfianza ante el sencillo, bondadoso y trabajador, sólo por ser extranjero. La cultura donde la violación se convierte en el destino que golpea a una generación tras otra porque no es una herencia genética sino una educación social y familiar. La aparición de un hombre moderno, aviador, y la comparación con el resto de hombres del pueblo e incluso con el padre. La fragilidad, inestabilidad y falta de confianza que pueden tener los hombres en sí mismos y, al contrario, la mujer que no se conforma en el papel de doncella en apuros esperando a su príncipe azul, aquella que no pasa de un hombre-padre a un hombre-marido, sino que toma la iniciativa, es dueña de sus decisiones y de su vida, siendo capaz de estar sola o de abandonar un romance.

Esa comunidad matriarcal de repudiados y la joven que vuela por ella misma, le dan a la película un sentido femenino (más que feminista), moderno, antipatriarcal. Cuestión que enlaza de pleno con el último trabajo de su Director, MARTIN EDEN, donde siendo también una película histórica, basada en el sindicalismo sueco y el anarquismo, es el punto de vista el que se desplaza: de lo masculino (Martin Eden) a lo femenino (l’Envol).
Pietro Marcello reconoce que existe como un diálogo, no buscado, entre sus dos películas: (más desarrollado en zona destripe-spoiler, tanto para Martín Edén como para L'Envol)
Martin Eden busca instruirse y parte, cambia su vida de familia humilde.
Juliette es un anti-Martin Edén. Tiene oportunidad estudiar pero sigue en su hábitat, conformando y confirmando la comunidad matriarca.

El desarrollo de la historia, muy localista, de campesinos, con su contexto natural, lingüístico y cultural, es sin embargo muy extensible a cualquier “Sur” geográficopolítico, relaciones universales que nos resultan familiares.

La película tiene una muy atinada elección de actores: el padre (Raphaël Thiéry), físicamente como una roca enorme, de grandes manos rudas y toscas que, sin embargo, saben tallar la madera con sutileza, con ojos hundidos y pesarosos por lo que han visto en la guerra y las pérdidas en la vida, de extraordinaria corpulencia que contrasta con la delicadeza física de su hijita (Juliette Jouan) actriz descubierta con esta película, de enorme fuerza interpretativa, belleza absoluta, que además sabe cantar, que propuso y creó música para el poema de Louise Michel “La Golondrina”, que no estaba planeado en el guión, canción que acompaña los créditos finales.

En esta ocasión, al igual que como en MARTIN EDEN, imágenes de archivo de la I Guerra Mundial se integran con virtuosismo en el montaje, en paralelo a imágenes de la película, como el regreso del padre al pueblo, preciadas imágenes de archivo del Día del Armisticio en el Somme, o cuando van a la ciudad a vender juguetes, de planos de la película de Julien Duvivier “Au bonheur des Dames” (1930). Llegados a la conclusión de que ya no es posible hacer películas históricas, porque no se pueden reconstruir los decorados de una época, en este caso el periodo entre guerras, es una aberración económica, imágenes tan valiosas como estas de archivo son necesarias, porque recrearlas es demasiado complejo y caro. No merece la pena gastar millones para un plano, aunque hubiera medios para hacerlo no es éticamente responsable y se puede conseguir la misma emoción, incluso más, con imágenes reales que ya existen. Es un tema a reflexionar.

(de la entrevista a Pietro Marcello y reseña publicada por Le Pacte)

Visualmente la película es espectacular y preciosista. La luz, los paisajes y la imagen son cuidados como tesoros delicados.

L'innocent. Romances y delitos servidos con caviar.

Esta película mezcla varios planos del amor, un par de romances, el amor materno filial, el amor dentro de la amistad, el amor maduro y por ello loco, el amor recién nacido que estaba escondido, junto con robos, atracos, delitos, traiciones a la confianza, persecuciones, situaciones cómicas de soltar risa, otras dramáticas de soltar lagrimilla.... Todo ello aderezado con unas buenas interpretaciones, donde destacan las de las féminas, Anouk Grinberg (madre) y Noémie Melant (amiga) y con unas secuencias y montaje donde hay planos aéreos, planos abiertos y coloridos como en una floristería, planos de cine negro y oscuros como persecuciones nocturnas, planos de zoom como si fueran espías, planos radiantes de romances y bodas, planos partiendo la pantalla, mostrando varias escenas a la vez...

Lo más destacable de la película es que hace pasar un buen rato y que la vitalidad recala en los personajes femeninos, que además aportan luminosidad.
Una escena de karaoke donde la madre está entusiasmada y entrañable. Una escena de revelación de amor, donde una joven está intensa y adorable.
En este sentido, Garrel juega el papel del personaje serio, formal, que intenta salvaguardar a la madre, a la amiga, que toma cautelas ante el convicto, con un gran sentimiento de culpa ante la pérdida de su pareja fallecida, algo aburrido por lo dolorido.
Noémie Melant sigue la estela de su personaje, en este orden: alocada, frívola, divertida, independiente, cariñosa, sagaz, teatrera, intensa, ingeniosa, valiente, amorosa, compañera de vida.

Hay una escena destacable, por lo emocional, donde los personajes, en un juego de actuación real y ficticio, lo que sería un trampantojo escénico, teatralizan sus emociones sin saber que liberan sus sentimientos.
Otra escena a destacar, por lo intrigante, divertida y con ritmo, el flagrante delito, pillada in fraganti, la persecución nocturna e ingenio para solventar imprevistos.

Para finalizar, a comentar la música, con canciones francesas de los años 80.
Y Guión de Tanguy Viel, novelista francés de éxitos policíacos muy cinematográficos.

Buen entretenimiento con un poco de todo: robos, amor, atracos, persecuciones, espionaje, drama, comedia y caviar.

Amigos hasta la muerte fue una obra de teatro con anterioridad, en la que la película aporta como mejoría, los planos de Orense, de Santiago de Compostela o del Camino de Santiago, pero aunque tiene sus mismos actores del teatro ahora llevándolo al cine, Veiga, el que mejor está, Hazas y a Fele Martínez, que hace un cameo como camarero, le sustituye Ochmann que acaba siendo el más flojito de los tres.

Dos amigos de toda la vida, cortan su amistad después de que uno de ellos se enrolle con la mujer del otro, también amiga del colegio. Después de tres años sin verse, se plantea la reconciliación forzosa porque el "amante" tiene una enfermedad terminal. Entre el rencor y el despecho alternado con el perdón y la compasión, aderezado de amor de pareja, de amistad y de intentar cobrarse viejas deudas emocionales.

Comedia flojita presentada en el Festival de Málaga.
Lo mejor, los paisajes de Orense, incluidas las termas, los puentes sobre el Miño y las calles de piedra, con lluvia y sin lluvia.

Se supone que el guión de esta película pretende "empoderar" a las mujeres. Un guión escrito por Marta González de Vega, habitual guionista de las películas de Santiago Segura, que antes llevó esta, su creación, al teatro, luego lo ha publicado en un libro y ahora lo interpreta como protagonista en esta película.

Visualmente es muy colorida, el vestuario (maravilloso... me gusta todo !!), el maquillaje, los decorados interiores en casas muy pijas, muy de diseño, son un derroche de color, con el contraste tan subido que hasta las mandarinas son coloradas.
Con cameos continuos de Santiago Segura, Antonio Resines, David Guapo, Berto Romero, Javier Veiga, José Mota, Elena Irureta, aunque la mejor es Martina de Graná, con ese acento y expresiones faciales.

Es un humor blanco, aunque a veces se marca alguna expresión "para mayores", pero es básicamente como un monólogo de El Club de la Comedia llevado al cine.
Los mejores golpes tienen su apoyo en el libro de Eduard Punset "El viaje al amor", donde llevan a la práctica párrafos enteros, como los que explican de forma científica cómo y cuándo se genera dopamina, oxitocina o cortisol cuando nos enamoramos o cuando follamos, cómo se contrarresta con guisantes, todo aderezado con la gracia de Martina de Graná.
Una escena cumbre: la Gran Vía madrileña llena de unicornios, que deja cavilando si se trata de un montaje o si realmente cortaron esa noche la Gran Vía (qué pasada!), la Directora Chus Gutiérrez, en Málaga, explicó que habían cortado la Gran Vía de Madrid para esa escena y que desde "Abre los ojos" no se había vuelto a hacer.
Una idea: cuando te enamoras cagas flores y, cuidado, cuando alguien quiere darte una sorpresa escondiendo un ramo en tu casa la noche anterior... ahí lo dejo.

La película es bastante irregular, con un comienzo que casi dan ganas de dejarla, con una niña que no lo puede hacer peor. Pero luego se va animando con algún momento realmente divertido que te hace pasar un buen rato, después de todo, y con alguna frase memorable o idea para memorizar y soltarla cuando "te entra" algún indeseable.

Canción:
Loba, la que camina moviendo la cola, la que se come el mundo sola.
Cuando te ríes del miedo y te asomas al abismo de ti misma ya te has convertido en Loba.
Caperucita ya no vuelve más, cuando se queda en el lado emocional y en el sentimental,
porque su única cola es la de Loba.
Conviértete al humor como religión, deja de ser la reina del drama,
ríete de ti más fuerte que nadie y nadie podrá hacerte daño con nada.
No te preocupes por que el pecho se te caiga, déjate las tetas largas
y si te las pisas, te las remangas, o te las cruzas a la espalda.
No te preocupes, elegante y palante.
Loba, la que camina moviendo la cola, la que se come el mundo sola.
Cuando te ríes del miedo y te asomas al abismo de ti misma ya te has convertido en Loba.
Fingir el orgasmo está muy mal visto, pero es muy moderno engañarse a uno mismo.
Fingir que no te importa, fingir que no te duele, fingir que no te afecta cuando alguien no te quiere.
Lo realmente moderno es ser quienes seamos, lo de hacerse el moderno se ha quedado anticuado.
Y decir, cuando te digan que piensas demasiado, "es que tengo que pensar por los dos, desgraciado".
Loba, la que camina moviendo la cola, la que se come el mundo sola.
Cuando te ríes del miedo y te asomas al abismo de ti misma ya te has convertido en Loba.
El problema no es pensar, el problema es que decimos, pienso lo que digo y luego río.
y decir, cuando te digan "tú y yo no somos nada", como tú, capullo y yo una descerebrada.
Relojes de arena deberían haber, para poder separar las horas malas de las buenas,
y si los números no cuadran, decir "ahí te quedas!"
Loba, la que camina moviendo la cola, la que se come el mundo sola.
Cuando te ríes del miedo y te asomas al abismo de ti misma ya te has convertido en Loba.
Claro que mi vida no es una película, porque es una serie, una serie cómica,
en la que tú eres la protagonista y el resto de la gente es solo tu antagonista.
Y cuando sientas que has sido patética, y te parezca que has hecho el ridículo,
dirás joder, joder, joder... qué mal me ha quedado este capítulo.
Escucharás las risas enlatadas, que son más fuertes cuanto más la cagas.
Hasta que llegue el día en que la comedia reviente y por fin se te abra la mente.
Bendita sea la gota que colma el vaso, la que queda suelta cuando se derrama el vaso.
Bajarte de ahí en pleno vuelo ¿me quiere, no me quiere?... ¿me quiero o no me quiero?
Pasé la vida ahí subida, y cada vez que caía volví a subirme en seguida
pensando que estando arriba, al menos era feliz entre caída y caída.
Ahora sé que la felicidad está en lo más profundo de la realidad.
Porque desde me tiré, no tengo miedo al vacío, no es que no le tenga miedo, es que yo misma me tiro.
Aullando a la vida, sin miedo, mirando al abismo, lanzándome a él.
Porque de un drama brota la risa y de la risa brota el poder.
Loba, la que camina moviendo la cola, la que se come el mundo sola.
Cuando te ríes del miedo y te asomas al abismo de ti misma ya te has convertido en Loba.

PLAN 75
Una “solución final” gubernamental cuando ya no eres productivo sino un estorbo para la sociedad.

“El envejecimiento de la población en Japón está frenando su economía y son los jóvenes los que sufren las consecuencias.
No creo que los ancianos quieran ser una carga para nuestra sociedad. Los japoneses recordamos con orgullo un pasado lleno de sacrificios por el bien de nuestro país”

Así comienza una película que, con un planteamiento distópico en el que el Gobierno decide aprobar una Ley del Plan 75 para ayudar a morir a aquellos ancianos que así lo deseen, para frenar los asesinatos y crímenes de odio contra ellos.
El Plan 75 ofrece un suicidio asistido por el Gobierno, gratuito, donde los ancianos solicitantes, pasan sus últimos días gastando como quieran 100.000 yenes (1000 euros) que les regala el Gobierno, con un tutor asignado que les asiste telefónicamente varias veces a la semana durante 15 minutos para ofrecerles información, acompañarles en su decisión y atenderles.

La historia que, en principio sería distópica, no nos resulta así cuando se presenta en una sociedad como la de de nuestros días, donde al no mostrar la reacción del resto de la sociedad hacia estas medidas o para con los ancianos, se percibe que no las hay, que a la sociedad no le interesa lo más mínimo. Igualmente plantea el aprovechamiento de cualquier oportunidad para hacer negocio, como que surgen empresas de tratamiento de residuos como las cenizas de crematorio, o las que ofrecen el suicidio en un resort de lujo para gastar el abono del Gobierno y el resto de los ahorros de los ancianos, o la solución del propio Gobierno, al que le sale más a cuenta encargarse de asistir la muerte de sus ancianos, gratis y regalándoles un bono, que ocuparse de ellos y pagarles pensiones, o las prácticas de los tutores del Gobierno que acompañan a los ancianos telefónicamente que, lo que anuncian es que dado que los ancianos se sienten muy solos y que les encanta tener a alguien con quien hablar, sus verdadera intención es asegurar que no se arrepientan y reconducirles si tienen miedo o dudan.

La película presenta tres historias entrecruzadas:
Una anciana de 78 años que, junto a sus amigas de la misma edad, se ven despedidas por el hotel donde trabajan porque la empresa no quiere arriesgarse a seguir teniendo trabajadoras ancianas, dadas las medidas actuales. Coincide que van a derruir el edificio de pisos donde ella vive, que sus amigas van muriendo, que no encuentra un nuevo trabajo para subsistir y que al sentirse inútil y sin otra opción en una sociedad donde si no trabajas eres un estorbo, acaba solicitando el Plan 75, porque se rinde, sin ilusión ni esperanza.
Un joven funcionario comercial del Plan 75 que, tras la entrevista casual con su tío, adquiere conciencia de lo que está pasando, de la soledad en que vive toda la sociedad y la distancia que toma con sus ciudadanos y en el que nace en él el interés por conocer el pasado y comprender el presente. Es un personaje que pasa desde el plano comercial y distante con los ancianos a la búsqueda de orígenes y el acercamiento personal con ellos.
Una joven filipina, con hijos, que trabaja en el centro donde se practica el Plan 75, limpiando y recogiendo los objetos de los ancianos fallecidos. Es la historia más floja, desarrollada sin apenas interés, por lo que apenas se justifica más allá de mostrar los entresijos de la ejecución del Plan 75, en un edificio cuya estructura recuerda los hospitales con masivas celdillas para instalar a los pacientes que en lugar de paredes tienen cortinas, similares a lo que conocimos en los peores tiempos de Covid.

Lo desconcertante y casi desilusionante con esta perspectiva de historia, de personajes y de una gran actriz como la abuela protagonista, es que la película se pierda en el ritmo y en el entrecruce de sus tres narraciones, sin llevarte a un punto culmen en alguna de ellas y discurriendo sin alcanzar la expectativa de lo buena que podía haber resultado.
En este sentido, esta película recuerda bastante a Drive my car.

UN BEAU MATIN
“Entre la tristeza y la felicidad.”
Es una historia que entremezcla muy agradablemente la tristeza y la felicidad que se van dando en nuestras vidas, por diferentes razones.
La protagonista, Léa Seydoux, vive en el mismo periodo de su vida, el declive que la vejez y una enfermedad similar al Alzhéimer, degeneran al padre; junto con la pasión y el enamoramiento con un antiguo conocido que ahora está casado.

La enfermedad que va borrando lo que ha sido el padre, las dificultades para hacerse cargo de él, de encontrar residencia que colme las mínimas expectativas que se tienen en el cuidado de las personas en este estado, sumamente difícil; el perder la esencia del padre en el propio padre, pero encontrarla en la gran biblioteca que éste formó a lo largo de su vida; el vaciado de una casa, de los recuerdos y el “ser familia”, el elegir y deshacerse de esos libros que marcan una forma de ser, la tristeza, el duelo; todo ello intercalado con el amor, el sentirse querida, el querer, con la pasión, el encuentro, las caricias calmadas, la esperanza y el renacimiento de Sandra-Léa a través de ese amor..
Situaciones que a veces la sobrepasan, puesto que mientras su padre va perdiendo la lucidez, ella ha encontrado el amor, pero es un hombre casado y, por ello, no todo son alegrías con él.

Una película bonita, calmada, con una actuación impresionante del padre en declive, por parte de Pascal Greggory y, sin embargo, en la que queda la impresión de que Léa Seydoux podía haber dado mucho más.
Lo mejor de ella, los planos de su cuerpo, la belleza de su silueta recostada en la cama, lo curioso, que esa actriz tiene unos ojos, con unos párpados enrojecidos, que parece que esté continuamente llorando.

Lo bonito de la adopción, a la americana.

Es una película que plasma los sentimientos de los personajes de una historia de adopción: los padres adoptivos con dudas y miedos porque perdieron a sus hijos y no soportarían de nuevo otra pérdida, el hijo adoptado que no se atreve a reconocerlo en público, y que por fin se lanza a hacerlo, que está muy agradecido por la vida que ha tenido y la familia que le ha cobijado y educado. La madre biológica, embarazada adolescente que, con su pareja igual de joven, no podían afrontar un hijo en sus circunstancias, con la culpabilidad remordiendo su mente durante toda su vida, el padre biológico que ha rehecho su vida sin contar su pasado.

Todo ello en sí mismo tiene dramatismo e interés, pero los americanos ruedan de una manera en que la única nota dramática la aporta el amigo torpe, gordo y pelirrojo, del protagonista. Incluso la escena en que los adolescentes se plantean el aborto, con manifestantes gritando y piernas arriba en camilla a punto de hacerlo, no logra lo dramático que pretende, sino que más bien resulta como una intención de mostrar lo malos que son esas clínicas de abortos, pero muy malos, malos, sin conseguirlo.

La puesta en escena con en esos paisajes enormes de EEUU, montañas, prados, saltos desde una cascada o incluso en paracaídas, los jardines cuidados, las casitas de madera, la vajilla y la mesa montada perfectamente combinada con los tonos de las paredes y la ropa de hogar... bonito visualmente pero aleja de la profundidad que creo que merecería la historia.

En definitiva, que es una historia con potencial, pero contada a la americana: sin complicaciones, con casas con enormes jardines, con familias que se sientan a comer juntas grandes pasteles de colorines, que son guapos y bien peinados, que hacen barbacoas y fuegos en el jardín, con el amigo gordo, metepatas e histriónico grabando con móvil todo lo que sucede, con los personajes vistiendo siempre cada uno con sus tonos asignados en guión, con muchas repeticiones en el guión que dan las gracias a Fios y que Dios es el que hace posible todo y nos protege y, lo más importante, que el final de la película, basada en una historia real, muestra los datos de contacto de una asociación de adopciones.
Además de, interesante, los rostros y videos de los protagonistas reales.

Hay un momento en la película en que eres consciente de que vas percibiendo algo visualmente y no sabes qué.. hasta que te das cuenta: el amarillo de la madre!!! siempre!!! y luego abres la idea hacia el resto de los personajes y... tachán..... todos tienen su respectivo color !!!

El que la madre adoptiva siempre, repito, siempre, vista de color amarillo, el padre adoptivo siempre de azul, la madre biológica siempre de rojo, el padre biológico siempre de verde y el joven adoptado a veces de verde y casi siempre de azul, junto con los bonito que es todo, lo que todos se quieren y nadie se echa en cara nada y los datos de la asociación y los consejos, evoca subliminalmente en la mente, a secta.

La producción de la película, Ulises producciones, lanzó una campaña de micromecenazgo para estrenar la película y difundirla. Puede que esté hecha con cariño, pero tiene el aspecto de telenovela un poco beata.

Ulises producciones cuenta las bases de las tres historias cruzadas:

Antonia María de Oviedo y Schönthal(1822-1898), nacida en Lausana, Suiza, empujada por la precariedad económica que pasa su familia, a los 26 años consigue viajar a España para trabajar en Palacio como institutriz de las hijas de María Cristina, la reina regenta. Allí pasará 13 años de profunda dedicación en su labor y disfrutando de los beneficios de una vida acomodada. El amor llamará a su puerta haciéndole dudar de su verdadera vocación. Pero serán sus encuentros con el Padre José María Benito Serra y su incesante búsqueda por la verdad y su misión personal, lo que finalmente le hará tomar la decisión de entregar su vida al cuidado de las mujeres que ejercen la prostitución.

Rebeca, de 25 años, en Madrid en la época actual, trabaja como maestra en un colegio de barrio y está estudiando las oposiciones para asegurarse una plaza fija. Lleva unos años con su pareja, Enrique, pero ella no se siente aún motivada para comprometerse con él y darle más estabilidad a su relación. En su trabajo observa y se preocupa por sus alumnos y eso le lleva a involucrase en la vida de las familias, más allá, del colegio. Es lo que le pasa con Alika, una alumna de 9 años de madre africana, que le conduce a un mundo desconocido para ella: el de la prostitución y la trata de personas. El encuentro con esa triste realidad le despierta preguntas que nunca se había hecho antes y el replantearse el rumbo de su vida.

Sharik, nace en Nigeria y siendo apenas una adolescente es vendida por su padre a un hombre mucho mayor que ella, una separación que dejará una herida que la marcará para siempre. La trasladan a España para prostituirla y como una mercancía, es abusada por muchos hombres. Embarazada de su proxeneta recibe un trato más favorable por parte de éste sacándola de la calle y poniéndola a servir copas en su club. Pero la vida de Sharik, a sus 27 años, está llena de oscuridad y desasosiego. Su hija y el deseo de transformar su triste realidad, será el motor que le da fuerzas y determinación para convertirse en la mujer valiente e independiente que desea ser. Su encuentro con Rebeca, la maestra de su hija y posteriormente, con la Congregación de Hermanas Oblatas, le dan la llave para emprender ese nuevo camino de empoderamiento

La prostitución, la trata de mujeres, las dudas en mantener una pareja con la relación estropeada, cuestionarse relaciones familiares, la forma de sobrevivir de ciertas mujeres atrapadas por las mafias... temas todos ellos presentados con poca fuerza, con unas interpretaciones más bien de telenovela y con un sentido demasiado beato para permitirle volar.

Una curiosidad de la película "Si todas las puertas se cierran"
cuando Carlos Iglesias, personaje pasajero en la película, llama por teléfono a una chica, ésta se encuentra en casa viendo en la tele una película de Ramón Barea y Mercedes Sampietro, "Abuelos" de Santiago Requejo, en la que el propio Iglesias es protagonista, un guiño cinéfilo.

Nausica es un nombre griego que significa "la que quema barcos", además de ser un personaje de La Odisea.

La película, como su título, es un viaje... que naufraga en el mar.

Se trata de un viaje de su protagonista, Sica, muchacha adolescente, al inicio de su propia madurez, viaje a la búsqueda de entender el mundo de los mayores, viaje al conocer, a saber, qué ha pasado con su padre, marinero víctima de un naufragio.

Las interpretaciones de los jóvenes del pueblo resultan muy fingidas, suenan a recital.

El continuo seguir de la cámara a la joven Sica mejora en los planos abiertos, cuando recoge el paisaje de A Costa da Morte, precioso, lo mejor de la película.

El sonido del romper del mar, del oleaje, del viento, acompaña bien a las bonitas imágenes de paisaje, de la costa. Sin embargo es ese mismo sonido en exteriores el que no permite entender qué dicen. Es difícil comprender los diálogos, pues no se oyen bien, no se entienden. No es un problema del lenguaje o del idioma, pues la mayoría hablan en galego o la madre en català, sino que el sonido natural es deficiente para seguir los diálogos sin complicaciones.

La película también tiene planos acuáticos impresionantes, una luz espectacular proyectada en la arena y en las conchas que recoge Sica. No obstante, como ese plano subacuático donde las algas se mecen con la corriente, al igual que la melena de Sica... quedan sin aliento y acaban naufragando.

Película dedicada a la madre, a Ana, a la madre Naturaleza y a todas las almas que se ha llevado la mar.
Tanto en català como en galego.

La película comienza presentando a un buen plantel de actores, Christoph Waltz, Willen Dafoe... música western, tonos amarillentos, polvo, mucho polvo, desierto, rencillas y promesas de si te cruzas en mi camino te mato...
Suenan armónicas que recuerdan lejanamente a aquellas de Morricone, buena ambientación, muy creíble vestuario, wue se percibe trabajado, como viejo.... esto pinta bien...

Pero la película va derivando entre un encadenamiento de escenas que nada tienen que ver con la anterior, mal hiladas, que como presentación de oersoanjes quizá sea un buen recurso, pero que toda la película se constituya así provoca que tengas la impresión de ver una serie de televisión sencillita.

Los momentos que deberían ser tensos, turbios y de disfrute de Oeste, aunque sea de regocijo visual, vienen siendo, por contra, un desmerecido campo que no se merecen ni Dafoe ni Waltz.

Una peli que comienza pareciendo algo y se desarrolla y acaba como un Western de serie B

Da como apuro darle menos de un 5, por la ambientación y los dos actores, pero creo que el montaje sin hilo, el rodaje de las escenas, con a veces interpretaciones inocentonas, no merece tanto.

La amiga de mi amiga es una película fresca, colorida, ideada con el sentimiento de ser un homenaje a Éric Rohmer, con escenas de sus películas, con situaciones o incluso con el título, traspasado a un hábitat lésbico o, como las propias protagonistas de la película lo llaman: un círculo de bolleras.

Lo bueno de la película, lo fresca y colorida que es. Por el contrario, el sonido falla en ocasiones, no se entienden bien los diálogos (aunque a veces da lo mismo…. hay un par de escenas en las que “qué guay” ocupa todo el diálogo, más de 17 veces!!), es algo simplona y está rodada en formato cuadrado.

¿Por qué la moda actual de rodar en formato cuadrado cuando tenemos las estupendas enormes pantallas de cine y tremendos televisores todos rectangulares? Qué pena de desperdicio de pantalla ¡!

Es una película para pasar el rato, a veces divertida y en la que, si pierdes el hilo de por qué, con quién, cómo o cuándo se enrolla la protagonista con otra chica o lo deja con ella para irse con otra, tienes la oportunidad de coger el hilo en un resumen que ella misma hace en el último cuarto de hora de la película. Un resumen integral del film. Se agradece, por si estabas despistada con tanto poliamor.

Una ópera prima sencilla y colorida.

Esta película nos ofrece un pequeño acceso a la belleza, el sentir durante unos instantes esa “joie de vivre”, el gozo de vivir. Tiene como lema “aprovecha todas las vidas que la vida te da.”

El primer cuarto de hora es de una belleza absoluta, con el baile, la danza de la protagonista, sin necesidad de conversación para presentar una crisis amorosa, sólo con movimientos. Ese comienzo engancha y se mantiene durante toda la película.

La “novata” actriz Marion Barbeau, es una revelación: bailarina talentosa y preciosa, que interpreta excepcionalmente a la protagonista. Es luminosa, bella, casi vaporosa a veces y a la vez tremendamente fuerte otras. Cuando la ves bailar, tanto danza clásica como contemporánea o incluso hip hop, dan ganas de moverse con ella, con el grupo de baile, levantarte de la butaca y saltar tan ágilmente como ellos.

El resto de personajes, muy buenos en sus papeles todos ellos, son las hermanas, que sirven para dar contrapunto a lo desastre que es el padre (Denis Podalydès), la amiga (Souheila Yacoub) que es fuerte, temperamental y un bullicio de vida y pasión en danza con su novio (Pio Marmai), cocinero hecho a sí mismo salido de una familia desestructurada, divertido, cariñoso y tan temperamental como su chica.

Su historia, la forma de rodarla y sobre todo sus interpretaciones ensalzan la juventud, la belleza, el arte en general, la danza, la música, la cocina y el placer de comer o beber, sobre todo en compañía, las ganas de vivir, de relacionarse.

Su Director, Cédric Klapisch, filma con destreza todo tipo de baile: la danza clásica en la Ópera de París, el hip hop en la calle, la danza contemporánea en una maravillosa casa de piedra en la campiña. Las coreografías de Hofesh Shechter, que se interpreta a sí mismo, son una gozada.

Es de esas películas con las que obtienes una sonrisa de placidez y gozo en la cara. Se desprende de ella fuerza, optimismo, movimiento y buen rollo.

La vida no es tan bonita, ya lo sabemos, pero no está mal obtener esa dosis de belleza y felicidad, armonía, siendo simple y optimista.

Quizás no es una película de las que deja poso, de aquellas en las que sigues cavilando durante los días posteriores, ya que casi todo es bonito, únicamente hay dos “malos rollos”, en engaño a la pareja, recurso de guión para demostrar que la chica tiene fuerzas para salir de un desamor, y un fotógrafo que perpetúa el cliché de la mujer dominada, recurso que sirve para presentar a la amiga como mujer segura de sí misma, reivindicativa y justa (lo que ahora se le llamaría empoderada); aunque todo ello pueda casi diluirse horas después del visionado, sí rememoras las piezas de danza, soberbias,

Como dicen en un momento del metraje: “Sigue bailando, con ello nos acercas a la belleza”.

Emoción, danza, amor, risas, bellos paisajes, preciosa casa, buena cocina. Es la joie de vivre! - Si la ves te alegrará el momento.

Este es un cortometraje en el que un personaje que, interpretado por Ramón Barea, nos resulta entrañable desde el primer momento, vive recluido en su hogar, tan destartalado como él mismo, y por el que gracias a un proceso animado por un repartidor a domicilio y gracias a las nuevas (y complicadas) tecnologís, permite dar el paso para salir de la cueva de recuerdos que enclaustran y constriñen la vida de un ser que se ha congelado en un momento de su vida, sin progresar.

Ferran Vilajosana presenta el cortometraje e invita a verlo, dado que participa en él (es el repartidor a domicilio) y acompañar al siempre estupendo Ramón Barea, diciendo "hacer un corto siempre es un milagro, porque requiere de esfuerzo, requiere dinero, requiere de favores... oero terminarlo y que encima conecte con la gente, eso ya es una maravilla.
Para ello, dejaos sorprender por esta historia en la que hemos puesto todo el corazón."

Carmen Córdoba, la Directora de este colorido y emotivo cortometraje presenta ella misma su creación:

" Amarradas es una canción de amor a las madres y al poderoso vínculo que nos une a ellas.
Un vínculo que sana y que hiere y que nos acompaña durante toda la vida.

La premisa es sencilla: una hija que se distancia de su madre por el proceso natural de madurez, pero contado de una forma diferente que nos remite al ciclo donde vida y muerte se repiten una y otra vez.

El estilo que planteamos es muy gráfico y sencillo, pero al mismo tiempo se apoya en las nuevas tecnologías para exolorar y plantear secuencias de gran impacto sin perder ese acabado de animación tradicional.

Hemos puesto el corazón y las tripas en este proyecto."

Ilusionante!!!!

Lo mejor de esta película es cuando la tortuguita asoma la cabecita.

Una herencia de muerte es una comedia cuya tópica historia y usados gags, tan predecible, mejora en el único momento en que no es predecible, cuando aparece la polla.

Personajes como una vieja gallina clueca, postrada en cama a causa de una enfermedad, ricachona millonaria borde y mandona a la que le salen familiares queridos que toda la vida la han odiado. Situaciones de éstos haciendo fingidos méritos para conquistar la herencia en los últimos días paliativos de aquélla.

La peli merece la pena sólo por esa escena, en la que una, como siempre gran intérprete, Toni Colette, maneja y manosea a la tortuga asomando la cabeza.

Poco más que una película que aprovecha el tirón rescatando del olvido a figuras como Duchovny, en un intento de papel cómico de frívolo narcisista crápula y a Kathleen Turner, aquella tremenda encarnación del erotismo en los '80, que enamoró a la pantalla y al mundo en películas como Fuego en el cuerpo o La pasión de China Blue.
La Turner, que hizo de un vestido blanco un fetiche al nivel de aquel de Marilyn en la rejilla del metro, aquella bomba que afirmaba que cuando entraba en un bar si había un hombre que no se girara a mirarla era porque o era ciego o era gay, aquella belleza salvaje... ahora es ejemplo de que no tenía razón cuando entonces afirmaba que "ser un símbolo sexual tiene que ver con la actitud y no con la apariencia". Hoy y en esta película se la reconoce por su peculiar voz, de hecho la entrada la hace gritando fuera de plano, y porque sí conserva su actitud de mujer ambiciosa sin escrúpulos a la que no le importa el mundo, de mujer complicada, pero nada más alejado de su aspecto físico y apariencia deslumbrante que ahora es inversamente cautivadora.

No obstante de lo tópica y lo predecible, la peli merece el rato por la secuencia de la tortuguita asomando la cabecita, el manejo de Toni Colette (impensable en una peli de Hollywood!!!) y por ver a la Turner y recordar a aquella fémina de enorme fuerza en pantalla.

Ese par de cosas, ya de por sí, te hacen sonreir.

Esta reseña tiene varias "metáforas visuales" para no destripar lo mejor de esta película. Visiónala y déjate llevar.

SIEMPRE UNA RADIANTE SONRISA CUANDO TE MIMETIZAS

Esta es una película que sorprende gratamente, por lo optimista del planteamiento sobre una temática tan habitual como es el ocupamiento nazi en el Berlín de 1942 desde el punto de vista de un judío. Este es un personaje radiante, de rostro luminoso, de sonrisa radiante, de movimientos joviales y de actitud positiva, que descubre que tiene tantas dotes para mimetizarse en la banda que le intenta constreñir, como aptitudes para falsificar documentos de una forma artística y que, en lugar de vivir en el miedo, tiene arrojo y le echa simpatía y descaro a moverse por un Berlín que le toma, cuando él quiere, por un joven partidario de las SS.

La historia es agradable, la ambientación perfecta, el carisma del personaje y del actor que lo interpreta es conquistador, muy digno de la picaresca, no obstante es una película algo caótica en su montaje en la que de vez en cuando te pierdes y no acabas de percibir el sentido que su Directora quiere dar a alguna de las escenas que acabas de ver. Un ejemplo sería el comienzo de la película, donde el joven acude a la oficina de objetos perdidos porque se ha dejado la cartera en el autobús, momento que abandona tras los títulos de crédito para comenzar la historia desde el principio y que, cuando vuelves a él, no pillas la intención de que haya sido el comienzo, puesto que no es un punto especialmente relevante en la historia.

Esa especie de caos en el contar la historia hace que tengas que permanecer atento, poniendo como espectador ese hilo conductor que le falta a todo el engranaje para que éste cobre sentido. Igualmente, como espectador, desde el principio te llama la atención la sonrisa del protagonista, una encantadora sonrisa del actor Louis Hofmann, de la que, cuando de repente eres consciente que la esgrime para todo, llega un punto que hastía, hasta que tras ese desconcierto, bien acabas odiándola o bien acabas acostumbrándote a verla surgir, radiante, durante todo el largo metraje de la película.

Es cierto que Hofmann tiene una sonrisa arrebatadora y aunque, en algún momento, llega a hacerse cansina, se entiende el uso que hace de ella en la intención de mimetizarse, en caer siempre de pie, en crecerse ante las adversidades, en dejar de esconderse para salir a comerse el mundo, aunque se tenga pocas esperanzas. Esa sonrisa encantadora se nos vuelve un poco repelente cuando el personaje, frívolo en ocasiones, acaba salvándose de situaciones en las que sus más allegados acaban por sucumbir.

Carlos Vermut y Zoe Stein charlan con el público tras la proyección de Mantícora en el que, hay algún "destripe":

El título de Mantícora nace en el momento de guión cuando se decide la profesión del protagonista que es modelador de criaturas de videojuegos, dado que muchos de estos profesionales desarrollan mantícoras, además de que esa figura mitológica es también un devorador de hombres. Le pareció muy significativo que un título así, en una peli con un protagonista con un deseo montruoso hacia los hombres, hacía que tuviera una dimensión estética dentro de la película.

La película tiene muchas tomas de fuera de campo, tal y como en otras películas de Vermut, al que le fascina aquello que no vemos. Carlos es una persona muy sensible a la que le cuesta crear escenas duras y prefiere que queden fuera de campo, aunque luego se da cuenta de que el espectador se imagina cosas peores, por eso tiene la lucha de que cuando intenta no mostrar algo por pudor se acaba convirtiendo en algo más jodido en la mente del espectador. Es una relación de amor-odio con lo retorcido, que acaba tratando en fuera de campo, como en Quién te Cantará, una elipsis con lo más duro de esa película, o en Mantícora que las escenas duras suceden a través de las gafas de realidad virtual.

Vermut descubrió a través de YouTube un recurso muy útil para el fuera de campo: vio un video de una señora que mientras tenía puestas unas gafas de realidad virtual movía la cabeza con la boca abierta, a la que le sorprendía su hijo… viendo ese meme Vermut pensó que podía contar lo que sea y nadie lo va a ver, un recurso muy bueno para hacer una película…. Y entonces salió Mantícora.

Mantícora está plagada de mucha cultura de internet, mucho meme, videojuego… a veces TikTok o los memes hablan mucho más de nosotros, de nuestra realidad social, que películas enteras de Bergman. Los gráficos ahora son mucho más sofisticados que hace unos años y le generaba cierto interés mostrar cómo nos relacionamos con este tipo de gráficos tan realistas.

La película además del tema de pedofilia también trata de una historia de amor trágica.
La historia de amor se plantea entre dos personas muy solitarias, alejados del mundo. Al principio de la película Vermut sólo tenía la premisa de un chico que se sentía atraído por un niño y, al no poder obtener esta relación con el niño buscaba una alternativa, como el descubrir a una chica con aspecto aniñado y que podía suplir esa necesidad de una manera un poco retorcida. Pero a medida que la historia avanzaba también proseguía esa historia del segundo personaje, el de ella, para que al final de la película esta segunda parte explotase. En realidad hay dos avances confrontados: por un lado el modelador de criaturas de videojuegos, que cuando encontró la profesión a la que dedicarle cobró sentido en relación con su depravación y por otro lado tuvo dimensión narrativa la historia de Diana y de su relación con su padre, como un complejo de Electra que se convierte también en una depredadora. Los dos personajes se están mirando a los ojos, ambos por su cuenta buscan en el otro una figura que se pueda convertir en la plasmación de sus necesidades. Esto dio una dimensión mayor a la película, con la parte romántica y la relación de amor y pareja entre ellos, para que, en cierto momento, en el que nos dedicamos a ver cómo avanza su historia de amor, llegas a olvidar que es la historia de un pedófilo.

Para escribir la historia de amor, hay una parte técnica que Vermut no conocía, que es cómo se desarrolla una historia de amor, y para la que se dedicó a ver películas de amor, donde descubrió, por ejemplo, a partir de cuántas escenas juntos se construye una relación en una película: la media es 10 escenas juntos a partir de las que ya están enamorados y las aplicó.

Vermut, en el momento de escribir la historia de un pedófilo, pensó “qué van a pensar mis tías cuando la vean?” por lo que a veces se limitaba, hasta que acabó pensando “qué me importa lo que piensen” dado que lo que le gusta es poner a la gente en la tesitura de empatizar con alguien que a todo el mundo le desagrada. Le parecía muy interesante hacer que tú mismo sufras con el sufrimiento de una persona que en principio te desagrada.
Pensaba en una estructura de llevar esa sensación de sentir empatía por un monstruo por alguien real, cosa que en el cine ya funciona un código similar con los hombres lobo, en las películas de género, película que sentimos pena por un asesino o un personaje deplorable, por lo que fue escribiendo la historia de Mantícora como un personaje que acarrea con una maldición de la que se quiere deshacer pero que le resulta imposible, él no ha elegido ser como es, haciendo empatizar al espectador con alguien que en principio le resulta desagradable.

La puesta en escena es tan minimalista, tan sobria porque no se sentía cómodo con algo muy estilizado, con una estética más lírica que no encajaba y quería quedarse en un punto más observador.

Igualmente las lentes tienen mucha importancia: Si elegimos un gran angular y nos acercamos mucho al personaje lo deformamos, pero si elegimos una lente más distante y nos quedamos demasiado lejos parece que le espiemos, todo tenía que ser lo menos invasivo posible pero sin crear la sensación de espiarle, quedarse en la distancia justa en los personajes que produjese un acercamiento pero quedándose como un observador.
El cine de Vermut es muy de palabra, muy de guión, a pesar de que es dibujante de cómic.

Superando "el mono"

LE CUESTA ARRANCAR Y SE QUEDA FLOJITA PARA EL REPARTO QUE TIENE

El río de la ira es una película a la que le cuesta arrancar y en el que el resultado es flojo para el reparto que tiene.

Le cuesta arrancar porque más de la primera media hora es la relación que tiene una pareja enganchada a la heroína y que juntos toman la decisión de salir de ella, sin más ayuda que ellos mismos. Este punto de partida, interesante, se vuelve un poco en su contra al repetir escenas de lo que están sufriendo. Quizás algo excesivo las tomas del síndrome de abstinencia y lo mucho que se quieren uno a otro, para ayudarse a dejarlo.
Una vez que salen de la droga, a partir de ahí la historia va tomando velocidad con los acontecimientos, el retomar la relación familiar, el rechazo a tener contacto con su camello, la ilusión en su nueva vida y proyecto de casarse… hasta que ocurre algo y, claro, gracias al poso que han dejado las repeticiones de lo mucho que les costó salir de su dependencia, de la abstinencia, se entiende que uno de ellos quiera hacer pagar la situación que otros han provocado.
No obstante la película queda floja. Tener a Robert de Niro y a John Malkovich sería uno de sus fuertes si no fuera también porque es una de las debilidades de la película: de Niro en el papel de policía rastreador, paternalista y tranquilo, tiene pocos minutos y se echa de menos que nos ofrezca algo más; y Malkovich tiene un papel casi de figurante, a buen entendedor cinéfilo, ya te hace sospechar que, si no es un cameo, no puede estar tan infrautilizado en esta película, por lo que a la mitad de la misma ya tienes orientación muy clara de cómo va a acabar.
Temas como el amor, la perseverancia en dirigir tu vida, la dependencia del dinero, del poder, de las drogas, el paternalismo bien entendido en las fuerzas del orden de un pueblo, la venganza…. Interesantes temáticas, con un muy buen cartel como De Niro y Malkovich, pero se quedan flojas y cortas en el resultado final.

Más allá de una pretendida sensibilidad en la relación de la pareja, no aporta nada nuevo a una película de acción medio tranquila de toda la vida. Si no tuviera el reparto que tiene, parecería una película de sábado por la tarde en televisión.

"El triángulo de la tristeza" presenta situaciones de la sociedad actual (las y los modelos, influencers, ricos empresarios, humildes limpiadores, clases sociales, citas y lemas de capitalismo y comunismo, supervivencia, envidias, confabulaciones), de una forma irreverente, curiosa, a veces con inversión de papeles, para llevarlo al absurdo, siempre como una sátira.

Muy entretenida aunque a veces reitera demasiado lo que quiere contar, alargando conversaciones o repitiendo ideas en las que piensas que "ya lo he pillado".

Es como Rebelión en la Granja mezclada con El señor de las moscas rodada por los Monty Python de la epoca de El sentido de la vida.

A mi me ha gustado mucho, a otros seguro que no tanto, sobre todo por lo exagerado de su duración.
Curiosa comedia sátira, en todo caso.