El puente sobre el rio Kwai es una cinta inspirada en la construcción de la línea de ferrocarril de Birmania. Sin embargo, que la trama esté inspirada en hechos reales no debe confundirnos, esta película es pura ficción. La historia que se relata no tiene ninguna base histórica, y por ello no se puede esperar ni exigir ninguna seriedad al respecto.
Para disfrutarla se debe tomar como una “simple” producción bélica de aventuras, en la que el entretenimiento está asegurado. No nos ofrece profundidad psicológica, ni rigurosidad histórica, pero si unas buenas dosis de diversión durante las casi 3 horas que dura. Me ha recordado en ocasiones a las cintas de aventuras de mi infancia pero con un enfoque más maduro.

Para los que busquen enfrentamientos bélicos estilo “Salvar al Soldado Ryan” no es ésta su cinta. Para los que busquen profundidad psicológica estilo “La chaqueta metálica” o “Apocalypse Now” tampoco. Pero para los que busquen una película estilo “Indiana Jones” pero con un enfoque más serio y adulto tipo “Dersu Uzala” y una ambientación tipo “La misión” esta sí es su película.

En cuanto a los aspectos técnicos cabe destacar la fotografía, que aprovecha de forma excelente el escenario selvático en el que se ambienta la trama. Por otro lado las actuaciones también son un punto fuerte, si tuviera que destacar una sobre las demás ésta sería la del general, interpretado por Alec Guinness.

Es una pena que las grandes producciones de puro entretenimiento actuales no sean tan buenas como las de épocas pasadas, ya que cintas como esta nos recuerdan que el cine entretenimiento no tiene por qué ser vacío y absurdo.

Siempre me he decantado por una opinión equilibrada en cuanto a lo que el cine significa: arte o entretenimiento. Obviamente es un arte, y como todo arte trata de expresar al exterior un mundo interior. Pero también es entretenimiento, no en el sentido estricto de la palabra, sino entendiendo entretenimiento como un concepto más global que incluye emoción, reflexión, sensación... en conclusión respuesta positiva en un espectador.

Hay películas, como las englobadas en el "subgénero" cine de autor, que están enfocadas de un modo más artístico que las películas "al uso”. Entiendo el cine de autor como una opción muy respetable y, no solo eso, muchas veces más interesante cultural, filosófica y emocionalmente que el cine como producto. Sin embargo el arte, y por tanto el cine artístico, no trata solamente de expresar, sino también de transmitir. Considero que una buena película no tiene que estar únicamente enfocada hacia su autor, sino también hacia el espectador.
Asumo que el cine va dirigido a un público, si no, no se publicaría y, por ello, nunca debe olvidarse de que este existe. Si el arte fuera para disfrute propio y exclusivo de su creador su llama se apagaría tan pronto como lo hiciera la vida de su autor.

Existen directores que han hecho cine de autor cuyas películas se encuentran entere mis favoritas: "El séptimo sello" o "Fresas salvajes" de Bergman, o "Ordet" de Dreyer son buenos ejemplos. A pesar de sus metáforas comprendí sus mensajes y me hicieron reflexionar y/o sentir. Aunque expresaron su mundo interior no se olvidaron de sus espectadores.
Sin embargo Tarkovsky, en “Sacrificio”, se ha olvidado de mí. Evidentemente no puedo hablar en general puesto que la percepción emocional es un tema muy subjetivo.
Así como “Stalker”, a pesar de no comprenderla, me despertó múltiples emociones y me hipnotizó; “Sacrificio” me ha resultado pesada e indescifrable. Esta cinta cuenta cosas, pero no las cuenta bien. Crea atmosferas muy trabajadas, la fotografía está muy cuidada, la dirección es notable. Los colores y las tonalidades están tratadas de forma magistral. Pero el conjunto falla, todo es artificial. Las interpretaciones son exageradas, los encuadres muy generales, teatrales, las escenas antinaturales. Entiendo que todo esto es voluntario pero no comprendo su razón. Y lo más importante el guion y el ritmo son ajenos al espectador. Los diálogos son monólogos filosóficos que no me dicen nada, no comprendo su significado interior. En conclusión, la película no me despierta ninguna emoción, reflexión, pensamiento o sensación.

A pesar de haber visto únicamente dos películas de este director tengo la sensación de que le es totalmente indiferente el espectador. Valoro su trabajo porque en lo puramente formal es correcto y porque siempre me parece interesante el cine de autor por su filosofía. Pero yo veo cine para mi propio disfrute, no para el de Tarkovsky.

Es posible que en un futuro, trabajando el cine de este director llegue a comprenderle y, entonces, disfrute con sus películas. O que en otro momento o lugar ésta película cobre sentido para mí. Pero de momento este no es el caso.

Bastante alejada del estilo de otros trabajos de Tim Burton, Big Eyes presenta, al igual que las pinturas de Keane, un carácter ligeramente caricaturesco.
Una dirección artística cuidada genera en el espectador la sensación de estar, en cierto modo, dentro de un cuento. Un enfoque curioso para una historia basada en hechos reales.
En la misma línea, la dirección de actores sigue también un tono exagerado y sarcástico. Esto, aunque como he dicho sigue el estilo general de la dirección, en ocasiones se me hace molesto por resultarme demasiado absurdo.
Las interpretaciones no tienen pega. Dos actores de moda, dan lo mejor de sí. Para mi ligeramente superior Amy Adams.

Pero los ojos de Burton no transmiten tan bien las emociones como pretendían hacerlo los de las pinturas de Keane. La película es un dulce niño con grandes ojos vacíos de sentimientos. No me hace reír, no me hace llorar, pero me apetece dedicarle unos minutos y entretenerme mirándole.

Hacía tiempo que llevaba buscando esta película. Cuando se estrenó, ningún cine de mi ciudad la proyectó. Posteriormente la busque por internet y no hubo manera. Incluso escribí a la página web, pero nada. Ahora, más de dos años después, he conseguido verla.
Es una pena que la distribución de esta obra haya sido tan lamentable porque merece la pena, y mucho. Pero está claro que las distribuidoras solo ponen dinero por apuestas seguras y grandes producciones, dejando de lado las pequeñas películas locales.

“O Apostolo” es, para mí, una de las mejores películas españolas de los últimos años. Desde el comienzo te introduces completamente en las entrañas de un perdido pueblo gallego misterioso y tenebroso. Su ambientación oscura y fría está magníficamente conseguida, nada tiene que envidiar a las obras burtonianas, casi al contrario.
La factura técnica no tiene ninguna pega. Los pequeños muñecos de “stop motion” están del todo logrados. La música también acompaña de forma muy acertada al relato.
La única pega que puedo encontrar es el guion que, aunque no está mal, tampoco es nada sorprendente. Los elementos que componen el relato y su temática si me atrapa, pero el enfoque escogido, así como el ritmo hacen que la historia no llegue a ser tan cautivadora como podría.

De todas las maneras cualquier mínimo fallo queda totalmente eclipsado por la fantástica atmosfera creada por el director.
Película de visionado obligado, os recomiendo muy mucho que la veáis.

Ya lo decía Yoda “El miedo lleva a la ira, la ira lleva al odio, el odio lleva al sufrimiento”.

Fantástico corto de terror gótico ambientado en el lejano oeste con una atmósfera digna de las grandes películas del género. La utilización de diferentes tonos a lo largo del relato complementa una historia ya de por si interesante y consigue que te introduzcas por completo en este aislado pueblo.

La lucha final es sobresaliente, me recordó en algunos momentos a “Sin City”, por su estilo “tipo comic”; eso si, bastante siniestra y gore.
De visionado obligatorio.

Ya solo por su estilo y su fantástica ambientación “Little Red” merece su visionado. Pero es que, además de la oscura atmósfera que te envuelve durante 3 minutos, una original versión de Caperucita Roja y un final digno de la mejor comedia de terror ponen la guinda a este recomendable corto.

Para los que lo quieran ver en la pestaña de “Trailers” está completo.

Miss Violence no tiene una pizca de violencia, la cinta podría llamarse Miss Pacience. Una dirección pesadísima se carga un guion que quizás con otro director habría dado lugar a un producto muy superior.

Los planos del film son casi siempre fijos, algo que no contribuye en absoluto a dinamizar la película que ya de por si es extremadamente lenta. El montaje es pausado, con unas tomas eternas y soporíferas. Estas dos características hacen que la cinta se haga interminable.
Bien es cierto que, que una película sea lenta, no significa que sea aburrida. La lentitud puede estar justificada y aportar tensión como sucede en “Stoker” o en “Suspense” o permitirnos impregnarnos de diferentes sensaciones como sucede en “2001: Una odisea del espacio” o en “Blade Runner”; sin embargo aquí esta lentitud no aporta más que aburrimiento.

Además el director resulta ser demasiado “original”. Utiliza unos encuadres muy radicales y una composición totalmente desequilibrada. Rellena solo la mitad de la pantalla dejando la otra mitad vacía, encuadra a los personajes cortándoles por cualquier lado y dejando, muchas veces, la cabeza fuera. Algo que a mí me descoloca completamente y me resulta absolutamente antiestético.
Puede que esta dirección a muchas personas les resulte estimulante porque se puede considerar ingeniosa y original. Sin embargo, a mí me ha parecido demasiado excéntrica y absurda ya que objetivamente no aporta nada.

Muchas de las secuencias carecen de diálogo y de acción por lo que nos pasamos gran parte del tiempo simplemente observando las extrañas e incoherentes construcciones del director en las que no pasa nada. Quizás con este tipo de encuadres y composición el realizador pretenda expresar algo de forma sutil pero yo no he sido capaz de captarlo. Para mí, muchas de las secuencias están vacías de contenido y solo contribuyen al desinterés.

Las actuaciones no me han convencido. Sí que es verdad que transmiten esa situación de fingida perfección pero aun así la dirección de actores está demasiado calculada y resulta artificial. Creo que esto es algo buscado ya que así se muestra la irrealidad de la supuestamente impecable situación vivida en casa pero aun así esta represión de las emociones que sufren los personajes me parece demasiado exagerada.

En cuanto al guion podemos decir que es bastante limitado en lo referente a diálogos. Eso no significa necesariamente que la historia sea mala, ya que hay guiones fantásticos con muy poco diálogo, vuelvo a hacer referencia a una de las películas ya mencionadas: “2001”. Y en este caso la verdad es que en lo referente a la historia la película no falla, cuenta con una idea muy interesante, la pena es que la dirección lenta y aburrida acaba por destrozar gran parte de la trama.

Aun así he de admitir que en su trecho final la película se hace algo más dinámica, con travellings circulares y algún que otro movimiento de cámara, la acción está más presente y por fin “pasan cosas”. Es una pena que esta pequeña mejora final solo llegue tras aguantar más de 1 hora de tedio.
Para muchos la espera será insoportable y no llegarán a conocer el secreto del film, yo misma estuve a punto de dejar la película a la mitad, y tampoco habría pasado nada, no me parece que el final merezca en absoluto la paciencia que hay que tener para llegar hasta él.

Antes de nada quiero señalar lo bueno de la película: sus interpretaciones y su capacidad de emocionar.
Sí, me ha emocionado; y sí, he empatizado con los personajes. Sin embargo, esto es algo que consiguen bastantes películas, y no indica que sean obras maestras. En mi opinión, si esta película no fuera de lesbianas, si no tuviera escenas de sexo tan explícitas, pasaría totalmente desapercibida.
Eso sí, es absolutamente obligatorio valorar la gran labor de interpretación de las dos actrices principales. Han sido un gran descubrimiento para mí ya que no conocía a ninguna de las dos. Es cierto que solamente por estas actuaciones la película gana muchísimos puntos.

En cuanto a lo negativo tengo bastante más que decir. Que me centre en esto no significa que la película sea lamentable, pero creo que la parte positiva ya ha sido excesivamente comentada por la gente que alaba esta cinta.
En primer lugar la dirección. No me parece nada destacable, de hecho más bien lo contrario. Se centra de forma obsesiva en primeros planos: mocos, llantos, bocas llenas de comida… y no nos muestra nada con perspectiva. Carece de técnica absolutamente, nada de movimientos elegantes, planos sorprendentes o puntos de vista prodigiosos. Es cierto que para disfrutar de una película nada de esto es imprescindible, pero si lo es, para mí, para valorarla tan positivamente como se está valorando esta cinta.
En segundo lugar el guion. Absolutamente caótico. Es incomprensible que la película dure casi tres horas y queden tantas tramas en el aire. Se rozan muchos temas como la aceptación por parte de la familia y los amigos, el trabajo, los novios… y al final no se profundiza en ninguno de ellos. No solo eso, si no que los pequeños argumentos que tratan esos temas quedan sin cerrar. El guion se centra tanto en la relación homosexual que olvida todo lo demás.
En tercer lugar el montaje. Acaba la película y no sabemos si ha pasado 1 año o 10. De repente hay saltos temporales que no se explican y nos hacen plantearnos múltiples preguntas sin respuesta: ¿Dónde están los padres de Adele? ¿Qué ha sido de sus amigas? ¿Dónde está su amigo gay? ¿De quién es la casa en la que vive?
Por último comentar esas escenas de sexo tan “rompedoras” (Lo pongo entre comillas porque creo que el porno existe hace ya bastante tiempo). A mí, personalmente, no me aportan absolutamente NADA y, la verdad, dudo que a nadie le aporten algo más que mera excitación. No complementan en absoluto la película, de hecho, son tan largas que llegan a hacerse aburridas. Es mucho más sutil y elegante sugerir que mostrar.

Conclusión, emociona y cuenta con unas interpretaciones magistrales. Pero tiene una extensión innecesaria y trata muchos temas de forma superficial. En definitiva, no es para tanto.

“La gran Belleza” es una cinta que se define perfectamente con su título. Supone un equilibrio perfecto entre continente y contenido, un ejercicio de estilo cinematográfico que no se pierde únicamente en la forma sino que aporta un riquísimo fondo que invita a la reflexión.

Un formalismo técnico brillante nos invita a disfrutar de la belleza de esta gran ciudad que nos ocupa. El perfecto uso de la cámara y el montaje al ritmo de la música componen una magnífica sinfonía de imágenes perfectamente dirigida por Paolo Sorrentino.
Con esta suave dirección paseamos por Roma, esa bellísima ciudad de imponentes edificios, descomunales fiestas, moda, bailes y pizza. Pero también esa ciudad que se oculta tras el esplendor de su pasado, del que ya no queda nada, y que en su interior no esconde más que mentiras y fragilidades adornadas con botox y purpurina.

“La máxima ambición de Flaubert era escribir una novela sobre la nada, si hubiera conocido la Roma de “La gran Belleza” habría escrito un gran libro”. Y eso es esta película, un relato sobre la nada, sobre la frivolidad de la belleza.

Gep no quería ser simplemente un mundano, quería convertirse en el rey de los mundanos. Y lo consiguió.

Lo primero que quería señalar es que, obviando el hecho de que ambas se desarrollan en el espacio, no hay parecido ninguno entre “2001: Una odisea del espacio” y “Gravity”. Me parece una broma comparar una película de 3ª con la obra maestra del cine de ciencia ficción.

Había oído hablar tan bien de esta película que quizás mi opinión se vea un poco condicionada por mi decepción. Es probable que si hubiera ido a ver esta cinta sin expectativa ninguna mi impresión general habría sido algo superior. No obstante, dudo que “Gravity” me hubiera llegado a impresionar, ya que es una película de lo más estándar.

Es cierto que visualmente la experiencia es muy atractiva, sobre todo si ves la película en 3D (de hecho creo que si la hubiera visto en dos dimensiones mi valoración no habría llegado al aprobado).
Es una cinta para disfrutar de los efectos especiales y las oportunidades que aporta la tercera dimensión. Una cinta para resaltar la belleza del espacio y explotar los recursos visuales.
Pero el experimento no va más allá, no alcanza mayor trascendencia que la que tiene un simulador de parque de atracciones.

El guion es nulo, la historia no existe. Sandra Bullock se limita a dar vueltas por la inmensidad del universo viajando de una estación espacial a otra. Los pocos diálogos que escuchamos son lamentables monólogos “emotivos” que resultan torpes y vulgares por lo obvia que resulta su intención de emocionar al espectador.
La dirección muy estándar. El aclamado plano secuencia de 17 minutos es una patochada. Cuando no tienes punto de referencia sobre el que mover la cámara (no existe ni arriba, ni abajo, ni derecha, ni izquierda) y los personajes están quietos realizar esta clase de grabación no tiene dificultad ninguna. Un ejemplo de plano secuencia atrevido e ingenioso es el de apertura en “Sed de mal”, no esta ridiculez.
¿Los actores? Clooney estandar, no tiene una actuación estelar pero da la talla. Dicen de Sandra que realiza, en este film, el mejor papel de su carrera, quizás sea el más serio pero ¿el mejor? En mi opinión está bastante floja, tiene, para mi, papeles infinitamente mejores.
Por último señalar que el rigor científico es NULO. Y esto lo pongo en mayúsculas porque en cada nueva escena que aparecía me encontraba alguna situación absurda. Sonidos en el espacio, bolígrafos “levitando” cuando existe aceleración, viajes de 160 km en menos de un minuto, choques contra naves a velocidades altísimas sin ningún rasguño, fuerzas mágicas que alejan a “George” de “Sandra”, cuerdas que soportan la inercia de una nave pero se rompen por la inercia de una persona, y un largo etcétera que no cabría en esta crítica.

En fin, una película que no tiene nada más allá de su atractivo visual. Es un simulador espacial de algo menos de hora y media de duración. Si alguien se anima a verla que no lo dude y pague el extra de la tercera dimensión, sin ella el atractivo se reduce a una tercera parte.

“Los intocables de Eliot Ness” es una película muy muy entretenida y solo por eso ya debe ser bien valorada. La historia es interesante y te atrapa. Sin embargo, dejando a un lado su indudable entretenimiento, le encuentro abundantes pegas.


En primer lugar me referiré al GUION. Por un lado, en conjunto, la trama tiene éxito, como ya he dicho es muy entretenida. Pero por otro lado posee bastantes fallos:
- Los diálogos, ocasionalmente, se presentan absurdos.
- Los personajes están muy mal dibujados, en especial Sean Connery. En ningún momento se explica su pasado, el por qué sabe tanto de cómo combatir el crimen.
- Hay acciones incoherentes, comportamientos incomprensibles. No creo que nadie pueda comprender por qué Kevin Costner le pide ayuda a un policía que no conoce más que de cruzar un par de palabras con él.
- El final, no es que esté mal, pero me sí que es demasiado feliz para el género. Una de las características del cine negro es los finales “tristes”.


En segundo lugar me referiré a la DIRECCIÓN. Como he dicho la historia es correcta pero, para mí, al contrario que para la mayoría, la dirección de Brian de Palma deja mucho que desear.
Hay muchas escenas que no se sostienen por ningún lado, totalmente inverosímiles. Y muchas otras tópicas y efectistas.

- Como ejemplo de lo primero pondré la escena en que, tras la regada en el puente, convencen a uno de los hombres de Capone para hablar. El modo en el que lo hacen es totalmente absurdo y la reacción del personaje absolutamente estúpida. Puede que en el guion esta escena tuviera sentido pero desde luego no se ha sabido rodar.

- Como ejemplo de lo segundo podría poner múltiples escenas, pero la más característica es una alabada por la mayoría, la “escena del carrito”.
Si, puede resultar muy emotiva, muy emocionante, pero eso no encubre el hecho de que sea absurda y efectista. No tiene sentido alguno que Costner, en medio de una misión importantísima, se ponga a ayudar a una mujer con su carrito. A parte, la mujer tenía que ser bastante inútil, porque es bien fácil subir un carro por unas escaleras. En fin, un recurso burdo y simple, el contexto en el que crear tensión no está nada trabajado.
Ya en el momento en el que el carro comienza a caer la cosa no mejora. Aparecen más efectismos malos que en una película de serie B: interminables cámaras lentas, gritos de desesperación, situaciones de 10 segundos que duran minutos y primeros planos de caras ansiosas.
En cuanto al parecido con la escena de las escaleras de Odesa, es innegable, de hecho el parecido es tan obvio que más que un homenaje me parece un plagio, aunque de una calidad muy inferior.


En conclusión, una película de un entretenimiento sobresaliente, pero de una técnica y detalle al borde del suspenso. La nota final dependerá de lo que cada usuario valore más. En mi caso concreto la película se queda con un notable.

Nos encontramos ante una de las más grandes películas de su género. Bajo mi punto de vista, tras “2001: Una odisea del espacio”, la mejor. Esta película cuenta con todos los ingredientes necesarios para ser una obra maestra, tanto técnicos como artísticos.


Comenzaré hablando de la que es, para mí, su característica más destacable: su dirección. Hay grandes películas que, a pesar de serlo, no tienen una dirección muy llamativa. Sin embargo “Blade Runner” debe la mayor parte de su grandiosidad a su director.

La perfecta estética de esta cinta, que ha sido copiada posteriormente por infinidad de directores, es de las mejores (si no la mejor) que he visto en el cine. La ambientación es inmejorable. Pero lo es, no solo por su impecable diseño de producción, sino también por el uso que hace Scott de la cámara. Los planos elegidos por el director son los ideales para imprimir la mayor belleza posible a la película.

La fotografía es también de las mejores que he visto. El uso de luces y sobras es perfecto en prácticamente todas las escenas. Contribuye de forma definitiva a crear esa atmósfera asfixiante característica de esta producción. Esta atmósfera nos hace recordar los grandes clásicos del cine negro, aunque con el toque innovador del mundo futuro. Una estética de neo-noir futurista que será imitada por sucesivas producciones de ciencia ficción como “Dark city” o “Brazil”.
La película nos introduce en los bajos fondos de una lluviosa sociedad futurista mezclando la alta tecnología con un bajo nivel de vida, algo que supuso la consolidación de un nuevo género: el ciberpunk. Género que ha sido la base de muchas películas de ciencia ficción posteriores, el mejor ejemplo es la aclamada “Matrix”.

La banda sonora también es notable, y supone un elemento más para fortalecer esa perfectísima ambientación. Nos acompaña durante toda la película, apenas hay un momento en el que no suene alguna marchita sinfonia.

Por último el montaje pausado es el que nos permite impregnarnos de esa sensación asfixiante y tristona que nos acompaña durante todo el metraje. Nos permite disfrutar de la estética de cada escena y valorar cada uno de los detalles. Un ritmo que, aunque para muchos resulta aburrido, a mí me parece acertadísimo.


Con respecto al guion, basado en la novela "Sueñan los androides con ovejas eléctricas" de Philip K. Dick, no tengo más que alabanzas. Es característico de las producciones de ciencia ficción la acción sin fondo, pero “Blade Runner” (al igual que 2001) rompe con este tópico. Nos presenta una historia con más profundidad que muchos dramas. Nos hace plantearnos temas morales en la misma línea en la que lo hace posteriormente Spielberg con “Inteligencia Artificial”. Nos hace plantearnos temas existenciales: ¿Valoramos la vida lo suficiente? Y nos hace también dudar sobre la propia película, invitándonos a imaginar.
Pero no solo es su profundidad lo que le da calidad al guion. También sus diálogos, unos diálogos que son pura poesía. No hay más que escuchar el coloquio final de Nexus 6: “[…] Todos esos recuerdos se perderán como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”.


En definitiva, una estética y ambientación que no se si alguna vez podrá ser superada. Es difícil combinar dirección, fotografía, diseño de producción, montaje y diálogos con una perfección tal que resulte una cinta de estas dimensiones.

1. Un guionista iluminado (lo principal):

A nuestro fantástico y adorado guionista le fue encargada la tarea de adaptar un libro al cine. Este hombre, que cuenta con una mente fantástica, con una capacidad de imaginación ilimitada y con la facultad de sorprender al más experimentado, estuvo buscando formas originales de ajustar el libro al celuloide. Pero a nuestro portento no se le ocurría nada lo suficientemente raro como para satisfacer su excentricidad. Por tanto decidió que lo mejor era narrar su propia historia; puesto que: ¿Hay algo más original que escribir un diario?

Sin embargo, con esta idea no era suficiente, ya que solo con ella el guion no resultaría ser una adaptación de “El ladrón de orquídeas”, sino un biopic sobre Charlie Kaufman. Así fue como nuestro egocéntrico guionista decidió añadir la segunda parte de la historia. Para que su propio personaje no perdiera protagonismo introdujo secuencias de “El ladrón de orquídeas” (el libro) de forma totalmente aislada de historia principal. Por tanto a estas alturas nuestro hombre-prodigio tenía ante sí una historia sobre sí mismo, obviamente la principal, y, paralelamente y de forma totalmente independiente, la historia del libro. Como podréis imaginar no había nexo de unión entre ambos relatos ya que eso sería demasiado convencional para un primor como Kaufman.

Aun con todo esto la historia no le convencía. (¡La verdad, no sé por qué si rebosaba originalidad por los cuatro costados! Hasta que llegó Charlie Kaufman a nadie se le había ocurrido escribir un diario.) Así que decidió añadir una tercera parte y ¿qué mejor manera de hacerlo que criticando al vulgar Hollywood? De este modo se le ocurrió completar la historia con un final “mainstream” al puro estilo de un “blockbuster”. Así los estúpidos borregos de las “superproducciones” quedarían contentos, y las mentes privilegiadas e inquietas, como la suya, alabarían la cinta por ser una crítica voraz a la industria cinematográfica.

Pero, a la postre, este final, que pretende ser una crítica, es la única parte verdaderamente original, es decir, inventada en su totalidad por la mente del gran Kaufman. Y es también la única parte en la que las dos historias se relacionan. Con lo que, de forma totalmente paradójica, resulta ser lo más destacable del film (aunque sea totalmente absurdo).


2. Un equipo técnico insubstancial:

Para completar una “mini-producción” “alternativa” de estas características solo hace falta el director más anodino de la industria y unos atributos técnicos únicamente destacables por su insipidez.


3. Una distribuidora lamentable:

Si una cinta de estas características es demasiado conocida perderá todo su encanto. La distribución tiene que ser lo más limitada posible ya que si el visionado es de fácil acceso la película se vuelve vulgar. Siempre debe preservarse la intimidad de la cinta para que solo los más cultivados puedan acceder a ella y, de este modo, nunca sea infravalorada por mentes demasiado estúpidas (como la mía).

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Con estos simples ingredientes se consigue una cinta alternativa al puro estilo gafapasta que será adorada por su genialidad, extravagancia, particularidad, inteligencia y exquisitez. Pero nunca, y recordad esto, por su calidad. Ni técnica, ni artística.


PD: La verdad, para ver una película sobre un guionista frustrado, ni lo dudo, me quedo con “El crepúsculo de los dioses”. Una obra maestra de verdad, aunque haya sido dirigida por uno de los más famosos directores de Hollywood (Porque eso se supone que es malo ¿no?)

Debo dejar claro desde un principio que no soy ninguna admiradora de Lynch, de hecho hasta el momento sus películas surrealistas no me habían convencido (tampoco es que haya visto muchas).
Hasta ahora esta es la película que más me ha gustado del Lynch surrealista. Probablemente sea porque es la última que he visto y por ello la he sabido apreciar mejor. A medida que voy viendo más cine voy explorando nuevas posibilidades y me resulta menos difícil digerir diferentes experiencias. Recuerdo que, la primera vez que vi una película surrealista de Lynch: “Carretera perdida”, me pareció una aberración (y aún sigue pareciéndomelo puesto que no la he revisado); la segunda que vi: “Mulholland Drive”, me entretuvo, aunque tampoco me convenció, y la última que he visto: “Inland Empire” me ha gustado.

¿Qué opino de Inland Empire? Pues que es impresionante, y con esto no me refiero a obra maestra, me refiero a que no deja indiferente a nadie. Te puede encantar o puedes odiarla, pero está claro que no vas a quedar impasible ante ella.

Esta película no sigue un guion coherente, pero no lo hace porque no lo necesita. Digo más, si esta película tuviera un argumento coherente entonces no sería lo que es. No es una tomadura de pelo, es otra forma de hacer cine, puede no agradar a la mayoría pero eso no significa que no tenga sentido.
Inland Empire no cuenta una historia física como las que solemos ver, cuenta una historia mental. El cine, desde sus comienzos, nació con la intención de reflejar la realidad y con esta película el realismo ha alcanzado su máxima expresión. Ahora no somos observadores pasivos y externos de una historia, ahora nos introducimos en ella. Ya no vemos desde fuera como se sufre la locura, la vivimos nosotros mismos, en nuestra piel. Experimentamos las mismas sensaciones surrealistas, oníricas e incongruentes que percibe nuestra protagonista.
Si estamos en la mente de alguien trastornado psicológicamente evidentemente no podemos esperar coherencia, porque la enajenación es incongruente. Si nuestra protagonista no comprende lo que la sucede nosotros tampoco lo vamos a comprender, compartimos su confusión con respecto a lo que la rodea. Pero lo que si comprendemos es la angustia y el miedo que ella siente, porque también lo sentimos. Para mí Inland Empire supone una experiencia, he experimentado la locura, he sentido que nada era real, que estaba soñando.

Lynch consigue todo esto con una dirección más que sobresaliente: primeros planos ansiosos, planos subjetivos, juegos de luces, movimientos de cámara desquiciantes, música angustiosa.... Todo esto, mezclado con un montaje vertiginoso, crea una atmósfera asfixiante que nos cautiva durante todo el film.

Entiendo que a muchos no les guste, sobre todo si esperaban una trama lógica. Probablemente si yo la hubiera visto hace un par de años me habría parecido un engendro. Evidentemente, estas emociones de las que hablo son propias, la interpretación es libre, pero la que yo he hecho me ha servido para disfrutar la cinta.

A pesar de todas las alabanzas hechas esta película no me ha convencido del todo. En primer lugar me ha parecido excesivamente larga, con hora y media de experiencia surrealista habría sido suficiente. Por otro lado el final me ha resultado demasiado extremo, está claro que sigue en la línea del resto de la película, pero a Lynch se le va la pinza demasiado.
Evidentemente este director aún no ha conseguido ganarse mi absoluta admiración (en el ámbito surrealista, con “El hombre elefante” lo ha hecho y sobrado). De todas maneras un notable para mi, hasta ahora, enemigo Lynch, es una notaza.

Lo que más me fastidia de esta cinta es su inagotable intento de parecer diferente de las demás superproducciones de acción de Hollywood. La verdad es que es una más, muy bien realizada, con los recursos explotados de forma excelente, pero una más. Es típica y plagada de tópicos. Frases clásicas, tiros, explosiones y efectos especiales inundan la pantalla durante las dos horas y 45 minutos que dura la película. Eso sí, la factura técnica es inmejorable, aunque ya puede serlo con la cantidad de millones que habrán sido invertidos. El guion es algo más sofisticado que el de la mayoría de las superproducciones de acción pero no por ir más allá de lo superficial si no por contar con una trama algo más compleja.
Tengo que revisar la segunda parte de esta trilogía porque recuerdo que la puse muy buena nota y no sé si es que era muy diferente a esta o es que mi juicio ha cambiado. En ésta última entrega solo veo artificio a diestro y siniestro y unas ganas locas de hacernos creer que es una película profunda: las intensas conversaciones en la prisión sobre la existencia, la voluntad, el miedo etc. (entre otras) son de echarse a reír. Yo no necesito que me engañen y me hagan creer que una película no es insubstancial para poder disfrutar del espectáculo que supone su despliegue técnico.
Vamos, en su fondo como cualquier otra superproducción de acción. Nolan pretende engañarnos y darnos gato por liebre, es un maestro de la ilusión y del efectismo, pero la verdad, hay que admitirle el mérito porque lo hace como nadie. Pocas películas, a pesar de saber que no estoy viendo más que apariencia, me hacen pasarlo tan bien como las de este maestro del artificio.
Si os gusta la acción y queréis pasar un buen rato (quizás demasiado largo) viendo una superproducción dirigida de forma sobresaliente esta es una buena película, si buscáis algo más mejor intentadlo con otro género.

Sin ninguna duda lo mejor de la película es Anne Hathaway. Parece que esta actriz ha resurgido este 2012 porque se ha lucido entre “El caballero oscuro” y “Los miserables”, ambas actuaciones dignas de Oscar.

PD: No quiero restarle tampoco mérito a Nolan puesto que es uno de los directores que mejor explotan el efectismo. Técnicamente es sobresaliente y además es el rey de la ilusión, un mago. La verdad es que la dirección de “El truco final” le iba como anillo al dedo.

Antes de comenzar a desvalorizar “La caza” me gustaría señalar sus puntos positivos, que son bastantes. Es una película técnicamente correcta que se hace muy entretenida. Tiene una temática atrayente y deja una sensación global favorable. Además los actores son sobresalientes, sobre todo “Lucas” y “Clara”. La actuación de la joven es la mejor que he visto hasta el momento en un niño de esa edad.

El guion, a grandes rasgos, es interesante, con una historia inquietante; sin embargo, al analizarlo en profundidad se encuentran una gran cantidad de fallos que hacen perder muchos puntos a la película.
El director ha centrado tanto esfuerzo en demostrar su “tesis” que se ha olvidado de garantizar la verosimilitud de la historia. La verdad, para ser una película tan trabajada en todos los demás aspectos da pena que el realismo del guion sea tan pobre. No hay ni el más mínimo rigor técnico a la hora de tratar el tema de los abusos sexuales. A continuación expongo algunos de los fallos más gordos:

En primer lugar: la entrevista entre la niña y el supuesto “psicólogo”. Digo supuesto porque dudo mucho que una persona que haya estudiado la carrera de psicología pueda hacer una entrevista clínica tan desastrosa.
Lo primero que se hace al comenzar una investigación de este tipo es tratar un tema banal y atractivo para la niña para que ésta vaya cogiendo confianza; jamás se empieza con la brusquedad que lo hace este “psicólogo”.
NUNCA, y lo pongo con mayúsculas porque es algo de absoluta importancia, se hacen preguntas cerradas en una entrevista clínica, y muchísimo menos si la entrevistada es una niña. En la supuesta “entrevista clínica” de la cinta se hacen un conjunto de preguntas que van guiando absolutamente a la pequeña a contar una historia: ¿Te enseñó el pito? ¿Se lo tocaste? ¿Salió algo blanco?... Evidentemente si se pretende comprobar la veracidad de una historia no se pueden hacer preguntas dando por hecho las respuestas, lo natural es dejar que la muchacha cuente lo que vio. Si a un niño no le das información de más nunca va a poder inventarse algo que no ha visto, sin embargo, si haces preguntas cerradas la historia resultante puede ser tan depravada como le haya dado por imaginar al entrevistador.

En segundo lugar: la forma de tratar un asunto tan serio. Antes de hacer una reunión de padres y soltar una bomba de esas dimensiones hay que estar absolutamente seguros de la veracidad de la historia. En el supuesto de que nuestros personajes lo estuvieran (cosa que dudo con la lamentable entrevista clínica), lo primero, antes de hacer pública la noticia, hay avisar a las autoridades y a los servicios sociales encargados de llevar estos asuntos, ellos son los que deben decidir cómo se actúa.
Continuando con este segundo punto, no se puede decir a los padres, tras soltarles dicha desagradable noticia, que busquen signos de abuso en sus niños, ya que probablemente los encuentren donde no los haya. A parte muchos niños tienen dolores de cabeza, se hacen pis en la cama etc., y son mínimas las veces en las que esto es debido a un abuso.

En tercer lugar: la credibilidad que se le da a la niña. Es cierto que una niña es difícil que se invente algo así, más que nada porque son cosas que las crías de esa edad no conocen y por tanto no pueden inventar. Pero una cosa es eso y otra es dar absoluta credibilidad a la acusación y luego hacer oídos sordos y taparla la boca cuando ella dice que todo era mentira. Sobre todo porque está demostrado que cuando un niño dice que ha sido abusado y luego lo niega lo más probable es que sea mentira.

En cuarto lugar: la forma de abordar los sentimientos y comportamientos de los diferentes personajes. Creo que no está nada trabajado este aspecto, las reacciones son incoherentes en su mayoría.
Clara: para que una niña de esa edad suelte una burrada como la que dice no es suficiente con que haya oído a su hermano soltar cuatro palabras que probablemente no sepa ni lo que representan. Una niña que solo oye “mira, apunta derecho al cielo […] es un zipote gigante”, no puede inventarse de la nada una frase coherente como es: “Lucas tiene pito […] si pero el suyo apunta derecho al cielo como un Zipote”, más que nada porque no sabe ni que “zipote” es lo mismo que pito ni nada sobre el tema. Con esto quiero decir que no se ha trabajado suficiente el pasado de la niña para justificar su actuación. Tendría mucha más coherencia si de verdad hubiera sufrido abusos pero por parte de otro miembro de su familia o entorno, ahí sí que estaría contextualizada la frase, una especie de representación de la realidad por medio de otro personaje. Pero aquí el director te suelta una escena en la que su hermano dice una frase, que para la niña no tendrá ningún sentido, y se queda encantado, pensando que con eso es suficiente para justificar el comportamiento posterior.
Lucas: una cosa es que el hombre sea un “buenazo” y no haya hecho nada y otra muy distinta que sea estúpido. ¿Qué clase de persona es acusada de abusos sexuales y se queda tan tranquilo sin contratar a un abogado ni defenderse de ninguna manera? ¿Qué clase de persona recibe una paliza en un supermercado, le apedrean la casa o le matan a su perro y no lo denuncia? Parece que el bueno de Lucas no tiene sangre en las venas.
El padre de Clara: otro que no tiene sangre en las venas. ¿Qué clase de persona cree que han abusado sexualmente de su hija y sigue dirigiéndole la palabra al supuesto abusador? Si de verdad crees la historia no podrías ni verle la cara. No tiene sentido que los demás pueblerinos le peguen palizas y el padre de la niña le compadezca, da igual que fuera su mejor amigo o su hermano, hay cosas que no se pueden perdonar.

En último lugar: el final. Si un pueblo cree que uno de sus habitantes es un pederasta es algo que no van a perdonar en la vida, da igual que pase un año u ochenta, eso es algo que jamás se olvida, no es como una discusión tonta entre colegas.

Hace unos días volví a ver esta película, cuatro años después de que se estrenara. Siempre ha sido una cinta que he valorado mucho, y no es que ahora me parezca un desastre, pero sí que le he encontrado ciertas pegas. A continuación mi análisis:


En primer lugar hablaré de los aspectos técnicos. En este ámbito la dirección es sobresaliente, no le puedo poner ni una sola pega. Lo más destacable en este punto es la ambientación: te envuelve desde el primer instante. Esta atmósfera creada por Scorsese es resultado de una gran elección de escenarios, una excelente fotografía que trabaja con tonos oscuros y una buena banda sonora. En fin, una dirección que, en lo técnico, roza la perfección.


En segundo lugar me quiero referir al guion, y es en él donde encuentro el gran fallo de la película. No es que la historia en su conjunto me parezca mal, pero si el modo en el que está contada:

En mi opinión el guion crea intriga y sorprende a base de engaños: no puedes comenzar una película como un thriller policiaco, una especie de neo-noir, y terminarla como un thriller psicológico. ¡Bueno! Sí que puedes, pero me parece un recurso bastante burdo para crear suspense. De todas formas es la misma técnica que utiliza Lynch en “Mulholland drive” y nadie le ha criticado por eso. Aun así, si la transición entre los dos géneros fuera algo gradual podría pasar, pero es que el cambio supone un giro argumental que destroza toda la trama anterior. Parece la unión de dos películas en una.

Otro punto negativo que le veo es la introducción de flashback continuamente, sin venir a cuento, no hay continuidad entre la historia en presente y el flashback. Además no le veo mucho sentido a estas interrupciones, no aportan ningún dato relevante. Lo que sí me parece que está bien hilado son los sueños, mezcla de recuerdos e imaginación, pero aun así tampoco creo que se haya explotado el recurso correctamente. Además el hecho de mezclar alucinaciones con sueños y recuerdos resulta bastante confuso.

El final me parece correcto en su resolución pero no en el modo de hacerlo. Es un final muy precipitado, muy poco cuidado y con bastantes lagunas argumentales, demasiado radical. Además el hecho de explicarlo todo como si los espectadores fuéramos “tontitos” me parece que deja a la cinta en bastante mal lugar. La verdad, los recursos temporales podrían haberse utilizado con más maestría para conseguir resolver los misterios sin necesidad de este “manual para niños”. Por otro lado, muchas de las soluciones que se le dan a la historia no tienen mucho sentido, de hecho, más bien lo contrario, fastidian la maravillosa trama policiaca.

Por último, otro punto negativo que le encuentro al guion es el hecho de que las alucinaciones carezcan de significado psicológico. En otras cintas como, por ejemplo, las de Lynch, todos los hechos oníricos tienen significado argumental, sin embargo aquí parecen estar solo de relleno. La relación entre subconsciente y realidad es mínima, no se profundiza en la mente del protagonista en ningún momento. Como ya he dicho, son dos historias totalmente independientes mezcladas de una forma muy forzada, sin una continuidad coherente.

En conclusión: Si la película hubiera continuado como un film de intriga policiaca con toques de cine negro y hubiera terminado así el resultado habría sido monumental, porque la cosa iba muy bien. Si el thriller psicológico hubiera utilizado los recursos del género de mejor manera, dando a entender una relación entre lo real e imaginario, si hubiera prescindido de la explicación final (por ejemplo, introduciendo ese pasaje al principio de la película) el resultado habría sido monumental. Pero este intento de satisfacer todos los gustos da lugar a un resultado muy poco cuidado.


De todas maneras el film no es desastroso como podría deducirse al leer mi análisis del guion. La cinta es sorprendente, sobrecogedora y muy muy entretenida. A pesar de sus más de dos horas de metraje en ningún momento se hace pesada. Además las interpretaciones son muy buenas en general, para mí la más destacable la de Ben Kingsley. También hay que resaltar el definitivo final de la cinta, para mí magistral, con una cita para la historia: “Este lugar hace que me pregunte que sería peor, vivir como un monstruo o morir como un hombre bueno”.

Una película muy entretenida e intrigante que recomiendo a todos ya que, a pesar de que el guion cuente con bastantes fallos, la sensación general es muy favorable y hace olvidar esos pequeños detalles.

Desde mi punto de vista Moonrise Kindomg destaca, por encima de todo lo demás, por su dirección. Una dirección original, dinámica y atrevida que despunta por tres características: ambientación; planos y movimientos de cámara, y efectos.
Con una dirección artística muy cuidada (sobresaliente) y un vestuario acorde con la misma se consigue una ambientación de cuento mágico, un toque surrealista pero interesante que puede recordar al de otras películas como “Big Fish”. La dirección destaca en todo momento los colores básicos y llamativos: sobre todo el amarillo, que es el predominante en todo momento, pero también otros como el rojo o el azul.
Los planos están extremadamente cuidados, parece que el director ha querido seguir los pasos de Kubrick en este aspecto. La simetría durante toda la cinta es asombrosa. Además los movimientos de cámara también son notables, con unos travellings que parecen seguir trayectorias geométricamente perfectas en todo momento. Estos dos aspectos técnicos se pueden apreciar ya al comienzo de la película, donde el director pasa de grabar una habitación a otra con unos desplazamientos totalmente matemáticos.
Por último cabe destacar la introducción originales efectos como la colocación de cartas y mapas a lo largo de la cinta con un montaje excelente; o la aportación de datos interesantes sobre las islas por medio de un peculiar hombrecillo, de nuevo con unos planos y montaje característicos.

En cuanto al guion, que ha sido lo más destacado por la crítica, no tengo mucho que decir. A mí personalmente no me ha parecido tan excelente. Es un guion muy original pero a su vez muy simple; además, la originalidad no promete calidad. La trama en ocasiones se hace pesada, no mantiene del todo el interés (o por lo menos el mío). Para mí la historia es estándar, no relevante excepto por su singularidad.

En conclusión: Una cinta que no destaca por la historia pero si por como esta está tratada. Muy interesante para disfrutar de su estética y ambientación.

Con un guion que ocupará, a lo sumo, dos páginas escritas, Refn pretende contextualizar infinitas dosis de violencia. Pero la violencia gratuita solo tiene una explicación (que no justificación), el sádico placer de disfrutarla, y, puesto que yo no comparto dicho placer, este salvajismo me parece inexcusable.

De todas formas, atendiendo a la dirección de la película, concluyo que Nicolas no pretende basar la violencia en una trama, sino más bien crear una especie de poema visual a través de la brutalidad. Pero para mí, por mucha estética que le imprimas a la sangre, los puñetazos y los asesinatos estos no cambian su repugnante naturaleza y siguen siendo despreciables, no admirables como se pretenden presentar aquí.

La estética visual de esta cinta es impresionante, eso hay que admitirlo. La fotografía es inmejorable por su fantástica utilización de la iluminación y el color; hay ciertas escenas que enamoran. Pero el resto de atributos no tienen nada que YO pueda defender.
La dirección me parece técnicamente buena pero extremadamente pedante, con unas tomas eternas e insulsas que pretenden mostrarse profundas y solo consiguen ser pretenciosas hasta el agotamiento.
El montaje es tan lento que da tiempo a echarse una siesta en cada toma y despertarse sin que esta haya terminado. Algo que reafirma el hecho de que este director es un magnífico vendedor de humo.
La dirección de actores está tan milimétricamente calculada que los personajes se presentan totalmente antinaturales, parecen robots en vez de personas.
La única actriz mínimamente salvable es Kristin Scott Thomas, los demás protagonistas son todos sustituibles por figuras de cera con ruedines. Estos actores deberían aprender que introversión no es sinónimo de apatía. Sobre todo Gosling, que repite y, aunque parecía imposible, intensifica la inexpresividad de su papel en “Drive”.
La banda sonora es musicalmente anodina pero sobrecargada de violentos efectos sonoros. Y en cuanto al resto de características de la cinta no hay nada destacable, ni malo, ni bueno.

En conclusión, aunque rocíes una mierda con pepitas de oro, la bañes en Chanel Nº5 y la hagas llamar “excremento melifluamente ornamentado y sutilmente perfumado”, sigue siendo lo que era antes, una mierda.

La historia (o historias) de "Corre, Lola, corre" no tienen mayor interés, el guion, todo hay que decirlo, es muy muy pobre. Por lo menos bajo mi punto de vista.
Pero este insulso guion es compensado con una dirección notable y un montaje de escándalo. En esta película se demuestra como el manuscrito no lo es todo, y como un director o un montador pueden crear un producto totalmente diferente a otro con la misma base.

A mi no me ha parecido una cinta especialmente entretenida (tampoco aburrida) debido a su sosa historia, que en un principio es eclipsada por los atributos técnicos, pero que con el tiempo se hace algo tediosa por ser muy repetitiva. Aun así sí que me ha resultado agradable disfrutar de su magnífico montaje; su gran dirección y su buena banda sonora, adaptada al milímetro a cada situación.
Me parece un film interesante de ver por su originalidad.