Sueño con películas que aún no se han realizado. Por ejemplo, una versión completa y renovada de "La historia interminable"; o un adaptación decente de "The Last Airbender". A veces tengo la suerte de que alguien haga esa película que yo desearía. Pero el resultado suele ser, invariablemente, un tanto decepcionante.

"Pacific Rim" es uno de esos filmes que yo hubiera soñado. Monstruos gigantes. Robots a lo Mazinger Z. Brechas en lo más profundo del océano. Armas y habilidades inesperadas. Gente escondida en el túnel del metro. ¿He dicho monstruos gigantes? Desde luego, no me ha decepcionado.

Vale, la historia es bastante chorra y salvo algún atisbo de inesperada emoción (la escena de la niña), cumple sin más alharacas con lo justo y necesario para darle un trasfondo a lo que interesa: las peleas entre los bichos lovecraftianos y los Transformers.

Dichas luchas no se desenvuelven, como es habitual, en entornos oscurísimos que te cuesta distinguir si aquellos es un brazo mecánico, un tentáculo o el bolso de tu tía Paca. Para nada. Se ve estupendamente, con todo detalle para regodearte bien a gusto con los inmensos tortazos y los colosales destrozos.

Visualmente la película es una auténtica gozada. Las criaturas no tienen ese aspecto artificioso habitual en los efectos generados por ordenador, lucen palpables, sólidas e impresionantemente detalladas. Una gozada para quien disfrute de los diseños monstruosos poseídos por la locura de la imaginación de un devoto fan.

Y eso es por lo que la película es una auténtica delicia. Porque la hace un fan con talento y fantasía, que crea la historia de monstruos que cualquier otro fan desearía que alguien rodase. No se anda con tonterías, ni con historias metidas con calzador, ni con dramones innecesarios, ni con todas esas cosas que suelen aburrir en este tipo de filmes.

Aquí las estrellas son las peleas entre esos titantes y se les da el respeto y el espacio que se merecen. Sólo por esto, "Pacific Rim" merecería el aprobado. Pero sus apuntes anime, sus secundarios extravagantes, sus ganas de divertir y divertirse, la convierten en algo tan grande como sus bichos protagonistas.

El final, tremendo.

A disfrutarla.

Hay películas con personajes identificables, comunes y corrientes, con sus pequeñas neuras, su deseo de ser queridos y sus circunstancias rutinarias que no son nada del otro jueves. Si "Beautiful Girls" respresenta lo bien que se puede hacer cine con unas bases tan reales y creíbles, "Colegas de copas" representa el extremo contrario: cómo convertirlo en algo gris, aburrido, sin chispa y sin interés alguno. A pesar de que nos cuenta historias que son de todos.

Los cuatro personajes:

- Luke: típico tío sin personalidad que está con su novia para tener alguien que le quiera. Pero la que le pone es...
- Kate: típica chica que enlaza relaciones vacías, huye del compromiso pero luego se siente sola. Está liada con...
- Chris: típico tío raro con complejo de conquistador que vende la moto a Kate y luego trata de endosársela a...
- Jill: chica buena y formal que quiere casarse y comprometerse, pero su novio es un comodón y le da largas.

Añadir unos 250 vasos de cerveza, sacudir y agitar para obtener la más pura nadería.

No se trata de que en la película no pase realmente gran cosa. Hay películas en las que no pasa casi nada y están bien.

El problema es que "Colegas de copas" está rodada con total desaliño, las relaciones entre los personajes no acaban de resultar convincentes y el ritmo de la historia es plomizo, repetitivo y sin encanto.

El reparto hace lo que puede y con reparto me refiero más bien a las chicas, que se esmeran por traslucir emociones, algo que no pueden decir sus compañeros masculinos, en especial el planísimo Jake Johnson.

La sensación general de la película es de apatía, sin un verdadero compromiso con lo que se está narrando y los resultados están a la vista: un prescindible coñazo que consigue lo imposible, que no empaticemos con unos personajes que son como nosotros.

¿Qué pasaría si pudieses crear a medida a tu príncipe o princesa azul?

¿Y si pudieras cambiar automáticamente cualquier cosa que no te gusta de tu pareja?

Esta es la pregunta implícita que plantea "Ruby Sparks", una comedia románticamente antiromántica, en la que a un escritor bloqueado se le presenta, en carne y hueso, su encarnación de la chica ideal. Y tan ideal, que solo es un producto de su imaginación. Hasta que...deja de serlo y se convierte en una persona.

Y no hace falta ser escritor para comprender el dilema del protagonista.

Porque cada vez que nos enamoramos creamos del otro un personaje de ficción que vendrá a cumplir todas nuestras expectivas y cuando se cae el velo de los ojos y vemos al ser humano real, nos cuesta tanto aceptarlo que en el esfuerzo de mantener la fantasía viva, acabamos rompiéndonos o rompiéndole.

"Ruby Sparks" ofrece todas estas reflexiones con la naturalidad y frescura de un guion joven, seguro de sí mismo y capaz de llevar su estupenda premisa a sus últimas consecuencias. Es una película que te llegará si sabes la diferencia entre querer y enamorarte, si ya no costruyes altares para parejas muy terrenales o si ya comprendiste que la única manera de amarse es conociéndose, no imaginándose.

La protagonista de esta película es el sueño superficial de un hombre que no sabe amar y como el Tom de "500 días juntos" (y tantos hombres y mujeres reales) cree que la afinidad tiene más que ver con los gustos musicales, la manera de vestir o el background turbio que con la pasión, la autenticidad y la amistad.

¿Diseñar a la persona de tus sueños y reescribirla cada vez que se equivoca, o que no se comporta como a ti te gustaría o que simplemente empieza a alejarse?

Suena horrible...y para muchos y muchas, inconfesablemente apetecible.

¿Sabemos amar, en realidad?

Las respuestas van brotando con naturalidad en la que resulta ser una de las mejores películas de los últimos años, sea cual sea el género.

No se corta un pelo (¿para qué?). La violencia cruda, los sesos desparramados, el lenguaje malsonante y la acción violentísima de esta Dredd aplacará los apetitos más sangrientos con esta futurista hija bastarda de "Asalto a la comisaría del distrito 13". Sólo que esta vez, no hay un dentro o fuera. Tanto los matones como los guardiantes de la ley están igualmente atrapados en un juego del gato y ratón atmosférico y sangriento.

La huraña boca de Karl Urban realiza una meritoria interpretación, confiriendo la dureza y la implacable moral que precisa su personaje: su contrapunto es la desatada y tatuadísima Ma-Ma, la memorable villana encarnada por Lena Headey.

"Dredd" es pura y dura serie B, hecha a la vista con un presupuesto más bien modestito, pero aprovechada al máximo, con un ritmo estupendo que engancha y una atmósfera peculiar que convierte a la película en algo más que un pasable entretenimiento de género.

En "Dredd" se consigue crear la sensación de un mundo propio, con una idiosincrasia diferente y amenazante y pronto se nos introduce plenamente en ese futuro despiadado en el que se sitúa la historia, haciéndonos copartícipes de la hiperviolencia claustrófica que se desarrolla en el edificio protagonista.

Y no hay nada extraordinario en ella, salvo lo extraordinario de ver una película que consigue mejor resultado que muchas de sus homólogas más caras, más grandes y con estrellas mejor pagadas.

Doug Liman, pavisoso director de acción que no molesta, ni deslumbra, ni todo lo contrario sigue a lo suyo con "Al filo del mañana", un "Atrapado en el tiempo" con mucha acción, un poco de ciencia-ficción absurda y un hermoso homenaje a todos los que le tenemos tirria al pesado de Tom Cruise, ese hombre que si no chupa dos mil planos en cada película, no se queda contento.

La historia va de un oficial de relaciones públicas que (no me enteré muy bien a santo de qué) acaba metido de pronto en el fregado de combatir de verdad contra un montón de extrarrestres invasores a punto de destruir el mundo.

La particularidad de todo esto es que un suceso provoca que Tom reciba el superpoder de revivir el mismo día constantemente, convirtiendo la película en la típica escena de videojuego que se te atraganta y tienes que repetir noventa veces para poder pasártela.

Lo cierto es que la premisa tiene su punto, pero la trama es tan estúpida y la parte final tan farragosa, oscura, incomprensible y aburrida que lo que podría haber sido una digna película de su género acaba convertida en la enésima chorrada mediocre, sin estilo alguno y sin siquiera un apreciable encanto de serie B que pueda revindicarla.

Lo mejor que se puede decir, aparte de que Tom Cruise muere constantemente, es que sirve para pasar el rato, como serviría clavar una estantería en tu pared o teñirte el pelo de color rosa chicle. También es verdad que para pasar el rato, hay películas mejores.

Quien haya seguido la carrera de Nick Cassavetes como director, debe estar con la boca abierta ante este infumable bodrio de rubias cornudas que, para cruz del espectador, se hacen amigas del alma.

Esta catastrófica reunión nos condena a ver a Cameron Diaz repitiendo por enésima vez su habitual rol de chica-dura-pero-maja y a una desatada Leslie Mann con sus típicos discursos verborreicos que tuvieron gracia alguna vez, pero que empiezo a sospechar que son el único recurso cómico de esta cargante actriz. Ambas estrellas ser reparten el supuesto pastel (de cacota) mientras la joven modelo Kate Upton aprovecha como puede sus minutos de gloria aportando poco más que inexpresiva candidez y enormes tetas.

Para reírte con alguno de los sosos gags que trufan este aburrido pastiche tragicómico, habría que lucir un grado de motivación tan extremo que sólo se entiende con sobornos de por medio. Por más entusiasmo que le pongas a la cosa, no hay donde rascar. Todo mil veces visto, a destiempo y forzadísimo, como cuando las chicas se emborrachan para que Leslie Mann vuelva (otra vez) a tener una excusa para calzar otra cháchara hipomaníaca de las que te hacen envidiar la mítica sordera selectiva de tu fallecido abuelo.

Por rescatar algo, el especial del Hola de las casazas de las protagonistas y la playas de las Bahamas, son muy vistosos.

Y ya.

Los de Disney han decidido sacar del armario sus antiguas películas de animación para darles nuevos bríos y adaptar las historias a los tiempos que corren, obviando el maniqueísmo, las moralejas y las segundas inquietantes lecturas que han caracterizado a los cuentos de hadas desde el principio de los tiempos.

El primer intento, "Blancanieves y la leyenda del cazador" fue una aburrida chusta cuyo único punto de interés era el cachondeo que se tenían en el cine cada vez que el espejito mágico le decía a Charlize Theron que Kristen Stewart era la más guapa del reino.

"Maléfica" parecía ir por la misma senda. Otra vez una bella y famosísima actriz en el goloso papel de la villana, exuberantes efectos especiales y una vuelta de tuerca a la clásica historia de la princesita narcoléptica.

Quienes vayan a ver sin más una actualización del cuento, saldrán sumamente decepcionados. "Maléfica" reformula los puntos de vista de la historia, elimina detalles cruciales y resta peso a la trama central de la Bella Durmiente y el príncipe.

El resultado es una historia más sencilla, sin las perversas resonancias de la original, y tan entretenida como olvidable.

El protagonismo absoluto recae, como es de esperar, en la antigua villana, que ahora vemos reconvertida en bellísima persona y muy amiga de sus amigos.

Angelina Jolie no realiza ningún alarde interpretativo, el personaje no require más que presencia y fotogenia y en esos dos aspectos la actriz va más que sobrada, además de la ayuda inestimable de una potente iluminación, un vestuario impactante y una buena provisión de prótesis y lentillas que convierten su rostro en un juego de luces y ángulos fascinantemente expresionista.

La fotografía y los efectos especiales son punterísimos, como cabe esperar en una lujosa producción Disney y aunque la rueca, la mítica siesta, el príncipe azul y demás conocidos ítems no tienen más que una presencia anecdótica en la película, aceptamos barco porque la cosa resulta ser entretenida y bonita de ver.

Eso sí, las hadas Fronda, Jardiland y Verdecora son para encerrarlas en un tonel y tirarlo al mar.

Impresionante el eco que ha tenido esta comedia del resucitado Martínez-Lázaro sobre los encuentros y desencuentros entre Norte y Sur (de España). La gracia de "Ocho apellidos vascos" reside en haber trasladado a pantalla grande el lenguaje humorístico del día a día de nuestro país: nada tan nacional -que no nacionalista - como los chistes regionales.

También recoge la película la perplejidad de encontrarse con una sociedad tan idiosincrática como la vasca desde una cultura totalmente diferente. El personaje de Dani Rovira desembarca en tierras vascas como el explorador británico en las misteriosas tierras africanas, sin tener la menor idea de lo que se va a encontrar más allá de las ignotas fronteras norteñas.

Me hace gracia el concepto - yo soy gaditana de adopción y pasé un año de mi vida en San Sebastián, por el mismo motivo que el protagonista - pero más allá del chiste inicial y de dos gags puntuales, la película me pareció desaprovechada y pelín sosa.

Rovira está muy bien, es divertido, tiene gancho y se defiende con soltura frente a un gran Karra Elejalde: el resto del reparto no está a la altura y eso que Clara Lago tiene unos primeros cinco minutos gloriosos. Y las situaciones parece que no dan mucho de sí, teniendo la película algo imperdonable en una supuesta comedia alocada: ratos insípidos en los que se alargan escenas más de la cuenta.

En resumen, "Ocho apellidos vascos" se deja ver, pero en cualquier bar a determinadas horas de la noche, te ríes más con los mismos chistes.

A cámara lenta. Esta es la sensación que queda después de ver esta enésima revisión del mito Godzilla. Una película de monstruos en la que una sucesión de imágenes espectaculares, grandiosas y en ocasiones, incluso bonitas, se encadena con una alarmante carencia de ritmo.

La paleta de grises en la que se plasman dichas imágenes contribuye a aumentar la sensación de pesadez y poca vida que convierte a la película de Gareth Edwards en una rara avis dentro del género, tanto por su lentitud, como por el inusual cuidado estético con el que se deshacen los edificios, se erigen los monstruos o atacan los ejércitos.

La cruda realidad es que a la postre, 'Godzilla' es una película sin sangre, en todos los sentidos.

Es casi inevitable comparar con la reciente 'Pacific Rim', de Guillermo del Toro, que rescató a los kaijus del baúl de los recuerdos para enfrentarlos con robots a lo Mazinger Z. Una película tonta y divertida cuya cualidad más notable era la pasión y espíritu lúdico que convertían a una chorrada en un juguete genial que emocionaba y entretenía a partes iguales.

Edwards, sin embargo, no es un niño, no quiere jugar, quiere ser solemne, descriptivo e incluso un poquito malickiano. Sin duda por su parte hay un interés estético en las muchas bellezas de los grandes monstruos, pero nada más. No crea un mundo propio, su trasfondo es completamente insustancial y 'Godzilla' en realidad, resulta un espectáculo a ratos rarito y tristón, a ratos bonito y a ratos simplemente aburrido.

Paul W.S. Anderson ya apuntaba maneras cuando se inició en esto de adaptar videojuegos con la adaptación de uno de los clásicos de lucha más conocidos de la historia del género.

La película es infumablemente mala, como es de esperar. Tú no vas a ver "Mortal Kombat" pensando en cine de acción de calidad con una historia potable. Lo que quieres es que salgan los personajes con sus trajes regionales paneándose como en el videojuego y si da el presupuesto para más, que tiren unos rayitos.

En ese sentido "Mortal Kombat" cumple sobradamente y apenas se molesta en desarrollar un argumento del todo innecesario. La mayor parte del metraje son los personajes enfrentándose en un duelo tras otro, luciendo vestimenta y haciendo unos combos de lo más apañados.

Aunque se echan en falta sangrientos fatalities, sale Christopher Lambert con la peluca de Raffaella Carrà y la banda sonora, al más puro estilo "extasi, extano" hará las mil delicias de cualquier superviviente de la ruta del bakalao.

Revisar este clasicazo con efectos especiales punteros podría ser un guilty pleasure de los que hacen época. "Mortal Kombat: Legacy" es más digna, pero dista mucho de ser altamente satisfactoria a ese respecto.

Lo mejor de todo:

[Christopher Lambert]: El maligno emperador Flusflus quiere conquistar el mundo de los humanos y para ello debe ganar nosecuántos combates mortales.
[Johnny Cage]: ¿Y porqué no nos invade directamente?
[C.Lambert (mirada fulminante)]: ¡Porque las cosas se hacen ASÍ!

"Don Jon" viene a ser algo así como el reverso desprejuiciado y divertido de la plúmbea "Shame", esa película que todo el mundo recuerda porque Michael Fassbender enseñaba el pito.

Joseph Gordon-Levitt no llega a tales sacrificios, pero en cambio nos regala un personaje forocochero tan entrañable como desprejuiciado y chulesco, eso sí, enganchado al porno e incapaz de disfrutar al 100% de relaciones con chicas reales.

Ten cuidado con lo que deseas, se suele decir. Y la vida le deja caer al protagonista a una chica que parece sacada de una de sus películas porno. Las consecuencias serán imprevisibles...

El debut de Gordon-Levitt como director es una película simpática y aleccionadora sobre el aprendizaje vital de un digno participante de Gandía Shore. Da una visión de uno de los males de la sociedad moderna, que es la incapacidad de lidiar con la realidad y la evasión a través de diversas adicciones. Funciona como comedia romántica más que como lección vital, pero muestra inquietudes y una buena capacidad de reflejar lo que se mueve en la actualidad en las vidas de muchas personas.

Mención especial para las chicas: el papel de Scarlett Johansson se nota hecho a medida y lo borda. El de Julianne Moore, más flojito, lo saca adelante la profesionalidad de la actriz.

"El lobo de Wall Street" no deja de ser una revisión actualizada de viejos clásicos de Martin Scorsese. La diferencia con sus dos grandes crónicas del auge y la caída del hombre mediocre - "Goodfellas" y "Casino"- está en el tono. El Jordan Belfort de Leonardo Di Caprio no es un personaje trágico devorado por nefastas pasiones, sino un crío egocéntrico con alma de chiste que juega hasta que se le rompen los juguetes.

¡Y qué juguetes! Una mansión de ensueño, un yate digno de reyes, la más despampanante de las rubias despampanantes, las fiestas más salvajes, las drogas más exclusivas, los caprichos más extravagantes...un desmedido carrusel de codicia cuyo poder de fascinación reside en ver en cuánto más se pueden rebasar los límites.

La película retrata el exceso con gracia y brío, como invitándonos a la fiesta. Al final, las experiencias del personaje se reducen a un círculo vicioso de ganar dinero- meterse droga- celebrar orgías y realmente la historia en sí parece contar muy poco. No hay dimensiones en el personaje, un hijo bastardo entre Tony Montana y la María Antonieta de Sofia Coppola. Su entorno, lleno de personas con las que carece de relaciones significativas más allá de lo material y la diversión, resulta a partes iguales, deprimente y divertido.

A la enésima orgía y el infinitésimo chute de drogas, ya hemos perdido el sentido de la realidad tanto como los protagonistas. Hasta la aparición de Kyle Chandler, el agente del FBI que investiga a Jordan Belfort, no aterrizamos de nuevo en un punto de vista tangible.

En sus tres excesivas (en todos los sentidos) horas de duración, la impresión global es de saturación, de perplejidad ante semejante despliegue de estupidez humana y de franco alivio al no tener tan grandes vacíos que sin semejantes cantidades de dinero no se puedan llenar.

"El lobo de Wall Street" es un entretenimiento que no trasciende a nada más, ni cuenta nada que no se haya contado mejor. Sin embargo, es una buena película, vistosa y bien rodada, con actores cumplidores y alguna que otra escena para el recuerdo. Quizás la mejor de ellas sea la menos llamativa: el contraste entre esas vidas hinchadas, falsas e irreales basadas en los deseos del ego y la mirada del agente de FBI en el vagón de metro. Puro dios/gitano.

Érase una vez una chica que se llamaba...no recuerdo cómo se llamaba.

La chica tenía una sombra que la seguía a todas partes. La sombra se llamaba Jasmine.

Un buen día, la chica conoció a un chico. El chico no la veía a ella, pero veía a su sombra. Y se enamoró de la sombra y se casaron.

La sombra se empezó a dar la gran vida: se compró ropa preciosa y muy cara; se trasladó a una mansión con impresionantes vistas al mar; organizó fiestas estupendas; conoció a un montón de gente glamurosa; viajó por todo el mundo en primera clase; bebió el mejor vino, degustó las mejores delicatessen.

La sombra era tan bonita, tan resplandeciente, estaba tan bien vestida y vivía tan bien, que la chica empezó a creer que ella era la sombra y en realidad, la chica no existía.

Pero eso la asustaba un poco y para aplacarlo, bebía algo más de lo recomendable y tomaba unas pastillas mágicas que borraban sus recuerdos de no haber sido una sombra.

Sin embargo, un buen día, desaparecieron todas aquellas cosas. Las fiestas, los vestidos, los viajes, las vistas al mar y el chico.

La chica y su sombra lo perdieron todo y se marcharon.

La chica seguía siendo la chica: pero la sombra cada día se volvía un poco más pequeñita.

La chica empezó a asustarse. Tomó más pastillas y bebió más copas para olvidar que la sombra estaba despareciendo.

Un buen día, la chica se levantó y no vio a la sombra.

¿Qué sucedió después?

La respuesta, en esta espléndida película con la que Woody Allen demuestra que todavía no es suficientemente viejo como para recluirse en la zona de confort.

Una buena noticia para los seguidores de las franquicias Marvel: la secuela de Thor es sustancialmente mejor que la segunda, dentro de las limitaciones de la fórmula. No sólo por sus delirios de grandeza cósmica que se pierden en maravillosas panorámicas de bellos mundos digitales, sino porque su historia, dentro del esquema habitual de malo-que-quiere-dominar-el-universo-con-algún-artefacto-todopoderoso, resulta más atrayente, épica y vistosa que la que se narraba en la primera parte.

Asimismo se saca todo el provecho posible a la dicotomía poli bueno/poli malo que presenta la relación entre los hermanos Thor y Loki. Y si Loki fue un villano un tanto enclenque y llorica en su presentación, en esta segunda parte resulta ser de lo mejor de la película y es que el personaje funciona mejor cuando se lo dosifica más.

Por otra parte Chris Hemsworth hace lo que se espera de él: ponerse muy cachas, tirar de martillo, sonreír con socarronería y enseñar su supertorso, cláusula que debería ser obligatoria en todos sus contratos. Su campechano garrulismo en contraposición con la irónica elegancia de Tom Hiddleston es una combinación ganadora y debieran ser también el único contrapunto cómico de la película, ya que el intento de mantener a Kat Dennings como secundaria graciosa sigue siendo completamente prescindible.

De Natalie Portman decir que le ha tocado en suerte la novia de superhéroe más insulsa de todos los Marvel hasta la fecha y las partes en las que sale ella sabiamente no se prolongan demasiado, pues a la mujer le caen los diálogos más pavos, las coñas más anodinas y las escenas más tediosas, que por suerte parecen haber recortado habilidosamente en la sala de montaje (la escena en que conoce a Frygga tiene un tijeretazo sonrojante).

En cuanto a lo que más interesa de todo, que es el apartado visual, presenta unos efectos de infarto, algunos diseños interesantes y atractivos (la nave de los malotes por ejemplo) y una recreación más rica de Asgard que en la anterior entrega.

La trama, pues cabe en un post-it: unos drows malvados quieren tener un coso ultrapoderoso para arrasar con todo, los buenos no están nada de acuerdo y caen hostias como panes con algunos chascarrillos por medio (nada nuevo bajo el sol).

El logro más relevante, hacer que 112 minutos pasen como un suspiro, enredados en batallas de esas donde no se ve quién pega a quién, pero todo queda como muy espectacular y brilloso.

Ojo con quedarse al final de los títulos de crédito, que hay escenas de propina.

No soy del sector de lectores de Orson Scott Card que esperaban fanáticamente la llegada de Ender a la gran pantalla. La novela es un prodigio, con unos planteamientos maravillosos y una introspección en los personajes que la convertían en una historia difícilmente resumible y adaptable.

En realidad esperaba más bien una serie B flojita y sin embargo me he encontrado con una pequeña película de ciencia ficción apreciable, que plantea temas interesantes y que cuenta con alguna que otra escena espectacular, a pesar de una sosa iluminación que resta magia al conjunto visual.

Para mí sólo dos pegas enturbian el disfrute de esta aventura espacial con trasfondo moral: el reparto en general, donde destaca (para mal) un Harrison Ford abúlico y blando, que parece haber perdido incluso presencia en pantalla, en un personaje que encajaría mejor un actor con recursos más sutiles. El chaval que interpreta a Ender, Asa Butterfield, parece un pequeño psicópata inexpresivo y rara vez consigue transmitir el dilema de un muchacho que se debate entre un adiestramiento para la deshumanización y sus propios principios éticos. Por demás, ni Abigail Breslin, ni Ben Kingsley consiguen dar vida a sus roles y la única que parece estar a gusto en la historia es Hailee Steinfeld en el papel de Petra.

El otro punto negativo es la rapidez con la que se narra el adiestramiento de Ender, que parece ascender a la velocidad de la luz, sin dar tiempo al espectador a percibir ni a disfrutar de lo supuestamente arduo de los entrenamientos a los que someten a los niños protagonistas.

Hay otros detallitos menores, que en todo caso no enturbian demasiado el conjunto. Lo mejor: el tramo final. Propone una consecuencia perfectamente lógica de los dilemas que se han planteado con anterioridad y deja un interrogante que esperemos que sepan resolver para una hipotética segunda parte.

En el año 1998, cayó en manos de Gary Ross una inesperada joya: "Pleasantville", la historia de dos jóvenes que entran por arte de magia a formar parte del mundo en blanco y negro de una serie de televisión de los años 50. En manos de otro director, "Pleasantville" quizás hubiera rozado la categoría de obra maestra. Aunque Ross cumplió como pudo y el resultado fue una obra tan curiosa como la que nos ocupa.

La mejor baza de "Pleasantville" es su alegato -claro, diáfano y conciso - por el individuo en detrimento de la falacia social. Mediante los dos protagonistas foráneos, se juega a introducir la semilla de la pasión en el paraíso de la conformidad. Poco a poco, el mundo en blanco y negro empieza a cobrar vida: y en esta tesitura resulta que cada personaje empieza a despertar su conciencia individual y a hacerse cargo de su necesidad de expresarse, a través del amor, de la rebeldía, de la provocación o del arte mismo.

"Pleasantville" es una fábula sencilla, pero eficiente e incluso poética, que trata sobre cruzar el umbral donde la supervivencia empieza a transmutarse en existencia. En el que un puñado de personas se remueven sobre sus cómodos sofás, descubriendo que a fin de cuentas, no eran tan cómodos. En "Pleasantville" se habla sobre todo de elegir sentir, ese sentir que puede ser doloroso, o maravilloso, el sentir sin el cual la propia vida carece de sustancia, propósito o sentido. Porque eligiendo sentir, los personajes, o nosotros elegimos (parafraseando a los Rodríguez), disparar contra el olvido.

Reese Whiterspoon asume el papel del príncipe que despierta a la durmiente Pleasantville empezándolo todo con un beso. Y a partir de ese beso, la emoción empieza a traer el color a la vida gris y blanca de la ciudad aparentemente perfecta. Pero ¿podrían volver a dormirse aun después de haber despertado?

Deberían existir más historias como ésta.

La sensación que deja "God Bless America" es agridulce, porque sus intenciones son infinitamente mejores que sus resultados. Y es que su premisa de dos inadaptados alzándose en armas con la mediocridad encarnada en el mundo reality, parecía poder cumplir los más salvajes y secretos sueños de todo aquel que alguna vez se haya encarado con ese circo de máscaras y egos grotescos que sintetiza perfectamente cada programa de la televisión basura.

La cuestión es que Bobcat Goldthwait, que ya indagó en el enfrentamiento entre la masa y el individuo en la genial "World Greatest Dad" esta vez yerra el tiro dispersándose y lo que inicia de forma prometedora se diluye por su falta de cohesión y coherencia interna. El protagonista (un estupendo Joel Murray) es diagnosticado de un tumor terminal y decide que ya puestos a morirse, se llevará por delante todo lo que a su juicio hace que el mundo sea peor. Y aquí es cuando empiezas a relamerte: estrellas de la telebasura, jurados de Operación Triunfo, gente de la que se pone a hablar con el móvil cuando está el cine...

Pero la película se dispersa, no sabe si quiere profundizar en la amistad entre los protagonistas, o quiere criticar la sociedad en general, o los realities en particular y todo esto a un ritmo claramente ortopédico, haciéndose tedioso en ocasiones y en otras animándose de repente como una descarga eléctrica, sin que te hagas el cuerpo a semejantes cambios de tercio.

A pesar de algunas pinceladas de humor negrísimo marca de la casa (tiene unos pocos diálogos que rozan el Olimpo) y de que me resulta moralmente imposible suspender a una película en la que suena el "School's out" de Alice Cooper, el resultado final acaba siendo flojito y eso que la última secuencia es tan previsible como épica y catártica.

Recomendada en todo caso a personas que piensan que todo el mundo menos ellos merecería morir.

Dos pilotos de Fórmula 1, la leyenda Niki Lauda y el olvidado James Hunt enfrentan dos maneras antitéticas de vivir la vida y el deporte en una de las películas comerciales más rotundas -y redondas - que han aparecido en lo que va de año.

Si bien la historia despliega sus encantos en varios frentes - la ambientación de los años setenta, los amoríos de los protagonistas y su sempiterna rivalidad - el plato fuerte sin duda es la recreación del accidente en Nürburgring en 1976, donde Lauda arde junto con su coche en una secuencia a partir de la cual el tono de la película pasa de lo desenfadado a lo épico, rebajando el tono dramático con la aspereza de carácter del supuesto héroe.

El gran segundo acierto es tanto el retrato como la relación entre ambos personajes. Hunt, el alegre playboy y Lauda, el alemán antipático, generan una química peculiar que implosiona de manera espectacular en la lucha encarnizada de ambos por erigirse campeones del mundo. Y esto, aliñado con un índice de peligrosidad impactante (las carreras de hoy día son un paseo de abuelitas comparado con lo que había entonces), hace que la historia alcance cotas de pasión y emoción que recuerdan lo espantosamente vivo que se puede estar rondando la muerte.

Dos buenos actores, dos maneras de entender un deporte: la pasión y la obsesión, lo explosivo y lo reflexivo: el corazón y la cabeza, el tocino y la velocidad...el éxito y la gloria. Se complementan como la máquina cuasi perfecta que es "Rush", quizás la mejor película sobre el particular que se haya hecho nunca.

En ocasiones te cruzas en esta vida con esa clase de gente que ha sufrido graves pérdidas o experimentado un enorme sufrimiento y en lugar de hundirse en la depresión o desmotivación, encuentran un nuevo camino y asombran por su saber estar, saber hacer y sobre todo, su saber vivir. Son gente con una fuerza particular, quizás la fuerza de haberlo perdido todo y por tanto, haber ganado la libertad personal a la que todos aspiraríamos si no fuese porque estamos muertos de miedo.

"De óxido y hueso" trata de un personaje, el de Marion Cotillard, que, como la sirenita, sacrifica al mar sus piernas; pero como ésta es la vida real, no obtiene un príncipe, sino un hombre de hojalata. Y este hombre de hojalata que no tiene un corazón, se redime de su incapacidad emocional ejerciendo de peculiar ángel de la guarda de la chica sin piernas.

La historia de ambos y entre ambos es emotiva porque es un relato seco y poco sentimental; no hay idealizaciones, nada augura un gran futuro feliz para Alí y Stephánie, que tendrán siempre que lidiar con limitaciones y dificultades. Su amor es el amor áspero entre veteranos de la guerra del existir. Pero es un amor auténtico y es la autenticidad lo que en realidad acaba conmoviendo en "De óxido y hueso". Alí y Stephanie empiezan como esclavos y terminan como amos, pero eso sí, pagando un altísimo precio (¿quién dijo que ser libre era fácil?).

La sensualidad de Audiard al rodar el sol, esa frescura del agua de mar que casi se siente conforma una de las dos mejores escenas de la película; la otra, el momento en que una ojerosa Cotillard irrumpe en el combate de boxeo y mira con furia a un caído Schoenaerts como dicendo "¿yo me he quedado sin piernas y aquí estoy y tú te dejas tumbar?".

Impresionan las interpretaciones de ambos, cada uno perfectamente creíble en su drama personal; logran la empatía no por sufrir mucho, sino por las capacidades que muestran para superarlo.

En algunos lugares de Asia, se ciega a los canarios para que aprendan a cantar...aquí, son dos personajes los que la historia mutila...para que aprendan a vivir. Lección aprendida.

La tripulación del Enterprise vuelve a asomar en la gran pantalla con una nueva entrega tan startrekiana como las anteriores. Aquí, por suerte, no hay héroes torturados, ni saturación de efectos digitales, ni historias de monstruos apocalípticos, no...hay lo de siempre. La siempre agradecida tensión homoerótica entre el capitán Kirk y el señor Spock sube varios grados mientras hacen su aparición varios viejos conocidos de la saga y se suceden los chascarrillos entre batallita y batallita.

Desde el inicio en el precioso planeta Nibiru, la película se desenvuelve con la precisión de un reloj suizo, combinando a la perfección todos sus elementos, a los que se añade una estética ni demasiado moderna, ni demasiado clásica y unos efectos especiales que nunca invaden la historia ni disfrazan la parte humana de la misma. Cada personaje tiene su forma de ser, su estilo y personalidad y ésta es la mayor fuerza en que se basa el atractivo del universo trekkie.

La trama no es realmente muy original (bebe en parte de la antigua "La ira de Khan") y el mayor logro es la incorporación de Benedict Cumberbatch, cuya poderosa presencia compensa las deficiencias del guion al explicar adecuadamente su personaje. Finalmente, lo esencial se concentra, como de costumbre, en la relación entre Kirk y Spock, lo visceral de uno con lo cerebral del otro, dos maneras de hacer las cosas que juntas, dan como resultado los "golpes de suerte" que hacen que la Entreprise siga viva después de mil batallas.

Gracias a ello, tenemos una muy buena película comercial que ofrece un espectáculo estupendo sin renunciar a las buenas costumbres, esto es: no tomar al público por idiota. "En la oscuridad" está realizada para espectadores que quieren pasarlo bien con los personajes y la historia, no a costa de ellos. Y, dejando aparte algunas malas interpretaciones y algún que otro agujero de guion, la película de Abrams lo consigue.