Apruebo a "Autómata" porque no siempre se ve a actores consagrados de Hollywood arríesgándose en empresas como ésta, apostando por proyectos de bajo presupuesto y enfrentándose a la realidad que supone tener que tirarlos para adelante.

Lo bueno de "Autómata" es que es honesta, no pretende engañar al público. Lo malo, que difícilmente entusiasmará a nadie.

La primera parte funciona decorosamente. Banderas interpreta un personaje complejo, de matices, que combina los ademanes funcionariales de un agente de seguros con el heroísmo de quien busca una salida digna a su vida en una civilización que se está yendo al traste. El paisaje postapocalíptico de ciudad bañada de lluvia ácida, tipo "Blade Runner", está muy visto, pero resulta aceptable como escenario de la historia que se quiere contar, y con un mensaje trillado pero en cualquier caso muy actual. La película sigue patrones del cine clásico de ciencia-ficción, tan evidentes que casi la convierten en una obra innecesaria y redundante. Sin embargo, el film también atesora la riqueza que le proporciona la reflexión sobre la necesidad de poner límites al progreso y, sobre todo, las aristas de su personaje principal, un ser humano que se enfrenta a las expectativas de una vida sin futuro con la angustia que le produce el hecho de ser padre.

En la segunda mitad, sin embargo, la película descarrila. La estética de paisajes desérticos recuerda en exceso los productos del cine americano más comercial, y mejor no hablar del diseño y comportamiento seudohumano de los autómatas. Falta originalidad, y en esta parte del film no hay un relato con el interés suficiente como para sostener el conjunto. El argumento desemboca en una lucha "bueno contra malos", con un tratamiento animalizado y casi ecologista de los robots, y todo como materialización de un mensaje de crítica a la sociedad postindustrial que termina sonando tan manido que parece rancio.

Admito que hay alguna escena brillante, como la del ascensor, pero en general "Annabelle" decepciona. Uno consideraría que es una película predecible si no tuviese tantos agujeros de guión, y elementos que parece que buscan despistar más que otra cosa. Hay escenas sencillamente inverosímiles (personas que se meten en casa del vecino porque piensan que ha entrado alguien, en plan héroe, sin pensar en llamar a la policía) y otras que constituyen cabos sueltos que te dejan con cara de tonto al pensar en ellas después de ver la película (vecinitos que dibujan). Me parece una tomadura de pelo pretender generar terror a partir de recursos artificiales, que no se integran de forma coherente en la trama. Supongo que así dan pie a otra película de la saga...

Con independencia de todo eso, Annabelle genera muy poca tensión en el espectador. A lo sumo, un puñado de sustos gratuitos de los que dejan sensación de estafa. Supongo que "Annabelle" quiere ser una película diferente, basándose en la idea de la muñeca malvada, pero apartándose deliberadamente del ideario del "muñeco diabólico" (nunca un espíritu maligno fue tan estático en la pantalla) y buscando conexiones con "La semilla del diablo"... Pero, en general, el producto es aburrido porque ni la historia engancha, ni la manera de rodar es lo suficientemente estimulante. En fin, un producto alimentició más, de bonito envoltorio, que sólo gustará a un sector limitado del público.

Me parece un sarcasmo que buena parte de la crítica y del público ensalce esta película como una brillante reflexión sobre el lenguaje, y que a la vez se admita que no se ha entendido lo que el autor quiere decir.

Bueno... ¿Es "Adieu au langage" una reflexión sobre el lenguaje cinematográfico? Quizá lo sea, pero sólo si consideramos la palabra lenguaje desde un punto de vista formal. Godard hace una disección de los modos de expresión cinematográfica, destruye-construye-deconstruye una película a base de jugar son sus herramientas, pero a mi entender se queda en la experimentación y la provocación. No hay mensaje, no hay relato, ni continuidad... Me pregunto si la película no podría ser igual si comenzásemos a verla por el minuto 23 y, llegado el final, continuásemos viendo desde el minuto 1 al 22; o si solamente viésemos una mitad; o sólo los minutos pares... Frases sueltas e ideas sugerentes pero inconexas, eso es el Godard de hoy. Es cierto que hay evocadoras imágenes en donde se juega con la profundidad de campo, y hay un uso audaz del 3D que me ha dejado bizco en varias ocasiones... Pero esta película no me ha emocionado en absoluto, me ha dejado la misma sensación de frialdad que casi todo el cine de este autor. Este film es tan plomizo y críptico como los anteriores de Godard. Todo depende de la buena disposición que tengas para disfrutar de los retazos sueltos de este collage denso y abstracto.

Puedo valorar la valentía de este autor, la importancia que ha tenido en la Historia, y la influencia que puede tener en muchos cineastas que exploren nuevas formas artísticas y de comunicación cinematográfica, pero ello no es incompatible con decir que "Adieu au langage" es un film engolado, pedante y, lo que es peor, aburrido.

No he visto nada destacable en esta película, la verdad. Puede decirse a favor de "Aux yeux des vivants" que es un film que no engaña. No hay trampa ni cartón. Es una película que resultará entretenida a quien disfrute de este género de "pelis de monstruo": un ser extraordinariamente cruel que deriva de una infección maligna y desconocida, un grupo de niños-jóvenes que de modo casual descubrirán su existencia, un escenario decadentemente romántico como unos estudios abandonados, el despiadado ataque a las casas, una madre que lucha por proteger a sus hijos... Un argumento muy convencional, rodado de un modo muy convencional, y que no puede despertar más interés que el de quienes disfruten dejándose arrastrar por este terror palomitero. Es un film francés, pero bebe descaradamente del cine americano ochentero de VHS. Y no aporta prácticamente nada nuevo, quizá un poquito más de sangre. Punto.

Esta película es tan barroca y excesiva como “Cosmópolis”, pero supongo que gustará más al público, debido al tema que aborda (siempre gusta ver en pantalla que los ricos también lloran y que los ídolos llevan una vida tan desgraciada como la del resto de mortales) y, sobre todo, por su apuesta por la comedia más negra. El habitual tono distante de las películas de Cronenberg puede dar cierta pesadez a la trama, pero constituye también un vehículo adecuado para que las penurias de las estrellas de Hollywood resulten más patéticas. El impacto de “Maps to the stars” se consigue gracias al contraste entre el realismo de sus formas (incluso vemos a Carrie Fisher haciendo de Carrie Fisher) y lo extremado de sus contenidos. Todos los actores se adaptan como un guante a esta manera de rodar. Algunos diálogos pueden resultar plomizos, y determinados pasajes como el de Julianne Moore en el lavabo se antojarían superfluos en otro tipo de historias, pero todo ello sirve de contrapunto necesario en una trama que, de otro modo, resultaría exagerada e inverosímil. Cronenberg nos muestra que bajo el lujo de Hollywood se esconde una selva en la que las personas han aprendido a vivir con un código propio. Los personajes terminan asumiendo como algo normal que un menor de edad cometa los delitos más execrables, o sea un adicto a las drogas… El incesto, el maltrato, el soborno, la crueldad… Todo es justificable por poder seguir saliendo en la foto. Una entrevista en televisión, en horario de máxima audiencia, será el mejor modo de expiar cualquier culpa. En realidad, “Maps to the stars” no nos cuenta nada que no sepamos, aunque sí llama la atención el modo sarcástico y punzante en el que Cronenberg, fiel a sí mismo, nos relata la historia.

Habrá quien critique “The voices” por la frivolidad con la que aborda las enfermedades mentales. No obstante, no creo que eso deba ir en contra de esta película. De hecho, este film admite distintas interpretaciones sobre el tema. Más allá de estas reflexiones psico-sociológicas y de los guiños a las películas de "serial killers", "The voices" es, por encima de todo, una comedia. Y, en mi opinión, es una comedia muy entretenida. Ryan Reynolds está sobresaliente y soporta todo el peso de la trama. Un ritmo acelerado pero preciso, unos gags divertidos y, sobre todo, las ingeniosas aportaciones de un perro y un gato como voz de la conciencia del protagonista, hacen de este film un divertido entretenimiento. Hay una decidida apuesta por el disparate, y un sentido del humor muy negro que termina impregnándolo todo. Los episodios de violencia más o menos gore y el descalabro mental del protagonista se viven como elementos necesarios de la trama, nada gratuitos. No es una obra memorable, y quizá no sea plato de gusto para todo el mundo, pero la recomendaría sin dudar. Al final, entre la gracia de la peli y los brillantes títulos de crédito, me han entrado ganas de bailar la conga.

Me he quedado con cara de tonto. La película empieza bien. El conflicto que vive un honesto padre de familia que ha de enfrentarse a una situación extrema para proteger a su familia, y las consecuencias que sus actos acarrean en una pequeña ciudad americana, se plantean de una forma interesante. Michael C. Hall desprende todos sus miedos con apenas una mirada. La aparición del personaje de Sam Shepard y la extraña actuación de la policía abren nuevos caminos en una historia muy rica, con muchos matices. Sin embargo, en un momento dado, todo cambia como un calcetín al que se le da la vuelta. El protagonista da un giro copernicano a su modo de pensar y a su comportamiento, en una transformación que no se transmite bien y que resulta forzada hasta para el espectador menos exigente. A partir de ese momento, la trama languidece, todo se limita a las andanzas de los tres protagonistas en una historia de redención muy plana, sin interés. El hecho de que Don Johnson esté gracioso en su papel sirve de poco. Es más, creo que todos los actores (Hall, Johnson, Shepard, Shaw...) están bien, la culpa no es suya. Una historia que prometía mucho se convierte en una trama tonta y, lo que es peor, incoherente. No sé si la novela original ofrece un tratamiento más verosímil. En esa segunda parte, he estado deseando que la película diese un nuevo giro, y volviese hacia los planteamientos iniciales. Y, cuando ya era obvio que eso no pasaría, sólo me ha quedado esperar a que acabase cuanto antes. Qué pena...

Posiblemente no gustará demasiado a quienes creen que el cine de terror debe consistir en una sucesión de sustos que te hagan botar en la butaca. "Oculus" es, sobre todo, una historia muy bien relatada que, además, acongoja. He de reconocer que durante los primeros minutos la película no prometía grandes cosas. Dos hermanos se reencuentran años después de un suceso familiar trágico ocurrido en su infancia, y deciden enfrentarse a la maldición de un espejo al que culpan de lo ocurrido. La elección del espejo como centro de la trama tampoco parecía una decisión muy brillante, se trata de un objeto de simbolismo obvio, muy explotado en todo tipo de historias.

Sin embargo, lo que podría ser una película de terror al uso, con flashbacks intercalados y un juego de contraposición realidad-reflejo, evoluciona de un modo que al menos a mí me ha sorprendido. "Oculus" va de menos a más. Las dos tramas de pasado y presente no se abordan en forma de flashback, sino que evolucionan de un modo muy particular. Inicialmente, transcurren en paralelo, pero el límite que separa los dos lados del espejo se difumina progresivamente. La tensión es creciente, hasta llegar a una media hora final verdaderamente brillante. Flanagan atrapa al espectador y le lleva por donde quiere. Pasamos de un tiempo a otro, o de un lado a otro del espejo, mediante meros movimientos de cámara. El efecto de terror y suspense se consigue a través de ese juego de submundos. El espectador puede sentir angustia por no saber en qué lado está en cada momento, pero ese desconcierto no supone, en ningún momento, desengancharse de la historia. El desenlace es conherente y no decepciona, lo cual es decir mucho en un género que suele solucionar tramas deliberadamente complicadas con salidas "fuera de tiesto".

En resumen, aunque "Oculus" parta de planteamientos muy convencionales en el género, se trata de una película en la que el director demuestra tener respeto por la historia y por el espectador, y en mi opinión consigue provocar las sensaciones que pretende. En definitiva, una entretenida y honesta película.

Según dijo su director, el espectador no ha de intentar entender "La distancia", simplemente ha de disfrutarla. Pues bien, yo no he entendido nada, y disfrutar... Más allá de un par de planos bonitos, este film no ofrece nada. El ambiente y los paisajes pueden ser evocadores, pero una vez presentados se supone que la película ha de contar algo. El hecho de presentar unos enanitos con poderes sobrenaturales no sostiene una historia, menos aún un largometraje. Es más, me parece bastante ruin pretender que todo el atractivo de la historia gire a partir de un puñado de detalles disparatados. El argumento es muy flojo, la trama apenas evoluciona, y toda la supuesta gracia de la peli se basa en una sucesión de situaciones extravagantes en unos escenarios de desolación. Y, si el argumento podía ofrecer algún tipo de intriga, el desenlace no puede ser más desalentador. Es posible que ésta sea una película original, pero no por ello deja de ser un ladrillo. Un original ladrillo.

Reconozco que hay momentos de la película que me chirrían un poco, como la escena inicial, y algunos comportamientos y reacciones no del todo creíbles, como los que se viven en la relación entre Ian y su mujer. Seguramente, el punto débil de esta película es el enfoque de las relaciones entre los personajes. Pero, a pesar de ello, “I Origins” es una película muy meritoria, que combina con gran precisión géneros muy antagónicos (ciencia-ficción, comedia romántica, thriller…). Quizá es la forma de mezclar estos ingredientes, más que el contenido en sí, lo que hace que esta película resulte original. Incluso los drásticos giros de la trama se perciben como algo verosímil. La película atrapa prácticamente desde el inicio, y mueve a la reflexión del espectador planteando de forma armónica y congruente un interesante debate sobre ciencia y espiritualidad. El conjunto no indigesta, y en este caso eso es un grandísimo mérito. En suma, una película entretenida, con un argumento bien engarzado, dosis de tensión muy calculadas, una intriga casi policiaca, y que además invita a pensar... Aunque no sea una obra maestra, no creo que se pueda pedir más…

Las continuas referencias cinéfilas y unos cuantos golpes de humor de mérito no sirven para tapar la falta de pegada de esta historia. "Pos Eso" quiere ser mordaz pero no pasa de ser una crítica bastante tópica a la España más rancia, con un argumento que no destaca precisamente por su originalidad. El tono desvergonzado y gamberro no puede bastar para hacer una buena película, y lo cierto es que el film se me ha hecho largo, a pesar de su escasa duración. Dicho ello, tampoco hay que cargar las tintas, el propio título es una declaración de intenciones sobre la falta de pretensiones de esta película, y precisamente en su banalidad y frescura están sus grandes virtudes. Hay una incuestionable audacia en la elección del formato, y se aprecia un afán por investigar en las posibilidades que ofrece. Es más, la cuidada factura de la película, con la viveza de sus colores y el cuidado por el detalle, contribuye a dar gracia a algunas escenas que de otro modo no tendrían tanto tirón. Sin duda, eso es lo que resulta más interesante de la película. En fin, una película que se disfrutará más por su destreza técnica (todo un reto) que por la construcción de la historia. El argumento importa poco y el desenlace acaba siendo banal, pero uno sale de la película con la sensación de que esta propuesta anuncia nuevas obras más desarrolladas que pueden ser verdaderamente interesantes. Al loro.

"Musarañas" es una divertida mezcla de géneros, que entretiene como muchas grandes películas del aquí productor Álex De la Iglesia. La tormentosa relación entre dos hermanas huérfanas en plena posguerra podría haberse enfocado desde el punto de vista del terror psicológico más crudo, sobre todo gracias a una Macarena Gómez que hace una interpretación colosal, consiguiendo que su personaje encarne la maldad más absoluta y, a la vez, provoque una gran ternura. Los guiños al gore y a la comedia negra funcionan perfectamente. “Musarañas” es un curioso cóctel que puede agradar tanto al público más convencional como a los fans más “frikis”. Llama la atención el extraño contraste que se produce entre la limitación de espacios y la luminosidad de los planos. Aunque me parecen discutibles las apariciones del padre (en forma de flashback o de éxtasis onírico de la protagonista) la tensión va in crescendo y el espectador se ve atrapado por la historia. La borrachera final, a pesar de lo explícito y estrambótico de muchas escenas, nunca da la sensación de ser gratuita.

Para mí, el gran mérito del film es su honestidad y su particular verosimilitud. Hay una extraña coherencia interna, aunque muchos momentos sean un puro disparate. El argumento está bien trabado, con las relaciones entre los personajes perfectamente construidas y con un final impactante que cierra la trama. En fin, “Musarañas” es la mejor demostración de que si se tiene una buena historia y el director y los actores hacen bien su trabajo, hasta los planteamientos más alocados pueden justificarse. Recomendable para pasar un muy buen rato.

Se ha de reconocer que “L’endemà” es un documental formalmente bien hecho, realizado por profesionales que han sabido presentar un formato ágil y dinámico, combinando opiniones de expertos con declaraciones más “a pie de calle”.

El problema, sin duda, es de contenido. Esta película es un documental muy pobre, mucho más promocional que analítico. Seguro que “Lèndemà” gustará a quienes comulgan con el mensaje que transmite la directora, pero difícilmente moverá a reflexionar a quienes de entrada tenemos un posicionamiento más escéptico.

Hay que decirlo, toda la primera hora es pura propaganda. El documental se limita a apuntar las hipotéticas bondades que tendría el nuevo estado de Catalunya (sin ñ, por supuesto, aunque hablemos en castellano), en una versión moderna del cuento de la lechera. Pero se queda ahí. Todos nos apuntaríamos a un estado en el que hubiese una democracia de más calidad, se potenciasen adecuadamente la educación, la cultura y la investigación, en el que no hubiese fraude fiscal, ni corrupción política, y en donde se respetase el medio ambiente... Y en el que, por supuesto, el Barça pueda seguir jugando en una gran liga europea (no la liemos...) y en el que aún podamos ver Antena 3 y Tele 5 (bueno, a esto yo no me apuntaría). O sea, una independencia "a la carta". Eso sí, nadie justifica ni por asomo cómo se podría alcanzar todo esto en una Cataluña independiente, más allá del vago argumento de que España “nos dejaría de robar”... Por supuesto, Europa suplicaría al nuevo estado su entrada inmediata en la UE, despreciando lo que pudiesen decir el gobierno español y otros países con conflictos parecidos en su seno.... En fin, todo es de una ingenuidad "buenista" que causa sonrojo. Curiosamente, la cruda realidad ya ha hecho que esta idílica exposición presente serias grietas... El "escándalo Pujol" explotó incluso antes de la fecha de estreno de este documental, con lo que las escenas relativas a la corrupción política ya no pueden tener un pase, ni siquiera para los más irredentos adeptos a la causa.

Y todo ello por no hablar del tono reduccionista de toda la película. No hay matices, no digamos autocrítica, y el mensaje se fundamenta en una visión histórica parcial, siempre victimista. Se hace de la coyuntura la norma general. No se exponen con rigor los posibles argumentos que puedan existir en contra del llamado “proceso” (que no tiene por qué significar oposición al independentismo, es un matiz que parece que a la Sra. Passola ni se le ha pasado por la cabeza). Total, un autobombo rancio que termina provocando la sensación contraria de la que se pretende. A mí todo esto me recuerda al país “de charanga y pandereta”, aunque lo queramos disfrazar de modernismo progre. Cuando oigo en la película hablar de lo que ocurrió en 1714 y de los "300 años de construcción nacional", me viene a la cabeza El Cid Campeador ganando batallas después de muerto... Yo lo percibo así...

La metáfora de la pareja que se separa es tan candorosa como inapropiada...

Es cierto que los últimos 20 minutos, que abordan la cuestión estrictamente política, son más aceptables, ya que aquí sí se abre un poco la posibilidad de contraponer ideas. El problema es que también en esta parte la película ofrece un planteamiento cojo, limitándose a exponer como únicos argumentos en contra de este “movimiento” los más burdos de la artificial confrontación Catalunya-España. Se ventilan de un plumazo circunstancias que tendrían gran relevancia en este debate, y que merecerían una visión más amplia (moneda, pertenencia a la UE, opiniones de instituciones y gobiernos, reconocimiento internacional, inversiones, cifras de paro, seguridad social...). Isona Passola no ha sabido ver que la crítica a la ideología que expone "L'endemà" no se limita a quienes quieren seguir dentro de España, sino también a quienes no están seguros de las consecuencias que podría tener completar un proceso de independencia de un modo unilateral. Eso habría ayudado al espectador a adoptar una toma de postura verdaderamente consciente.

En fin, si Passola sólo quería hacer proselitismo, se le ve demasiado el plumero. Si lo que deseaba era generar debate, lo ha hecho francamente mal.

"REC 4" no es una mala película, y posiblemente agradará a algunos incondicionales del terror y a los fanáticos de la serie. Pero tampoco creo que vaya a levantar pasiones. Balagueró, quizá consciente de que la cosa no da para más, lleva a cabo una nueva entrega de la saga, rodada esta vez de manera convencional, prescindiendo de aquellos rasgos que hicieron original el primer "REC". Son inevitables las comparaciones. Ésta no es la peor, pero...

La película está correctamente rodada, no pone trampas al espectador más allá de lo razonable, y desarrolla las escenas de suspense y acción de una forma atractiva, aprovechándose de la limitación de espacios y de los contrastes de luz que el escenario elegido proporcionan. Manuela Velasco está sobresaliente, aunque quizá no pueda decirse lo mismo del resto del elenco. La historia, en cualquier caso, no ofrece muchas novedades. Lo convencional no sólo está en el formato y en el estilo, sino que en general todo el contenido de la película da la sensación de refrito. El argumento se desarrolla en un carguero en alta mar, como podía hacerlo en el edificio del Eixample barcelonés, o en cualquier otro sitio. En cuanto a contenidos, se trata de dar vueltas a la misma idea una y otra vez. Por ello, y aun reconociendo que la película es entretenida y está hecha por gente que ama el oficio, lo mejor que se puede decir de ella es que Balagueró ha jurado y perjurado que será la última. Que así sea.

Este film ha abierto la edición 2014 del Festival de Sitges. Aprovecho el dato para añadir un último apunte. El hecho de que Sitges haya dedicado en dos ocasiones sus ceremonias de inauguración a presentar entregas de esta serie ("REC 2" en 2009, "REC 4" en 2014) evidencia que este festival está muy lejos de poder compararse a los grandes, no sólo por el dinero, y que la apuesta por el riesgo de la que hace gala no es tal. Dime de qué presumes...

Ti West ofrece un relato de terror con todos los tópicos del género (un hotel desangelado con un espíritu que lo habita, jóvenes que intentan trabar contacto con fantasmas, vidente, anciano enigmático...), pero sin recurrir a los clichés en el desarrollo del relato. El resultado es muy pobre debido a que la historia no da para mucho, y si además el director no sabe transmitir tensión, el resultado es una película más bien aburrida, lo cual es lo peor que se puede decir de una película de miedo. Está bien que el director quiera prescindir de los sobresaltos habituales del terror palomitero, pero a cambio ha de saber generar la suficiente adrenalina. Y, en mi opinión, no lo consigue. El conjunto es hueco e insustancial, y el colofón es un final muy pobre. En suma, totalmente prescindible.

Una entretenida película de espías muy poco convencional. “El hombre más buscado” no es la farragosa historia que obliga al espectador a estar pendiente de todos los hilos de la trama, ni está sembrada de escenas truculentas de acción y asesinatos... Los agentes secretos aparecen como seres de carne y hueso a los que se les encomienda un trabajo sordo que toda la sociedad ha decidido aceptar e ignorar al mismo tiempo. En ese entorno, las interpretaciones de todos los actores son esenciales para transmitir credibilidad y tensión. Por supuesto, destaca un Philip Seymour Hoffman eficaz como siempre, que carga sobre sus hombros con el peso de la historia. Para él y sus colaboradores (estupenda Nina Hoss) el ser agente secreto no parece una profesión, sino más bien una especie de sacerdocio. En cualquier caso, todos los personajes están muy bien construidos, su participación en el argumento deriva de una trayectoria vital que la película apunta, aunque no la desarrolle, lo que otorga al film un tono de gran verosimilitud. Cada uno (el banquero, la agente americana, el magnate musulmán, el inmigrante checheno, la joven abogada...) deriva de una subtrama de la que nos gustaría saber más. El guión es sólido y el ritmo es pausado, como si el director quisiese que ningún espectador se pierda por el camino. Toda la película rezuma profesionalidad y buen hacer. Para terminar, el final es muy coherente, e invita a reflexionar al espectador sobre muchas cosas del mundo “civilizado” en el que vivimos. Recomendable, incluso para aquellos que no sean especialmente aficionados al género.

Un agradable documental que aúna distintos valores: el espíritu de superación de una mujer con una voluntad casi heroica; la ilusión por construir un proyecto científico en condiciones adversas; el mensaje ecológico de respeto al medio ambiente; la amistad y la solidaridad entre las personas y los pueblos; la admiración sincera por un continente aún salvaje; la responsabilidad de los poderes públicos en el fomento de la ciencia y el respeto a la naturaleza; la nostalgia por el reencuentro con un lugar que marca las vidas de quienes acuden a él… Solé ofrece un documental que, sin utilizar un tono didáctico, nos enseña muchas cosas del género humano y de nuestro planeta, y todas ellas trufadas de imágenes evocadoras. La gracia de “Els records glaçats” es que busca transmitir ese mensaje a partir de la mera descripción de sensaciones personales. Sólo hay un punto de vista, pero el director consigue que empaticemos con él y lo hagamos propio. El inconveniente, por decirlo así, es que el film apunta muchas cuestiones sin profundizar en ninguna. Al abordar tantas cosas, desde una perspectiva tan amplia, el espectador sale del cine con ganas de saber más, tanto de esta mujer ejemplar como de la Antártida.

Es una pena que un tema interesante, y que podría dar mucho juego, se trate de una manera tan burda y tramposa. Y es sorprendente que una actriz tan buena como Nora Navas, caracterizada aquí como una chica Almodóvar del siglo XXI, parezca tan patética. Supongo que la causa es la mala planificación y el desastroso guión. Los diálogos son sencillamente inverosímiles. El imaginario sentido del humor y la supuesta tensión sexual entre la protagonista y el policía dan más grima que otra cosa. Algunas situaciones provocan vergüenza ajena. Destaco como ejemplo de momento delirante la escena en que la protagonista se hace pasar por "agente del gobierno vasco" ante el empleado de una inmobiliaria. Alguien debería explicarle a la directora y al guionista que en este país existe una cosa que se llama Registro de la Propiedad, que es un archivo público... La conversación es de Tip y Coll.

Pero, como digo, lo que más molesta es la manera deliberadamente tramposa de enfocar una cuestión tan seria como la de los niños robados (o comprados, que quizá es peor). Puedo entender que se quiera criticar el inmovilismo que han mostrado las autoridades durante mucho tiempo a la hora de enfrentarse a este problema, pero ello no justifica que determinadas instituciones se muestren de una manera tan casposa. Vale que el funcionamiento de los juzgados deja mucho que desear, pero que yo sepa sí que hay al menos, desde hace décadas, un ordenador para recoger las declaraciones de testigos e imputados. Reflejar que las declaraciones se hacen con un señor encorbatado que da constancia manual (un escribano, diríamos, utilizando una terminología añeja) es renunciar a cualquier planteamiento realista de la historia. Me parece legítimo que se quiera mostrar a los jueces como una casta mafiosa (algo subjetivo y opinable), pero el tono del film llega al exceso y a la extravagancia. Seguro que todos los jueces de instrucción de este país desearían tener el despacho que aparece en la película. Y eso por no hablar de las escenas ambientadas en 1971. La monja de marras encarna todos los tópicos de papanatismo y beatería tantas veces vistos en cualquier película ambientada en el franquismo, con autoflagelación y todo...

En suma, una historia con múltiples aristas se trata de un modo zafio y maniqueo. El tono es supuestamente desdramatizador y modernillo, pero ello termina siendo un disfraz para tapar la falta de ideas para abordar un tema que decididamente le viene grande a quienes han hecho esta película.

El tratamiento de esta película, su estructura en historias independientes, y el muy diferente tono de cada uno de los episodios, hacen que la primera impresión al ver “La salida de la luna” es que se trata de una obra menor, casi de un divertimento. Según lo que el propio John Ford dijo en su momento, precisamente eso era lo que pretendía. No hay más conexión aparente entre las historias que el hecho de estar ambientadas en Irlanda. En cualquier caso, todas se ven con agrado. Quizá la tercera sea la más floja de las tres. Puede que la intervención de Tyronne Power como narrador fuese conveniente en la época en que se hizo el film, en mi opinión resulta superflua.

“La salida de la luna” es una entretenida película que sirve para que John Ford rinda homenaje a su país de origen. El mayor de sus méritos es que, aunque el espectador ha de cambiar de chip con cada historia, al terminar cada una siempre queda con ganas de más. “La salida de la luna” es una entretenida película que condensa todas las virtudes del director, y evoca tanto a sus westerns como a “El delator” o “El hombre tranquilo”. Aunque formalmente Ford se muestra más audaz en el manejo de la cámara, el estilo es totalmente reconocible y acorde con sus códigos cinematográficos. Puede resultar una anécdota dentro de su filmografía, pero desde luego es coherente y no desmerece del resto de sus películas. Es más, en mi opinión es un film maduro, más interesante que algunos de los que forman la extensísima obra del director. No me extraña que muchos consideren que "La salida de la luna" es una pequeña joya a descubrir.

Supongo que si haces una película que intenta ser un homenaje al cine, puede ser más fácil ganarte el favor de buena parte del público... Quizá por eso tenga tanto reconocimiento entre los cinéfilos en general una película que, si se analiza, tampoco es nada del otro mundo. El argumento está lleno de tópicos y Tornatore sacrifica decididamente los aspectos más interesantes de la historia por conseguir la máxima emotividad. El verdadero mérito de esta obra, en mi opinión, es que el director cumple su objetivo. "Cinema Paradiso" es un film tierno que llega a las entrañas de cualquier aficionado al cine evitando el empalago y la lágrima fácil. Es cierto que sólo el personaje de Alfredo tiene fuerza. La parte de la infancia de Totó provoca simpatías y recuerda muchos clásicos de "película con niño". Recomiendo ver la peli en versión original, ya que la voz estridente que le pusieron al pequeño Salvatore Cascio en el doblaje español puede resultar cargante. La parte de la adolescencia-juventud es la más floja. La idea de las noches bajo la ventana tiene algo de melodrama barato. En el último cuarto de hora la película remonta, es donde el director está más comedido y eficaz, y transmite la nostalgia del protagonista de modo sencillo y creíble.

Pues bien, la inteligencia de Tornatore es hacer que su particular homenaje al cine termine prevaleciendo sobre cualquier otra cosa en la conciencia del espectador. Y es que los detalles que he expuesto no son más que ideas "a posteriori" que explican la artificialidad y simplismo de esta película, y que me impiden calificarla de obra maestra y darle una nota máxima. Sin embargo, hay dos momentos irrepetibles que me emocionan cada vez que veo este film: la proyección sobre la fachada de una casa en la plaza del pueblo y la impresionante escena final. No puedo decir eso de muchas películas, la verdad. He de reconocer que es aquí cuando Tornatore, inteligentemente apoyado por Morricone, me gana sin remedio. Qué le voy a hacer, soy un sentimental... Sólo por esta razón nunca me cansaré de ver "Cinema Paradiso", y sólo por esta razón este film está en mi lista particular de clásicos...