Conmovedor drama de Vittorio de Sica (Umberto D., Ladrón de bicicletas) en el que dos jóvenes tienen como sueño el poder comprarse un caballo. Por ello, reunirán el dinero necesario para conseguirlo, aunque su inocente plan no salga del todo bien, pues a pesar de lograr cumplir su meta, son internados en una prisión de menores acusados de complicidad en un caso de estafa.

El gran interés de esta película radica dentro del correccional al que son enviados y desde el que nos presentarán de una forma realista y sobrecogedora, los valores de la amistad, entre otras máximas que pasean ante el dramático hecho de ver como una familia prácticamente destrozada antes del desgraciado suceso del ingreso a prisión de uno de los chicos, aumenta progresivamente su sufrimiento y por ende, su deterioro.

Lo liviano de algunas de sus escenas lo compensó su director con creces en su siguiente cinta, Ladrón de bicicletas, capaz de llegar a los corazones más impenetrables. Además hay que tener en cuenta no sólo su año de producción o los pocos recursos con los que se contó para la elaboración de la película, si no que asimismo éste fue el tercer film del mítico realizador italiano.

Una gran forma de demostrar que se puede sorprender “solamente” con una gran historia bañada en realismo, sin la excesiva necesidad actual de algunas producciones que sólo tienen como tirón sus costosos efectos especiales y maquillaje, rodeados de toda la parafernalia del marketing. Eran otros tiempos. Tiempos inmortales para la retina.

Vibrante, divertida y entretenida comedia dirigida por Martin Scorsese (Infiltrados, Taxi Driver) y protagonizada por un gran Griffin Dunne, que cuenta la delirante historia vivida por un solitario empleado de una compañía de informática que se dispone a pasar una buena noche después de un duro día de trabajo.

El exquisito humor inteligente del que está compuesto la película irá acompañando a su personaje, Paul Hackett (Dunne), durante todo el metraje de la misma, en el que su protagonista vivirá todo tipo de alocadas situaciones que se convertirán en una maraña de la que no podrá deshacerse.

Todo empieza cuando conoce a una agradable joven mientras hace boca y lee su libro favorito en un bar. El plan es sencillo: conquistar a la chica y conseguir pasar una noche agradable, pero según pasan las horas todo se va complicando y el escenario en el que se desarrolla la acción, el SoHo, uno de los entonces peores barrios de Nueva York, no contribuye a mejorar la situación de su desesperado protagonista.

Banda sonora con buenos detalles, destacando dos piezas de Mozart y Bach, además de la melodía central, que contrastan con las sevillanas de Manitas de Plata sonando a toda pastilla en la radio de un taxi que aparece en una de las escenas. Martin Scorsese, con aires de Hitchcock, repite cameo en esta película.

Sin desperdicio.

El gran pecado del cine español de los últimos tiempos es el de intentar ofrecernos un contenido que pretende ser bohemio pero que a veces acaba siendo incomprensiblemente estúpido, en el que cualquier extravagancia que se le ocurra a su director puede ser una realidad. Eso no siempre ocurre en esta película, pero de seguro encontraremos algunas virutas de esta epidemia.

Barcelona, un mapa. Un mapa estrafalario de Ventura Pons, que muestra a su manera, la soledad de unos personajes que viven, algunos, situaciones generalmente impensables en una sociedad normal pero que a muy pequeña escala pueden existir. Un mapa de diálogos, algunos muy interesantes y reflexivos, otros más absurdos, parciales y suprimibles.

Con una infumable primera aparición de una forzada Rosa María Sardà en una escena en la que José María Pou saca las castañas del fuego gracias a la inmensidad de su calidad como actor, esta película con aspecto y música de teleserie comienza sus 90 minutos repasando las funestas vidas de una serie de peculiares personajes que compartiendo todos el patrón de la soledad, representan cada uno un caso distinto: un antaño y ahora jubilado portero del Gran Teatro del Liceo al que siempre le gustó travestirse, su mujer, a la que conoció en el mismo, un joven vigilante de seguridad con sentimientos frustrados, una inmigrante embarazada, un cirujano homosexual, una profesora de francés...

(Continua en Spoiler SIN revelar detalles de la trama, por falta de espacio)

(*) "La publicidad nos hace desear coches y ropas. Tenemos empleos que odiamos para comprar cosas que no necesitamos. Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos. No hemos vivido una Gran Guerra, ni una Gran Depresión. Nuestra guerra es la guerra espiritual. Nuestra Gran Depresión es nuestra vida."

David Fincher (Seven, El curioso caso de Benjamin Button) nos presenta su particular oda al salvajismo, transformada en una dura crítica que escupe a lo material y eleva nuestro espíritu interior. Quien considere que esta película incita a la violencia -y lo digo por ciertos críticos que la tachan de ¿fascista?-, no es más que un imbécil ignorante, que no sabe apreciar lo que esta historia oculta bajo lo sangriento de sus escenas.

Un monótono, aburrido, desesperado y simplón oficinista llamado Jack (Edward Norton), conoce durante un viaje de avión a un curioso personaje, comercial de jabones: Tyler Durden (Brad Pitt), quien cree que el perfeccionismo es la mayor debilidad en el hombre, considerando a su vez la autodestrucción como el mejor de los remedios para el mismo.

Así sus destinos se ven unidos y forman juntos un club de lucha que irá aumentando progresivamente su número de miembros, reunidos bajo el techo de un mugriento sótano, convertido ahora en el templo de la evasión de muchos, que ven en la pelea una forma de convertir sus cicatrices psicológicas en físicas, quedando olvidadas las primeras.

Extravagante, inusitada, cubierta de macabra belleza y poética contemporánea. No tiene desperdicio y Norton y Pitt garantizan dos grandes interpretaciones.

(*) Extracto de un pequeño discurso pronunciado por Tyler Durden (Brad Pitt) durante la película.

Bellísima y conmovedora obra del genial director Stanley Kubrick (La naranja mecánica, La chaqueta metálica) en la que todo resulta prácticamente perfecto y su reparto se encarga de engrandecer la cinta, destacando las magníficas actuaciones, además de la obvia de Kirk Douglas, la de Peter Ustinov, quien ganó el Oscar al mejor actor de reparto (la película se llevó otros tres: fotografía, dirección artística y vestuario), la de Laurence Olivier, que consigue revolver las entrañas sólo con una mirada, y la de un sarcástico Charles Laughton, que completa mi interpretación favorita de esta película.

La trama de la película se asienta en los hechos reales de un esclavo tracio, de nombre Espartaco, que dirigió la rebelión más importante contra la antigua república romana en suelo itálico, conocida como la Guerra de los Esclavos, allá por el año 73 a.C.

Hijo y nieto de esclavos, Espartaco (Kirk Douglas) sigue la triste senda de su familia. Es vendido como gladiador a una importante escuela liderada por el entrenador Léntulo Batiato (Peter Ustinov), en la que lidera una revuelta apoyada por todos sus compañeros gladiadores, quienes le siguen después, ciudad a ciudad, liberando a todos los esclavos que encuentran a su paso y formando con ellos un ejército que luchará contra la opresión de Roma.

Sin duda se hace hueco entre las mejores películas de aventuras de la historia convirtiéndose en todo un clásico y deja para el recuerdo la magnífica dirección de Kubrick y una de las mejores interpretaciones de Kirk Douglas, que ya estuvo a las órdenes del realizador citado en Senderos de gloria.

Una academia militar tiene un plazo de un año para cerrar, puesto que planean construir en el terreno unos apartamentos. Su comandante, el general Bache (George C. Scott) se opone enérgicamente a que ésto suceda, pero poco puede hacer para impedirlo, más que pedir a sus cadetes que hagan los posible para defender con honor algo que para muchos es más que cuatro paredes en las que formarse.

Pero un desgraciado e inesperado accidente desemboca en una rebelión contra las autoridades que pretenden poner fin a la vida de la academia. Empieza aquí un drama sin demasiada energía y vestido de convencionalismo que pone de relieve el mensaje de que es posible luchar por aquello que se quiere.

Como aliciente, ver el segundo de los papeles en el cine de Timothy Hutton y Tom Cruise, además del debut de Sean Penn y el buen papel del veterano George C. Scott. Un buen reparto que completa unas grandes interpretaciones -destacando la de Hutton- que sin conseguir emocionar, gusta y entretiene.

El nombre de Taps hace referencia a una famosa pieza musical reproducida por el ejército de los EEUU en ceremonias y funerales, tocada generalmente con trompeta.

Un año después de cabalgar a las órdenes de Sergio Leone en El bueno, el feo y el malo, Clint Eastwood volvía a subirse a lomos de un caballo para interpretar a un ex-abogado que ahora hace las veces de ganadero. Pero es acusado por un grupo de hombres de robar ganado y es sentenciado de facto a la horca. Sus ejecutores cometen el error de dejarle con vida, creyendo éstos que habían finalizado con éxito su macabro trabajo.

Un comisario que trabaja a las órdenes del juez Fentom se convierte en el salvador de Cooper, quien es entregado a la justicia y al que después le es ofrecido un puesto oficial, también como comisario en territorio federal. Es entonces cuando tendrá que ponerse al servicio de la ley y cumplir las misiones que le son encomendadas, pero por su cabeza sólo pasa la idea de vengarse, queriendo imponer su justicia personal.

Con una estética sucia al más puro estilo del spaghetti-western, subgénero del cine de aventuras del Oeste producido en Italia (del que destaca todo el producido por Sergio Leone), Ted Post (Regreso al planeta de los simios, Harry el fuerte) completa un buen film que contiene casi todos los tópicos y convencionalismos del género, envueltos en una buena trama en la que la protagonista principal, es la soga.

Contiene todos los ingredientes de una buena película de terror y suspense sin caer en la tentación de sazonarla con las mediocridades tan recurridas últimamente en las películas del género. Entretiene, gusta y crea una elegante atmósfera de tensión que consigue que Los Otros sea, en su conjunto, una gran película con resultado notable en la que destaca la buena mano del director Alejandro Amenábar, quien consigue llevar a cabo una de las cintas de producción española (en coproducción con EEUU) más exitosas -y taquillera- de la última década.

En el año 1945 y cuando la Segunda Guerra Mundial ya ha terminado, la madre de dos peculiares niños que padecen una extraña enfermedad -no pueden recibir directamente la luz del día- espera noticias de la vuelta de su marido. Pero esto no se produce y Grace (Nicole Kidman) se ve obligada a educar a sus hijos, bajo estrictas normas religiosas, apoyada por el personal de servicio contratado para el caserón, que recibe las órdenes expresas de nunca abrir una puerta de la casa sin antes haber cerrado la anterior y, por supuesto, mantener todo en penumbra, evitando que los rayos del sol puedan acceder a la casa y con ello perjudicar a los hijos de Grace.

Una lección magistral de cine que demuestra que todavía se pueden hacer películas del género no sólo sin caer en lo vulgar y el susto fácil, si no también con un buen gusto que desemboca en un film agradable y que funciona.

La excelente banda sonora compuesta por el propio Amenábar se encarga de acompañar a esta interesantísima, entretenida, notable y cautivadora película, que recuerda a la canadiense Al final de la escalera que encantó al realizador español, dirigida por Peter Medak y protagonizada por George C. Scott (ganador de un Oscar que rechazó, por Patton).

"Una gran civilización no se conquista desde fuera si no se ha destruido a sí misma desde dentro" Will Durant.

Con esta frase comienza una gran película de aventuras y acción que empapa la pantalla de un realismo visual pocas veces visto en el cine, y que se sostiene por lo intrigante del desenlace de las historias protagonizadas por un reparto casi desconocido en el panorama mundial.

Rodada en maya yucateco y filmada en un escenario de insuperable belleza ofrecido por el estado de Veracruz, México -en concreto en los municipios de San Andrés Tuxtla, Catemaco y Paso de Ovejas-, Apocalypto es la historia de Garra de Jaguar, un joven que caza junto a su padre, hermanos y amigos en las selvas de Yucatán durante los tiempos remotos del Imperio Maya.

Envuelto por la bestial fotografía de la película, Garra de Jaguar deberá vencer a su peor enemigo, el miedo, superando junto a su mujer y su hijo los peligros que se le presentan en la selva a manos de los guerreros mayas, macabros protagonistas de situaciones indeseables.

Original y muy entretenida cinta de Mel Gibson (Braveheart, La pasión de Cristo), que logra una película de gran calidad, ambientación y realismo, acompañada de la acertada y agradable música de un asiduo colaborador del realizador, el compositor James Horner.

Convencional en su conjunto y original en los detalles, es una película que recuerda al cine más clásico del género de intriga producido por Alfred Hitchcock, aunque sin lograr sumar la fuerza que sí transmiten las cintas del realizador inglés. Todo, siendo American Psycho catalogada erróneamente como cine de terror, pues, realmente, estamos ante un film de intriga bañado en un gozoso humor negro que cae sobre la clase alta americana y por extensión, a la de todo el planeta.

La directora Mary Harron se sirve de la buena interpretación de Christian Bale para ofrecernos una historia en la que un ejecutivo bien posicionado llamado Patrick Bateman, está envuelto en una espiral de nihilismo -cubierta por la obsesión de mejorar su físico- de la que solo logrará evadirse llevando a cabo una doble y sádica vida.

Sin duda el mayor mensaje que transmite esta película es el de la crítica al materialismo, muchas veces la mayor religión de la clase alta a la que se atiza sutilmente en esta cinta que inauguraba la década de los 2000 ambientándose en los años 80.

La interpretación de Christian Bale consigue que la película no se estanque sólo en ser un film pasable y se convierta, según la opinión de un servidor, en una cinta interesante que puede generar una gran controversia.

La música, de John Cale, pasa desapercibida durante casi todo el metraje, pero la acertada elección de temas ochenteros anima el conjunto musical de la banda sonora.

Ópera prima de Mel Gibson (Braveheart, La pasión de Cristo)que se estrenaba como director en el año 1993 con este notable drama sobre la relación amistosa que entabla un ermitaño profesor con la cara desfigurada y un niño incomprendido que vive soportando las angustias que le brinda su familia.

El bonito cruce de dos historias elevadas por un agradable guión que esconde tras de sí multitud de mensajes, está perfectamente representado por la buena interpretación de Gibson y de Nick Stahl.

James Horner, quien también fue el encargado de componer la banda sonora de la cinta posterior a la presente comentada, Braveheart, gusta con una música suave que no busca demasiado protagonismo, pues de eso ya se encarga en si la propia película, de la que no voy a seguir hablando debido a que lo realmente interesante de este film es el descubrimiento, minuto a minuto, de cada una de sus escenas, que sin sorprender demasiado y siendo incluso livianas, transmiten mucho más de lo que parece y su conjunto acaba dejando una buena sensación.

"Fue traspasado por nuestras rebeldías, triturado por nuestras culpas; por sus llagas hemos sido sanados." Isaías 53 - 700 a.C.

Y acto seguido comienza La pasión de Cristo, que me mantiene inmóvil durante toda su duración, casi olvidándome de parpadear e ignorando el hecho de que lo que tenía ante mis ojos, era una película, debido al descomunal realismo que transmite su historia.

Totalmente inmerso en su trama y sorprendiéndome con lo conmovedor y sangriento de sus escenas, que muestran las últimas y agónicas horas de vida de Jesús camino a su crucifixión, según el Nuevo Testamento, he disfrutado de su esperanza y he sufrido por la crueldad de lo físico.

Rodada en arameo, latín y hebreo, (que eran las lenguas que se hablaban en la época de Jesucristo) y ofrecida con subtítulos, obtuvo la crítica favorable por parte de las autoridades eclesíasticas y gran división de opiniones en general, convirtiéndose en una de las películas más controvertidas.

Pero lo cierto es que estamos ante un film bestial, en el que James Caviezel parece ser el mismísimo Jesús traído por Mel Gibson (Braveheart, El hombre sin rostro) para la ocasión. Sus escenas perfectamente enlazadas, una fotografía impecable y la música de John Debney sostienen firmemente su grandioso, intenso y bíblico guión.

Uno de los preciosos eslóganes con los que se promocionó la película en su estreno fue: "Hace 2000 años, un hombre desafió al mundo. Su mensaje era de amor."

Batman estaba más tieso que la mojama. Muerto y sin lápida: incinerado. Sus cenizas: cómics, muñecos de kioskos, dibujos animados con historias infantiles y la cinta de Tim Burton llamada Batman en la que destacó Jack Nicholson como el Joker, allá en nada menos que 1989.

Antes de morir, fue apaleado vilmente por un tal George Clooney en Batman & Robins, encargándose de dinamitar el fracasado díptico de Joel Schumacher.

¿Puede alguien en este planeta resucitar a Batman mediante un proceso mágico que junte sus cenizas y lo devuelva a la vida? Sorprendente y rotundamente: sí. Su nombre es Christopher Nolan encargado de, hasta el momento, sólo filmar buenas películas. Es el chef-gourmet de Hollywood, que todo lo que cocina merece la categoría de ser servido en un restaurante de lujo. Degústense sus exquisitas Memento, Insomnio, El truco final (El prestigio) o, por supuesto, la secuela de Batman Begins: Batman: El caballero oscuro .

Y qué mejor forma de resucitar a Batman que haciéndonos recordar, o conocer, sus inicios, como en Batman Begins. Nolan no peca en lo que seguramente muchos aborreceríamos, viendo a cuatro superhéroes persiguiéndose el uno al otro por todo el mundo lanzándose ondas vitales y levitando por la gracia de Dios. Nos ofrece a un Batman (Christian Bale) completamente humano, una persona completamente normal de clase alta, propietaria de lo que hoy sería su gigantesca empresa y con dinero a rebosar que le permite viajar por el mundo en búsqueda de medios que le ayuden a luchar contra la injusticia, vengando de esta forma un hecho que le sigue atormentando: la muerte de sus padres que el mismo presenció, cuando era pequeño.

El destino le lleva ante el enigmático Ducard, quien le formará física y mentalmente para poder regresar a su ciudad, Gotham, perdida en la corrupción y la delincuencia, donde intentará acabar con el mal contando con el apoyo de un honrado detective de policía, Jim Gordon (Gary Oldman), Lucius Fox (Morgan Freeman), quien se encarga del ala de Ciencias Aplicadas en la empresa que Bruce Wayne (la auténtica identidad de Batman enmascarada por Christian Bale) heredó de sus padres y la de su mayordomo, Alfred (Michael Caine).

Como resultado, una cinta casi perfecta en la que los efectos especiales, su fotografía y lo sombrío del conjunto de la misma la elevan a la categoría de cine épico y de referencia, sirviendo de base lógica para la secuela de la misma y con una ecuánime banda sonora a cargo de James Newton Howard y Hans Zimmer, que hace que esta película conserve su clímax casi permanentemente.

Lo que a mis ojos es una de las mejores películas españolas de los últimos años, a los de muchos es sólo una cinta pasable, despreciándola inexplicablemente con sus votaciones.

Yo, que no suelo ser amigo de las opiniones de los críticos más granados del panorama nacional, hoy encuentro en ellos un aliento, una justificación a por qué Alatriste me parece tan bella, lírica, interesante y desgarradora, aunque a veces le falte fuerza.

Digna de admiración y necesaria en la España de hoy, donde reina tanta incultura a la espera de ser conquistada por nuestro conocimiento, el de aquellos héroes que vivieron y murieron por nuestra patria.

Narrada grandiosamente, con el pero de su lentitud y sus diálogos excesivamente pausados, susurrantes, casi silenciosos. Y el defecto de que en algún momento podemos quedarnos fríos por pasar de un acontecimiento a otro con pocas explicaciones.

El capitán Alatriste (un aceptable Viggo Mortensen) es un valiente soldado (que se hace llamar capitán) que sirve a su majestad en la España Imperial del siglo XVII. Durante uno de sus combates en Flandes (es la primera escena y una de las mejores) muere un compañero suyo, Balboa, quien le ruega que cuide de su hijo en adelante. Este es el argumento que nos venden en casi cualquier sitio que busquemos información sobre la película, pero en realidad ésto sólo es una pasa del bollo que nos prepara Agustín Díaz Yanes.

La historia está envuelta de personajes célebres y situaciones conocidas para muchos, traiciones, grandes batallas y por supuesto con un amor de fondo. Hace reflexionar sobre la vida, pues aunque parece hacerlo sin querer, pinta un buen retrato sobre que la vida, por muy importante que sea su portador, puede ser fácilmente arrebatada.

Y después sólo quedará tu nombre. Una historia. Una preciosa historia basada en la novela del gran Arturo Pérez-Reverte, que reposa sobre la bonita música de otro viejo conocido en el cine español, el compositor Roque Baños.

No le favorecen algunos de sus rostros tan conocidos en el cine español, tantas veces aparecidos en series de TV y ciento y una producciones nacionales. A pesar de esto, una pena que muchos no comprendan Alatriste. Pero aquí estoy yo, haciendo gala de una de las frases más sugerentes de la cinta: ve y cuenta lo que fuimos.

Extraña, curiosa, divertida y sorprendente película de los hermanos Coen.

Barton Fink (John Turturro) es un introvertido guionista que viaja a Hollywood en el año 1941 con la intención de escribir una película sobre el luchador Wallace Berry.

El género de la cinta (lucha), no inspira a Fink, que lo desconoce por completo. Esto sumado a las condiciones en las que vive en el Hotel Earle, donde cualquier cosa le distrae y le aleja de su labor, le acaba produciendo un severo bloqueo intelectual en el termina estancándose, a pesar de la ayuda recibida por parte del inquilino -y ahora amigo suyo- de la habitación de al lado, un jubiloso y orondo vendedor de seguros interpretado por uno de los fijos en las cintas de los Coen: John Goodman.

Es una película que navega en la oscuridad literal de su fotografía, repleta de enigmáticos planos en los que más de uno puede llegar a sentirse identificado y pensar ¿qué haría yo en una situación así?

Su vigoroso guión sostiene una original historia que con el transcurso de la misma irá convirtiéndose en alucinante, embaucando al espectador.

Arrasó en el Festival de Cannes rompiendo un récord que perduraba 44 años, llevándose los tres premios principales.

No es una de las mejores películas de los hermanos Coen, pero merece la pena verla por que conserva algo que siempre nos ofrece el director bicéfalo: una gran historia, un buen puñado de minutos de diversión y algunas excentricidades de las que nos tienen acostumbrados.

Todo comienza con Ozzie Cox (un descomunal y excesivamente histriónico John Malkovich), un agente de la CIA que escribe felizmente sus memorias en un CD, incluyendo en ellas las experiencias vividas en la Agencia.

¿Y qué es lo que puede pasar en una comedia cuando alguien tiene en su poder un CD que promete información valiosa? Pues que se extravía y se arma el lío padre. Y esto es lo que los Coen nos cuentan extraordinariamente, ofreciéndonos humor desde todos los flancos, empezando por el citado Malkovich y terminando en un Brad Pitt que según alguno es el cómico revelación de la temporada.

Maldita mujer (Tilda Swinton) la de Ozzie Cox, que se le ocurre deshacerse del CD, que cae en las manos de unos singulares monitores de gimnasio: el alegre, ingenuo y flipado Brad Pitt y su compañera interpretada por -como no, debía aparecer por aquí- Frances McDormand, una desesperada solterona, obsesionada por sus complejos.

Mientras la CIA sigue el caso con suma profesionalidad, uno de los empleados del gimnasio y ahora portador del CD de la discordia se encuentra (cosas del destino) con nada menos que el amante (George Clooney) de la mujer de Ozzie Cox.

En fin, un lío, grandiosamente contado, en una película limpia, notable, cómoda de ver, que puede gustar más a unos que a otros -como todas las películas, pero en concreto, ésta es de “esas”- pero que desde luego promete 96 minutos de entretenimiento bien cocinado.

Me quedo, por encima de todo, con la interpretación de John Malkovich.

Uno de los films más vibrantes y reconocidos del prestigioso realizador Alfred Hitchcock. Una muy buena película de intriga relacionada con el mundo del espionaje, protagonizada por un excepcional reparto encabezado por Cary Grant y Eva Marie Saint.

Un hasta el momento sencillo ejecutivo de vida monótona, Roger O. Thornhill (Cary Grant) es confundido por una organización de espías con un agente federal llamado George Kaplan. Después de ser secuestrado y llevado a una lujosa mansión, consigue escabullirse de sus raptores hasta llegar a la policía, quien duda de su historia e inicia una investigación.

Acompañado de los agentes, Thornhill acude a la mansión de la que escapó durante su secuestro, pero no queda ni huella de las personas a las que el denuncia, que parecen haberse evaporado.

Aquí arranca una historia que acelera sin parar, con un tempo más propio de una película de acción que de intriga, todo ello sin perder su merecida categoría de suspense. Inteligente y sorprendente, a ratos divertida (son muchos los puntazos protagonizados por Cary Grant) y absolutamente entretenida, consiguiendo mantenernos atentos en todo momento al desarrollo de sus escenas evitando que se nos pase ningún detalle.

Bernard Herrmann lleva los compases musicales de Con la muerte en los talones, teniendo como resultado unas acertadas composiciones entre las que se encuentra una que seguro a muchos le resulta familiar.

Intrigante y dramática cinta que recoge las experiencias vividas por una misma familia dividida por sus trabajos y distanciada entre si. A un lado se encuentra Bobby Green (Joaquin Phoenix), que se encarga de un club de Brooklyn en el que se da cita lo más granado de la mafia rusa, liderada por Vadim Nezhinski, quien trae de cabeza a la policía debido a la espiral creciente de violencia que está provocando el tráfico de la nueva droga que ha llegado a la ciudad.

En el otro lado se encuentran el hermano de Bobby, el teniente de policía Joseph Grusinsky (Mark Walhberg) y su padre, el mítico y bien entrado en edad, jefe de policía Burt Grusinsky (Robert Duvall).

La historia llega a un punto -que no es más que el inicial- en el que Bobby deberá decidir entre ayudar a su familia, con la que no guarda una buena relación que tiene visos de empeorar, o inhibirse de todo, cumpliendo sus proyectos personales junto a su exuberante novia (Eva Mendes), abriendo su propia discoteca, también en Brooklyn.

Buena película con un reparto que se divide equitativamente su calidad y con una gran banda sonora que ayuda a adentrarse en una historia que se ha sabido narrar con frescura en una atmósfera sombría que embellece el conjunto de la película.

Gran entretenimiento. Bullit es una buena película de acción e intriga en la que su personaje -que comparte nombre con el título de la película-, interpretado por el siempre notable Steve McQueen, es un teniente de la policía de San Francisco encargado de la seguridad de un testigo protegido que deberá declarar en un subcomité del Senado que investiga a la Mafia.

Pero en la misión surgen complicaciones: durante la custodia, dos matones disparan contra uno de los compañeros del teniente y el propio testigo, quedando ambos en estado grave. Investigando los hechos, Bullit comprueba como la sombra de los intereses políticos empieza a planear sobre el caso, siendo salpicado el mismo al ser puesto en entredicho y a un pie de ser retirado de la investigación.

Trepidantes persecuciones, a pie o en coche -incluyendo una de las más famosas del cine- son la guinda de un pastel que se presenta delicioso aunque a veces empache por la lentitud con la que se ha de digerir. Y no es que la película sea aburrida, si no que en ocasiones se emplea demasiado tiempo para narrar algo predecible.

La música de Lalo Schifrin, siempre destacada en el género, se encarga de hacer el resto, adornando cada escena con grandes temas que hacen acto de presencia en los momentos más intrigantes y emocionantes del film.

Una de las mejores películas de Clint Eastwood, una de las mejores películas de Kevin Costner y una de las mejores películas repletas de ternura, belleza y encanto que puedan existir a lo largo y ancho de todos los archivos cinematográficos.

Quien sabe si exagero, que para gustos colores, pero lo cierto es que crítica y público coinciden casi de forma unánime, reconociendo que Un mundo perfecto ha sido injustamente desterrada a casi lo más hondo de la filmografía del realizador norteamericano.

Por eso merece la pena recordarla, para que a ningún cinéfilo, seguidor o no del cine Clinteastwoodiano, amante o no del trabajo de Costner, se le pase una cinta que haciendo honor a su propio nombre, es casi perfecta.

Cuenta la historia de un peligroso criminal, de nombre Butch Haynes (Kevin Costner) que escapa de la cárcel de Huntsville con la ayuda de otro preso, Terry Pugh. En su huida coinciden con el encantador Phillip, un niño de seis años -educado bajo una fuerte disciplina familiar regida por la religión de los Testigos de Jehová- que es utilizado por los fugitivos como rehén.

Comienza entonces una preciosa y elegante 'road movie' en la que el simpático crío se toma como una feliz aventura su rapto, surgiendo una bonita relación con uno de sus raptores, Butch.

Pero los delincuentes no pueden campar a sus anchas por los Estados Unidos y un Ranger de Texas, Red Garnett (Clint Eastwood), tratará de darle caza utilizando una caravana electoral prestada por el gobernador que alberga, además de a dos Rangers más, a la criminóloga Sally Gerber (Laura Dern), y a un agente federal.

Memorable banda sonora compuesta -como no- por el propio Clint Eastwood e interpretada por Lennie Niehaus, que incluye una preciosa canción que es la auténtica protagonista de una de las escenas más bonitas de la película.