No todas las películas que vemos tienen por que ser obras maestras. Existe un cine de sobremesa, lleno de buen gusto y compuesto por argumentos muy originales y entretenidos que por desgracia ha caído en lo más hondo de los archivos cinematográficos, siendo apenas reproducido algún día en alguna televisión local a las tres de la tarde y sentenciado a recibir el injusto linchamiento de mucha gente que, al no ver ante si una cinta reconocida mundialmente, ganadora de algún Oscar o aclamada por la crítica, le cuesta demasiado digerir con gusto este tipo de películas.

Reconozco que lo que me empujó a ver este film es su actor protagonista, mi admirado George C. Scott, protagonista de películas como Patton (1970), Fuga sin fin (1971), el Detective y la doctora, (1971) o Un cuento de navidad (1984) entre otras. Una vez comienzo a ver esta película, compruebo que lo que más me llama la atención de la misma no es la gran interpretación de Scott si no su argumento original y entretenido que nos acerca al mundo de los delfines desde una espiral de fascinación sobre los mismos que se contagia al espectador.

Nos habla de cómo el doctor Jake Terrell (George C. Scott) y su esposa Maggie (Trish Van Devere) se dedican a la investigación de un grupo de delfines, entre los que destaca “Fa”, al que cuidan con todo lujo de detalles y dedican la máxima atención. El motivo es que este cetáceo es capaz de mantener una conversación prácticamente normal con un ser humano al entender el inglés a pesar de la limitación de su vocabulario. Este hecho fantástico es llevado con el máximo secretismo por todo el equipo, con la intención de proseguir la investigación y formación del delfín sin la incómoda intromisión de los medios de comunicación. Pero un misterioso periodista relacionado indirectamente con la Fundación que subvenciona estos estudios -y para la que también se oculta lo que se investiga en el delfinario- hace presencia y con él empiezan a llegar los problemas.

Con todo esto y más, sin escenas memorables o momentos que destacar por lo lineal de una trama que no obstante se permite el lujo de sorprender, derivando hacia campos que durante la película pocos se esperarían. Se explota la inteligencia del delfín hasta el punto de llegar a la ciencia-ficción. Como siempre y en todas sus películas, buena interpretación de George C. Scott, acompañado por la que fue su esposa hasta su muerte, Trish Van Devere y el correcto papel de Paul Sorvino (Uno de los nuestros, 1990). En definitiva, una buena y más que interesante película del director de El graduado (1967), Mike Nichols, película por la que ganó un Oscar.

(Continúa en SPOILER sin desvelar detalles del argumento, por falta de espacio)

Buen drama sobre la inmigración en Europa, visto desde los ojos de un chico italiano de 12 años llamado Sandro (Matteo Gadola), que durante un crucero en compañía de su padre y un amigo de éste, cae al mar para ser finalmente rescatado por un grupo de inmigrantes que viajan a bordo de una embarcación clandestina fletada por delincuentes italianos, que tras recibir una generosa suma de dinero por cabeza, se encargan de transportar a estos inmigrantes a tierras italianas.

Sandro, que hasta el momento ha vivido con todas las comodidades que ha podido concederle su acomodada familia, siempre había mantenido buena relación con la gente de todos los países que forman parte de la plantilla de la fábrica de su padre (interpretado por Alessio Boni) pero no es hasta el momento de su rescate y su posterior convivencia a bordo de aquella patera, cuando comprende el verdadero drama que es la inmigración, en especial aquella que en condiciones tan inhumanas y estando rodeada de incertidumbre se dirige a las costas de cualquier país llena de esperanzas que fácilmente se desvanecerán.

La película se muestra irregular, contando con momentos notables y otros más flojos. La suma de todas sus escenas dan como resultado una buena película con un gran mensaje, compuesto de su crítica hacia la política -en este caso italiana- que se aplica respecto a la inmigración y de intentar hacer comprender a quien visione esta cinta, las desventuras que diariamente viven en el mundo cientos de inmigrantes que buscan una vida mejor.

Tras ver la película, se me ha quedado la sensación de que muchas cosas que querían ser contadas por Marco Tullio Giordana (La mejor juventud, 2003), se han quedado por el camino (en el que su director hace gala de su habitual e innecesaria tendencia a dejar claro de qué pie cojea políticamente) , dibujadas como una sola intención que no se ha sabido llevar a cabo, especialmente en su parte final. Olvidados los reproches, sólo queda decir que a pesar de lo liviano de un mensaje que ya casi todos conocemos sobradamente, el visionado de la película es de gran interés y se agradecen este tipo de documentos gráficos en los que se habla de algo que pueda dar lugar a la reflexión. Recorre lo agradable para adentrarse en lo tenso, sustituyéndolo después por lo intrigante de las acciones de sus personajes y finalizando “a lo hermanos Coen” en sus últimas películas, dando carpetazo cuando menos te lo esperas y sin más explicaciones. A pesar de esto último, Marco Tullio Giordana deja patentes sus buenas maneras y capacidad para desarrollar un cine serio y elegante.

Buenas interpretaciones de Matteo Gadola, Vlad Alexandru, Ester Haza, y por supuesto, de Alessio Boni, siempre garante de poder ofrecer una buena interpretación sea cual sea el papel que le corresponda representar.

Esta película no pretende conservar la atmósfera mágica que Kubrick creó con su 2001: Una odisea en el espacio. No quiere mostrarnos excentricidades o sorprender al espectador con escenas memorables que perdurarán en nuestra mente con el paso de los años, aunque sí cuente con algunas frases y momentos que harán las delicias de muchos de los espectadores a los que les encantó la primera película, que es la primera parte de una saga novelesca de cuatro libros escritos por el científico y escritor británico Arthur C. Clarke.

El director, el guionista y el reparto no son los mismos, exceptuando Keir Dullea (que volverá a meterse en el traje de Dave Bowman) y Douglas Rain (voz de HAL-9000). Son dos películas radicalmente distintas que comparten el mismo hilo argumental y algunos intrigantes y extraños minutos capaces de sumergirnos en un espacio repleto de misterio con tantas preguntas para hacerle como respuestas para sernos concedidas. Dos cintas distintas que giran en torno a un mismo tema, siendo 2010 un interesante y acertado documento, que habla de aquello que se quedó pendiente de manera intencionada en la película dirigida por Stanley Kubrick.

En 2010: Odisea dos, el director Peter Hyams (The Relic,1997), (El fin de los días,1999) nos mete en la piel de una expedición ruso-americana que viaja hacia Júpiter para tratar de descubrir todos los misterios que se produjeron allí arriba. En esta película sí abundan los diálogos, partiendo sus palabras desde el guión escrito por el propio director Hyams para la ocasión. Rusos y americanos no tendrán más remedio que aguantarse a pesar de las tensiones políticas que entre sus dos países, se viven en la Tierra.

Se agradece el poder reencontrarse con el enigmático computador inteligente HAL-9000, que durante años ha estado "descansando" en la nave Discovery y comprobar como muchas dudas nos son resueltas a la vez que comprobamos que la cinta también es capaz de ofrecernos un producto distinto y sumamente interesante, con muchas escenas inesperadas y algunas frases para el recuerdo. Altamente recomendable para los amantes de 2001: Una odisea en el espacio y desde mi punto de vista, sin absolutamente nada que reprocharle: es una digna y buena secuela, enterrada injustamente quizá por la mala interpretación de lo que ésta película intenta transmitir, que es, como ya he dicho, más información sobre la primera parte. No pretende emularla.

Tras nueve años retirado, Harry Garmes (George C. Scott), un gangster americano afincado en España, se dispone a realizar un nuevo encargo que recibe con entusiasmo y desea realizar con el mayor de los éxitos: deberá ayudar a un delincuente fugado de prisión y a su novia a escapar desde España -donde se ruedan la totalidad de las escenas de la cinta- a Francia, sorteando todos los imprevistos que no entraban en los planes de ninguno, tales como escapar de una peligrosa banda criminal mientras intentan pasar desapercibidos ante los ojos de los cuerpos policiales españoles, franceses y portugueses.

Paul Rickard (Tony Musante) y su preciosa chica, Claudie (Trish Van Devere) forman la fugitiva pareja a la que ayudará Garmes, quien recibirá el desprecio del primero y la amabilidad y comprensión de la segunda. Rickard se muestra con una personalidad detestable por lo inmaduro de la misma, dando la sensación de estar poseído de una falta de sentimientos innata y ofreciendo lo peor de sí mismo desde su prepotencia e indiferencia. Claudie, a pesar de exhibirse como una persona más cercana, atenta e incluso dulce, no deja de estar influenciada por el amor de su pareja, Rickard.

Y mientras, kilómetros de carretera siendo recorridos en el BMW modificado que conduce Harry Garmes bajo un sol generoso y sobre suelo español, rodeado de esperanzas entre su bien disimulada desolación. Un personaje magistralmente interpretado por un gran George C. Scott (Patton, El detective y la doctora) que se convierte en el mejor estímulo para ver esta película, que sin ser una de las grandes no merece el angustioso olvido al que está sujeta, pues supone un notable entretenimiento ofrecido desde la dirección de Richard Fleischer (Tora! Tora! Tora!, 1970) y una de las mejores bandas sonoras que le recuerdo a Jerry Goldsmith junto a la que creó para Papillon (1973).

Una de mis películas favoritas a pesar de sus ligeras y convencionales apariencias y sin duda una de las interpretaciones más destacadas de George C. Scott.

Nos encontramos nada menos que en el año 2700. El planeta Tierra está completamente devastado, ausente de naturaleza y vida humana. Entre los restos de tan desolador panorama, destaca Wall-E (la abreviatura de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) , un pequeño, simpático y funcional robot que desde su encantadora soledad continúa haciendo el trabajo para el que fue diseñado: compactar la basura del planeta. Mientras desarrolla su tarea, encuentra objetos obsoletos que recolecta y clasifica meticulosamente en su hogar, seguido en todo momento de una mascota muy peculiar: una cucaracha.

Lo que no espera el inocente robot es que su vida vaya a cambiar para siempre gracias a una nave gigantesca que mantiene en el espacio exterior desde hace centenares de años a la población humana, con todo lujo de atenciones y comodidades; algo reflejado en el físico obeso de todos ellos y que claramente se convierte en un mensaje de crítica y advertencia sobre los malos hábitos que llevan a muchas personas a mantener una vida sedentaria y poco saludable, que desemboca en el problema del sobrepeso excesivo. La nave en cuestión, que cuenta con el servicio de multitud de robots para el gozo de la muchedumbre, envía a la Tierra a una autómata llamada Eve -mejor equipada, armada y con más inteligencia que Wall-E- para realizar una misión de reconocimiento.

Su exploración es interrumpida por el encantador Wall-E, que se enamora perdidamente de ella y que tratará de hacer lo imposible por conquistar su programado corazón.

No esperaba sorprenderme tantísimo con una película de estas características, en la que el ordenador lo es todo, dotando ya no solo de unos gráficos maravillosos a la cinta, si no consiguiendo crear unos personajes encarnados por un puñado de píxeles que son capaces de transmitir sus sentimientos desde la gesticulación. Algo muy meritorio teniendo en cuenta que no nos encontramos ante unos actores de carne y hueso, si no ante una obra de gran envergadura creada maravillosamente por los estudios Pixar y dirigida por Andrew Stanton (Buscando a Nemo, 2003). Desde el primer minuto sabía que esta película iba a encantarme y desde luego ya tenía pensada la puntuación que concederle. Sus minutos pasaban y pasaban y la cosa no hacía más que mejorar. Una gran forma de contar historias, aptas por supuesto para los más pequeños pero también, para los más mayores. Una bella y tierna película, altamente recomendada para todos.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento, por falta de espacio)

Su elaboración es impecable y logra mantener al espectador en vilo ofreciendo 118 minutos de duración ausentes de aburrimiento, con la dramática historia que iremos conociendo según se desarrolla el metraje, que habla de una misteriosa mujer llamada Irena, atormentada por recuerdos dolorosos que se presentan en la película en forma de flashbacks, tal y como pasa con la otra cara de lo que le viene a la mente, esta vez aliviándola y consiguiendo hacer aparecer una tímida sonrisa en su rostro.

Irena es una inmigrante ucraniana que lleva muchos años en Italia, y a pesar de guardar un gran fajo de billetes en su bolsillo busca trabajo como cualquier persona necesitada de aferrarse a cualquier empleo con tal de subsistir. Por mediación de un conserje que pretende sacar tajada del beneficio que consiga Irena de su nuevo empleo, logra ponerse a trabajar como limpiadora en una comunidad de vecinos bien posicionados e incluso entabla buena relación con la sirvienta de una de las casas. Y mientras, los recuerdos más crueles siguen haciendo presencia una y otra vez en la mente de una Irina que inspira amargura y pesar, estando ausente cualquier atisbo de felicidad en la misma.

Todo resulta extraño y extremadamente intrigante, lo que ha conseguido hacer, por lo menos a un servidor, mantenerse enganchado a la pantalla durante toda la duración de la cinta, ya no sólo para averiguar el desenlace de la trama si no también para descubrir por qué le vienen esos pensamientos, algunos crueles y otros dulces y esperanzadores, a Irena, que está muy bien interpretada por la actriz rusa Kseniya Rappoport y sobre la cual cae todo el peso del argumento de la película, dejando apenas unos minutos de protagonismo al resto del reparto, entre los que se agradece la presencia de dos grandes conocidos en el cine italiano, el actor Pierfrancesco Favino y Michele Placido, que también hace las veces de director (Romanzo Criminale, 2005 o Il grande sogno, 2009) y al que podemos ver haciendo un interesante papel en Camino sin retorno (2006) junto a Alessio Boni.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento por falta de espacio)

Desde cada uno de sus fotogramas desprende una belleza y una perfección difícilmente superables para representar los hechos que nos trae esta revitalizada historia del Conde Drácula. Todos sus elementos técnicos se combinan con esplendor para, juntos, ofrecernos una película que más bien parece un libro de fábulas rescatado de un tesoro del pasado y del que iremos ojeando sus ilustraciones tan elegantemente mostradas, enfrascadas en la gran atmósfera que se logró crear para tan bello y sádico momento.

El terror y el amor corren, o más bien huyen de la mano, viéndose representados por la figura del recóndito Conde Drácula, que tras perder en el pasado a su amada tras suicidarse ésta al pensar que su esposo había muerto en combate, logra perdurar en el tiempo y cuatro siglos después, tras visualizar una fotografía de la prometida de su abogado Jonathan Harker (Keanu Reeves), desplazado a Transilvania con el encargo de cerrar unos negocios con Drácula, decide viajar a Londres desde su castillo de Transilvania. Allí conocerá a la esposa de éste, Mina (Winona Ryder), después de hacer caer sobre la mejor amiga de la susodicha, Lucy, su sedienta necesidad de sangre.

Desarrollado todo esto de una forma enigmática, que supera lo intrigante para adentrarse en lo terrorífico y mucho después de haber recorrido pasajes llenos de desmesura y erotismo, un equipo encabezado por el el profesor Abraham Van Helsing (Anthony Hopkins) y Jack Seward (Richard E. Grant), tratará de averiguar qué es lo que sucede entre tanto revuelo misterioso, intentando buscar una solución para dar fin a los macabros actos que se irán desarrollando.

Las escenas de la cinta, apoyadas todas en unos efectos de sonido y visuales sorprendentes, pasan sin parar de una a otra cada vez de una forma más singular y llamativa, dejando a su paso multitud de detalles que serán capaces de hacer las delicias de muchos de los aficionados al género y al buen cine en general. La banda sonora, de gran belleza, no consigue hacerse la auténtica protagonista de la película debido a la fuerza del guión, a veces lírico, a veces más tópico, llevado a los personajes por un reparto que hace su trabajo de forma correcta algunos, sublime otros. Los “algunos” pueden ser Reeves y Richard E. Grant, junto a otros del reparto. Las interpretaciones sublimes corren a cuenta de Oldman, Ryder y Hopkins, por este orden.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento por falta de espacio)

Simpática, risueña y divertida comedia que cuenta las andanzas de una tropa de soldados italianos que es destacada a una pequeña isla griega perdida en el mar Egeo para realizar una sencilla tarea de observación y reconocimiento del terreno. Una vez allí, se encuentran con un pueblo desierto, que más adelante les sorprenderá mostrando a los habitantes que lo componen: solo ancianos, mujeres y niños.

Excepto al principio, los soldados no ofrecen en casi ningún momento la sensación de ser militares, pareciendo unos excursionistas cualquiera, un grupo de amigos que se disponen a disfrutar de unas agradables vacaciones en mitad de un panorama de ensueño, rodeado de aguas cristalinas y el aire fresco de un buen verano. Pues poco tienen para hacer en una isla que les ha incomunicado del todo del mundo exterior debido al hundimiento de su barco y la ausencia de emisoras. Cada uno de los componentes de la sección de reconocimiento guarda alguna peculiaridad y todos tienen una historia que ofrecernos, y entre todos completan un grupo que aunque a veces sufra algún percance, se muestra unido como una familia.

Lorusso con su enérgica personalidad, Montini con su faceta artística, Farina sin un lugar en el mundo, Noventa deseando escaparse de la isla... todos ellos y algunos más destacan en esta cinta a pesar de aparentar ser un film suave e incluso pueda pasar desapercibido ante los ojos de muchos, cuenta nada menos que con un Oscar a la mejor película extranjera en su palmarés. Y no es para menos, pues el conjunto de la película resulta ser bastante grato y animado, entreteniendo gracias a su humor fino e inteligente seguido desde el fondo con una música cautivadora y relajante que incita a hacer lo que el mensaje de la cinta quiere transmitir: escaparnos de nuestros mundos.

La trama gira en torno a Malena (Monica Bellucci), mujer de una belleza y un atractivo impresionante capaz de dejar prendados a todos los hombres del pueblo de Castelcuto (Sicilia) y de despertar las envidias e iras que alcanzan el nivel de odio, en los corrillos que las mujeres del pueblo crean en cada rincón. Las miradas de éstas se clavan en Malena como dardos envenenados mientras se dirige a cualquier parte con su saber andar prodigioso, rodeada de un aura casi virginal que consigue incluso conquistar a un pobre chaval de casi 13 años que no sabe lo que le espera.

La obsesión por el atractivo de Malena se adueña del pequeño Renato Amoroso (Giuseppe Sulfaro), para mí el verdadero protagonista de la cinta, que con sus hormonas elevadas trae de cabeza a sus padres y apenas puede conciliar el sueño, inmserso en sus fantasías. Renato se convierte en el ángel de la guarda, en la sombra de Malena, siguiéndola allá donde va, subido en su flamante bicicleta luciendo unos para el ridículos pantalones cortos de los que desea desprenderse. A pesar de que el mundo está en guerra y la Italia de Mussolini se ha metido de lleno en la misma, el tema más importante a tratar en el pueblo no es Hitler ni el Duce, si no Malena, en boca de todos.

Una cinta que a pesar de ser un drama no pretende serlo, acercándose más a una pequeña fábula en forma de comedia, con la impresionante fotografía de Lajos Koltai (director de Sin destino, 2005) y la música de Ennio Morricone. Ambas categorías estuvieron nominadas a los Oscar. Giuseppe Tornatore (Cinema Paradiso, La leyenda del pianista del océano) consigue crear una película bonita que sin igualar en fuerza a cualquier de sus otras obras, deja un buen sabor de boca y supone un espectáculo agradable e interesante, digno de agradecer.

Guiado por las palabras de Kirk Honeycutt, del The Hollywood Reporter, quien afirma que es un placer encontrar una película que realmente habla de algo, me dirigí al cine a ver la nueva obra de uno de mis directores más preciados, Clint Eastwood. Después del visionado de la misma comprobé que las palabras del crítico eran las más adecuadas y las que mejor definían a esta cinta llena de mensaje, tan bella como poética, tan fiel a la realidad como correcta en la forma de ofrecernos lo que transmite, a veces con cierto temor a tocar algunos temas para no caer en la vulgaridad o crear polémica barata.

Eastwood prefiere hacer las cosas con el estilo del maestro, haciendo gala de su habitual elegancia y discreción, ofreciéndonos el lado más humano de Nelson Mandela -que no es poco- ajustándose a la realidad para contar cómo Sudáfrica vivió su gran cambio, dejando atrás el apartheid (la discriminación racial aplicada en el país susodicho por la raza blanca frente a la negra) e iniciando un nuevo curso político que pensaba en cicatrizar las heridas existentes reformando las cosas con buen temple y uso de la lógica, huyendo de las políticas vengativas y rencorosas.

Algo que se pudo ver en la decisión que tomó al contradecir a su ministerio de deportes y a la federación del mismo género, que tenían la intención de cambiar los colores, el escudo y hasta el nombre del equipo nacional de rugby (conocido como los Springboks) por considerarlo símbolo del apartheid. Viendo un partido de rugby, Mandela (interpretado extraordinariamente por Morgan Freeman) y tras comprobar cómo la población blanca anima alegremente a los Springboks mientras que la negra hace lo propio con equipos de otros países, afirma que ningún elemento simbólico del equipo debe ser cambiado, pues no se puede arrebatar a la población blanca lo que tiene, su equipo de rugby, y lo meritorio reside en conseguir que la escéptica gente de color se una a la pasión por los Springboks y con ello, todas las razas compartan una misma ilusión bajo los símbolos que representan la unión de todos ellos.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento por falta de espacio)

No sabía nada de ella. No quería verla. Entonces, mi desconocimiento total de la filmografía de Quentin Tarantino me invitaba a ignorar cualquiera de sus películas, más después del fiasco que me supuso ver una de la que éste era el guionista, la cinta dirigida por Robert Rodríguez en 1995, Abierto hasta el amanecer. Pero no tenía otra opción. Era o dormir, o ver Jackie Brown, una película que llegó a mis manos de pura casualidad y sin haberla buscado jamás.

La reproduzco y me encuentro con una introducción que me gusta, con una música y un ambiente de aire setentero que me encanta y que prácticamente entierra la fecha real de la producción de esta película, que era el año 1997. Después, parecía que me iba a encontrar ante una película corriente, que me serviría para pasar el rato sin ofrecerme grandes novedades. Bendita equivocación.

Disfruté muchísimo durante todo su metraje viendo como Jackie Brown (Pam Grier), una azafata de vuelo, hace de correo (en la jerga policial 'correo' es quien se encarga de pasar la droga a través de las fronteras) de un mafioso llamado Robbie (Samuel L. Jackson). La policía, que no es tonta, termina dándose cuenta de lo que se cuece en el bolso de la imponente azafata, que además de atractiva se presenta con un temple y una capacidad profesional superior al de muchos gángsters de pacotilla que presumen de honor, tradición y respeto. Los agentes, en lugar de detenerla, prefieren intentar llegar a un trato con ella para poder culminar su investigación con la intención de los peces más gordos que estén detrás del tráfico de drogas.

Y uno de esos peces gordos es Robbie, que tiene como ayudante de primera a un desarrapado, cochambroso y pasado de moda Louis Gara, interpretado magistralmente por un Robert De Niro irreconocible debido a la ausencia de papeles de este tipo en su carrera. El humor negro del que se dota a su personaje nace en las entrañas de la seria y silenciosa personalidad de Gara, que entre otros trabajos tiene como misión hacer de 'niñera' de la novia de Robbie, Melanie (Bridget Fonda), la cara opuesta de la personalidad de Gara, al que desquicia una y otra vez y con el que no para de discutir, pues ella representa todo lo contrario a la pasividad y tranquilidad de Gara. Melanie es inquieta, traviesa, despreocupada y se ríe de los 'juegos de mafiosos'.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento, por falta de espacio)

Notable película de intriga que hace gala de su género desde el primer al último minuto. La historia cuenta cómo el gran nerviosismo de Otto Keller (O. E. Hasse), que trabaja sirviendo en un rectorado parroquial junto a su esposa, le impulsa a confesar al padre Logan (Montgomery Clift) qué es lo que atormenta su alma: nada menos que un asesinato.

El secreto de confesión no puede verse quebrantado por el padre Logan, lo que termina perjudicando al párroco y le lleva a ser investigado por el inspector Larrue (Karl Malden) que no duda en seguir la línea de investigación más sencilla sobre el crimen, gracias a las evidencias y testimonios que existen en torno al asesinato.

Lo imprevisible del desenlace de cada una de sus escenas, la atmósfera inquietante que envuelve a esta cinta y la gran interpretación de Montgomery Clift (Un lugar en el sol, 1951) hacen de esta original y gran película una obra indispensable de ver para todos los amantes de este género. Karl Malden (Patton, 1970) Anne Baxter y O. E. Hasse aprovechan adecuadamente los minutos en los que deben interpretar sus papeles y ofrecen una creíble y notable representación de sus personajes, sobresaliendo Malden por encima de los tres.

Con el inimitable estilo de un Alfred Hitchcock (La ventana indiscreta, Con la muerte en los talones) capaz de mantener al espectador pegado a la silla, haciendo que éste pueda hacer sus propias deducciones y especulaciones, enfrentándose a todo lo que uno no se espera.

Ego te absolvo.

El interés de esta película reside en la buena interpretación de Josh Brolin en el papel de un George W. Bush más cercano a una ficticia comicidad que a su realidad biográfica. Teniendo en cuenta la poca credibilidad que la cinta inspira como documento, he de reconocer que me he entretenido bastante con su visionado debido a la forma de representar no sólo a su personaje principal, si no también a algunos de los miembros más destacados y reconocidos de su primer mandato, tales como Dick Cheney (Richard Dreyfuss), Karl Rove (Toby Jones), Conzoleezza Rice (Thandie Newton) y Colin Powell (Jeffrey Wright), entre otros.

Nos muestra el lado más personal de Bush, adentrándose en su polémica e irresponsable juventud contada a la manera de Oliver Stone, que se basa en los pocos documentos y testimonios de los que ha podido disponer para narrar la historia de una persona que, de no hacer prácticamente nada, llega a ser el presidente de los Estados Unidos, casi sin inmutarse y todo por obra y gracia del nombre de su padre, también ex-presidente, George H. W. Bush.

Hecho bastante manipulador y mentiroso teniendo en cuenta que el ex-presidente del país más poderoso del mundo no dio precisamente el salto desde su cómodo sofá tejano a la Casa Blanca, si no que previamente ganó la elección a Gobernador de Texas contra una conocida y reputada demócrata del momento, Ann Richards, un hecho bastante meritorio y complicado. También, la película sólo nos muestra el lado menos afortunado de Bush, hablándonos de todos los trabajos que desempeñó sin demasiado éxito pero ignorando su paso por la Guardia Nacional, que sólo se recuerda a modo de referencia en una escena en unas palabras que Bush padre dirige a su hijo, apodado “W”: “tu paso por la aviación tampoco ha sido muy brillante”. Una lástima que para Stone, convertirse en piloto y aprender a volar el avión interceptor F-102 Delta Dagger como teniente de la Guardia Nacional Aérea de Texas, no sea algo esplendoroso.

(Continua en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento)

Linchada desde las críticas de muchos críticos y aficionados al cine, me dispuse a ver esta película convencido de que no era posible que una película sobre un hecho tan trágico como los atentados terroristas del 11 de Septiembre de 2001 en las Torres Gemelas de Nueva York, fuese tan rematadamente mala como desde cientos de líneas se intentaba transmitir, apoyadas por las votaciones en las páginas en las que los usuarios tienen la opción para hacerlo.

En esas críticas, tan respetables como la mía, se hablaba de apología al ex-presidente norteamericano George W. Bush y de que esta cinta servía para legitimar la guerra a la que el mencionado mandatario llevó a los EEUU tras los atentados. También desde algunas críticas se aprovechaba la oportunidad para criticar con saña a la población americana, algo totalmente incomprensible teniendo en cuenta de qué trata la película y lo que desea transmitir, al menos entre los suyos. Toda nación que sufre un atentado tan trágico como el del que se habla en la película, merece como poco glorificar a las víctimas del mismo y ensalzar la figura de aquellas personas que dieron todo, hasta su vida, por ayudar a salvar la de otros.

Si ésta fuese una película corriente, no dejaría de ser una convencional historia de policías, bomberos y héroes americanos con esposas desesperadas en sus hogares sin tener noticias de los mismos. Pero es una cinta que relata desde las más buenas intenciones los momentos más trágicos que aquel fatídico día se dieron cita. Ese maldito 11 de Septiembre en el que las Torres se vinieron abajo a causa del impacto de dos aviones cargados de pasajeros que fueron secuestrados por terroristas islamistas, siendo derribadas las dos y quedando enterradas entre sus escombros las vidas de miles de personas.

(Sigue en SPOILER sin desvelar detalles del argumento)

Como es habitual en España, existe un gran tendencia a maltratar lo nuestro en beneficio de lo extranjero. Quizá muchos no sean capaces de valorar que en esta serie se dan cita no sólo historias que a pesar de su convencionalismo están repletas de un gran interés residente en su buen desarrollo y tratamiento técnico (ese gran uso de la cámara), si no también algunas de las mejores interpretaciones de personajes que se pueden ver en años en la pequeña pantalla nacional.

José María Pou dotó al personaje de Ferrer con una fuerza y un ímpetu que acabó mejorando durante el transcurso de los 83 episodios de esta serie que a diferencia de EL COMISARIO no se centra en el trabajo más corriente de un policía nacional español, si no que gracias a un estilo peculiar y característico se adentró de alguna manera en el género del thriller, haciendo de Policías una serie que supera lo notable y hace especial hincapié en ofrecernos a estos agentes de la ley desde un punto de vista más cinematográfico y menos realista en favor del entretenimiento.

Aunque todos sus personajes saborean en algún momento de la serie lo mismo un momento romántico que otro bastante dramático, el reparto solía diferenciarse en este aspecto, dejando lo 'serio' para personajes como José María Pou en el rol del Jefe del M.I.P 2, Ferrer y el enigmático subinspector Klimov "El Ruso" (Pedro Casablanc). A menudo, la cara más simpática y cotidiana de la patrulla policial estaba representada por Mateo (Toni Sevilla) y Sebas (Paco Luque).

El toque poético era puesto por el inspector Toño (Roberto Mori), carne de despacho que entre orden y orden recitaba versos que a su vez daban nombre a cada capítulo de la serie española con la que más he disfrutado.

Todo se dió cita en POLICÍAS, EN EL CORAZÓN DE LA CALLE, una serie que lejos de ir decayendo durante su desarrollo fue mejorando y ganando fuerza en sus capítulos. El surrealismo de algunas de sus escenas, dotadas de grandes efectos especiales se acepta al tener en cuenta que Policías no tiene la obligación de ofrecernos un producto fiel a la realidad, si no un buen entretenimiento que supere las espectativas habituales. Aparte de esto también nos ofrecía la parte más humana y menos laboral de sus personajes.

He venido aquí para hablar de esta serie y no de sus injustas votaciones, pero ya que estoy aquí haré una reseña: tal y como dice el autor de otra crítica, hay que ver más de diez minutos para valorar esta serie. Me apuesto la mano con la que me lavo los dientes a que la inmensa mayoría de los que han realizado esas votaciones apenas han visto más de 2 o 3 capítulos. Yo he visto los 83, y no por ello tengo más razón o soy más objetivo (le doy un 10 y se que no es para tanto pero esta serie hizo mella en mi) pero al menos puedo valorarla habiéndola visto entera.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento)

Papillon, un hombre acusado de un asesinato que no cometió, conoce durante su traslado en barco a una cárcel de la Guayana francesa a Luis Dega, un falsificador de Bonos de la Defensa Nacional con el que principalmente entabla una relación “laboral”, ofreciéndole protección entre barrotes a cambio de que éste financie la fuga que tiene planeada.

Los dos personajes citados arriba están interpretados por Steve McQueen y Dustin Hoffman con un estilo impecable que no deja dudas en cuanto a la calidad de estos dos actores. Franklin J. Schaffner, el director de esta cinta y conocido también por otras grandes obras como El planeta de los simios (1968) y Patton (1970) logra con Papillon ofrecer una gran película en la que las aventuras tienen tanta importancia como los hechos dramáticos representados por la ansiosa búsqueda de la libertad de su principal protagonista, que en sus andanzas no sólo conoce a Dega, si no también a otra serie de personajes que comparten en común con él la misma preocupación por la libertad y que no dudarán en unirse a esta empresa.

La excesiva duración de algunas escenas es innecesaria debido a la poca relevancia de las mismas, pero el inconveniente de esta cuestión se ve bien cubierto debido a que durante ese tiempo se ofrecen planos de gran belleza que terminan agradeciéndose, pues siempre es agradable contemplar algo bonito y esto es lo que quizá embelesó a Schaffner.

Basada la historia real de Henri Charrière “Papillon” (mariposa en francés), la película canta a la libertad y a favor de los derechos humano al compás de la preciosa música del mítico Jerry Goldsmith, autor de la banda sonora de Patton (1950), Chinatown (1974) o Allien, el octavo pasajero (1979), entre otras muchas.

Notable drama familiar que ha logrado engancharme durante toda su duración, sorprendiéndome con la calidad de su historia y la capacidad de su debutante director, Kim Rossi Stuart, de crear de manera muy adecuada el clima correcto para cada situación, transmitiéndome correctamente los sentimientos que la cinta desprende desde sus escenas, que parten desde lo encantador para adentrarse después, con gran realismo, en los hechos dramáticos.

La historia se centra en una familia compuesta por Renato Benetti (Kim Rossi Stuart) y sus dos hijos Tommaso (Alessandro Morace) y Viola (Marta Nobili). A pesar de faltar la figura materna en el seno familiar, Renato ha logrado compaginar su trabajo como cámara de cine con el dar una buena educación a sus hijos, que han salido muy responsables y están llenos de amor hacia su padre. La mezcla de todo esto tiene como resultado un ambiente agradable, unido y libre de más preocupaciones que las típicas de una familia humilde.

Pero los problemas llegan con la madre (Barbara Bobulova) de Tommaso y Viola, que vuelve inesperadamente al hogar tras haberlos abandonado en el pasado a todos. Su retorno supone un punto de inflexión negativo en la buena marcha desarrollada en la familia hasta el momento, siendo aquí donde se pondrá a prueba la capacidad de todos los miembros familiares para superar los quebraderos de cabeza que se presentan.

La película contiene además otras historias paralelas de gran interés (como las vividas por Tommaso en el colegio, su nuevo amigo del bloque y su elevado escondite) que por desgracia no han merecido mayor atención por parte del director y que podrán haber dado muchísimo más de si, siempre y cuando se hubiese extendido el metraje de la cinta, que se me ha hecho corto.

Como apunte y por encima de todo, lo que más me ha gustado de la película es la grandísima interpretación realizada por el chaval, Alessandro Morace, que a mi parecer alcanza la perfección, siendo también muy bueno el personaje interpretado por Kim Rossi Stuart, que pasa de lo angelical a lo diabólico sin despeinarse ni reducir en nada lo realista de su papel.

Un extraño, singular y opaco personaje lleno de misterio, seriedad y soledad, vive desde hace ocho años en un hotel de Suiza. El personal y otros huéspedes del hotel se refieren a él como “el doctor” a pesar de que todo el mundo desconoce su ocupación profesional, si es que la tiene. Su nombre auténtico es Titta di Girolamo. Y está lleno de secretos que la película irá desvelándonos durante su desarrollo de una forma original y entretenida, con las características propias de su director, Paolo Sorrentino, que cuatro años más tarde dirigiría la peculiar cinta sobre la vida de Giulio Andreotti, Il divo (2008), de la que como sucede en Las consecuencias del amor, su protagonista principal está interpretado de manera magistral por Toni Servillo, actor que también dejó constancia de su gran calidad en Gomorra (2008) y otro puñado de cintas.

Pero no todo en esta película es Di Girolimo, aunque éste sí sea lo más importante de la misma. Por el hotel en el que reside, otros huéspedes también forman parte del elenco de curiosos protagonistas que hacen su aparición en la cinta, todos con una historia interesante, tales como la camarera del bar del vestíbulo, muy bien interpretada por la preciosa Olivia Magnani y un matrimonio entrado en edad y frustrado que pasó de tenerlo todo a no tener nada.

El film está rodeado de una atmósfera tranquila y reconfortante que apenas es interrumpida por algún sobresalto, y está reinado por la calidad y la narración del guión de esta película, acompañada por una banda sonora que supera las expectativas. Una cinta que merece realmente la pena ver y que supone una de esas pequeñas joyas que a pesar de su imperfección (destacando por ejemplo el poco jugo sacado a su historia romántica) constituyen un bello ejercicio repleto de curiosidades bien representadas del que no nos olvidaremos fácilmente.

Antes del visionado de esta película se recomienda adquirir algún conocimiento básico sobre la política italiana, pues de lo contrario nos encontraremos con un entramado de personajes y situaciones completamente desconocidas para nosotros que se convertirán en un gran obstáculo para comprender el desarrollo de la cinta, o que como poco mermará nuestro gusto por ella. No ayuda el hecho de que su director, a golpe de un plumazo, nos explique de forma muy breve y sirviéndose de un glosario inicial, el significado de algunos términos que mucha gente de fuera de las fronteras de ese país desconocería. Y con la misma rapidez, con mucha originalidad y de una forma más cercana a una película de acción, nos presenta a sus personajes, vivos o muertos, que vienen desde el propio Giulio Andreotti en el que se centra la película hasta toda la escuadra política de la que se rodeaba.

Encarnado de forma soberbia por Toni Servillo, Giulio Andreotti, jefe del gobierno italiano en hasta siete ocasiones, máximo exponente de la Democracia Cristiana y siendo una de las figuras más reconocidas de la política del país, formando parte activa de su parlamento desde el año 1946, es mostrado en esta película entre la crítica y la fascinación de su director, Paolo Sorrentino. Involucrado en múltiples escándalos de corrupción y relación con la Mafia, fue absuelto de todo juicio al que se vio sometido, y quedaron prescritas las causas pendientes.

La cinta nos ofrece una visión muy particular de Andreotti, siendo descrito por los propios adjetivos que aparecen en el film, como un hombre perseverante, enigmático, imperturbable, culto, inteligente, con gran capacidad de concentración y resistencia, envuelto de una grandeza principesca e inmerso en su sueño de gloria. Nada le importa excepto el poder y no se inmuta ante cualquier acontecimiento.

Sólo por el hecho de ver al hoy -y desde 1991- senador vitalicio del parlamento italiano, Giulio Andreotti, presentado de una forma que invita a la admiración, merece la pena ver esta gran película flanqueada por una banda sonora diferente, atrevida y que muestra el desparpajo con el que Sorrentino ha hecho este film que expone dramáticos acontecimientos de una forma simpática y enloquecida que hacen de lo que debería ser una trama a simple vista tediosa, algo original y otra forma de ofrecer la realidad política de un país.

Todos los personajes de esta película guardan en su corazón un hecho que les atormenta. Sabina, (Giovanna Mezzogiorno) una actriz de doblaje, huye de su pasado, en el que sufrió abusos sexuales por parte de su padre. Su novio, Franco, de profesión actor, (Alessio Boni), deberá contenerse de las sospechas de su chica, que afirma que a un hombre le basta muy poco para ser infiel y acostarse con otra mujer. Emilia (Stefania Rocca) es ciega, lesbiana, y está enamorada de Sabina, que a su vez le presenta otra amiga, María, que ha sido abandonada por su marido al irse éste con una chica de veinte años. Andrea Negri (Giuseppe Battiston) es un director de series de televisión, que duda de su propio talento y sueña con poder rodar algún día una buena película.

Estas historias se entrelazan de manera lógica puesto que todos los personajes tienen una relación, si no familiar, amistosa, entre ellos. La cinta cuenta con momentos más que interesantes y bien narrados, pero pierde fuerza en algunos momentos en los que el tempo utilizado es demasiado lento para expresar un guión que rara vez ofrece algo intrascendente en esta película que recurre continuamente al uso de flashbacks para poner cara a la angustiosa etapa infantil en la que se produjeron los abusos sexuales de Sabina.

En conjunto, 'La bestia en el corazón' es una buena película que representa muy bien los hechos dramáticos que brinda, desde la elegancia impuesta por su directora, Cristina Comencini.

Gran papel de Giovanna Mezzogiorno, flanqueada por el correcto trabajo del resto del reparto, del que también destaca Luigi Lo Cascio (La mejor juventud, 2003), que interpreta al hermano de Sabina, además del correcto trabajo de Stefania Rocca y Alessio Boni (Camino sin retorno, 2006).