Muchos hablan de la resurrección de Kevin Smith tras ganar en el Festival de Sitges 2011 el galardón a mejor película en la sección oficial. Es cierto que es un film muy disfrutable que aporta nuevos bríos a la irregular carrera del director nacido en la ciudad de Tony Soprano, Nueva Jersey. Pero hay que mirar un poco atrás para darnos cuenta de que cualquier cosa que no sea Zack and Miri Make a Porno, Cop Out o Jersey Girl iba a ser objeto de elogios tanto por parte de los detractores como de los admiradores del ingenioso guionista. Es decir, no es tanto la película en si (repito, muy disfrutable) la causa de esta supuesta resurrección como de que no se parezca en nada a lo hecho anteriormente, algo de lo que me alegro profundamente. Porque el creador de Jay y Bob el silencioso parecía haberse encallado en una situación de quiero y no puedo, una frustración que le hacía recuperar viejos personajes, ablandarse o incluso, como sucedía en la anteriormente citada Cop Out, dejar de escribir sus propios guiones apostándolo todo a la (nula)química de la pareja protagonista formada por Bruce Willis y un insoportable Tracy Morgan. Red State resucita mi vieja idea sobre Smith de que ha nacido para ser director y escritor de género. Comedia o terror, principalmente.

Red State se basa en una realidad disfrazada de ficción inspirándose en la familia Phelps y sobre todo en Fred Phelps, conocido por su homofobia predicando que Dios odia a los homosexuales y que les castigará al igual que a cualquier persona que esté insuficientemente en contra de los homosexuales llegando a manifestarse en los funerales de los soldados americanos como protesta, por ejemplo. Como ya hiciera en Dogma, Smith ridiculiza a estos fanáticos con humor negro y violencia extrema. Aunque eso no quita para que, durante casi todo el segundo acto, les de espacio para mostrar su punto de vista, algo que es de agradecer pues el espectador puede elegir libremente cual de las partes merece su empatía. De hecho, uno de los puntos fuertes del guión, aparte de su frescura y ser lo suficientemente impredecible, es el reparto del protagonismo en tres figuras a lo largo de tres actos: los adolescentes salidos, la secta y los cuerpos de seguridad liderados por el genial John Goodman. Y los tres son criticados sin piedad. Los niñatos que buscaban sexo desesperadamente de American Pie reciben aquí su merecido, cosa que no ocurría en la popular comedia de los 90, como una suerte de justicia divina tardía, pero justa. La secta es tratada desde el interior retratando su locura y desmesura. Y la ley tampoco se libra, quedando como buscadores sin descanso de terroristas islámicos sean estos los culpables o no de la situación.

Sigo en spoiler pero no es spoiler

Los nuevos (anti)héroes no disparan una pistola en 100 minutos de metraje. Usan martillos, porras, objetos, las extremidades o como recurso extremo, las culatas de sus armas como representación simbólica del desprecio a esos mitos a una pistola pegados como Charles Bronson, Dolph Lundgren o Steven Seagal. El personaje construido por el guionista Hossein Amini a partir de la novela de James Sallis se diferencia de Bourne y del Bond moderno únicamente en ese aspecto, ya que en frialdad, dureza, obcecación y determinación son idénticas. El hielo y el cálculo contra los enemigos del bien, aquí muy marcados y perfectamente personificados por Albert Brooks y Ron Perlman. La primera escena del film nos explica en 5 minutos como es nuestro protagonista: obsesionado con el reloj en un atraco en el que él solo conduce. Ese es el gran problema de la película que brillantemente ha confeccionado Nicolas Winding Refn. Todo destila matemáticas, incluso los sentimientos de los personajes, frialdad, distancia psicológica con ellos y demasiadas veces confunde la grandiosidad con la pretenciosidad debido a un uso demasiado sofisticado de la música y a un ralentí amargante por momentos. Rueda de la misma forma la acción y el romance entre Gosling y una hermética Mulligan, provocando esto una escena (para mi gusto) bochornosa como es la del ascensor. A veces la forma condiciona el contenido pero en algunas ocasiones simplemente lo expone al ridículo.

Hasta aquí lo más criticable de un film que, por otra parte, juega bien las cartas del homenaje y la reivindicación de un tipo de cine inspirado en los 70 (con una banda sonora repleta de títulos míticos de la época) pero con alusiones a la última década. De esta forma, nos encontramos con una mezcla del McQueen de Bullit, planos cenitales a lo Crash, la textura de Traffic y, sobre todo, mucho Michael Mann, el mayor referente visual de la película. El Dilema, Collateral, Corrupción en Miami y, más que nada, Heat están presentes en cada fotograma visualmente pero técnicamente, Windong Refn opta por un estilo de dirección alejado del cineasta americano. Es en las persecuciones donde más se nota el pulso del danés, suponiendo una revolución en el género desde la primera Bourne. Tanto director como guionista tienen las ideas muy claras de a donde conducen al espectador en cada momento con una estructura estudiada que se divide en empatización con personajes (donde Bryan Cranston nos gana desde el principio), consolidación de la historia de amor de la pareja Gosling-Mulligan, problemas y media hora final con un apoteósico ajuste de cuentas entre buenos y malos (es lo peor, que no hay grises) donde la sangre y la imaginación al ejecutarla brillan de manera impoluta.

Sigo en spoiler pero no es spoiler

Coppola es el autor de la mejor película de todos los tiempos (El Padrino I y II para mi es una sola), de una de las mejores películas de guerra de la historia (Apocalypse Now), de la mejor versión del Drácula de Bram Stoker (Drácula de Bram Stoker), de otorgarle el mejor papel al gran Gene Hackman (La Conversación). Pero también ha hecho Jack, Tetro y ahora...Twixt. Sin duda las películas más deficientes del maestro son producto de la nula confianza de los estudios en él, llegando a financiarse él mismo sus locuras. Desde los 80 siempre ha tenido problemas para sacar proyectos hacia delante a pesar de contar con varios Óscar de la academia y de convertir una novela sobre gangsters italoamericanos corriente en una auténtica maravilla del séptimo arte. Gracias a American Zoetrope, productora creada por él mismo y su amigo George Lucas (que está afeitándose con una maquinilla envuelta en un billete de 100 dólares mientras escribo esto) ha podido satisfacer sus ansias de crear y, en esta última etapa de su carrera artística, ejercer la labor de guionista, director y productor. Ser un autor enfrascado en el cine independiente, lo que siempre quiso desde que empezó en esto de la mano de Roger Corman.

El problema es que hay directores que trabajan mejor con presión o sometidos a la ley de un estudio. Y Coppola es uno de ellos. Más presión que tuvo con El Padrino (donde estuvo a un pelo de ser despedido) y Apocalypse Now (donde Martin Sheen recibió la extremaunción para curarse después misteriosamente) no ha tenido nadie. Millones y más millones dependían de él. En Twixt no. Puede hacer lo que quiera porque cuenta con 7 millones de dólares, un actor de capa caída como es el correcto Val Kilmer y ninguna expectativa por parte del público. De ahí que se decidiera por hacer videoarte con música de cafetería de motel con un uso ridículo y totalmente innecesario del 3D. Mi admirado Francis ha hecho lo que le ha salido del alma y eso es de admirar, aunque no el resultado. Con un guión que se desmenuza fácilmente, sin tener que ser muy avispado para adelantarte a los giros finales y con cierta torpeza fílmica a la hora de usar el, repito, innecesario 3D (Coppola y Scorsese en 3D? Argh!).

Sigo en Spoiler pero no es spoiler

Nos encantan los malos, reconozcámoslo. Esos villanos de cine que no nos podemos quitar de la cabeza y que alguna vez hemos soñado interpretar aunque sea en el espejo de nuestro cuarto de baño. El Joker, Hannibal Lecter, Darth Vader, Freddy Kruger, Norman Bates, Harry Powell...Hay multitud de representantes del mal en diferentes épocas y situaciones. Solo que la mayoría tiene motivos para ser un anti-héroe ya sean el dinero, el poder, los traumas infantiles...César (Luis Tosar) no. Él es así, nació sin esa capacidad para sentir el bien como quien nace sordo, mudo o del Madrid. Tal vez el Joker comparta esa "habilidad", el joder por joder, que la anarquía fluya en sus venas y que salpique a los demás cuando sean cortadas. Ya está bien del "me pegaban de pequeño" o "soy así por culpa de la sociedad". Jaume Balagueró y Alberto Marini se atreven a estamparnos en la cara la sucia verdad, hay gente que nace así y no se arrepiente de ello, sólo conviven como pueden intentando ser felices...a su manera. No sirve de nada endulzar la realidad en una ficción cuando en los informativos nos narran cada día asesinatos, masacres, terrorismo, politiqueo rancio y demás situaciones calamitosas. Si el cuarto poder no suaviza la cruda verdad, el cine (que en este país no es ni el quinto ni el sexto ni el séptimo poder) no tiene obligación a ello, sin embargo sí que recibe una censura más dura y castradora recayendo en él una responsabilidad que no le toca.

El punto fuerte de la historia y la dirección por la que ha optado Balagueró es el punto de vista. Somos César. Vamos a donde él va. Vemos lo que él ve. Dañamos a quien él dañe. Siempre se ha dicho que lo mejor es tener diversos puntos de vista de una misma historia para que el espectador decida en su cabeza qué camino seguir o con quien se identifica. Aquí no. Acertadamente, Balagueró y Marini, instauran la dictadura en nuestra mente para inculcarnos que no hay nada más para nosotros que no sea ese hijo de Satanás. Estamos condenados a entendernos si queremos desfilar por el camino que director y guionista han construido para nosotros. Es un arma de doble filo pero apuesto a que pocos espectadores optarán por no seguirles. El rompedor final recompensa a los desprejuiciados y castiga a los bien pensados. No puedes lanzar un órdago durante 100 minutos para redimirte en los 7 restantes. Eso sería impropio de un personaje Houstoniano.

Sigo en spoiler sin ser spoiler

La primera pregunta que abordará a los espectadores de esta nueva Jane Eyre es si realmente
hacía falta otra versión, teniendo en cuenta que no moderniza el mensaje ni el contenido sino
todo lo contrario. Apostando por un clasicismo casi reverencial hacia la novela de Charlotte
Brontë e incluso a la primera adaptación al cine firmada por Robert Stevenson siendo
interpretada por Orson Welles y Joan Fontaine. Vuelvo a recurrir al maestro Eastwood para
recuperar su famosa afirmación de que no hay historias nuevas sino solo otras formas de
contarlas. Y el director de Sin Nombre, Cary Fukunaga, así lo hace recurriendo a uno de los
elementos más importantes del cine y a la vez menos valorados por el público medio: el montaje. A través de unos ágiles y sutiles flashbacks nos intercala pasado y presente, removiendo de esta forma nuestros sentimientos en un tiovivo de sensaciones que van desde la desesperación a la angustia pasando por la tristeza contenida. Recurso de director grande.

La novela ha sido analizada al extremo por lo que considero inútil referirme a algún aspecto de
ella que los lectores no conozcan ya, salvando el hecho de que Moira Buffini, la autora del
libreto, no tiene ningún interés en adaptar aquella trágica historia a nuestros tiempos ni
ensañarse con algún tipo de variación que reste o modifique de alguna forma los valores y
reflexiones expuestas sobre la Inglaterra de mediados del Siglo XIX. Una sociedad que acababa de celebrar la abolición de la esclavitud pero que seguía condenando a las mujeres a un segundo plano con las desigualdades sociales entre clases aumentando cada día. Ese es el marco histórico en el que se mueve la historia que aquí analizamos, sin que estorbe en ningún momento o sea parte trascendental de la trama. El plato fuerte es la desgarradora historia de amor entre Jane Eyre y Edward Rochester y todos los elementos de la película dan lo mejor de si para que el drama luzca a flor de piel.

Sigo en spoiler pero no es spoiler

Eduardo Chapero-Jackson debuta en el largo siendo uno de los cortometrajistas más aclamados del país con una historia arriesgada sobre graffiteros, raperos y una adolescente suicida englobada en el marco de la Ciencia-Ficción. El comienzo de su carrera como director de cine ha suscitado mucha expectación entre sus fieles seguidores y al mismo tiempo le ha añadido una presión brutal que será difícil de torear, como así lo demuestran las primeras críticas recibidas. El problema es que España es un país con poca o nula tradición de creadores de Sci-Fi, de ahí que la comparación del espectador medio con cualquier producto manufacturado de Hollywood sea inevitable. Igualmente, no sale mal parado de la situación, ya que suple la falta de un gran presupuesto(aunque 2,5 millones en España es un presupuesto más que considerable) con una imaginación desbordante y un poderío visual heredado del Terry Gilliam de Brazil(no oso compararlos), aunque Chapero-Jackson se empeñe en citar al Mago de Oz como su referente más importante (las referencias a El Quijote son explícitas y, por lo tanto, demasiado evidentes).

Para esta fábula sobre la rebeldía adolescente se ha rodeado de un elenco de intérpretes que no solo cumplen, sino que aprueban con nota. La debutante Alba García y Miguel Ángel Silvestre se sienten muy cómodos en sus papeles y, particularmente ella, borda un personaje muy complejo que distingue con clase la fina linea entre la interpretación o la representación de una quinceañera. No representa un prototipo, siente un ser humano lleno de matices en el que lo importante es la identidad del mismo y no el hecho de simbolizar una generación perdida. Los secundarios aportan y no restan, algo extraño en el cine español, propenso a descuidar a todo aquel que no sea el protagonista. Percibes que se complementan con el resto y, sobre todo, con el potente entorno visual. La fotografía de Juan Carlos Gómez tiene buena culpa de ello.

Sigo en spoiler pero no es spoiler

Es difícil saber cuando una producción cinematográfica se va a convertir en película de culto. No se sigue un patrón, aunque suelen ser películas marginales sin mucho eco en su presente pero que gozarán de él en el futuro. La ciencia ficción es el género estrella y este verano 2 películas combatían cuerpo a cuerpo para ganarse el favor el público en la memoria: Super 8 y Attack the Block. Oficialmente también estaban Paul y Cowboys & Aliens pero la primera carece de profundidad más allá del carisma de sus secundarios y la segunda...James Bond e Indiana Jones nunca se las han visto con alguien del "talento" de Jon Favreau, así que ni siquiera contaría. En el libreto de Joe Cornish (que también dirige) se encuentran las mismas señas de identidad del cine de los 80 que el sobrevalorado Abrams intentaba homenajear en la entretenida Super 8, con la diferencia de que el británico aboga por una falta total de escrúpulos, prejuicios y sin tomarse para nada en serio, consciente de que el cálculo milimétrico para que algo quede como un clásico del pasado solo consigue un efecto artificial y prefabricado.

El inicio del film juega con una ambigüedad moral peligrosa para el espectador, pues no es precisamente empatía lo que esos chavales de los suburbios de Londres desprenden. Afortunadamente, eso va variando poco a poco pero sin hacer ninguna concesión al estúpido buenrollismo exacerbado que sacude nuestros días. Los personajes son como son, no son héroes, son chavales de 15 años (algunos de 9) que ya son una lacra para la sociedad y viven marginados del resto, como el Hamsterdan que Howard "Bunny" Colvin creó en la 3ª temporada de The Wire. Nadie les echará de menos, solo las cárceles de la ciudad. En cierto sentido, es un mini-The Wire con el paralelismo de los bloques con las torres de venta de droga de la serie de David Simon y unos personajes que bien podrían ser protagonistas de la misma, tristemente. Pensándolo fríamente, ése sería su futuro más probable, a pesar de haber luchado para salvar a la humanidad. El referente de After Hours de Scorsese también lo considero acertado, pues los chavales hacen frente a algo repentino e inesperado en una sola noche, en tiempo real.

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Decía Michael Biehn en la presentación de la película exhibida durante el Festival de Sitges, que es el proyecto del que está más orgulloso desde hace mucho tiempo. Y revisando su carrera, tiene razón. Desde que protagonizó Terminator no ha parado de aparecer en serie B, serie Z o películas para la televisión más rancia. Pero es evidente que es su mejor papel desde La Roca, y de eso hace ya 15 años. Y esto se produce en un film arriesgado, duro, extremo y radical. No sé como será la versión en cines para todos los públicos pero los 20 minutos de la versión del director que nos mostró Xavier Gens en Sitges se me hacen imposibles de ser cortados debido a que son parte indivisible de la transformación y degeneración psicológica de todos y cada uno de los personajes. Atmósfera, ambiente, evolución, involución...no importa el nombre que le pongamos, simplemente recomiendo la versión no censurada en la que el argumento no es castrado y en el que incluso puede cambiar la temática del mismo.

A priori puede dar la impresión de que estamos ante una nueva versión de Río Bravo. Personajes diferentes encerrados en un sótano donde dan rienda suelta a sus diferencias. Y básicamente, sí, es eso. Solo que el libreto de Karl Mueller y Eron Sheean está más interesado en mostrar la degeneración de la mente humana en situaciones límite que en intentar ocultar las situaciones standar y personajes estereotipados en los que incurre a cada minuto. Salvo en el tercio final de la película, donde el guión se mueve como pez en el agua sumergiéndose en el interior empantanado de unas cabezas trastornadas. Es ahí, en la parte más opresora del film, cuando éste respira libremente al no responder a ataduras morales o, incluso, humanas. Es ahí cuando el verdadero terror ve la luz, cuando sentimos pánico por nosotros mismos, no por ninguno de los personajes, verdaderos referentes amorales sin ningún tipo de empatía prefabricada o de serie. Cuando llegas ahí, podrás tener tu personaje favorito pero todos, absolutamente todos, han tirado su ética y moral a la basura por situaciones externas o internas, por lo que el espectador no puede sentirse más libre para sentir.

Sigo en spoiler pero no es spoiler

Juan Carlos Fresnadillo es uno de los directores más interesantes del panorama cinematográfico español. Su ascenso es imparable, a pesar de haber tardado 6 años en estrenar su segunda película, 28 Semanas Después, respecto a su ópera prima, Intacto. Afincado en Hollywood, preparando un proyecto apadrinado por el mismísimo Spielberg (Wednesday) y a la espera de adaptar el popular videojuego Bioshock, con un presupuesto q sobrepasará los 150 millones de dólares. Su prueba de fuego fue mantener el nivel que Danny Boyle imprimió en la adrenalínica 28 Días Después, llegando a mostrar momentos de una brillantez superior a la original. Ahora nos llega Intruders, la primera película de la que no es el firmante del guión en la que reafirma su madurez estilística con una historia de terror familiar (y no precisamente porque sea para toda la familia...) y una estrella mundial en el reparto como es el británico Clive Owen.

Intruders nos habla de temores infantiles reales e irreales, del miedo a crecer, a la responsabilidad, a la madurez y, sobre todo, del miedo a estar solo. Del terror más mundano que existe como es la oscuridad hasta el pánico a la familia. Ese es el punto fuerte de la película, conseguir reunir al mayor grupo de espectadores en torno a un lenguaje universal como son las pesadillas de la infancia. Quién no ha soñado alguna vez con el hombre del saco? Con un armario que se abre misteriosamente? Con un payaso loco sediento de sangre? Este último es mi caso y por eso mismo me he podido identificar con la historia de Owen y su hija. Cualquiera que haya pasado por lo mismo, acompañará a padre e hija por esa senda tenebrosa en la que es fácil perderse en la ruta de la locura.

El libreto nos presenta un interesante debate secundario poco explotado en la sempiterna batalla entre ciencia y religión. En este caso, Iglesia y psicología compiten por solucionar las pesadillas infantiles de los protagonistas sin conocer la existencia el uno del otro, por lo tanto, sin presión añadida y con vía libre para demostrar su propia fiabilidad. Lamentablemente, esta trama se pierde poco a poco en el metraje siendo absorbida por el tema principal. Una historia principal con fuerza pero con una sorpresa final que se intuye demasiado pronto como para que te llegue a impresionar y unas explicaciones argumentales innecesarias, ya que a pesar del montaje paralelo, es una historia simple y no necesitamos que nos recuerden cada 10 minutos de donde venimos. A parte, no es una historia de terror al uso, sino más bien un drama-fábula familiar con pinceladas de terror, aunque imagino que por motivos comerciales prefirieron explotar su vertiente más terrorífica en su exhibicionista tráiler.

Sigo en spoiler pero sin ser spoiler

Para enfrentarse en un cine a esta película hay que tener la mente abierta, las ideas claras y saber que estamos ante la proyección de un film, no de una clase de política catalana. Si, está en catalán y de momento solo se exhibe en Cataluña ya que Madrid no estaba dispuesta a dar cabida en su cartelera a un producto hablado en catalán ni con subtítulos (palabras del director). Apostaban por doblarlo al castellano pero Ramón Térmens y su equipo, sabiamente, se negaron. Tenga o no calidad, todo su mensaje quedaría desvirtuado reproduciéndose en un idioma al que tampoco parecen tener mucho cariño, la verdad. La cuestión es que hay que intentar valorarla como obra cinematográfica, por mucho que el director emplee un tono didáctico exasperante y la sutilidad no sea su punto fuerte. Muchas de las escenas pretendidamente dramáticas son ridículas y casi todas ellas están en la primera historia, la del violador. Poco ha faltado para considerarlas gag.

En una especie de Crash catalán-castizo(vaya mezcla), Térmens divaga sobre el racismo, la xenofobia, el miedo a lo desconocido, la culpa, el perdón, la redención, etc. Las tres entretenidas historias (la segunda es la mejor) cargan con el mismo lastre: las ganas del creador de contestar las preguntas que él mismo formula de forma simple, autocomplaciente y de modo pedagógico. La mejor manera de dejar en shock a tu espectador es dejarle a él que tome las decisiones, así la película tiene una vida infinita y versiones como usuarios la vean. Pero no, las tres tienen un principio y un final. Eso no sería nada malo de no ser por el contexto y el tema que tratan. Según Térmens, necesitamos una respuesta y la suya es la válida.

Sigo en spoiler pero no es spoiler

Abrams escribió y dirigió no más de cinco episodios de Lost, pero se llevó consigo casi la totalidad del mérito de la serie. Abrams ha creado (o co-creado) series mediocres como Felicity o Alias y ha fracasado estrepitosamente con otras como Six Degrees o Undercovers. Abrams ha sido la marioneta de Tom Cruise en Mission Impossible lll. Abrams ha dado bríos nuevos a una franquicia oxidada como Star Trek dando la impresión de que hizo algo único, irrepetible y asombroso. Y no lo fue. Por lo tanto, Abrams NO es Spielberg y nunca lo será. No entiendo la corriente periodística y cinéfila que pretende convertir al director neoyorkino en la representación moderna del Rey Midas de Hollywood. Cierto que todos tenemos nostalgia de aquella época en la que el cine desprendía magia y salías de la sala queriendo ser un Jedi, tener un Gremlin o descubrir el arca perdida, pero enalteciendo al primero que diga que Spielberg fue clave en su vida o que lleva tatuado el símbolo de Amblin a fuego en el corazón no vamos a conseguir que ese tiempo vuelva. Abrams me parece un tipo muy hábil que ha sabido crearse una personalidad extraña en el mundo de la producción audiovisual pero lo veo más como un publicista o especialista de escenas de acción que como el mito cinéfilo del Siglo XXI que nos quieren vender.

Super 8 fue promocionada de forma muy astuta generando una expectación que, a la media hora de metraje, cuando ya te has acostumbrado al tono y estilo de la propuesta, juega en su contra. Abrams estira demasiado el factor sorpresa confiando en que el público de los 80 y el actual no ha cambiado un ápice, cuando es radicalmente opuesto. Si sus miras se posasen únicamente en el espectador cuarentón sería un triunfo pero, y esto es lógico, intenta ser un film de masas. No ayudan tampoco las limitaciones autoimpuestas por el propio film, decantándose más por ser un homenaje a una época y sus pasiones que por intentar aportar su granito de arena a eso que tanto ama y transgredir un poco (solo un poco) el bienintencionado sub-género de la aventura familiar. Como suele ocurrir en este tipo de producciones, las reacciones de la mayoría de personajes son tipo "cartoon" y ese factor miedo o terror con el que juega el guión son chafadas por situaciones emocionales ilógicas que te sacan de un plumazo de la historia.

Sigo en spoiler pero no es spoiler

Al leer ciertas comparaciones que asemejan el film de Mike Mills al del maestro Allen no puedo dejar de sorprenderme. Que ambos productos basen su encanto en la mezcla de géneros (el género tragicómico) no es suficientemente determinante como para llegar a tan curioso planteamiento. Son diferentes en tratamiento, forma y contenido. Simplemente basta con eliminar el componente musical para dar al traste con cualquier atisbo de igualdad. Beginners apuesta por una estructura desestructurada fragmentada en breves puzzles argumentales-temporales con el propósito de guiarnos por el confuso mundo interior de su protagonista. Esto lo consigue con una premisa argumental mínima (no necesita más): su padre es gay a los setenta y pico años y Oliver conoce a una chica. Las relaciones paterno filiales y amorosas, temas tratados hasta la saciedad, pero no de esta forma. Como dice Eastwood, todas las historias están contadas, solo hace falta encontrar otro punto de vista. Y aquí lo hay.

Mills nos presenta a Oliver (McGregor) metiendo cosas y trastos en bolsas de basura y deshaciéndose de ellas. Para contar una historia hay que saber de donde viene el protagonista. Cual es su estado anímico, que le pasa, como es normalmente, etc...para afrontar lo que viene más adelante con conocimiento de causa (no significa que se necesite una excusa emocional para justificar sus acciones) y no dar lugar a un mal entendido. Oliver cierra una etapa de su vida para abrir, indirectamente, otra con un alud de montañas rusas en su interior. Debido al ya citado imprevisible esqueleto narrativo, esta escena cobra más importancia de lo que en un principio debería ya que, realmente, no es el inicio del film ni de una etapa en lo que a temporalidad se refiere.

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Algo está cambiando en el cine. Concretamente en el cine independiente. Mientras el cine denominado de masas se "intelectualiza" y decora su reparto con actores de talla mundial, el sector indie se queda en la retaguardia de la creatividad y originalidad. Lo que hace años parecia impensable es ahora una realidad, el séptimo arte se estabiliza a la baja por puro acomodamiento. Siempre se ha acusado (con razón) al cine comercial de incentivar la creación de una fórmula infalible para llegar al mayor número de espectadores posibles utilizando sin escrúpulos los mismos manidos recursos una y otra vez. El concepto de artesano se encontraba por los suelos. Habían sustituido a los Curtiz, Borzage, Wellman y compañía por los de Bont, Favreau o Marshall (aunque también es cierto que por ahí quedaban Donner, Mctiernan, Campbell, Forster o Liman). Hasta que de la nada apareció Nolan y su Batman Begins para cambiar la industria. El 2005 fue un año clave y más adelante aparecieron Watchmen, Kick-Ass o la propia The Dark Knight. Mientras tanto, al mismo tiempo los fans del cine menos convencional se conformaban con Away we go, Greenberg o Cyrus. Definitivamente, los tiempos están cambiando, que diria el maestro Dylan.

Win Win no se aleja en ningún momento de esta corriente buenrrollista y bien intencionada que nos brinda dramas con familias desestructuradas, personajes oprimidos por el colectivo y superación personal a traves del deporte o el trabajo. McCarthy no ofende, no arriesga, no quiere hacer ruido y presenta frágiles contratiempos cuyo resultado positivo es más que previsible. Los clichés son la base del guión del director de The Visitor. El amigo gracioso, el niño antisocial, el personaje drogata y, por supuesto, el insoportable hilo musical de cariz optimista y afable. Incluso podemos cambiar el duo protagonista por Jeff Daniels-Laura Linney o Ryan Gosling-Zooey Deschanel dependiendo de la media de edad que el productor necesite en el patio de butacas.

Sigo en spoiler sin ser spoiler

No me cae bien Michael Bay. Creo que hay que ser honesto y dejar clara mi nula simpatía por el director de Bad Boys. Pienso que toda crítica de una película suya debería empezar así, ya que a menudo estas se ven condicionadas por la acritud que provoca hacia su persona e, indirectamente, hacia su trabajo. A pesar de los empeños de ciertos sectores, no es el nuevo Spielberg (ni el sobrevalorado J.J.Abrams tampoco, por cierto) ni nunca nadie lo será.También hay que manifestar que no estamos ante El Séptimo sello, Vertigo o Yojimbo ,sino ante el Blockbuster del verano (con permiso de Piratas del Caribe 4) y como tal hay que tratarlo. Es justo reconocer que Bay sorprende con esta tercera entrega, sin duda la mejor de la saga, después del fracaso crítico que supuso la segunda parte. En ella vierte nuevamente todas sus obsesiones, tics y su particular concepto del cine-espectáculo representado en un circo-vale-todo. El americano no se deja nada en la manga, pone toda la carne en el asador (lo que nos deja entrever que no dirigirá una cuarta parte) para brindarnos su film más logrado junto con La Roca.

Bay vuelve a situar a críticos y prensa especializada en la fina linea que separa la demencia de la cordura ya que, con cada nuevo proyecto, se plantean la misma cuestión: es o no Bay un autor? Si nos atenemos a la definición realizada por Cahiers, si, rotundamente si. Si prestamos atención a esa corriente que afirma que firmar el guión es imprescindible, desde luego no lo es. Además está la cuestión de si se puede considerar autor a alguien que trabaja dentro de la industria (por no decir que ES la industria). Pienso que la respuesta es bastante sencilla si tomamos como ejemplo a uno de los directores más (justamente) reputados del panorama internacional: Sam Mendes. No ha escrito ninguno de los libretos de sus films y ha colaborado con estrellas como Newman, Hanks, Spacey, Foxx o Craig. Desarrolla su carrera dentro de la industria pero cualquiera con un mínimo de sentido cinematográfico sabría escudriñar su estilo a los 5 minutos de metraje. Con Bay ocurre lo mismo, solo que la temática de sus films está saturada de acción, disparos, coches y curvas femeninas. Por lo tanto, duela o no, es un autor.

Esta es una película para auténticos fans de la serie original de 1984. Salvo la primera hora, que peca de estar cargada de cierta "paja"(aunque el prólogo consiga despertarnos interés), el resto del metraje es puramente y sin complejos, una auténtica cinta de acción que en lugar de estar protagonizada por Stallone o Schwarzenegger, nos presenta por fin la mítica lucha entre Optimus Prime y Megatron. Cualquier incondicional de la genial serie verá satisfechas sus pretensiones ya que la batalla final entre el bien y el mal se toma su tiempo , nada más y nada menos que 90 minutos de espectaculares peleas sin descanso que obtienen como resultado un torrente de emociones en el espectador (por supuesto, aquel que esté libre de prejuicios).

Sigo en spoiler

Hace mucho tiempo que Marvel Studios encontró una fórmula casi indestructible para adaptar a sus famosos héroes a la gran pantalla. Protagonista conocido arropado por unos secundarios apetitosos, presupuesto desmesurado, sentido del humor muy blanco y que la historia no moleste mucho. Así surgieron las franquicias de Iron Man, Spider Man, X-Men, Fantastic Four o Hulk, por citar solo algunas de sus muchas adaptaciones. Mismas pautas, desiguales resultados en taquilla por lo que, si es necesario, se recurre al reset de la saga como ha ocurrido con el film protagonizado por La Masa. Misma suerte correrán en breve el Hombre Araña y los mutantes. La cinta que nos ocupa, Thor, no es una excepción, convirtiéndose así en un producto realizado y destinado para consumo rápido, muy cuidado visualmente pero carente de alma, profundidad y, paradojicamente para tratarse de El Hombre de Hierro, de fuerza.

Decía Spielberg que el público sale contento de la sala si le proporcionas un gran arranque y un gran final, obviando el nudo de la historia. El libreto de Mark Protosevich procura que así sea pero los primeros minutos ya dejan constancia de lo que nos espera en el resto del metraje: un humor blanco como la nieve, un protagonista con el que es arduamente complicado identificarse y una estructura previsible y poco trabajada. El prólogo no impresiona ni despierta interés alguno. Es más, desde ese momento, hasta el espectador menos avispado puede discernir que va a ocurrir. Las referencias visuales a El Señor de los Anillos no hacen más que recordarnos la brillantez de la saga dirigida por Peter Jackson y lo impersonal que luce el universo localizado en Asgard.

Sigo en spoiler pero no es spoiler

El thriller siempre ha dado lugar, como género, a otros subgéneros más o menos reconocidos, como el carcelario, periodístico, de huidas o secuestros, por citar algunos de los más destacados. Dentro de este último es imposible no pensar en films como Funny Games (Michael Haneke), Suddenly (Lewis Allen), The desperate hours (William Wyler) o The petrified forest (Archie Mayo). Todas ellas tratan el tema de la pérdida de libertad de unos individuos en un espacio cerrado, obligados a cumplir las órdenes de los (casi siempre) delincuentes. Estos pueden ser gangsters, forajidos, ladrones o simples amantes de la violencia. Obviamente, la película del director de Caché es la primera que nos viene a la mente a la hora de establecer algún punto de conexión entre el título de Miguel Ángel Vivas y un referente vinculante argumentalmente. Pero ahí, en el argumento, se acaban las semejanzas entre uno y otro, ya que mientras Haneke exhibe un intento por racionalizar filosóficamente la violencia, Vivas aspira a mostrarla de una forma directa y franca, sin explicar su origen evidenciando únicamente las consecuencias. No hay reflexión ni maduración, solo el resultado en bruto, lo que aporta de cara al espectador una satisfacción o repulsión instantánea, sin corromper debido a su paso por un innecesario filtro y ofreciendo un continuo vaivén de colisiones emocionales que terminan dejando huella en ese observador en primera persona que es el público. De esta forma, el símil con el martillo pilón que agujerea nuestro interior toma tras toma no se antoja exagerado. Vivas es constante, por lo que todo aquel que se haya introducido en la historia en los primeros 15 minutos, estará súbitamente pegado a su asiento hasta el sorprendente desenlace.

Los buenos novelistas saben que tienen tres páginas para calar en el lector con una situación enigmática o potente que provoque la tan ansiada atención del mismo. El director sevillano ha asimilado esta lección ya que la escena de apertura no puede ser más perturbadora y trastornada, estimulando así la imaginación del espectador, que inmediatamente piensa que, por que, para que, donde y quien. La aparente felicidad de la familia protagonista sirve de impulso y carrerilla para que, en el momento que llega la violencia descontrolada, esta nos parezca incluso más aterradora debido al simple recurso de unir temporalmente dos extremos anímicos con los mismos objetos de protagonistas. La valiente determinación de rodar el film en doce planos secuencia es un gran acierto del que salen beneficiados las interpretaciones de unos actores absolutamente entregados a la causa. Desde la contenida inquietud de Ana Wagener pasando por una histriónica (en el buen sentido) Manuela Vellés hasta la rabiosa fragilidad de un Fernando Cayo absolutamente genial.

Sigo en spoiler por falta de espacio pero no es spoiler

Que Aranofsky es uno de los creadores más interesantes de la actualidad no es ningún secreto. El director americano de sangre polaca intenta reinventarse en cada película e ir un poco más allá en su elaborada y extensa macro-tesis sobre su tema más recurrente: la locura ascendente como única posibilidad para lograr el éxito y la catarsis personal. Algo necesario, que tienes que desear por encima de familia, amigos, la propia existencia y, si, la felicidad. Ya en la inquietante Pí o The Wrestler (donde consigue que Rourke rompa la barrera de lo puramente humano para transformarse en un monstruo física y psicológicamente) incidía en el mismo asunto que nos muestra ahora en la brillante Black Swan. Almas perdidas que ya dieron lo mejor de si mismos (o no pueden dar más de sí) y deben sacar fuerzas de flaqueza para superar sus demonios internos tratando de ser útiles para la sociedad y, más interiormente, para encontrar el significado de su vida. Es esta, por tanto, una obra sobre el propio Aranofsky. Sobre sus dudas, sus miedos, sus excentricidades, sus tics, sus deseos, su anhelo de manifestar que la locura marca el devenir de su carrera. En resumen, que sin estar algo trastornado es imposible crear algo de calidad ya que, crear es imaginar y ese acto ya implica la salida (mental)del mundo real para peregrinar por otros derroteros fuera de nuestro alcance.

Las armas que emplea el director de The Fountain para ilustrar ese estado psicológico son varias y diversas. Por un lado, el film es totalmente consciente de su tempo y lo aprovecha para introducirnos en la mente de Nina (Natalie Portman) desde el primer fotograma. Ella es el guión, la historia, los giros, el punto de no retorno y, sobre todo, su cabeza es el ritmo y estado anímico por el que Aranofsky nos guía de forma desbocada. Los primeros minutos tenemos la sensación (es una película de sensaciones, siempre a flor de piel) de transitar por un escenario que ya hemos visitado con anterioridad en Eva al Desnudo o Las Zapatillas Rojas, claros referentes. Pero a medida que avanza el metraje y Nina se deja llevar (como tantas veces le ha sugerido el personaje de Cassel), nos sumergimos en un mundo frenético y exaltado donde nada es lo que parece y el juego de espejos que no deja de engañarnos (ojo, nos engaña pero no nos estafa) alcanza más similitudes con Fraude, de Orson Welles o cualquier película de Hitchcock que con las obras maestras de Mankiewicz y Powell/Pressburger. La reverencia nunca excesiva profesada a estos films es la clave para entender que lo que se pretende aquí es mostrar la destrucción de un ser pretendidamente puro y no labrar un producto homenaje al ballet, usado como mero vehículo estético para otros fines más oscuros y, porque no, pedagógicos como ya ocurriera en Raging Bull o Fat City.

Sigo en spoiler por falta de espacio

Fieles a su anual cita con el séptimo arte, aquel que no dejan de glorificar con su presencia, se presentan los hermanos Coen con esta tragicomedia ambientada en el antiguo Far West. Subrayo lo de ambientada porque, de aquella salvaje y sangrienta época selecciona las características menos típicas y usadas en el cine, y nos la presentan como un mundo donde el Saloon, la prostitución, los jinetes pálidos o los sin nombre no tienen cabida. Sin embargo, los paisajes nevados, la mujer, el diálogo y el heroísmo poblan plano por plano las hermosas imágenes con las que, una vez más, nos engatusan hasta caer rendidos ante un talento que a medida que pase el tiempo se convertirá en legendario y digno de estudios y dossiers.

Ante la incipiente llegada de westerns crepusculares como El asesinato de Jesse James, Appaloosa u Open Range, los creadores de El hombre que nunca estuvo allí, dan las riendas de su poderoso caballo a una niña de 14 años que ha perdido a su padre a manos de un despiadado y estúpido asesino. En cualquier otra historia los cazarrecompensas irían como frías máquinas de matar a por su presa y su consiguiente paga extra. Aquí simplemente se limitan a cumplir con su trabajo sin más pasión que ganar unos cuantos dolares, vengan de donde vengan. Y no solo eso, sino que es la niña quien los contrata (por lo menos a uno de ellos) y, para más inri, los acompaña a la fuerz para proteger su inversión. Así es, el supuesto sexo débi se erige aquí en hilo conductor y a su vez, impulsor de la trama. Eso del cowboy solitario y callado ha pasado a mejor vida para dar protagonismo a una niña, un viejo borracho y un estricto Ranger de Texas. Ellos contra el asesino. Contra su banda. Contra la maldad. Contra el viejo y salvaje Oeste tal como Eastwood, Ford o Peckinpah lo concibieron.

Los hermanos parecen evolucionar en cada película su peculíar y único estilo cinematográfico con ese barniz tan europeo para, sin embargo, presentar después films profundamente americanos. De la buena mezcla solo salen excelentes resultados. Tecnicamente perfectos, aquí dan una lección de como introducir una historia y crear interés al espectador en tan solo 60 segundos con el escalofriante prólogo (por la parsimoniosa voz en off que nos pone en situación) acompañado de un torrente visual con aspecto formal de boceto hecho en carboncillo. Como ver abrirse una flor en primavera. Los personajes son presentados modelicamente y nos dejan anticiparnos a la personalidad posteriormente desarrollada de cada uno de ellos. Bridges, como siempre el mejor de la función(cuidado Colin Firth, igual tartamudeas de verdad en los Oscar), nos es mostrado por primera vez en una letrina escuchando tan solo su indescifrable habla a traves de ella, "ocupándose" de sus asuntos.

Sigo en spoiler sin ser spoiler por falta de espacio

Merece la pena hacer un western después de Sin Perdón?? Hacer una de alcohólicos después de Días sin Huella?? Hacer una serie policíaca después de The Wire?? Se puede intentar, por supuesto, sabiendo que superar el listón es imposible pero por lo menos aportando algo nuevo al género. En este caso, la sombra de El Exorcista es demasiado alargada ya que, al tratarse de un subgénero, el margen de mejora es demasiado reducido. Después de la obra maestra de William Fredkin, un aluvión de historias sobre exorcismos y posesiones inundaron las carteleras durante años. En los últimos años vuelve a estar de moda el tema y de nuevo tenemos Emily Rose, Connecticut y continuaciones de El Exorcista como protagonistas en los cines de medio mundo. No hay ninguna que debata sobre el origen del mal, su lucha contra el bien o las teorías religiosas sobre su existencia. A cambio tenemos sangre, vísceras y sustos que harían sonrojar al torpe villano de la saga Scream.

El film que nos ocupa nace con muy buenas intenciones. Mostrar la misma historia de siempre con un punto de vista diferente y con unas consecuencias diferentes. No lo consigue pero se agradece el intento. El principal problema es que a Filmax ya se le ve el plumero. Ha encontrado el filón del género de terror y no parece tener la más mínima intención de variar el rumbo. Ya podemos hablar, sin equivocarnos, de films made in Filmax. Con características que la diferencian del resto de productoras españolas. La ya citada apuesta por el terror, la sangre por doquier, realización lo más americanizada posible y productos que puedan ser fácilmente exportables al resto de cinematografías (De ahí el idioma de la cinta, el inglés).

El problema es que no basta con poner interpretes ingleses para que haya buenas actuaciones. Estos deben ser decentes profesionales y saber que si una niña levita 2 metros sobre el suelo es importante, y no parecer que estás pensando que llueve y tienes la ropa tendida. Ninguno de los actores parece implicado en la historia con especial mención para Richard Felix (el padre de la criatura), que no va a ganar el Razzie porque no es más famoso que el detergente Lagarto. Los personajes son meros estereotipos y enervan hasta tal punto que deseas que alguno de ellos sea la siguiente víctima del demonio-niña. El guión intenta, con bruscos giros, animar la historia con sobresaltos y muertes sorpresa, pero nada resulta con una trama tan manoseada. Particularmente, tengo debilidad por los planos fijos y he contado los que hay aquí: 2. En toda la película hay 2 planos fijos y 100 minutos de mareantes encuadres con movimiento, reencuadres sobre la marcha y abrir-cerrar campo (zoom). Sí lo que pretendía Carballo era de dotar de agilidad a la dirección lo que consigue es que te preguntes si no se podían haber gastado un poco menos en sangre y comprar un trípode.

Sigo en spoiler sin ser spoiler

Curiosa cinta del veterano Bruce Beresford que trata de explicar un momento histórico concreto, el comunismo de Mao en la China de los 70, a través de la vida de Li Cunxin y su pasión por el ballet. A priori puede parecer un argumento interesante y recordarnos a la notable Billy Elliot, de Stephen Daldry. Pero las similitudes entre una y otra se quedan ahí, en el argumento. El guionista Jan Sardi apuesta por el choque directo de culturas (la china y la estadounidense) con una estructura demasiado torpe e inocente, mostrándonos al protagonista como un pulpo en un garaje (EEUU) de forma excesiva. La constante comparación entre comunismo y capitalismo llega a cansar debido a un tratamiento débil y santurrón, llegando a ridiculizar el sistema de vida chino y poniendo a EEUU como la bandera de la libertad y los derechos humanos omitiendo todos los defectos de la forma de vida americana.

La dirección apuesta por las transiciones más o menos elegantes rozando la ranciedad. Unas prácticas elipsis temporales son un recurso natural para mostrar los cambios del protagonista. Los planos generales y la escasez de movimiento en general nos hacen ver la acción como un cuadro en el que los personajes se mueven libremente. Las escenas de baile gozan de una coreografía brillante si bien la ralentización en estos movimientos sobran.

Desde luego, lo más chocante del film es el nulo aprovechamiento visual de unos escenarios espectaculares (La Muralla China, sin ir más lejos), que dejan entrever la poca pasión desplegada en un film de encargo para Beresford. No deja de sorprender el humor inocentón, infantil y poco brillante que, inaudito, cala en el público. Aunque deja la duda de sí se ríen con o de la película (en mi caso de). Para bien o para mal, no hay mucha diferencia entre esto y un telefilm de A3. Al igual que estos, entretiene y por lo menos cuenta una historia ligera con un ritmo adecuado que no aburre en ningún momento. Como curiosidad, Kyle Maclachlan se pasea unos minutos dando más pena que alegría para la vista.