Empieza la película con una reflexión bastante acertada. "Después de tantos años, ellos son los residentes y nosotros los extranjeros". En principio, parece que vamos a presenciar una crítica contra la globalización, la emigración y el racismo. Más o menos estilo Distrito 9. Nada más lejos. Hay mucha diferencia entre la obra maestra de Neill Blomkamp y esta cinta de ciencia ficción con pretensiones. Se decía que aquella trataba sobre el Apartheid, cuando esta parece encaminada a la comparación con Afganistan. Todo ello visto desde el punto de vista americano, para bien y para mal. Es evidente, demasiado, la crítica a las ocupaciones en un territorio extranjero. Pero en la historia de Edwards, eso es lo de menos.

El prólogo es absolutamente espectacular, una gran introducción estilo documental que nos mete de lleno y sin previo aviso en el mundo terrorífico de estos "monsters". El problema es que ese particular estilo solo dura 5 minutos para después pasar a una dirección monótona y acartonada, sin más recursos que los primeros planos a Whitney Able. Parece que cada vez que un plano no corta, recurre a mostrar la cara de su protagonista femenina siempre en postura pensativa y supuestamente sensual. Una lástima.

Edwards se empeña en mostrarnos la diferencia entre el primer y el tercer mundo de forma sutil pero no siempre lo consigue. En una situación desesperada, todavía hay momento para el negocio. De sacar dinero e intereses del dolor ajeno. Es en estas situaciones donde se acrecentan las diferencias entre ricos y pobres, como vemos en la bien (aunque rozando la inverosimilitud) construida escena del ferry. Por otra parte, la película bebe de clásicos como Parque Jurásico, Apocalypse Now (ese viaje por el agua entre la selva) y, por supuesto, Distrito 9.

Pero lo que es verdaderamente imperdonable es la publicidad engañosa de la que hace gala. El trailer te presenta una historia con monstruos por doquier y situaciones al límite para descubrir que eso no es así. Los supuestos monsters del título se reducen a 3 monstruos mal contados y a pocos momentos de aventura. Es como esperar algo y que nunca llegue. Esa sensación de impotencia se ve acrecentada cuando realmente descubres cual es el propósito del director, que no es otro que prestar más atención a la relación entre los 2 protagonistas. Algo totalmente loable sino fuera porque se queda a medias. No apuesta por ello cien por cien, no ahonda en los sentimientos que una situación de vida o muerte tiene que provocar en ellos. Por lo que, tristemente, fracasa en su cometido siendo más dispersa que otra cosa.

En fin, film al que le ha hecho mucho daño la comparación con Distrito 9 y que defraudará a aquellos que quieran ver peleas contra monstruos. Gustará a aquellos que quieran ver las partes menos turísticas de México.

Impresionante episodio piloto. los mejores 70 minutos de Scorsese desde Casino o Uno de los Nuestros. agilidad narrativa, presentación de personajes modélica, reparto de ensueño (en especial Michael Shannon como agente del FBI), dirección moderna de Scorsese (es decir, la de los últimos 10 años...Lo tiene todo para ser la nueva Los Soprano. los encadenados de muertes tipo final de El Padrino son colosales. Y el uso de la música, como siempre en Marty, perfecto. la ambientación es lo que intentó hacer Michael Mann con Enemigos Públicos y no pudo. Se respira ese ambiente de prohibición, de ilegalidad, de que estamos en una época corrupta y oscura. De momento, es una obra maestra al nivel de un gran episodio de Los Soprano. De la mezcla de guionistas y directores de la serie sobre el mafioso de New Jersey y del director de Raging Bull sólo podía salir una genialidad.

Cuando se dice que un actor trabaja con la voz se suele poner el ejemplo de Daniel Day-Lewis (yo mismo lo hago). Emplea una voz profunda, grave y que atemoriza. Aquí tenemos otro ejemplo de interpretación desde la voz, Greta Gerwig. Desde su voz triste y risueña al mismo tiempo nos transmite todo lo que necesitamos para sentir empatía hacia su personaje desde el primer segundo. En una actuación que es la película entera, deja en pañales a cualquiera que esté enfrente suya, incluido Stiller. A simple vista no parece nada del otro mundo pero está llena de matices, sensibilidades mostradas u ocultas y un halo de sensaciones para una de las actuaciones del año sin duda. No suelo empezar por los actores pero esta gigantesca actuación me ha obligado a ello. Stiller hace lo que puede, que no es poco, pero queda reducido a un tipo amargado que es engullido por una roba-planos. Rhys Ifans, eterno secundario, da una lección de cómo engrandecer un reparto con su sola presencia. Pero pienso que su personaje está desaprovechado (al igual que él mismo como actor).

Me esperaba algo más de esta película, básicamente porque anunciaba un personaje interesante pero el guión no está a la altura. Simplemente nos limitamos a ver pasar la vida de Greenberg, lo que es muy loable, pero lo sería aún más si en esa vida pasara algo de valor o trascendencia aparte de sus idas y venidas con el personaje de la magistral Gerwig. Estoy de acuerdo en la forma que tiene el film de criticar la mediocridad aceptada de los demás, mostrando a Greenberg como un pseudo-loco que se atreve a ser el mismo. En estos tiempos de falsedad, mentes cuadriculadas y prototipos casi mecanizados de personas, el ser sincero y honesto (a veces duro o demasiado directo) es un comportamiento tachado por la mayoría de poco humano, mientras el humano es el ser igual que todos y saberte las referencias pop del momento. Crítica bien hecha, inteligente y sin redundancias. El problema es que no va más allá de una crítica con criterio. No parece haber interés por conocer más del protagonista o secundarios, lo que me parece correcto si es la elección del director, pero el saber plasmar lo que se piensa no significa que lo que se piensa esté bien. Una buena dirección, clásica y cálida, que no se ve bien acompañada por una elección musical mayoritariamente indie y buen rollista.

Para terminar, decir que el verdadero lastre de la película es Stiller, no por su correcta actuación, sino porque hay actores que inevitablemente se sienten más cómodos dentro de un género y no en la mezcla de géneros. Si bien lo bordaba en Tropic Thunder o Los padres de él/ella, aquí está realmente perdido en parte por la indefinición de Baumbach entre comedia y drama, aunque es bastante más dramática que graciosa (por lo menos yo no me reí en ningún momento). Buen intento de representar una crítica a la sociedad que acaba siendo una historia que se deja ver y poco más.

Woody Allen ya no está para grandes monumentos a su labor. Hace tiempo que dejó que sus películas de los 70 y 80 reescribieran las de los 90 y 2000 (exceptuando Si la cosa funciona, que fue concebida en los 70 aunque rodada el año pasado). El director de Manhattan da rienda suelta a sus manías, idas y venidas sobre la madurez y la relación de parejas para servirnos todo como el descuidado camarero que deja que la comida se enfrié en la barra antes de llegar a la mesa. Fría, parcialmente vacía y con poco sentimiento. Así es la nueva película del maestro.

Me asombra que a medida que Allen se hace mejor director, se vuelve más mediocre como guionista. Sus últimas direcciones están por encima de sus historias y parecen contarnos más cosas que la que dicen sus protagonistas a través del guion. El problema es que se repite y que tiene un ritmo entrecortado que evita que el espectador se meta de lleno en la historia. Es el problema que hay cuando alternas historias para que se abastezcan unas de otras simbólicamente, que habrá alguna mejor que otra y te dará pereza cuando se inicie un nuevo capítulo de la que no te interesa. A pesar de esto hay que decir en su favor que es de los pocos directores que hacen que su película tenga magia en algún momento de la misma y que esta rezume un sabor a clásico (debido a la dirección, los personajes y el tema escogido como las relaciones de pareja) que me hace preguntar si Allen no se hubiera encontrado en su salsa en las comedias de los 40 y 50. La utilización de la música, como de costumbre, es notable, aunque no siempre la elección.

Uno de los principales problemas de la película es el error de casting de tener a Brolin y Hopkins, dos actores sólidos que cumplen con su cometido pero que no tienen alma para este tipo de película, es como ver a un koala comiéndose un rinoceronte, es raro y poco creíble. El resto del reparto está bien con especial mención al verdadero monstruo interpretativo del film, que no es otra que Gemma Jones. Jones se come a Watts y Brolin, y domina el espacio con insultante facilidad. Es el toque cómico de la película pero también el dramático y soporta ese peso dándolo todo de ella misma y demostrando que puede haber papeles interesantes para mujeres de su edad si se interpretan con sentido. Un óscar para esta señora, por favor. Por cierto, Banderas no molesta, cumple. Como curiosidad, el grandioso Philip Glenister (Gene Hunt en Life On Mars) sale unos minutos.

En resumen, una película ciertamente decepcionante con algunos toques clásicos de Allen, que sigue demostrando con el paso de los años que el gran enemigo de sus películas nuevas es él mismo y su filmografía anterior. Viendo que el protagonista de su siguiente película va a ser el inefable Owen Wilson no creo que presenciemos una resurrección del clarinetista neoyorquino. Espero equivocarme.

Toda crítica que se haga sobre esta obra maestra siempre estará incompleta, es inabarcable en aspectos técnicos, sociales, religiosos, etc., pero intentaré de forma resumida destacar los hechos más importantes por los que creo que es un clásico imperecedero del cine negro y del cine en general.

La regla de oro de la novela negra es empezar con algo fuerte, impactante que atrape al espectador, que le haga preguntarse el porque, el como y el cuando. El film de Lang empieza igual que una novela negra. Un disparo. Una muerte. Un suicidio. Un hombre que no conocemos. Una casa. Una carta. Una mujer que da la alerta a la policía. Un minuto y ya estamos enganchados, queremos saber como ha llegado el hombre a esa situación o que consecuencias tendrá esa muerte. Uno de los mejores principios de la historia del cine, al mismo nivel que el de El crepúsculo de los dioses, que se me acaba de venir a la cabeza. Enseguida se nos presenta un personaje con una vida familiar modélica. Casado con una mujer que le ama, niñas que adoran a su padre, se permiten tener canguro, buena casa. Sin lujos pero con buen nivel de vida. A lo largo de la película vemos como se desarrolla el cuerpo de policía. Su proteccionismo con el caso principal que mueve el film y los demás que se van produciendo. Es otra familia. Se protegen unos a otros. Familia carnal y familia policial. Es algo básico para, a pesar de las teorías de conspiración del protagonista, entender porque ambos núcleos se comportan como se comportan, el tomarlos como una familia.

Un argumento a favor de la teoría de la conspiración que nos da a entender Lang es la presentación de un individuo honesto contra una sociedad viciada y corrupta. Nos lo muestra en las idas y venidas de Ford a la hora de intentar resolver el caso. Un policía, un camarero, un sicario, etc; todos intentan apartar a quien no entra en su juego. Esa gente de diferentes ocupaciones representa la diversidad de la sociedad. Son de clases distintas pero un mismo objetivo, evitar el triunfo del individuo. Comunidad contra individualismo. Esto queda aún más evidente cuando el sector más minoritario se tiene que juntar para intentar acabar con la injusticia. No es un capricho del azar que los que intenten detener esta ola de crímenes, corrupción y malversación sean una acompañante de hombres, una vieja lisiada y un viudo apartado del cuerpo de policía. Desechos de sociedad según el contexto de sociedad que predomina en esos tiempos, cuando la verdadera escoria está al otro lado de la ley.

Lang no oculta su fascinación por este genero y, como ya hiciera en Deseos Humanos, tampoco por la violencia aunque esta este sufrida por mujeres. Un hecho que, para la época en la que nos situamos, era toda una novedad, ya que si la violencia en el cine no estaba bien vista, menos aún si es sufrida por mujeres. ( Se me ha cortado un argumento por la mitad por el espacio, sigo en spoiler pero no es spoiler)

Pocos años después de Casablanca se estrenaba este film de Charles Vidor con Rita Hayworth como principal reclamo. Los paralelismos entre ambas son evidentes. Casi todo el film se desarrolla en un espacio cerrado, aquí un casino y en Casablanca el Rick,s. Ambos locales son gobernados por los protagonistas, Bogart y Ford (aunque este último no totalmente). Es una historia de amor que tuvo su parte álgida y turbulenta en el pasado, en el presente tan solo vemos las consecuencias de ese romance. En ambas hay una guerra de trasfondo. Tienen secundarios carismáticos como Tío Pio en la que nos ocupa o Peter Lorre en la obra maestra de Michael Curtiz. En ambas hay una relación de amistad con la policía. Las similitudes son claras, si algo triunfa, ¿Para qué desviarse del camino del éxito? Obviamente la diferencia está en la historia y en la dirección, probablemente las 2 cosas más importantes de una película.

Aquí nos encontramos con un personaje femenino de gran carácter, que hace y deshace a su antojo. Tiene lo que quiere en cada momento y no parece tener remordimientos ni mala conciencia. Es un personaje difícil de asimilar por parte del espectador, pues es una mujer que puede atraer a gran parte de la audiencia masculina por lo que se ve en pantalla pero al mismo tiempo ves lo que hace con los hombres, y eso te genera sino rechazo, si distancia. Por eso el tratamiento de este personaje es modélico y parece que nadie puede con ella salvo una especie de justicia divina. Finalmente parece que obtiene su castigo y es entonces cuando nos rendimos a este personaje. Pero esto solo ocurre cuando vemos algo inalcanzable en un estado que podríamos calificar de “en horas bajas”, es entonces cuando obtiene nuestro beneplácito y nuestra total empatía sin condiciones. Repito, tratamiento modélico de un personaje femenino.

Años después llegaron Bonnie & Clyde, Dos en la carretera o bazofias como Asesinos natos o Mr y Ms Smith, pero esta es de las primeras películas que trata sobre el dolor que causan 2 amantes no ya a si mismos, sino a su entorno, en una suerte de Romeo y Julieta en un contexto de juego ilegal, pistolas y muertes fingidas. Hay que destacar a Rita Hayworth y Glenn Ford. Él cumple sin aparente esfuerzo y ella se come literalmente la pantalla en cada aparición en un papel de caramelo. La dirección es sencilla con algunos planos que nos revelan más por el encuadre que por lo que dicen los actores. La película tiene ritmo, agilidad y respira. Técnicamente correcta, todo parece encajar para disfrutar de una historia de amor/odio bien contada, sin la calidad de las grandes películas de cine negro pero con imágenes que han pasado a la historia del cine, como el baile final de Gilda.

1.-Jajaja. Los americanos son malos. Si algo nos ha enseñado el cine español de las ultimas décadas es que el imperialismo cinematográfico yanqui es dañino para nuestro cine, que nos priva de tener grandes ideas porque no hay dinero para desarrollarlas (Que alguien me diga cuanto costaron obras maestras como Two lovers o Un tipo serio, por citar dos recientes) y que nos quita la taquilla con productos de presupuestos desorbitados, estrellas rutilantes y, actualmente, el 3d. Pero parece que a la hora de usar sus ideas (por muy malas que estas sean, como es la que nos ocupa) no hay tanta animadversión. Criticamos lo que hacen pero recurrimos a lo mismo para conseguir éxito. Curioso planteamiento. ¿Por qué no se plagia el cine negro de los 50 o la comedia de los 40? Son géneros baratos pero es más fácil plagiar algo que es malo y estúpido, sobre todo cuando el plagiador carece de talento e imaginación.

2.-Jejeje. El recurso de poner a personajes televisivos está sobreexplotado. Para el público de perfil bajo que solo va al cine a reírse de tonterías, esto es un aliciente más. Descubrir quien es quien, donde salio tal, pero para el público que busca algo más este recurso no deja de ser frustrante y pesado (Por cierto, poner a Muchachada Nui con guiones y frases patéticos no los convierte automáticamente en chistes buenos). Ves salir a uno detrás de otro (el único que tiene gracia es Buenafuente) y piensas que esta especie de Star System televisivo no deja de ser algo profundamente…americano (Aunque comparar a Taylor, Newman, Hepburn o Tracy con esta gente es un delito).

3.-Jijiji. El nivel de las situaciones pretendidamente graciosas es bajo a más no poder. La primera escena es un perfecto anticipo de lo que te vas a encontrar en los 77 minutos restantes (encima que es mala, dura poco, como diría Allen). La protagonista sale defecando y se pronuncia un chiste de pedos. Elegancia, clase, distinción, categoría, nivel, ironía… son palabras que los guionistas no conocen. La zafiedad y lo soez se dan la mano en todos y cada uno de los chistes sin gracia que se van soltando sin ton ni son. No hay guión, tan solo unos cuantos sketches deshilvanados que te hacen desear que Lusbitch coja su pluma y se la clave en la cabeza al director.


Jojojo y Jujuju en spoiler pero no es spoiler.

Estamos ante un claro homenaje a dos géneros clásicos: al musical y al cine de gangsters. Coppola tiene estilo de director clásico y, como su amigo Scorsese, adora los años dorados de Hollywood en el que se fraguaron verdaderas obras de arte. Coppola se decanta por hacerlo de forma reverencial, por lo que todo lo que vemos tiene sensación de haberse visto ya, pero también de que las imágenes están cuidadas al milímetro. No hay nada dejado al azar. Todo tiene que ser una recreación perfecta de aquellos años y, más que lo que eran en realidad aquellos años, da la sensación de que todo tiene que ser como lo captó el cine de aquel entonces, que no es lo mismo. Los gansters son estereotipados conscientemente (algo parecido con lo que hicieron los Coen en Muerte entre las flores) y, aunque no hay casi ni un fotograma que nos sorprenda, se ve con cariño y admirando tanto esfuerzo.

Si hay algo que se le ha echado en cara a Coppola, no sin razón, en su carrera es su prepotencia y sus maneras de ejemplificar que estás viendo una película de Coppola. En esta misma película, por ejemplo, hay un auto homenaje a si mismo con los finales de confrontaciones (por no desvelar nada) en montaje paralelo estilo El padrino. Después de Apocalypse Now parecía estar en la cima del mundo pero el fracaso le sobrevino. El mejor Coppola siempre ha sido aquel que se ha mostrado honesto con el tema y el guión que trata, como demostró en El padrino, Apocalypse Now, La conversación o Llueve sobre mi corazón. Sin embargo, en Rebeldes, La ley de la calle (aunque estas dos lo salvaran artísticamente) o Tetro tiene ese punto pretencioso de saber que está haciendo algo de autor y vanagloriarse de ello, no disfrutar de ello. Cotton Club la podemos englobar a medio camino entre ambos pensamientos, ya que si, como he dicho antes, tiene auto homenajes y bromas privadas, también tiene un aura de autenticidad y armonía con lo que está haciendo. Honestidad, en una palabra.

En cuanto a la dirección, nada nuevo, Coppola apuesta por el clasicismo sin florituras y el film gana en enjundia con ello. Dirección concisa y espacio libre para el lucimiento de unos actores que se encuentran cómodos en sus roles. Casi todos tienen tablas y eso se nota. Pero precisamente la más joven es quien más destaca, Diane Lane, que borda su papel de chica del gangster, aportando más de lo que se le supone a una mujer florero, que no un personaje florero. La fotografía y la coreografía de los bailes están cuidadas al detalle y se agradece, ya que se disfruta con ambas. Guión previsible pero efectivo en el que alguien que tenga un poco de noción de cine negro sabe como acabara todo.

En definitiva, un homenaje sincero a dos géneros y dos horas de entretenimiento para aquel que quiera que le cuenten una historia de forma sencilla y sin alardes sin renunciar a cierta calidad cinematográfica.

Hay que darle una oportunidad a cualquier película. A priorí, una película de superheroes que no son superheroes, con nicolas cage(con lo que ello conlleva) y christopher mintz-plasse como justiciero enmascarado no parecia una buena opción sea cual sea tu gusto cinematográfico. pero aquí tenemos un guión original en su planteamiento y desarrollo, con unos personajes que realmente te importan, escenas de acción que hacen de iron man algo rancio, acomodado y estúpido; y unas magníficas y dignas interpretaciones (recalco lo de digno por lo excéntrico del conjunto).

Lo más destacado es su originalidad. Una especie de Watchmen y American Splendor mezclado con El caballero oscuro(que bien ha hecho este film a las películas de super heroes). Porque si en Watchmen se planteaba quien vigilaba a los vigilantes, aquí se plantea que pasaría si la gente que admira los comics, películas y videojuegos de super heroes intentara emularlos, con todo lo que ello conlleva. No todo es glamour, reconocimiento y problemas personales estúpidos(no señalo a nadie hombre araña), aquí los personajes realmente pagan la osadía de emular a sus heroes. Muerte, destrucción familiar y demás tragedias es lo que tienen que asumir los pesonajes. Obviamente, el estilo un poco buenrollista suaviza estos dramas pero no los elimina.

Punto y aparte merecen las escenas de acción, rodadas con un ritmo salvaje y con una musicalidad digna de destacar(si vinieran firmadas por Tarantino a algunos críticos se les caería la baba). No se escatima en violencia, sangre y determinación. A pesar de estar protagonizada por adolescentes, eso no hace más que acrecentar la sensación de que todo duele más, es más fisico y más real que si lo sufriera el Steven Seagal de turno. Los homenajes a Leone y El caballero oscuro(sobre todo a su banda sonora) aportan simpatía por la sencillez y humildad con que están hechos.

Nicolas Cage está bastante bien dotando a su personaje de madurez y poniendo el contrapunto a tanto niño. Mintz-Plasse sigue siendo un gran descubrimiento por el patetismo que inundan todos sus personajes. Mark Strong nos quita esa impresión de malo de postal que arrastraba desde la fallida Sherlock Holmes. Aaron Johnson asume con sencillez y tablas el protagonismo. Y la robaplanos Chloe Moretz quedará marcada por mucho tiempo por este papel. Sádica, dulce, asesina, madura, un personaje redondo interpretado brillantemente.

Sigo un poco más en spoiler pero no es spoiler.

Es lo único que se me ocurre pensar después de 90 minutos de chistes sobre pedos y parodías menos pensadas que Kevin Costner haciendo Mensajero del futuro. Para no ser injustos hay que decir que es la mejor de esta saga de Date movie, Tocino ovie o lo que sea. Eso lo consigue con algunos toques de humor robados a los Simpsons, otros al humor inglés y , como no, los Monty Python. Pero bueno, es de agradecer que haya pensado en esos referentes para algunos chistes ya que es ahí cuando la cosa hace un poco de gracia. Pero despues a alguien se le ocurrió que los pedos y Leslie Nielsen son mejores que Gervais, Merchant o Pegg. Es ahí cuando la benevolencia del espectador se acaba y, en mi caso, cualquier atisbo de aprobar algo que acabe en Movie y no sea, dejaremos de hacer peliculas que acaben en Movie.

A lo largo de toda su carrera, los Coen no habían abordado en profundidad su vertiente judía. Parecía que querían ocultar su condición judía para que ello no influyera en la forma en la que la gente encaran sus films. Otro judio de oro como es Woody Allen, sin embargo, hace de su religión su forma de ser, de entender el cine, de ser entendido y su seña de identidad. Dos formas de encarar un lastre o una bendición, segun el prisma.

Después de una comedía con tintes de intriga como Quemar despues de leer tocaba película grande, como en casi toda su filmografía. Después de una obra maestra venía una menor y asi se repetía el ciclo. Pero parece que desde el fracaso de Ladykillers los Coen pensaron bien su forma de estrenar y decidieron darse un largo descanso que les ha venido muy bien. Llevan 2 grandes obras maestras(No es país para viejos y Un tipo serio) y una gran pelicula como Quemar despues de leer. Eso quiere decir que por fin han madurado y se han establecido como unos grandes. Han ascendido a la categoría de Scorsese o Eastwood.

La película que nos ocupa se caracteriza por su ritmo, lento como en casi todas sus películas, un ritmo que te va atrapando poco a poco( me recordó a Sin perdon, que empieza despacio para ir avasallando a medida que el tiempo avanza) hasta que sientes todas y cada una de las desgracias que le ocurren al soberbio protagonista. Que los Coen han madurado se nota en su dirección. Seca, dura y sin concesiones, en la que se nota una crudeza visual que llevan desarrollando desde Sangre facil. La fotografía es un elemento muy cuidado y aqui destaca en los momentos mas dramáticos, con ese oscuro con sabor a lúgubre inglés(no se porque, parece inglés). Al principio cuesta coger el tono de la historia, nunca sabes por donde va a salir, pero eso pasa siempre con sus films. El guión me ha parecido de los mejores de su carrera, con muchos giros y nada previsible. La soberbia introducción que parece no tener sentido se complementa perfectamente a medida que avanza la película, en la que todo parece encajar con sutileza.

Uno de los guiones más inteligentes de los Coen en los que se reflexiona sobre el judaismo. Como el ser judío puede condicionarte tanto la vida. Es parecido al cristianismo, por eso lo entenderemos perfectamente. Las diversas minihistorias que se suceden a lo largo de la pelicula sirven para explicar mejor que significa pertenecer a esta religión. El judío no hace nada. Todo lo espera. Por obra y gracia de Dios. Lo bueno viene por él y lo malo también. Por muchos rabinos que haya en la tierra, nadie tiene la respuesta. El ser un tipo serio no basta. Hay que saber sufrir y darse cuenta de que siempre se puede ir un poquito peor, por lo que hay que estar agradecido. Sigo un poco más en spoiler pero no es spoiler.

Scarface me parece uno de los pocos remakes que está a la altura del original, por eso no voy a entrar a valorar si es un buen remake o no esta película. No me gustan los remakes, de antemano, pero valoraré este como película simplemente.

Kirk jones ya nos tenía acostumbrados a un estilo ñoño y azucarado y para no romper la tradición esta película cumple con eso. Factura televisiva, conflictos familiares, banda sonora lacrimógena(que me recordó todo el rato a cinema paradiso) y un final digno del telefilm de A3 mas mediocre de la temporada. Es una película para el lucimiento de sus estrellas y poco mas.

La historia está claramente dividida en dos partes. La primera, más arrítmica, aburrida y de indagación en el personaje de Robert de niro y la segunda, un poco más atrevida, menos simplona y lo más importante, pasan cosas. Es eso precisamente lo que se echa en falta al principio, que pasen cosas más allá de lo que estamos viendo. El nulo subtexto de la película te hace preguntar para que tipo de público va dirigido este film, si para el público poco exigente en épocas navideñas o para los niños de 7 años que vayan al cine por primera vez. Que decir de la ridiculez de la mayorÍa de las situaciones, el poco desarrollo de personajes y la poca profundidad en el tratamiento de cada uno y su historia. Todo pasa porque si y como no te lo creas, desconectas, por lo que si no quieres perder 6 euros, créetelo.

Frialdad en los primeros 40 minutos y un defecto que es imperdonable. Desaprovechar a Sam Rockwell. Las correctas Beckinsale y Barrymore gozan de unas historias más jugosas cuando el personaje más cinematográfico es el de Rockwell. aunque si hablamos de personajes desaprovechados no puedo dejar de nombrar a Melissa Leo. El minuto que sale en pantalla es insuficiente para una actriz de un talento extraordinario( e incluso diría que para ponerla en los creditos también es insuficiente) que podría haber dado mucho juego.

Cada película de De Niro nos la venden como la resurreccion del genio. Lamentablemente hace 15 años que no hace una actuación digna de su carrera(Casino) pero se puede decir que sale beneficiado con la mejoria de la película en la segunda mitad, en la que se ve envuelto en siuaciones dramáticas en las que demostrar su talento.

En resumen, típica película de corte navideño y familiar que cumple su cometido de entretener 90 minutos, esperanzarte con el resurgir del mejor actor de los 70 y lanzar alguna lágrima si estás sensible.

Inteligente es la primera palabra que se me viene a la cabeza cuando pienso en la introducción que hizo Jonathan Auf Der Heide (en su primera película, hecho muy a destacar) en el festival de Sitges. Citó sus referentes, Malick y Herzog( referentes acertados y precisos a juzgar por las imágenes) y, sobre todo, pidió paciencia a los asistentes (entre los cuales nos encontrábamos mi novia y un servidor). Sabia decisión teniendo en cuenta lo que reclama la generación de nuestros dias: imágenes fuertes, estilo videoclip y poca reflexión. Este film es todo lo contrario menos en lo de imágenes fuertes, que las hay.

El Apocalypse now de Coppola brota de muchas de las imágenes en el bosque, de muchos estados anímicos de personajes y ,sobre todo, de un paisaje en el que se mezcla con Aguirre, la colera de Dios. Un filme en el que es difícil decantarse por un género, ya que parece más un thriller psicológico que una película de terror o de aventuras. Un filme donde el habilidoso director engaña al espectador en más de una ocasión. La más sorprendente es la no utilización de un personaje protagonista claro hasta bien entrada la segunda parte de la película. Para entonces, ya estamos maravillados con las idas y venidas de los personajes, familiarizados con todos y empatizados con ninguno. Esto último debería ser un impedimento pero es todo lo contrario, ya que si bien no muestra claramente ese personaje que todos queríamos ser si muestra personajes que inspiran nuestra pena y lástima pero nunca nuestra empatía, ya que todos y cada uno de ellos lleva al diablo en su interior. El que creías tonto después es listo, el que creías lider no lo es y así constantemente. Un hábil rompecabezas psicológico en el que sale beneficiado la inteligencia del espectador.

Reálmente no es un film sobre el canibalismo sino sobre la condición humana. Asesinar a alguien para sobrevivir es una cosa, pero lo que se desarrolla después de la primera muerte no tiene nada que ver con la supervivencia sino con la desconfianza y la maldad de la condición humana(aspectos que me recuerdan a la obra maestra de John Huston El tesoro de Sierra Madre). La dirección del novel australiano es verdaderamente rompedora, radical y confiada. Planos mayoritariamente fijos, encuadres con simbolismo de primer nivel y duración de planos suficientemente larga como para que el espectador tenga un pensamiento y a los 10 segundos lo cambie por otro. El guión es como una cuna que te mece hasta que estás tan metido en la historia que gritas de dolor creyendo que es a ti a quien le pasan las cosas. La fotografia con una paleta de colores monocromática (muy en la linea de Cartas desde Iwo Jima o El asesinato de Jesse James) es la ideal para transmitir esa sensación fría y de soledad que experimentan los personajes. Todo esto acompañado de una música punzante y lineal ( parecida en parte al tema principal del Joker en El caballero oscuro) que se te clava en la cabeza.

más en spoiler(pero no es spoiler).

Dejando a un lado los evidentes paralelismos con el Apartheid, esta sorprendente película tiene múltiples lecturas. La que yo saco después de todo es una crítica deshumanizada a la globalización. Es muy bonito como nos pintan que vivamos todos juntos y en armonía pero el ser humano esta diseñado para que cuando haya algo diferente se le juzgue, se le explote y se le tire. En este caso no son los alienígenas los malos de la función y ese es uno de los puntos fuertes del guión elaborado a cuatro manos por el debutante Neill Blomkamp y Terri Tatchell. Aquí nos dicen que la globalización mal gestionada y administrada puede acabar en tragedia, y estoy deacuerdo. Las leyes autoritarias e impuestas no suelen funcionar y vemos como hay gente que no las entiende (en este caso los alienígenas, representando metafóricamente a un sector de la población, el más desfavorecido).El ser humano es así, cuando hay algo diferente se margina, se ataca y si no hay nada que se pueda sacar de él, se le tira (¿o acaso los negros de África estarían así de desaprovechados si no se les pudiera sacar algo de provecho?). La película tiene la inteligencia de representar a los 3 mundos y en cada mundo, estar representado por diferentes razas. Así, en el gueto del Distrito 9 los que manejan el cotarro son los negros, que son los únicos que no les importa mancharse de basura (porque ya están en ella, cabría decir después de ver las imágenes). Aquí son representados como caníbales y bestias, mucho más peligrosas que los propios extraterrestres. En un momento de la película, el protagonista dice “hay crías por todas partes”. Es un claro paralelismo con otra de las razas menos favorecidas de la sociedad que no paran de tener niños y poco más (no son negros ni chinos, ¿que otra raza desfavorecida queda?).

Es una genialidad construida a base de detalles. Desde detalles históricos como recrear (sin concesiones) la famosa foto del prisionero de Vietnam, hasta la mezcla de géneros. Mezcla de géneros (thriller, terror, ciencia ficción, bélico, acción, documental) hecha con maestría. Humor negro arriesgado. La primera media hora podría ser “The office” en la guerra. Después deja paso a momentos de una tensión y una adrenalina muy bien construidas. El protagonista, perfectamente interpretado por Sharlto Copley (clon de Drago, futbolista del Sevilla), esta llevado con una agilidad envidiable. Desde sus comienzos humorísticos hasta situaciones más embarazosas (por decir algo), seguimos al protagonista, non sentimos él (gracias a esos primeros y medios planos que enfatizan su estado) y deseamos que triunfe. Banda sonora muy bien utilizada, fotografía casi monocromática y unos efectos especiales de, según dicen, bajo presupuesto, que superan a los de los costosos Transformes o GI Joe.

Enésimo producto de mala calidad de Disney, una compañía que depende de Pixar hasta para ir al baño (si es que las compañías van al baño). Reflejo de lo que los niños quieren hoy día. Una niña o niño pijo adolescente que tenga problemas estúpidos y tontos y que sea muy “molón”. Todo esto con música molona, claro. simplemente quería dejar constancia de lo triste que es que la compañía que un día hizo El rey león, Blanca nieves y los siete enanitos o Cenicienta tenga que recurrir a estos niños prodigio para explotarlos y sacar lo peor de ellos mismos. Vamos, que Hannan Montana no me come la banana, como dice alguno en su crítica, pero que se puede ir a montar ponys con Zac Efron a Isla Perejil.

PD: ¿Por qué la caratula es tan odiosamente parecida a Miss Potter?

Se despidió Kurosawa con esta película que parece un homenaje a Ozu. El tema, la forma de tratarlo y los personajes son propios del director de Buenos días. Esta película parece un reflejo de la realidad, ya que el tema es la relación del profesor con sus alumnos (siendo el profesor Kurosawa y nosotros los alumnos). Es una de las películas más bellas y cautivadoras del maestro japonés, cuidando cada detalle hasta la extenuación. La relación entre los alumnos y el profesor es digna de elogio, la forma en la que esta tratada, como si fuera un matrimonio. Sus alegrías, momentos de fiesta, momentos trágicos, etc. El conjunto de la película parece un poema hecho bajo los árboles viendo un atardecer de sol, porque es preciosa en su totalidad.

El respeto que todo el mundo tiene al profesor es un reflejo de la sociedad nipona de aquella época, que a pesar del momento histórico en el que se encontraban, sabían guardar las formas y admirar a quien tienen que hacerlo. El maestro, con su irónico sentido del humor, nos gana enseguida y le cogemos de la mano para que nos guíe por ese Japón deprimido de posguerra. En la filmografía de Kurosawa tiene obras épicas espectaculares y dramas íntimos y personales, y esta película que nos ocupa la podríamos agrupar en estas ultimas. Dicen que no es su mejor película pero ¿Cuál es su mejor y peor película? Ran, Los siete samuráis, Yojimbo, Sanjuro, etc. Filmografía espectacular.

Pero lo que sentí con Madadayo no lo sentí con ninguna de estas porque esta última tiene el toque especial que te hace el saber que estas ante tu última película. Cada año deberíamos juntarnos y celebrar el día de su nacimiento, como en la película, ya que si este señor no hubiera existido el cine nunca sería lo que es hoy en día. Ciñéndonos a la película, la relación entre el maestro y su mujer desprende ternura, desprende años de fidelidad, complicidad y sufrimiento conjunto. Una relación recreada de forma brillante con esos planos generales de ambos en el salón que parecen no decir mucho pero de repente una mirada de la mujer transforma el cuadro en una estampa conyugal de postal.

Hecha sin artificios y sin grandes manifestaciones de grandeza, la película alcanza su clímax en la reunión entre alumnos y profesor y en ese cántico que ha quedado para la historia, en el que la respuesta del profesor era Madadayo (todavía no). Perfecto resumen fílmico que hace justicia a la carrera del más grande director oriental y uno de los 3 grandes de toda la historia del cine.

Hábil reflexion sobre la condición humana y sus costumbres. El liberal Bertolucci nos toca la fibra sensible (y no me refiero a llorar) con esta película cargada de erotismo y, si, romanticismo, a su manera. Hay quien en su día no vio aquí más que una perversión obscena del realizador italiano, calificando y tachando el filme de pornografía al estilo de Emmanuelle. A ver, no nos equivoquemos. Una cosa es lo que hacen gente como Vicente Aranda y Bigas luna (que alguien les compre un cine porno rápido, por favor) y otra cosa es esta película. Embriagada de una sensualidad y un salvajismo sobrecogedor, la película nos cuenta las andanzas de dos almas perdidas que encuentran en el sexo su punto de unión y casi de expresión. No hay nada en el metraje que sobre si nos referimos a escenas de sexo. Sin embargo, uno de sus puntos débiles es la historia de Schneider con Leaud. Una historia floja, prácticamente intrascendente que cuenta muy poquito de la protagonista no solo a primera vista sino indirectamente también.

Con una realización clásica y pausada, pero deudora de los encuadres fijos de Bergman, sus largas escenas aportan un realismo necesario para comprender a estos dos personajes tan complejos. Es en estas escenas cuando admiramos la fotografía de Storaro y la interpretación de Brando en todo su esplendor. Entre la dura y dramática realización de Bertolucci y la fotografía del director de fotografía de Apocalypse Now se forma un collage en el que solo podría encajar Brando, en una de sus 3 mejores interpretaciones (El padrino, La ley del silencio, nunca sé como ordenar estas interpretaciones).

Brando coge al personaje, lo hace suyo, lo destroza, lo crea, lo revive, lo vuelve a echar al pozo, lo vomita y lo saca a la luz como una buena nueva. No tiene nombre lo que el intérprete de La jauría humana hizo en esta película. Los momentos en los que no aparece la película se resiente. Me recordó a la misión. En aquella película todo estaba muy bien pero uno sentía que la película respiraba cuando sonaba Morricone, parecía una película dirigida por el compositor de la banda sonora, algo que no he vuelto a sentir. Hasta que Marlon Brando parece dirigir la película con cada una de sus caras. Porque es un personaje con muchas caras. Bueno, malo, enamorado, traidor, vividor, lo tiene todo.

Algo que sacamos en claro de la película es que después de haber visto todo lo que hemos visto, dentro de todo su mensaje es conservador, opuesto a todo lo que muestra. Los últimos minutos son la redención del clasicismo y el libertinaje cae en desgracia. Una crítica encubierta (y no tanto) a una forma de vida que ni alguien como Brando es capaz de aguantar.

Película arriesgada sobre los hechos que transcurrieron en Manchester a finales de los 70. Winterbotton no es un cineasta de medias tintas y aquí lo demuestra sobradamente. Poseedor de un estilo diferente (él y Greengrass comparten este estilo) y rompedor, aquí opta por la deconstrucción del relato para crear a partir del caos. Un caos organizado, por otra parte. Ya que en la película no vemos ni un solo paso en falso en lo que se refiere a guión, algo difícil con antas idas y venidas.

El británico logra el objetivo de acercarnos y hacernos participes del film mediante una realización casi documental. Realmente, lo que hay aquí es una mezcla de estilos. Mas que de estilos, de movimientos. La Nouvelle vague mezclada con neorrealismo italiano tiene como resultado esto, un film seudo documental que interactúa con el publico de la forma más natural y sencilla posible.

El hilo conductor de todo esto es el personaje de Steve Coogan (perfecto en todos y cada uno de los momentos psicológicos por los que pasa el protagonista. Él nos va descubriendo cada momento, cada locura, cada ida de cabeza, cada genialidad que se produjo en esta época. Él lo disfruta y lo sufre todo, y en consecuencia, nosotros, ya que aunque en algún momento intenta poner distancia con el espectador lo que consigue, inteligentemente, es el efecto contrario. El film destila inteligencia y estrategia por los cuatro costados. Cada plano y cada situación parece hecha para introducir al espectador en la película y, una vez dentro, removerlo hasta que no le quede más remedio que adorar u odiar a New Order.

Las imágenes de archivo ayudan con el objetivo de representar la realidad fidedignamente y son de los momentos más electrizantes del metraje. Brillante desde sus estrambóticos títulos de crédito, nos deja momentos de cine de calidad, de los grandes, con una sutileza y una autoconciencia de lo que se hace que es de agradecer, ya que no trata al publico como estúpido sino todo lo contrario. Los movimientos de cámara, made in Winterbotton, excelentes. Y la música, genial. El aire crepuscular que impregna todo está echo con sofisticación. Genial película.

Ese parece el dialogo que mantuvieron Corbacho y Cruz antes de ponerse a escribir este intento de película sobre el maltrato escolar por los propios niños. Después del éxito injustificado de Tapas nos llega esta reflexión previsible, cutre, artificial y vacía sobre el tema de moda en los colegios. Mi critica de Tapas resume perfectamente lo que es esta película. Exactamente igual que el anterior pero con otro tema. Ridículo.

Aspiro a ser director algún dia y cuando llegue ese dia, si es que llega, me gustaría contar con todas las ventajas que estos dos genios tienen. Antes de ver la película nos acribillan con todas las participaciones y coproducciones por las que ha sido posible realizar la película. El ayuntamiento de Hospitalet, Tv1, Antena 3 y un largo larguísimo etcétera. ¿Por qué estas personas con menos talento que un mono manco reciben todas esas ayudas para hacer auténticos bodrios? No lo entiendo.

Pero lo que sí que no llegaré a entender nunca es los dos pedazos de reparto con los que cuentan aquí y en Tapas. Inexplicable que actores de esta categoría se pongan en manos de estos dos para sacarles lo peor de sí mismos. Porque si en su anterior película se salvaba Mínguez aquí no se salva nadie. Están todos pésimamente dirigidos, como si les hubieran dicho antes de empezar “por favor, cuanto menos realistas mejor. Y si en vez de sentirlo podéis recitarlo mucho mejor”.

La película tiene todos los clichés habidos y por haber. El chulo, el chulo bueno, el maltratado (lógicamente), los padres ausentes, los padres sobre protectores, etc. Lo que faltaba para el bote es lo que ocurre con el camarero italiano que no desvelaré, la sorpresa es morrocotuda y más falso que un euro de colorines. Aunque más falsos que estos dos no hay nadie. Ya esperamos con ansias su siguiente película, seguramente El padrino 4.

La que es aclamada como la mejor película de Richard Lester es un digno entretenimiento sin complejos sobre la historia de siempre de Robin Hood contada desde otro punto de vista. La pelicula no es nada del otro mundo pero tiene el don de hacerte desconectar durante 100 minutos y estar pendientes de las andanzas de los personajes. Desde luego lo mejor de la película es el reparto, con Sean Connery y Robert Shaw a la cabeza. El escocés nos brinda una de sus típicas actuaciones de maduro-cae bien y eso es digno de alabar. Pocas voces no consigue Connery hacernos empatizar con su personaje. Richard Harris, Audrey Hepburn y, brevemente, Ian Holm, bordan sus respectivos papeles dando una lección de maestría interpretativa.

Si me tengo que quedar con algo desde luego es la forma en la que Lester rueda las breves escenas de acción. Despojadas de heroicidad y épica (salvo en algunas ocasiones por la música), solo nos muestran a los combatientes luchando en un paisaje de preciosa factura. La crudeza de estas escenas esta compensada con su sentido del humor sin pretensiones. El humor que hay en la película es puro, sencillo y auténtico. No son situaciones forzadas, el humor surge de la química entre los actores.

No estamos ante una gran película pero por lo menos, es consciente de lo que es (esa es su gran virtud) y eso le permite llegar al titulo de película sincera que entretiene, algo muy difícil de encontrar en nuestros días de películas alteradas, artificiosas, mentirosas y falsamente adranalíticas.