Es verdad que no había leído mucho sobre esta película antes de entrar al cine, pero iba a verla esperando que tratase el tema de la trata de niños con un enfoque social. Sin embargo, me he encontrado una cinta de acción sobre un héroe americano, que utiliza la trata de niños como móvil para desarrollar la trama.

Es una película basada en hechos reales, sobre un policía americano que lleva 10 años dedicándose a detener pedófilos. Un hombre atractivo, padre de familia, con 8 hijos y una devota esposa que cuida de ellos cuando él no está. Un día este policía, a raíz de un comentario aislado de un compañero, cae en la cuenta de que ha detenido muchos pederastas, pero no ha salvado ningún niño. Aunque no existe un desarrollo del personaje que nos explique sus motivaciones, el enfoque que este policía tiene sobre su trabajo da un giro de 180 grados y pasa a querer recuperar niños raptados.
Su primer éxito nace a raíz de engañar a uno de los delincuentes que había detenido. Pero este éxito no es suficiente, ya que el niño que ha salvado tiene una hermana, y el padre de ambos le espeta “imagine que es la cama de su hija la que está vacía todos los días”. Nuestro héroe americano, a pesar de que difícilmente podría ver la cama de su propia hija vacía (porque poco tiempo parece que pase en su casa junto a sus hijos) pasa a obsesionarse de manera enfermiza con salvar a esta niña. No importan el resto de chavales, no le importa salvar 20, 30, o 50 niños si la niña no está entre ellos. No le importa perder su vida y dejar a su esposa viuda y a sus hijos huérfanos porque “imagine que fuera la cama de su hija la que está vacía todos los días”.
Con esa idea nuestro amigo lleva a cabo múltiples planes, ayudado de su jefe americano, un atractivo rico americano y un ex convicto americano que vive en Colombia. Planes que, a pesar de parecer difíciles de desarrollar en la realidad, se llevan a cabo con gran facilidad y tiempo récord.

La película no logra conmover, o por lo menos no a mí, a pesar de que el protagonista suelta una lagrimilla en cada uno de los primeros planos en los que aparece, que no son pocos. Pero es difícil conmover cuando una gran parte de la historia muestra machotes bebiendo alcohol, fumando puros y cerrando negocios, otra gran parte muestra a un héroe jugándose la vida de manera increíble para salvar a una niña, y solo una mínima parte nos muestra realmente a los niños.

En conclusión, bajo mi punto de vista, esto es una película de acción muy mediocre, como otras muchas que tratan sobre como los americanos desmantelan carteles mexicanos. Un americano guapo y padre de familia, junto a varios compañeros (también americanos), salva a niños latinos de las garras de hombres latinos muy malos y muy feos, y de una mujer latina muy mala pero muy guapa.
La realidad es que, si el móvil de la trama hubiera sido la droga, en vez de la explotación infantil, la película habría funcionado igual. Pero es verdad que no habría vendido tanto.

“Veneno” es una serie entretenida, eso no se puede negar y en lo técnico es muy superior a la mayoría de las series españolas. Es evidente que "Los Javis" ya no son esos directores noveles que hicieron "La llamada".

Globalmente es una serie recomendable para pasar el rato pero, para mí, tiene dos grandes pegas:

Primera. Aunque “La Veneno” tuvo con total seguridad una vida durísima en ningún momento podría catalogar esta serie como un drama. Se tocan los malos momentos de la protagonista, pero se hace de una manera muy superficial e ingenua. Esto no sería un problema si nos encontrásemos ante una comedia, pero tampoco es el caso. La mirada sobre la crudeza de la vida de las transexuales es totalmente “naive”, la serie es un drama Disney.
Aunque en esta serie se ven claramente las influencias de Almodóvar, “Los Javis” no son capaces de mostrar lo grotesco y crudo como el famoso director y dulcifican todo lo que tocan. De hecho, en ocasiones da envidia la vida tan divertida que llevaban las prostitutas transexuales de “El Parque del Oeste”.

Segunda. No voy a discutir que “La Veneno” haya sido un referente para muchas mujeres transexuales actuales y desde luego es un hecho que dio visibilidad al colectivo trans durante los 90. Sin embargo, esto no implica que Cristina hiciera nada heroico como se pretende señalar, lo único que hizo fue ser quien quería ser. Aun así, parece que “Los Javis” han decidido pintar a Cristina como una suerte de Harvey Milk transexual.
Aunque la serie intente mostrar otra cosa, lo que hizo la televisión y el público con “La Veneno” fue reírse y aprovecharse de su condición de transexual, su ignorancia y sus problemas afectivos para sacar dinero.
No critico a Cristina por ser quien fue ni muchísimo menos, fue una víctima tanto del mundo heteronormativo como del mundo del espectáculo, sin embargo, eso no la convierte en santa. Fue una persona conflictiva y tóxica y, algo de lo que parecen olvidarse los que la pintan como icono LGTBIQ+, una persona con una visión de la feminidad extremadamente machista.
Desde luego no fue alguien a quien admirar.

Aun con todo, si nos olvidamos del mensaje que pretenden transmitir los directores, la serie se deja ver muy bien. Y el hecho de que sea dulce e inocente hace que no suponga ningún esfuerzo emocional ni intelectual verla, lo cual en ocasiones se agradece.

Como ya he señalado en críticas previas, siempre me he debatido entre el amor y el odio hacia Nolan. Un director que dirige de manera brillante y trata temáticas profundamente frikis, pero que rechaza ser puro en sus películas en aras de complacer a la multitud. No le culpo, sin público no hay dinero y sin financiación no hay cine; no obstante, bajo mi punto de vista, esta diplomacia ha ensombrecido la mayoría de sus producciones.
¡Por fin!, “Tenet” se aleja de la dinámica habitual, y ofrece justo lo que le faltaba a Origen o a Interestelar, honradez.

La magia de esta cinta está en su desarrollo: sin medias tintas, sin toques sentimentaloides, sin microexplicaciones maquilladas. La película es un torbellino de eventos temporales, basados en la teoría de la retrocausalidad, que probablemente no podrás digerir en el primer visionado. No hay tiempo para coger aire, una vez Nolan grita ¡acción! todo transcurre sin descanso.

“Tenet” es más fría que el resto de películas del director, algunos podrán decir incluso que no tiene alma. Si se entiende como el alma de una película las cámaras lentas o la música emocional, puedo coincidir. Pero es que, tal y como yo lo veo, la verdadera alma de “Tenet” la pone cada uno, Nolan muestra su “realidad” y el público reacciona. Igual que en la vida, los sucesos no contienen emociones por sí mismos, sino que precisan de un observador para desencadenarlas.

Una de las mayores ventajas que ofrece tener cierto renombre es poder hacer lo que te da la gana. Utilizando una referencia reciente, “Tenet” es a Nolan lo que “Erase una vez en Hollywood” a Tarantino y, como esta última, a muchos gustará, pero a muchos otros decepcionará. Sin embargo, aquellos que conecten con ella probablemente lo harán de manera mucho más intensa que con el resto de producciones del director.

Sea como fuere, parece que Nolan ya no necesita que todos le admiren, y eso hay que celebrarlo como un triunfo para el cine.

Me resulta difícil describir en una crítica lo completa que es esta película. Probablemente de las mejores obras de la década, si no del siglo, por ser redonda y sobresalir en prácticamente todos sus aspectos.

Un guion muy bien desarrollado que describe un personaje realmente complejo centrándose poco en diálogos y mucho en acciones. Ritmo perfecto que no cae en el giro fácil pero tampoco se hace pesado. Destaco dos puntos clave a lo largo de su desarrollo que me han alucinado, el primero de ellos, en el que se adivina el nacimiento de El Joker, tras el cual parece equivocadamente que la película va a romper, y el segundo de ellos, el final, un clímax absoluto.
La dirección brutal, una verdadera poesía visual. La combinación de colores, la fotografía, los planos… un violento delirio sensorial que pone los pelos de punta. Mención especial a la escena del baño, la culminación de la decadencia transformada en arte.
La banda sonora es un aspecto en el que personalmente no me suelo fijar demasiado, sin embargo, en este caso no ha pasado desapercibido en absoluto. Combina a la perfección con las escenas y completa una maravillosa coreografía.
Sobra hablar sobre la interpretación de Joaquin Phoenix. Es difícil dar la talla en una cinta tan dependiente de un único personaje. Sobre todo, cuando este resulta tan complejo, ya que se corre el riesgo caer en la sobreactuación. Sin embargo, Phoenix consigue representar el crepúsculo de la sociedad a través de su protagonista.
Por último, el trasfondo social y político: la marginación, la degradación y el abandono social, en una sociedad en la que a nadie le importa nadie, empuja a un loco a dar rienda suelta a su frenesí. Un loco que representa a la vez a esa misma sociedad. Un enfoque más nihilista que reivindicativo, sin dejar de ser crudo y crítico. Reflexivo sin ser obvio, ni pedante, que difícilmente podría encajar mejor con nuestra realidad.

En conclusión, una cinta redonda a la que solo le puedo poner una pega: los innecesarios flashbacks explicativos. Aun así, se ha ganado, sin duda, un merecidísimo 10. Repito, difícil combinar tan bien interpretación, técnica, arte y contenido.

Green Book ha sido una autentica decepción. La verdad es que me cuesta creer que ESTO haya ganado el Oscar a mejor película. Me parece insultante para el cine, y eso que técnicamente no está mal realizada.
No es que la película cuente una historia mediocre o que no resulte lo suficientemente brillante, como podría ser el caso de “Shakespeare in Love”. Es que representa todo lo que, para mí, el cine no debería ser.
Green Book es el McDonalds del séptimo arte. No es un restaurante al que vayas y te decepcione porque, “no era para tanto”. Es un restaurante al que vas a que te den sucedáneos de alimentos con mucha grasa y mucho glutamato. Si, sus hamburguesas están ricas para un día de resaca, pero son insanas, engordan y, en definitiva, son comida basura.
Que no se me malinterprete, me gusta McDonalds. No creo que haya nada de malo en disfrutar de la comida rápida. Pero, si alguna vez le dieran un premio gastronómico a un restaurante de este tipo, me resultaría vergonzoso.

Esta película no tiene ni un solo matiz en todo su desarrollo, exuda buenismo por el 100% de sus poros. Los personajes son, nunca mejor dicho, blancos o negros. Ningún protagonista tiene el más mínimo ápice de contradicción en su personalidad. Nunca nadie se sale de su carril.
Un negro viajando por el sur, racista, de EEUU. Que recibe palos a diestro y siniestro, es humillado en cada pueblo al que va y, aun así, no pierde la compostura ni por un segundo. Impasible ante toda injusticia hacia su persona, no siente un atisbo de ira, ni de odio.
Por otro lado, tenemos a un italoamericano de nivel sociocultural bajo. Un gañan que no controla sus impulsos. Un hombre vulgar, violento y racista. Que, de repente, tras ser contratado por un músico negro, cambia su personalidad radicalmente. Se convierte en una persona pacífica y, sobre todo, liberal y tolerante, muy muy tolerante, como la mayoría de los italoamericanos que vivían en el Bronx por esa época.

No hay un solo momento de conflicto en toda la película, todo fluye por su perfecto y calculado cauce. La cinta está dirigida para tontos: “No construyamos personajes complicados, personalidades grises, no vaya a ser que el público se pierda y no comprenda el mensaje”. Diría que el nivel de complejidad es digno de un parvulario.
Pero, aun sin altibajos, cuenta con su microespacio emotivo. Porque si no conseguimos que llores con un buen guion, ponemos música épica a todo volumen y un discurso Paulo Coello: “Un hombre de color pero de clase alta… en un mundo racista. Rechazado por la sociedad y a la vez por sus hermanos. Demasiado loco para la ciudad de los niños… demasiado niño para la ciudad de los locos”.

Tan políticamente correcta como cinematográficamente incorrecta. Un buen panfleto de denuncia social, eso sí. Pero hasta donde yo se, con eso no es suficiente.

Si me guiara por mi sensación general diría que “Tres anuncios a las afueras” es una buena película. Sin embargo, si realizara  un análisis desde un punto de vista más frio y distante diría que la película es regular. Por eso me quedo con un punto intermedio, una película bien realizada que patina en ciertos puntos pero sin resentirse demasiado. Una película entretenida y emocionante.  

La realización, desde el punto de vista técnico, no tiene pegas. La fotografía y la banda sonora consiguen sumergirnos en Ebbing, un  pueblo sureño de lo más profundo de EEUU. Las interpretaciones son, probablemente, lo mejor de la película, y complementan las características técnicas, haciéndonos comprender los entresijos y relaciones de la vida diaria del lugar. Destaca, de manera impresionante, Frances McDormand, merecida nominada al oscar a mejor actriz.

Entonces ¿Dónde es donde patina “Tres anuncios a las afueras”? Pues para mi patina en dos categorías que, curiosamente, también están nominadas a  los oscar.
El guion, que aunque resulta entretenido, deja muchos hilos argumentales en el aire y presenta muchas situaciones claramente inverosímiles. (En esta línea hay varias reseñas, muy críticas, que podéis revisar)
Y el montaje que, en la misma línea del guion, deja muchas subtramas sin resolver.

Dejo para lo último lo que para mí es, a la vez, lo mejor y lo peor de la película: la caracterización de los personajes.
Si recomiendo “Tres anuncios a las afueras” es, claramente, por la profundidad que adquieren cada uno de los protagonistas. Es una cinta centrada principalmente en el análisis emocional de las diferentes personalidades de los habitantes del pueblo. Empatizas todos ellos; ríes, lloras, sientes ira…
Sin embargo, al pasar a analizar la evolución de cada uno en particular, la película vuelve a patinar. Hay unos cambios de actitud que no se comprenderían en la vida real, que resultan perfectos para construir un final redondo, pero que no representan, ni por asomo, lo que somos las personas. Es verdad que, en algunos casos, esta caracterización es ligeramente caricaturesca, y eso puede justificar ciertas actitudes pero, aun así, no soluciona todas las incongruencias.

En conclusión: no creo que la cinta sea una gran obra maestra pero tampoco creo que sea tan catastrófica como la presentan aquellos que hacen un análisis detallado de las incongruencias del guion. Me parece entretenida y, aunque no pasará a la historia como una imprescindible, sí que os hará pasar un buen rato.

Creo que algo se me está escapando con Dunkerque porque no comparto para nada el entusiasmo de la mayoría. Leo críticas y análisis y, aunque no estoy en desacuerdo con nada de lo que se dice, mi sensación final es muy diferente a la del resto.

Es cierto que técnicamente la película es un 10, es verdad también que transmite la tensión de la guerra, no hay discusión en que la banda sonora y la fotografía son de lujo. De hecho, diría que es la película más seria y madura de Nolan. Pero ¿y qué? Si, el director se ha marcado un ejercicio de estilo de matrícula de honor pero no veo sensibilidad por ningún lado.
Según veo Dunkerque se me olvida, no me genera ningún entusiasmo, no odio ni amo a ningún personaje, de hecho me da igual si viven o mueren, ninguna situación me produce suficiente emoción como para que se me quede grabada. En realidad, la película es tan neutra que podría tratarse perfectamente de un documental.

Nolan ha pasado de adornar los momentos emotivos con música a todo volumen y cámaras lentas a prescindir de las historias humanas. Quizás el derroche de efectismo de sus anteriores películas haya agotado su sentimentalismo y ahora veamos un nuevo director totalmente robótico. Pero es que no es lo mismo la sensiblería que la sensibilidad y se puede ser neutro en la dirección y aun así generar sentimientos, claro ejemplo es Kubrick.

Mi impresión es que, seguramente, si dentro de 5 años pedimos a la gente que nombre 5 películas de la segunda guerra mundial pocos recordarán Dunkerque; porque para la memoria son esenciales las emociones.

Es difícil ver películas de ciencia ficción no repetitivas, y, que conste, que hasta esas me gustan.  Pero es que "La Llegada", a pesar de sus influencias, tiene esencia original.

Es un mix entre “Encuentros en la tercera fase”, “2001: Odisea del espacio” y “El árbol de la vida”, con presencia propia.

"Encuentros en la tercera fase" por la idea de un contacto pacífico a través del lenguaje. Y por las primeras secuencias de aparición de los extraterrestres tras la niebla, que están claramente inspiradas en el clásico.

"El árbol de la vida" por su estética visual y su montaje. Y, sobre todo, por la idea de transmitir conceptos filosóficos a través de imágenes.

Y "2001" porque cualquier película de ciencia ficción que se precie tiene que inspirarse en la obra maestra del género. Por el “monolito”. Por la idea de ciencia ficción abstracta. Y por transmitir lo incomprensible de la inteligencia extraterrestre.

La verdad es que Denis Villeneuve no suele defraudar, sabe como contarnos una historia. Y, con "Arrival", se ha lucido. Diseño, estética visual y técnica al servicio de las ideas.

Si tuviera que describir La La Land con una frase diría que la película es un baile clásico con música moderna. La verdad es que en mucho tiempo no había visto en el cine una película que me emocionara tanto por su calidad.

De estilo clásico, claramente inspirado en las viejas películas de Hollywood, La La Land reinventa la época dorada de los grandes estudios con una dirección brillante y original.
Todo en ella es perfecto: la dirección de actores, la fotografía, el diseño de producción, la banda sonora… no hay nada que reprocharle en ningun aspecto. Y, aunque el guion no cuenta ninguna historia del otro mundo, tampoco cae en clichés. La historia va claramente en ascenso y el giro final remata una película que lo tiene todo para definirse como obra maestra.

No hay fallo posible. Si alguien quiere acusarla de algo podrá decir que es demasiado perfecta, algo que para algunos puede resultar antinatural o aburrido. No es mi caso en absoluto. Yo, que he salido del cine emocionada, sigo, 2 días después, repasando todos los detalles de este futuro clásico del cine moderno.

No he tenido el placer de leer el libro "Un monstruo viene a verme", la verdad, pero la película me sugiere un cuento dulce y sutil.

Ya con las películas previas de Bayona me he dado cuenta de su tendencia hacia el cine grandilocuente. La verdad es que "Un monstruo viene a verme" está muy bien rodada. Y en lo puramente técnico no hay nada que reprocharle.
Pero a veces la técnica no lo es todo. El estilo también es una parte muy importante a tener en cuenta. Y para mi esta historia encajaría mejor con un estilo más sencillo, no tan digital. Me sobra monstruo: sus luces, su ruido, su tamaño..., el despliegue técnico que supone su aparición. Sinceramente, me corta el rollo.
Veo a un niño en su pueblo, viviendo sus angustias familiares, en un entorno rural, con una vida sencilla, y me meto totalmente en el relato. Pero, de repente, me plantan un bicho digno de Avatar o El Señor de los Anillos... Y toda la magia se diluye.

Pero bueno, todo esto también es cuestión de gustos. Aún con todo la película no se resiente demasiado. Con una buena historia y un buen director es difícil hacer una mala película.

Es más que evidente que Charlie Kaufman tiene debilidad por las películas sobre el hastío vital o la apatía. No hay más que ver sus dos únicas realizaciones como director, "Synecdoche" y "Anomalisa", que tratan ambas sobre el mismo tema. Además está "Adaptatión", que también da vueltas sobre lo mismo, película en la que, el ahora realizador, actúa como guionista.
Para el que necesite alguna otra referencia, se podría decir que Anomalisa es una suerte de “Lost in translation” en stop motion.

La verdad es que ninguna de estas cuatro películas me ha gustado. En el cine de “temática existencialista”, por decirlo de alguna manera, es muy importante compartir las inquietudes que el realizador nos presenta, y este no es mi caso.

Aun con el aburrimiento que a mí me generaron no sería capaz de calificar ni "Synecdoche" ni "Anomalisia", en especial esta última, como malas películas. "Adaptation" sí la dejo de lado. Ambas transmiten perfectamente las inquietudes del director y además, en la última, Kaufman se ha superado. Si "Synecdoche" era insufriblemente larga "Anomalisa" acorta el metraje hasta la duración perfecta, una hora y treinta minutos de tedio vital es soportable, pero más es agotador.

Por otro lado el apartado técnico de "Anomalisa" es fantástico. Pocas películas de “stop motion” son capaces de transmitir tan bien los detalles emocionales a través de los rostros. No es que "Synecdoche" en lo técnico fuera reprochable, pero tampoco tenía la magia de los muñecos animados. La película de animación crea una atmósfera de cansancio y aburrimiento perfectamente orquestada. Además, el hecho de utilizar “muñecos” permite recurrir a técnicas como el doblaje con la misma voz de todos los personajes, que ayudan aún más a mostrar monotonía.

"Anomalisa" es una cinta que puede gustar mucho, a aquellos que se vean atraídos por su temática. Pero, al final, una película sobre el hastió vital busca transmitir tedio y desesperanza. Y esto, en última instancia, significa aburrimiento para el espectador. Por eso es obvio que ni "Synecdoche" ni "Anomalisa" van a conseguir divertirnos. Lo que si podrán conseguir, si estamos abiertos a ello, será plantearnos cierta reflexión vital.

Para mi “La noche del cazador” es una de esas aventuras mágicas que, sin contar con una trama extraordinaria, consiguen hacerte sentir y viajar. Y al final esa sensación de estar en otro lugar, en otra época o en otro universo es de lo mejor que ofrece el cine.

Lo principal de la película es su atmósfera. La fotografía es genial, y el hecho de mezclar la estética del cine negro con unos decorados rurales me parece especial. Además, el buen ritmo consigue el suspense necesario para completar el thriller.
La historia transporta totalmente a la infancia. Una infancia oscura sí, pero a la vez feliz y emocionante. Una infancia de miedos y aventuras. Un sueño rural y salvaje.

Hay que reconocerle el mérito a Laughton, que da un giro al género y crea un producto con una estética y ritmo adultos pero con alma inocente.
Es un punto de vista totalmente personal, desde luego, pero espero que mucha más gente pueda disfrutar de este cuento infantil como lo he hecho yo.

Se abre el telón. Aparece una joven en lo alto de una catedral. Parece confusa y asustada.

(¡Madre mía! Ha saltado)

Choca contra el suelo. Se oye el crujir de sus huesos bajo su peso. Parece que se ha roto algo. Si, se ha roto la pierna izquierda. Todas las luces del teatro se dirigen hacia ella para que podamos verlo bien. Hay mucha sangre, mucha mucha sangre. Es una herida abierta. El extremo astillado de la tibia asoma a través de la piel. La joven aun confusa comienza a revolverse, empieza a tirar del extremo libre del hueso. Parece que intenta arrancárselo.

(¡Joder, que desagradable es todo esto! Espero que tenga un por qué)

Ha conseguido separar la parte distal de la tibia y ahora se hace cortes en los brazos con el hueso astillado. Hay mucha mucha sangre, además parece que a ella le gusta y se restriega las manos sangrientas por la cara y el pelo para empaparlo.

(¿Qué coño hace? Parece que está intentando partirse la otra pierna. Obviamente con un trozo de hueso le va a resultar imposible. Va a ser aun más desagradable que hacerse el Harakiri con una espada de bambú.)

Entonces una mujer muy delgada con un pañal de acero y un escurridor metálico en la cabeza aparece por la derecha del escenario, se acerca a la joven y le entrega una sierra. Por fin con esta herramienta consigue mutilarse la otra extremidad.

(La verdad, no sé qué clase de espectáculo enfermizo he venido a ver)

Aparecen unos hombres vestidos de negro, uno lleva unas tijeras y el otro unos potitos del “Baby Born”. Se ponen a alimentar a la joven y a cortarle el pelo a lo “Miley Cyrus”. Después se dedican a darle palizas. Pero no una ni dos, muchas muchas palizas. Tantas que he tenido que dejar de mirar en varias ocasiones. Esto resulta insoportable.

De repente la chica abre mucho mucho los ojos. En plan como se hubiera visto a dios. La sala entera suelta un “Uoooohhh” de admiración. (Yo sigo flipando, no entiendo absolutamente nada.)
Los hombres de negro se alejan satisfechos. No sin antes darle un orinal a la chica por si tiene pis ¡hay que ser considerados!.

Ahora aparece en escena una señora gorda con un bate de béisbol en una mano y una especie de biblia en la otra. (Miro a mi alrededor, todos los asistentes están entusiasmados y concentrados. Yo no sé si estoy más desagradada o aburrida.)

La señora gorda empieza a hablar.

- Hemos descubierto el destino del universo. Las luces señalan el camino a seguir. Un koala se ha comido mi almuerzo…

(No entiendo nada pero la verdad es que me siento aliviada de oír al fin algo de diálogo.)

- … Como ya dijo en su día el gran “Don Omar”: “Amaneció bajo las alas de la muerte, aquellos brazos de hombre que la aprietan fuerte…

(¡Jaaaaajajajajaja! Suelto una sonora carcajada. ¡Si al final resulta que todo era una broma! La verdad es que no la pillo muy bien pero bueno...)

Varios asistentes de mi fila y la siguiente se giran hacia mí con cara de pocos amigos y me mandan callar. Parece que no tocaba reírse. Miro a mi alrededor y el público sigue muy atento y emocionado, algunos incluso con lágrimas en los ojos.

- …todavía le late el alma y el corazón no lo siente... y vuela vuela vuela, angelito vuela”. Hemos llegado al final, el destino está escrito.

La señora gorda coge el bate, se golpea con él en la cabeza y cae inconsciente.


La sala entera se pone en pie y rompe a aplaudir. El telón se cierra.

Yo no espero más y me marcho. No entiendo lo que acabo de ver. No sé qué me parece peor si la hora y media de violencia y desagrado gratuito, el aburrimiento por la falta de argumento o ese final al estilo “Into the Woods” pero, en este caso, pretendidamente serio.
Al final va a resultar que “Gaspar Noe” no era tan malo.

La nueva película de Jonny Deep es una copia cutre del gran cine de mafias. Cuando se han hecho tantas y tan buenas películas de este género es difícil conseguir un producto que sobresalga. Sin embargo, no debería ser tan difícil crear un producto pasable, porque es sencillo copiar las fórmulas de los maestros y crear algo, aunque no original, si entretenido e interesante. Al fin y al cabo los buenos aprenden copiando a los mejores.

Pero, en eso de imitar, esta película se pasa de rosca. Y es que “Black Mass” es tan típica que parece una caricatura, una burla a los tópicos del género. El exagerado personaje de Deep recuerda al “Ghostface” de “Scary Movie”. Los diálogos plagados de palabrotas suenan totalmente forzados. Los personajes siguen absolutamente todos los clichés propios de su papel. Incluso la estética, la forma de dirigir y, sobre todo, el montaje son definitivamente repetitivos.

Por otro lado, una de las características más destacables de este género es la complejidad de sus guiones. Y, por desgracia, esta es la única fórmula que no se repite en “Back Mass”. La historia es totalmente básica, no se centra en ningún tema en concreto, no concluye ninguno de los frentes paralelos al hilo principal, no profundiza en la personalidad de ninguno de los personajes, no se trabaja las situaciones lo suficiente como para que resulten realistas. En definitiva, carece de ese distintivo tan atractivo de esta clase de cine.
Acaba la película y nos damos cuenta de que el narrador que comenzó a contárnosla no pinta nada, no sabemos que sucede con el hijo de Whitey, ni con la mujer de Connolly, no se nos muestra ningún trabajo que realice la banda criminal. Al final, han pasado dos horas y seguimos sin saber nada. Nos han contado la “historia real” de Whitey Bulger pero podría haber sido la de cualquier otro.

Podríamos resumirlo todo diciendo que “Black Mass” es cine de mafias sin carisma. Es al cine de Scorsese lo que “Scary Movie” es al cine de Wes Craven

Hace tiempo que me debato entre el amor y el odio por Christopher Nolan. Amor por la capacidad de realizar películas de entretenimiento en el 100% de los casos. Odio por su pretenciosidad y su incansable intención de vendernos lo que no es.

Priest, el escritor de “El prestigio”, tiene un calificativo para su saga de Batman: «vergonzosa». Y se explica: «Tengo niños a los que les gustan los superhéroes, y piensan que las películas de Batman son aburridas y pretenciosas. Les gustan cosas como Los Vengadores y Iron Man porque son divertidas. Es un error coger a un superhéroe y darle un realismo psicológico. Es un culturista que salta desde edificios».
La verdad es que, aunque a mí no me resulta más aburrida que cualquier otra saga de superhéroes, sí que comparto la idea de que el superhéroe de Nolan, por mucho que él lo pretenda así, no es más emocional, ni más complejo, ni más metafísico que cualquier otro, “es otro culturista más que salta edificios”.

El director se toma a sí mismo y a su personaje demasiado en serio. Los superhéroes son comics, y la mayoría de directores lo saben, con lo que no pretenden dar un realismo imposible a la historia, ni una psicología absurda al personaje. En las películas de Batman de Tim Burton, no entro a valorar si mejores o peores, no se pretendía engañar a nadie. Incluso la ambientación gótica hacía referencia a que se trataba únicamente de la adaptación de un cómic, y que los personajes no debían ser tomados muy en serio, sino que era algo más bien correspondiente a un juego, al que se jugaba entre los adaptadores de un comic y los espectadores. En las de Nolan se da a los personajes una apariencia humana, se mezclan secuencias de apariencia realista con otras de pura fantasía y se pretende que hasta el público se identifique con secuencias pretendidamente dramáticas. Algo, bajo mi punto de vista, tan absurdo como falso.

Nolan jamás es sincero en su cine. Hace películas de puro espectáculo y nunca es capaz de presentárnoslas tal y como son. Continuamente adorna sus producciones con planteamientos pseudofilosoficos, falsa psicología, metafísica... Intenta dotar de características profundas a historias que ni las tienen ni tendrían por que tenerlas. Porque el cine de Nolan es, por mucho que intente ocultarlo y adornarlo, simple acción y diversión.
Y es que director nunca cambia su género. Roza diferentes temas pero al final le sale la misma película con otro escenario. Ha pasado por la ciencia ficción filosófica, por el mundo onírico, por la profundidad psicológica… pero siempre de puntillas y sin mojarse. Porque cualquiera que haya visto una película real de cualquiera de esos géneros: 2001, Blade Runner, Mullhollan Drive, El quimérico inquilino, Gran Torino…se dará cuenta de que nada tienen que ver con Interestelar, Origen, El caballero oscuro o cualquier otra del director. Y es que, como he dicho, todas sus películas responden al mismo género: Acción.

Y dios me libre de criticar el puro espectáculo o las películas de acción, porque al final el cine, además de arte, es diversión. Pero nadie cuando va a ver “Terminator” piensa que está viendo cine metafísico; porque Cameron es sincero con su público. Tampoco nadie cuando ve una película de Spielberg (maestro del cine entretenimiento) se plantea que haya profundidad más allá de lo que ve.
Pero es que el problema de Nolan no es en absoluto su incapacidad para entretener al espectador, ni para manejar la cámara. No creo que nadie niegue que en lo técnico es de los mejores. Su problema es su pedantería y el inagotable intento de engañarnos con blockbusters que son más de lo mismo solo que con historias más completas y mucho mejor realizadas.

Nolan nos presenta una cinta de ritmo pausado pero acertado, que no aburre sino fascina. La película dura casi tres horas y aun así conserva la atención durante todo su desarrollo. Pero el realizador no pierde su esencia, la técnica y el esplendor propios de Nolan no están ausentes en “Interestelar”.

La historia comienza de forma sencilla: una familia vive en el campo en un futuro no muy lejano. Con el tiempo este planteamiento va evolucionando hacia un nivel de complejidad mayor. Nolan sigue fiel a su filosofía de aclararlo absolutamente todo, explicaciones difíciles de comprender (pero verídicas) se vuelven cada vez más frecuentes: teoría de la relatividad, agujeros de gusano, agujeros negros, etc. El rigor científico siempre es de agradecer (ya que la ciencia ficción suele ser un género, aunque resulte paradójico, bastante independiente de la ciencia), pero la obsesión de explicarlo todo con palabras no tanto.
La película va mejorando a medida que el tiempo pasa y las dimensiones aumentan y, aunque todo el metraje merece atención, el momento sobresaliente llega con la quinta dimensión. Es aquí donde la película alcanza su éxtasis, su máximo nivel de abstracción. Este periodo está claramente inspirado en “2001: Una odisea del espacio” y, aunque nada puede compararse a la obra maestra de Kubrick, Nolan no te dejará indiferente. Te transporta a otro universo y te transmite la confusión de lo incomprensible, los límites de nuestra mente para comprender el cosmos.

Aunque la cinta es bastante notable, como todo en esta vida, tiene sus fallos. Uno de sus puntos débiles es su final, un final totalmente prescindible que le resta bastante seriedad y calidad al film. Como ya he dicho no comparto la necesidad de hoy en día por explicarlo todo y atar todos los cabos; donde Kubrick dejaba paso a la imaginación Nolan rellena con finales sentimentaloides. Por otro lado tampoco nos libramos esta vez de las intrincadas e incoherentes fantasías propias de los guiones de Nolan, así como de los toques emotivos precocinados propios de todo blockbuster actual que se precie. Aun así, “Interestelar” no se resiente demasiado y llegas al final emocionada con ganas de volver a verla.

Y no puedo acabar la crítica sin recalcar el hecho de que “Interestelar” debe gran parte, sino mayor parte, de sus ideas a la gran labor de Kubrick. Aun así, hacía mucho que no se hacía ciencia ficción de tal alta calidad y con tanto rigor científico.

Hace poco me preguntaba por qué ya no se hacían películas de entretenimiento como las de antes. Películas simples pero sinceras y directas, sin grandilocuencias, segundas lecturas filosóficas o falsos trucos emocionales.

Pues me veo obligada a retirar mi pregunta porque resulta que “Marte (The Martian)”, en pleno 2015, cumple todas estas características. Ridley Scott ha rescatado el cine clásico de aventuras y ha conseguido dirigir uno de los pocos blockbusters en muchos años realmente claro con el espectador, sin pretensiones ni artificios.
La actuación Matt Damon como un Robintson Crusoe del espacio es estelar. El actor lleva todo el peso de la historia a su espalda y lo hace con carisma y dignidad.

Aunque con una ambientación mucho más moderna, “The martian” recuerda a clásicos como “El puente sobre el rio Kwai” o “La gran evasión”. Películas en las que lo único importante la historia, como es contada y las interpretaciones de los personajes.

Agradezco mucho que por fin un director sea serio con su público y se atreva a dirigir una buena película de entretenimiento sin recurrir a efectos emocionales baratos, artificios o presunciones metafísicas.
No hay que plantearse nada más allá, diversión y punto.

“Into the Wild” es una película técnicamente correcta que se hace entretenida. Pero es pretenciosa, con una estructura narrativa fallida y una filosofía que me apesta.

La dirección de Sean Pean no es especialmente destacable. Abusa demasiado del efectismo, algo que, aunque le va al dedillo a la película, nunca es bueno. Demasiadas cámaras lentas reforzadas con música emotiva de fondo que nos recalcan como nos debemos sentir en cada momento. Y sobre todo, el típico recurso que se utiliza cuando no se sabe plasmar en imágenes lo que se pretende contar, la voz de narrador en off.

Por otro lado el montaje me parece caótico, con una sucesión de flashbacks y flasfowards innecesarios. La historia se podría haber contado linealmente de manera mucho más sencilla sin hacer al espectador preguntarse en cada momento si se está narrando el pasado, el presente o el futuro. Para mí los saltos temporales no están bien realizados y confunden al público.

La fotografía y la banda sonora sí son destacables, en especial la primera. La banda sonora a veces es innecesaria pero aun así bonita. Esto hace que estéticamente la película si sea atractiva y agradable, algo que siempre es de agradecer.

Por último, la historia, para mí lo peor de la película. No es que en sí sea incorrecta, porque es entretenida, pero no comparto en absoluto su falsa moral y eso me molesta. Es una copia de “Una historia verdadera” que, por cierto, tampoco me convenció. Con la diferencia de que en aquella el protagonista era un anciano humilde que viajaba para visitar a su hermano y que escuchaba y aprendía de sus diferentes relaciones. Y aquí el protagonista es un joven prepotente que quiere vivir su egoísta aventura maquillada de acción moral, que no escucha ni aprende de sus diferentes relaciones pero si alecciona.

En conclusión, el que quiera ver una buena película de aventuras y de naturaleza que vea "Dersu Uzala", un hombre sabio al que escuchar y del que aprender, un hombre que ama y respeta la naturaleza y SI sabe vivir de ella. Caza, amistad y medio ambiente en estado puro, sin pijadas pseudofilosóficas.

Frase de oro de la película: Las carreras universitarias son una invención del siglo XX. ¡Bravo Alexander! y la escritura del 4000a.c., deja de leer.

Por cierto, esta película costó producirla 15 millones de Euros y recaudó más de 17. Es decir, todo este producto fue concebido gracias al mundo capitalista y materialista que tanto critica. Y sus recaudaciones, que yo sepa, no fueron en donadas a ninguna ONG. Así es la película, promulga algo que no practica.

En el Spoiler expongo mi opinión sobre el tema sin desvelar nada.

Acabo de ver esta película esperando algo bastante mediocre y me ha sorprendido muy gratamente. La verdad es que me asombra mucho tanta mala crítica. Es verdad que la película no descubre la pólvora y sigue una estructura y argumento muy trillado pero, sinceramente, después de 100 años de cine, innovar es todo un logro. Quizás la decepción de muchos se deba a que se han encontrado un producto de entretenimiento donde esperaban encontrar cine de autor. A mi personalmente el entretenimiento sin profundidad no me molesta en absoluto, y esto es buen cine de entretenimiento con suspense asegurado.

Yo veo una película muy bien dirigida, muy superior técnicamente a Tesis o Abre los ojos, y al nivel de Los otros. Es cierto que Tesis sorprendió por ser una ópera prima muy bien realizada, pero la verdad es que, como Regresión, sigue una estructura bastante típica. De hecho existen muchas similitudes en el desarrollo de ambas.
En Regresión la ambientación tenebrosa y sobrecogedora del pueblo está muy lograda. La fotografía es buena y la música nada del otro mundo pero tampoco despreciable. La tensión está muy bien conseguida y a mí me mantuvo intranquila toda la película.
He leído que el final es predecible, quizás lo sea para aquellos que hayan leído muchas críticas. Yo no tenía absolutamente ni idea sobre el argumento de la película y, a medida que la historia avanzaba, no sabía si estábamos ante algo estilo Prisioneros o Zodiac, estilo Cines Negro o El maquinista, o estilo El exorcista o La semilla del diablo. Y la cinta no cierra ninguna de esas opciones hasta el final.
Se critica el tema de psicología como algo muy poco serio. Es cierto que a mi es algo que nunca me ha convencido, pero no veo que nadie critique a Hitchcock cuando utiliza este recurso en sus películas Recuerda o Marnie.

A la hora de hablar de las actuaciones sí que me decanto por la crítica negativa. Ambos protagonistas son actores que me gustan bastante y sin embargo aquí están mediocres. En especial Emma Watson que, para mí, hace el peor papel de su carrera.
Otro aspecto que puedo considerar también criticable es la cantidad de giros del argumento y el bajo nivel del guion. Aun así, otras películas clásicas y recientes, como es Perdida, tienen giros mucho más radicales y un guion mucho peor acabado y aun así han sido globalmente alabadas.

En cuanto al final, era muy difícil resolver la película sin que quedaran hilos sueltos o nos decepcionara. Pero no sucede ninguna de estas dos cosas. Me alegra que no termine siendo un producto más de la creciente y decadente ola de cine de posesiones.
En Regresión quedan claras las muchas influencias de este director. El estilo me ha recordado, en muchas ocasiones, al cine de David Fincher. Los trucos para crear suspense al cine de Hitchcock. Y la ambientación y el tono "detectivesco" a la reciente serie True Detective.

En fin, técnicamente me parece de lo mejor de Amenabar, sin duda la película con la mejor factura técnica de su carrera. Es verdad que esto se consigue en gran parte a base de dinero y no es solo mérito del director pero a la hora de disfrutar eso es algo que me resulta totalmente indiferente.

“Los robinsones de los mares del Sur” es un claro ejemplo de cinta de aventuras infantiles clásica (como no, de Disney). Nos puede recordar a diferentes películas del género como "La isla del tesoro" o "Los hijos del capitán Grant" u otras no tan aventureras pero también clásicas como "Tu a Boston y yo a California". Si avanzamos unos años y buscamos referencias más modernas podríamos hacer una similitud entre estas películas y la ola de cine de aventuras juveniles de los 80, con "Los Goonies" como máximo referente. De hecho es bastante probable que las primeras sirvieran de inspiración, en muchos casos, para estas últimas.

Esta película, basándose en el relato de Robinson Crusoe, cuenta la historia de una familia suiza que, tras naufragar de camino a Nueva Guinea, se las tiene que arreglar para sobrevivir en una isla desierta.

Como su propio genero nos puede hacer sospechar, el argumento es infantil y los personajes no tienen mayor profundidad. Hay que saber lo que se espera de cada cinta y contextualizar los detalles dentro de su género.
Por otro lado la época en la que la película está rodada hace que el roll de las mujeres en ella sea bastante menor y ridículo. Esto a mí me llego a molestar a ratos pero, de nuevo, hay que contextualizar cada historia en la etapa en que fue concebida.
Por tanto, teniendo en cuenta el año y el género de la película, no encuentro nada que reprocharle. Un gran filme de aventuras infantiles para toda la familia. Muy recomendable para los amantes de los animales y la supervivencia. Disney pocas veces defrauda.