No hay que engañarse, esta película no pasa ningún filtro de verosimilitud, ni en cuanto a la intriga (llena de juegos malabares), ni en cuanto a la forzadísima historia de amor entre los protagonistas. La ceguera de la pasión no conoce límites, por lo que parece... Pero si conseguimos obviar estos factores, "Charada" es una colorista comedia llena de situaciones divertidas y diálogos ocurrentes. He leído que es una película que podría haber firmado Hitchcock, pero a mí me recuerda más al Quinteto de la Muerte de Mackendrick, aunque con más pretensiones, más ínfulas, más paja, y alguna que otra escena de puro sonrojo. De todas formas, mi impresión es que Donen siempre da a cada escena un tono de parodia, más que de suspense. Incluso en ocasiones se permite ironizar y reírse de sí mismo. Vista así, "Charada" se convierte en una película que, lejos de ser imprescindible, sí es entretenida y disfrutable. De 6,5

Es oportuno destacarlo. Neus Ballús recurre a las formas del documental, pero lo que hace es una comedia pura y dura, con una trama elaborada y una estructura planteamiento-nudo-desenlace. Y lo mejor es que funciona deliciosamente como tal comedia que es... "Seis días corrientes" divierte y hace reír, es tierna y emocionante, y a veces hasta desinhibida. Y ello tiene un mérito enorme, teniendo en cuenta los mimbres con los que cuenta y el lenguaje cinematográfico que utiliza. La tecnica de rodaje es aparentemente documental, pero el guión y el montaje están trabajados al milímetro. Muchos golpes de comedia se presentan mediante elipsis (prácticamente, el desenlace de todos los episodios), lo que da fuerza y frescura a la narración. No hay actores profesionales, pero el trabajo de construcción de los personajes es concienzudo. Y los actores actúan, vaya que sí, y lo hacen muy bien. Y hasta el humor absurdo funciona para que Ballús construya una denuncia social que remueve nuestras conciencias con tanta intensidad como ya hizo con "La plaga". Impagables Valero y Moha, a los que percibimos como seres tan pŕoximos a nosotros, cada uno con su peculiar inadaptación a su entorno. Una gran película.
8,5

Inclasificable película de Frankenheimer, audaz en las formas y en el fondo, y con un mensaje ambiguo y desconcertante. Más allá de la antológica escena de la presentación del experimento de lavado de cerebros del grupo de soldados americanos, con un plano-secuencia circular impagable, el film es una fiesta de encuadres que siempre están al servicio de la narración, y que otorgan al film un ritmo ágil pero nunca descontrolado, ni frenético. Como punto negativo, lo cierto es que la peli no ha aguantado bien el paso del tiempo. El argumento podía ser atractivo en el momento de su estreno, pero hoy resulta inverosímil, a pesar del buen trabajo de los actores. El retrato que se hace del partido republicano, que sin duda pretendía ser crítico, resulta un tanto bufo, como de opereta. Y no digamos ya respecto del bloque comunista, prácticamente una banda de marcianos. Y el personaje de Janet Leigh aporta tan poco que confunde.
Todo ello desluce el conjunto de una obra que, vista con la debida perspectiva, es una notable muestra del rumbo que seguiría el cine americano en general y el cine negro en particular en los años 60, en un panorama cultural marcado por la irrupción de la televisión. Y, como documento histórico, "El mensajero del miedo" es un testimonio muy revelador de las paranoias colectivas surgidas con motivo de la mal llamada Guerra Fría.
7,5

Un peculiar ejercicio de estilo que navega entre la ficción, el videomontaje y el falso documental. Chris Marker nos traslada al horror de Okinawa desde la perspectiva aparentemente banal del videojuego. No obstante, esa apuesta no opera aquí como una mera propuesta estética. En realidad, el videojuego es una excusa de la que Marker se vale para enfatizar la idea de incidir, una vez tras otra, en un episodio histórico que nunca debió suceder. Como se dice en el film, la idea de recordar la Historia para no repetirla es del s. XX, está ya superada. Ahora, el método ha de consistir en la reiteración constante de los hechos, insistiendo en su crudeza, hasta alcanzar el ansiado nivel 5. No es casualidad que para exponer tan arriesgado discurso Marker haya elegido un suceso prácticamente olvidado en Occidente, pero decisivo en el devenir posterior de la Segunda Guerra Mundial y de todo el siglo XX. La propuesta funciona y estremece, a pesar de su complejidad, hasta hacer de "Level 5" una experiencia cautivadora e impactante.

Una película vigorosa y trepidante, que nos transmite el mundo de la Fórmula1 con tanta fuerza que atrapa incluso a quienes, como yo, nunca han estado especialmente interesados por el automovilismo. Ron Howard ofrece una cuidada puesta en escena, marca un ritmo de bólido en la narración y centra la historia en los dos protagonistas, con dos actores entregados. La trama ya está escrita, éste es uno de esos casos en que ninguna ficción superará la realidad... El mérito es hacer gravitar el film en la relación de dos personajes que terminan convirtiéndose en arquetipos. Hunt y Lauda personifican dos modos opuestos de entender el deporte y, por ende, la vida. Lo importante ya no es quién ganó aquel mítico mundial del 76... Lo que queda de la peli es que aquellos dos seres irrepetibles, extremos, y a su modo geniales, compitieron y se odiaron, pero al final son sólo dos caras de la misma moneda.

Una película que va de menos a más. La extravagante relación entre 3 seres sin rumbo, contada desde el punto de vista del escritor novel venido del Sur para descubrir Manhattan, engancha desde el principio, pero se prolonga demasiado. La montaña rusa de emociones que proporciona el personaje de Nathan no augura nada bueno. Pero a medida que vamos conociendo más a Sophie y el centro de gravedad del argumento bascula hacia ella, la película va emergiendo y gana enteros. Como siempre, enorme Meryl Streep. Los flashbacks están muy bien planificados. Mientras avanza la trama en tiempo presente nos vamos remontando en el pasado de Sophie, y toda la historia gana en potencia e interés, hacia un desenlace que sacude el alma

Había visto esta película en mi infancia o adolescencia, y apenas recordaba de ella lo que  para mí no dejaba de ser una obviedad en aquella época, esto es, que José Luis López Vázquez resultaba ser un hombre, y no una mujer.
Ahora vuelvo a ver "Mi querida señorita" con la perspectiva de lo que debía de ser una película sobre cambio de sexo en la España franquista. Una temeridad, sin duda.
No puedo evitar sonreír viendo a Doña Adela conduciendo un 2 caballos y haciendo el saque de honor en un partido de fútbol. La puesta en escena es más bien discreta. Me resulta poco creible que el director del banco pretenda casarse con semejante vistesantos. Y, una vez consumada la (re)conversión del/de la protagonista en hombre, me imagino que todo derivará por los cánones del melodrama doméstico, que en este caso resultará más inverosimil que nunca...
Pero al llegar al desenlace llega lo que para mí es una auténtica sacudida, y lo que convierte esta película en algo sencillamente brutal. Geniales Borau y Armiñán por construir una historia que desborda su época, con tal sutileza que la mentecata censura fue incapaz de captar el sunami de sentimientos que esconde esta obra irrepetible. Un clasico con todos los honores.

Ahora he podido saber de dónde sacó Roberto Begnini la idea de su show en la ceremonia de los Oscar de 1999.
"Aguacero" es una de esas películas que, sin ser una obra maestra, da gusto descubrir. Vista ahora, dan dentera su tono naif e ingenuo, y el aire un tanto bobalicón de su protagonista. Quizá ésa era la única manera de poder hacer una película en Irán en 1972 criticando descaradamente las encorsetadas costumbres de la sociedad árabe de la época. Sólo el personaje de la chica resulta verosimil. Sin embargo, ese abuso de la sátira y ese aire bufo también dan a esta película un innegable encanto. El bobalicón termina siendo un tipo al que se le coge cariño, y hasta los "malos" son gente con un punto entrañable. La oportuna metáfora que encierra el título es otro hallazgo a destacar. Hay momentos deliciosos. De 6,5, si FA lo permitiese. Un director a seguir descubriendo.

Una película ácida y entretenida desde su inicio. "No mires arriba" nos engancha gracias a su gran arranque, y a un deslumbrante elenco de actores, a cuál más creíble, al servicio de la causa. El problema es que el planteamiento crítico del film queda claro a los 20 minutos, a partir de ahí McKay nos muestra una trama más o menos alocada, por momentos brillante, en un tono demasiado grandilocuente. La película nos llega porque, dentro de lo delirante de las situaciones, nos transmite un mensaje muy cercano sobre cómo es nuestra sociedad. Pero quizá McKay se toma demasiado en serio su mensaje, y termina ofreciendo una obra que por momentos cae en el exceso, y demasiado larga en su metraje. Su pretenciosidad hace que, en conjunto, vaya de más a menos. En cualquier caso, la película se ve con agrado, y en conjunto es mordaz, divertida y muy oportuna.

Tenía ganas de ver esta película, y la decepción ha sido grande. ¿Cómo va a emocionarme una película en que todos los personajes me caen mal? Toda la película es un ambiente impostado. Arcand cae continuamente en el cliché, y todo es tan paródico que roza el ridículo. Hasta la yonkie es de postal.

Lo peor, la despiadada descripción de los servicios públicos en un pais de primer orden como Canadá. Arcand podía haber aprovechado para criticar un sistema que no se preocupa en garantizar una sanidad universal y de calidad para toda la población, pero le ha parecido mejor criticar a los funcionarios públicos que han de bregar cada día con la tarea titánica de prestar un servicio esencial con una clamorosa insuficiencia de medios. Para Arcand, parece que la corrupción es justificable. Los sindicatos son mafia organizada. Vivan el capitalismo de swaps y salas de subastas, ellos merecerán una sanidad de calidad, mediante viajes a EEUU, o sobornando a quien se ponga por el medio. El estado del bienestar -no digamos el marxismo- son meras cantinelas que nos sirven para quedar bien y, si se puede, intentar seducir a alguna jovencita que pase a nuestro lado. Lo de que el hijo protagonista acuda a la policía, y lo que allí encuentra, es otro botón de muestra. En fin, todo es tan exagerado que resulta inverosímil. El estilo de escenas cortas, con conversaciones supuestamente trascendentes, con fundidos en negro, termina siendo una pedanteria que no hace sino evidenciar la dificultad de ofrecer un relato hilvanado y creíble. Dentro de este cuadro insoportable, los minutos finales, con la delicada puesta en escena del desenlace del film, resultan lo mejor de la película, sin duda. Pero ya es tarde como para que me pueda llegar a conmover.

Una película apabullante  que condensa influencias tan variopintas como Sófocles, Shakespeare, el manga o el videojuego, y elementos tan dispares como la poesía o la violencia. Y todo ello con un primoroso tratamiento visual de cada escena y una música envolvente y rotunda. Lo destacable es que el conjunto es coherente y homogéneo, que sacude al espectador sin estridencias. Si algo se le podría reprochar es la saturación. Oldboy sobrecoge y agota en su sofisticado cóctel de lirismo y crudeza. Park Chan Wook hace de la venganza un impulso existencial, a la misma altura que el amor o el odio. Tiene un arranque de comedia bufa, pero pronto la trama se llena de matices cromáticos y la historia se desboca en un torrente de tensión creciente. Pero la impresión es, con todo, de contención y control narrativo. Park Chan Wok mantiene el pulso y ofrece una obra simbólica redonda y circular, pluscuamperfecta en su complejidad, y que evoca al mejor Tarantino. Una ambiciosa obra que busca romper con los clichés de los géneros, y explorar nuevos estilos en el arte cinematográfico, mientras al espectador se le forman nudos en la garganta, temblores en el corazon y remolinos en el estómago.

Ésta es una película que va de dos tipos que quedan para cenar un día en un restaurante y se dedican a hablar sin parar, sin apenas probar bocado. Me pone nervioso tanto desperdicio. La puesta en escena es anodina y la manera de rodar totalmente aséptica. Si de lo que se trata es de que me quede yo también embobado con la profundidad de la conversación, seguramente habría disfrutado más leyendo el guión que asistiendo a esta interminable sesión de planos y contraplanos. Sí, es muy interesante lo que dicen, y más desde la contrastada posición que cada personaje parece ocupar en la vida, pero eso no me basta. Lo mejor de la película para mí, las escenas de arranque y cierre, con eso creo que lo digo todo. Llego a dudar de que esto sea cine, ni siquiera sé si es teatro. Literatura y quizá nada más

Ya desde sus inicios Visconti demuestra un dominio de la técnica cinematográfica sencillamente portentoso, augurando una filmografia propia de un cineasta excelso. "La tierra tiembla" es una obra épica, magna, que supone una cumbre del Neorrealismo italiano (en este caso, casi mejor decir también del cine soviético, por las claras influencias de Eisenstein y del Cine de la URSS de los años 20-30). Difícil encontrar en este film una escena que no sea sobresaliente. Hay momentos sublimes, que perturban y sobrecogen. Visconti muestra una gran maestría tanto en el plano-secuencia (genial la presentación de la subasta de pescado), como en la intimidad y fuerza del primer plano. La película combina la denuncia social con los momentos de ternura.

El problema es que a Visconti le falla el don de la medida. Se nota que la película es un encargo del PCI, el ánimo de aleccionar termina por abrumar. A la trama le faltan matices (los malos son demasiado malos y, además, ¿es que ninguno de los vecinos es capaz de empatizar con los Valastro?). "La tierra tiembla" es un deleite y un derroche de genio, pero también es una obra redundante, reiterativa y muy muy larga. La voz en off no aporta nada, sólo machaca.

Con todo, se trata de una obra imprescindible en la Historia del Cine italiano y quizá también en la Historia del Cine universal, de visionado obligado para entender cómo un género y una época pueden suceder a otros. Y, de todos modos, es la consagración de un grande, Visconti.

La gran baza a favor de esta película es un argumento extraído de una historia real, verdaderamente potente y lleno de posibilidades, y que hace que el espectador se mantenga enganchado a la pantalla. Lo peor, a mi entender, es que Eduard Cortés desaprovecha ese filón de manera estrepitosa. "The Pelayos" fracasa como thriller y como comedia, sencillamente porque en este caso la mezcla de géneros chirría. El brillante elenco artístico pasa desapercibido, ninguno de los grandísimos actores que aquí intervienen consigue sacar a flote a su personaje. Una factura técnica correcta y una trama entretenida no son poca cosa... Pero no bastan para sacar adelante una propuesta que aspiraba a mucho, pero que se queda corta en todo.

Una interesante vuelta de tuerca del personaje de Philip Marlowe. Robert Altman humaniza al personaje con la ajustada interpretación de Elliott Gould y una enredada trama en la que la intriga acaba resolviéndose por una concatenación de casualidades más que por las habilidades del protagonista. Sus tres grandes bazas, en mi opinión, un argumento con más aristas de las que parece a primera vista, una ambientación californiana muy luminosa, y un sentido del humor desinhibido. "Un largo adiós" es una revisión irónica y desenfadada del genero de detectives. Quizá no agrade a los más ortodoxos y puristas, pero a mi entender se trata de un film que aporta mucho y no resta nada. Lo peor, para mí, un final que me ha descolocado y que no me parece apropiado para el film, por mucho que la escena sea muy potente y el plano final sea de los que dejan poso. En cualquier caso, una digna obra en la filmografia siempre reivindicable de Robert Altman.

Han pasado tantos años que en algunos aspectos (vestuario, interpretación de actores) "Intolerancia" resulta una obra anticuada. Pero aún sigue siendo una película muy disfrutable y digna de ser revisada, no sólo como documento histórico. Al parecer, Griffith quiso redimirse de la "intolerable" "El nacimiento de una nación" mediante una película colosal y espectacular, con un mensaje universal que aún hoy tiene tanta vigencia como en el momento en que se estrenó el film. Vista hoy, la película sigue sorprendiendo por su narración ágil, que atrapa al espectador en cualquiera de los episodios que se relatan (aunque algunos tengan mucho más peso que otros). Aunque se trate de una película muda de casi tres horas (la versión que he visto), de ningún modo se hace larga. La última media hora, con un ritmo fulgurante en el encadenamiento de escenas y planos, es una auténtica gozada, y revela la pericia de Grffith en el uso del montaje como elemento definidor del lenguaje cinematográfico. Hay que verla, no defrauda.

"Octubre" es una película monumental en las formas y panfletaria en el contenido. Quien paga, manda... Eisenstein hace un despliegue de recursos y traslada a la pantalla su versión de un episodio fundamental en la Historia. Si alguien quisiera hacer un curso rápido sobre el cine soviético en los años 1920-30, posiblemente le bastaria con ver esta película, porque condensa todos sus elementos característicos: un relato colectivo en el que la protagonista es toda una clase social; encuadres oblicuos: contraste entre tomas generales y primerísimos planos... Y montaje, mucho montaje.

Eisenstein (re)crea su película en la sala de posproducción, contraponiendo planos y manifestando su propia postura a través de metáforas, símbolos y asociaciones de ideas. Su forma de contar la trama rompe con los cánones tradicionales. El director salta de un lugar a otro a su antojo y moldea el tiempo a su propia conveniencia, alargándolo o acortándolo según le parece oportuno. El dinamismo de la acción se obtiene no sólo mediante los movimientos de los personajes o de la cámara, sino también por la sucesión rápida de imágenes entrelazadas. Con todo ello, "Octubre" continúa suponiendo un autentico bombardeo, incluso para el espectador de hoy, casi 100 años después de su estreno. Hay que sentarse en la pantalla, tomárselo con calma, y disfrutar.

Lo peor, para mí, es que tanto recorte y manipulación tras el rodaje, en buena parte impuesto por las autoridades governantes en aquella incipiente URSS, hacen que al final al conjunto le falte coherencia. Al parecer la duración del film obedeció a imposiciones posteriores, y no a lo que Eisenstein tenia previsto en un principio. Y ello por no hablar de los personajes que tuvieron que "desaparecer". Durante el tramo central de la película la acción apenas avanza, con lo que buena parte del film parece una pesada sucesión de imágenes dirigidas únicamente a aleccionar, sin más.

Lo mejor, y lo que hará siempre de "Octubre" una película memorable, la potencia de algunas imágenes, que a día de hoy estremecen con la misma fuerza y emotividad que cuando fueron rodadas. Sin ser original, me quedo con la del caballo blanco sobre el puente, por su belleza y carga simbólica. Y, bueno, también merecen destacarse ciertos detalles que muestran una posición de Eisenstein no tan alineada con los planteamientos del poder, y que ya apunta la evolución que el cine de este director tendrá en el futuro.

Una gozada redescubrir una película que ya en su momento me gustó pero que, vista ahora, me ha impactado poderosamente. Música, fotografia y trabajo actoral se ponen al servicio de una obra reflexiva y emotiva a partes iguales. A medida que transcurre la trama y sabemos más cosas de Travis, el personaje y la historia ganan en matices y se van haciendo cada vez más ricos. Wenders aborda temas muy dispares, como la familia como centro neurálgico de realización personal, la autosuperación, el paso del tiempo, y con ellos construye un relato sólido, coherente y conmovedor. "Paris, Texas" es la obra de un director alemán se traslada a los Estados Unidos y realiza una obra que evoca el espíritu de los mejores westerns. Curioso.

La escena cumbre de la conversación en una cabina de peep-show me parece magnífica por lo que tiene de antítesis y equilibrio: una estudiada sencillez, una elegancia austera, una simbologia nada recargada, una estructura simétrica con un eje de espejo-transparencia que permite la (con)fusión de las figuras, un diálogo que en realidad es una sentida sucesión de monólogos... En fin, un momento cinematográfico genial, que es el clímax de un film lleno de referencias cinéfilas y que, en su aparente esquematismo, contiene una ambigüedad compleja y profunda.

Si una película tiene un 7,3 de nota media en Filmaffinity y está en el Olimpo de los clásicos, el problema es mío... Para mí, "La rodilla de Claire" ha sido una decepción. La fotografia es magnífica, pero el conjunto me ha parecido un elogio de la frivolidad.

Me cuesta creer que en 1970 esta película pudiese tener gracia, más allá del espíritu libertino y juguetón que se pudiese respirar tras el mayo del 68. Vista hoy, me parece anodina y un poco bobalicona, con perdón. Si se ha leído "Las amistades peligrosas" de Laclos (o se ha visto cualquiera de las dignísimas adaptaciones que de esa novela hicieron Frears y Forman, posteriores a esta película), o "Lolita" de Nabokov (con la excelente adaptación de Kubrick), o se ha profundizado en las múltiples revisiones del mito de Casanova, mejor prescindir de esta película. Es como si Rohmer hubiese reducido todas esas historias a la mínima expresión, limitándolas a un juego vacuo de seducción sin seducir, porque al final no sabemos si queremos seducir o no. La historia no avanza, y da la impresión de que los propios personajes son los que no quieren que avance. Si el tema se reduce a que el inaguantable de Jerome se convenza de si realmente quiere casarse o no (aunque él diga estar muy seguro), la verdad es que no me ha despertado ningún interés. Si la rodilla de la pobre Claire es un símbolo o alegoría de algo, no he sabido verlo... Esta película se encuadra en los llamados "Cuentos morales", pero yo tampoco he captado qué conflicto moral tiene el protagonista. Sólo presuntuosidad y mucha verborrea.

Y ello por no profunditzar en la lectura marxista de la película. Sólo un burgués con la vida resuelta y sin ninguna preocupación en su vida puede hacer pivotar su día a día en cuestiones tan intrascendentes. Ya sé que son vacaciones... Pero vaya manera más lamentable de malgastar unas vacaciones en un lugar tan fantástico...

Lo único destacable, de verdad, el tratamiento pictórico de lagos, montañas y divanes...

Le sobra metraje, pero "Imitations of murder" ha supuesto un feliz hallazgo en mi cultura cinematográfica. Se trata de una película cuidadísima en las formas, llena de simbolismos y de planos memorables, pero cruda y visceral en su contenido. Imamura construye una crítica demoledora del Japón tradicional e inmovilista, a partir del relato de una mujer sumisa y sometida a las encorsetadas reglas que le vienen impuestas. Que la posibilidad de liberación surja a partir de una violación no sólo es paradójico, es más bien el signo más claro del desencanto que mueve a Imamura. Como un ratón blanco girando en su rueda hasta su muerte, la protagonista se ve abocada a una existencia miserable, lastrada de forma absurda por unos ancestros que la ahogan y condenada a un futuro incierto de criada-esposa. Estupenda crítica al convencionalismo burgués y a la estructura social patriarcal que imperaba en el Japón de la época. Sobrecogedora.