La película, como todo buen cine de aventuras, cuenta con romances, luchas, abordajes, etc. Eso sí, como todo el mundo ha reflejado aquí, la cierta violencia explícita que a veces puede verse, sorprende bastante para la época en que está hecha. Secuencias como cuando el halcón de Eric se lanza a dejar ciego a Einar, o como cuando el rey inglés Aella (Frank Thring) ordena cortarle la mano a Eric, destacan por su veracidad, pero añaden drama y tensión a una película en las que las escenas inolvidables se cuentan por puñados: Douglas bailando encima de los remos, Eric siendo sumergido en medio de cangrejos carnívoros, Ragnar lanzándose ("con la espada en la mano, para morir como un vikingo") al pozo de los lobos, Eric huyendo en medio de la noche y la niebla con Morgana (Leigh) en un barco y la posterior persecución de Einar....

Y el final. Qué final. Ese duelo a muerte entre Einar y Eric en las almenas del castillo, peleando por la mujer que aman... Al final, Einar tan fiero como es durante toda la película, tiene un destello de compasión, que acaba pagando... entrando así en la inmortalidad por medio de un funeral vikingo tan arrollador e inolvidable como la música y los coros de Nascimbene que los acompañan. No, ya no se hace cine así.

El problema, precisamente, de enfocar el argumento y el tono de la película como un híbrido entre las adaptaciones shakesperianas que Branagh ha hecho en el cine, y el Drácula de Coppola; es que intenta tomar las declamaciones y los parlamentos de los actores en cualquier obra de Shakespeare (además del particular estilo del director para adaptarlas a la gran pantalla); y el novedoso y estético estilo que Coppola creó al adaptar la novela de Bram Stoker. La mezcla a veces no funciona demasiado bien, y aunque, como he dicho antes, refleje el estado de ánimo del protagonista; secuencias como el intento de reanimar al profesor Waldman de la cuchillada mortal que le asesta un De Niro pre-criatura, o la conversación entre Branagh y Hulce en la calle, son rodadas con unos movimientos de cámara ciertamente un poco mareantes, y que de nada sirven (movimientos que sí veo lógicos, por ejemplo, en la secuencia clave del filme: la creación de la criatura). Además, aunque Branagh inserte momentos de humor (mayoritariamente protagonizados por Hulce y Helena Bonham-Carter), la verdad es que algunos (como el del brazo del mono) son un poco tontorrones e infantiloides. Por estos y por otros motivos, la película fue arrasada en un abrir y cerrar de ojos (Branagh se reconciliaría dos años más tarde con la crítica con esa joya llamada "Hamlet"); pero la verdad es que en general resulta una buena adaptación, con buenos actores, una música sencillamente espectacular, estridente, mayestática, grandilocuente y genial del gran Patrick Doyle; un sentido estético abrumador y un desatado tono romántico, terrorífico y teatral.

Tampoco falta, por supuesto, el inevitable papel del gran actor Stephen Rea, habitual del director durante casi toda su carrera. La película reflexiona sobre el drama de ser inmortal y de tener que matar para seguir siéndolo, y es el personaje de Brad Pitt el que soporta la carga de ese dilema.

Una gran película de terror fantástico, infravalorada en su día, pero que demuestra que se pueden rodar superproducciones con estrellas, y dotarlas de inteligencia y buen gusto.

Inenarrable (ahora me parto de risa) la secuencia donde Doug parece que por fin va a explotar en mil pedazos, y de repente aparece una escuadrilla de cazas americanos, y la música se vuelva atronante y Doug grita: "¡¡Son de los nuestros, papá!!. ¡¡Son americanos!!", y los cazas árabes salen de ahí cagando leches. El final es lo más patriótico que he visto nunca, con ese avión presidencial rodeado de globos, y saliendo de él, los héroes del día: el padre (la madre sale corriendo hacia él), y el hijo (la novia y los amigos salen corriendo hacia él). Aconsejo tener kleenex en esta secuencia, el ataque de risa puede ser mortal.

El guión ha condensado las cinco novelas escritas más las dos que están sin escribir, y ello es una tarea endemoniadamente difícil, y creo que el director ha sabido eliminar y conservar aquello que merecía la pena, a pesar de que a veces el ritmo resulta un poco lento para quien no se haya leído ni un sólo libro. Porque, al condensar cinco novelas repletas de peripecias y sucesos, se tiende a contar todo demasiado deprisa (como sucede en 15 minutos del primer tercio del filme, los de la escaramuza de los dos ingleses, a mi juicio el peor tramo del filme), y todo puede resultar lioso en nombres, personajes y situaciones, y me parece que en esos 15 minutos a Díaz Yanes se le fue un poco la mano. Pero después las cosas van más lentas y sosegadas, con largos diálogos y sugerente atmósfera, donde las aventuras se van sucediendo con más calma y mesura. Y así hasta el final. Qué final. De los mejores que he visto nunca.

El casting ha resultado ser muy positivo, con un Viggo Mortensen que se mete en su papel, ayudado por su físico, y cuyo acento extraño resulta muy adecuado (a pesar de lo que digan algunos) para la taciturnidad y oscuridad del personaje. Un 10 para Viggo. Los demás lo hacen de maravilla, la verdad, todos luciendo absolutamente creíbles sus personajes, siendo los mejores, a mi entender, Juan Echanove (impagable Quevedo), Eduard Fernández, Javier Cámara, Enrico Lo Verso, Unax Ugalde y Elena Anaya (guapísima y misteriosa). El punto negro lo pone Eduardo Noriega, ya que, si sus colegas desaparecen en sus personajes, cuando veía al personaje del conde, no veía al conde, sino a Eduardo Noriega actuando como un conde. A pesar de su esfuerzo, su conde de Guadalmedina es quizá el personaje peor construido de la película. Blanca Portillo da el pego con su papel masculino de Fray Emilio Bocanegra, y destacar el pequeño papel de Pilar López de Ayala.

Si el trabajo actual es casi redondo, el de fotografía, producción y música es redondo al 100%, con unos escenarios bellísimos de Úbeda, Cádiz, y demás, y la fotografía hace que ciertos planos parezcan cuadros de Velázquez (ese guiño a "La rendición de Breda") en movimiento, ayudado todo ello por la excelente caracterización de los actores, y la música de Roque Baños es perfecta para acompañar a las imágenes, destacando el tema que suena el final.

Tengo que decir que soy plenamente consciente que una película de estas características siempre tendrá a su grupo de admiradores, y a su grupo de detractores (y más teniendo en cuenta que Pérez-Reverte despierta pocas simpatías en algunas personas), cada uno de ellos con su puñado de razones. Yo pienso, con sus fallos de ritmo, de guión y de interpretación (Noriega), que la película es espléndida, mostrando con realismo y crudeza aquella época, cómo eran los que sostenían en sus brazos el imperio cada vez más frágil, y cómo morían por sus gobernantes ignorantes e incultos. Lo que viene a ser un fresco de por qué España es hoy lo que es.

Lo del caballo que fuma en pipa y bebe alcohol es de traca, digno de Los Morancos. El malo Nick Chinlund da tanto miedo como José Luis Moreno, y lo mejor es el personaje de fray Felipe, un cura que vela por sus feligreses, se pone hasta arriba de vino, lucha con una sarten, y sobrevive a un balazo gracias a la cruz que lleva al cuello. Qué pena.

Como curiosidad, hay que destacar la primera aparición de un joven Robert Duvall en el papel de Boo Radley, el vecino fantasma que intriga a los niños. Los momentos míticos en el filme se cuentan a puñados, como el largo monólogo de Atticus en el juicio (inolvidable), la conversación entre Atticus y Scout en le porche de la casa, cuando el padre de la supuesta "víctima" escupe a la cara de Atticus, etc., etc.

Es curioso que el personaje de Sean Connery, Ramírez, sea considerado egipcio-español. Una rareza. La película está llena de momentos ya míticos, como el duelo final entre Kurgan (Brown) y Connor en la nave industrial abandonada; todas las instrucciones y consejos que ofrece Ramírez, el duelo Ramírez-Kurgan, etc. El hieratismo de Lambert favorece la melancolía y rudeza de su personaje.