El realizador cinematográfico y televisivo Paul McGuigan se puso al mando de un blockbuster en su séptimo largometraje, una cinta que cuenta con unos protagonistas de renombre (James McAvoy y Daniel Radcliffe) para atraer a la audiencia... y que posee una producción artística profusa y elegante.

En cuestión de desarrollo argumental "Victor Frankenstein" se basa muy muy vagamente en la obra maestra literaria de Mary Shelley (quien desee ver una adaptación más fidedigna tanto en los detalles dramáticos e intrigantes como en su tono claroscuro... tiene "Frankenstein de Mary Shelley" (1994) o el "Frankenstein" (1931) de Boris Karloff. Pues éste "Victor Frankenstein" utiliza el argumento del "científico loco" que quiere crear vida de forma realmente libre. Una cinta que toma prestados tan solo algunos elementos de la novela "Frankenstein" (1818) para ir hilando una trama criminal (las locuras de este excéntrico Doctor) y de amistad (la del Victor Frankenstein del título con este nuevo Igor) de forma establecida en el cine más comercial y superficial.

Así que el film viene a ser un "Yo, Frankenstein" (2014) o un "El jovencito Frankenstein" (1974), un producto que utiliza como excusa la temática de las páginas de Shelley para crear su propia trama. Una trama aceptable, pero en ningún caso sobresaliente. El Doctor Victor Frankestein (McAvoy) rescata a un "jorobado" sin nombre (Radcliffe) de un penoso circo londinense y le da dignidad, un nombre (Igor), un trabajo y su extraña amistad. Juntos tratar de generar vida a un cuerpo en su laboratorio con la policía pisándoles los talones. Y ya, no busquen más en un desarrollo argumental con personajes unidimensionales (el protagonista obsesionado con su sueño creador, el otro protagonista que se debate entre la lealdad a su amigo y el sentido común. No tienen más matices humanos trabajados con mimo y astucia. ¡Vamos, que esto no es "El secreto de Mary Reilly" (1996), "Entrevista con el vampiro" (1994) o "Nosferatu" (1922) si de loable terror gótico se trata!). Desde luego sus personajes no llegan a despertar el interés del espectador, y la intriga que nos aporta "Victor Frankenstein" es mínima... aunque suficiente para sostener de forma natural el avance de la trama. Una trama sencilla e inocua, sin aristas de humor o de introspección honesta. pero con un progreso en su evento de "creación de la criatura" conveniente y proporcionado para su propósito de entretenimiento inofensivo. Desde luego, aunque el guion no sea una maravilla, los he visto peores si se trata de thrillers sobrenaturales (para muestra cintas como "The Haunting" (1999), "Van Helsing" (2004) o "El incidente" (2008)).

Y la cinta logra elevarse por su cinematografía, pues hay un despliegue majestuoso de escenarios (esas bibliotecas, esos laboratorios, esas facultades o esas calles londinenses creadas en sets para la ocasión no tienen desperdicio) donde se mima cada detalle, cada artilugio y cada mobiliario. Todo combinado de forma que ofrece un cromatismo de ocres y azulados muy acorde con su temática. La dirección de McGuigan por su parte es tan tolerable como rutinaria, no erra plano pero tampoco aprovecha tras las cámaras los momentos del film para dotarlos de algo de impulso o subjetividad (que le hubiera venido de perlas al conjunto. Pero McGuigan no es Kubrick o Hitchcock, ¡ya quisiéramos!). La banda sonora es completamente olvidable, y los actores hacen lo que pueden dada la limitación con la que se encuentran en el film (aunque Radcliffe le gana la partida en naturalidad a un McAvoy algo sobreactuado, y ya duele decirlo porque habiendo visto "Expiación" (2007) o "Múltiple" (2016) cuesta).

Sea como fuera, lo que resulta en "Victor Frankenstein" es un producto de suspense frívolo pero eficiente como distracción... en un primer visionado. Solo recomendable a los muy muy incondicionales de las revisiones de clásicos de época (tipo "Sherlock Holmes" (2009), "Robin Hood" (2018), "Hércules" (2014), "La momia" (2017) o "Rey Arturo" (2017). Porque los tiros van por ahí) o a los fans de sus intérpretes o director. El resto tiene exponentes mejores para pasar el rato.

Lo mejor: Me quedo con la dirección artística.
Lo peor: Que pudo haber dado más tonalidades a sus personajes dado el material de base literario con el que contaban... y no lo hace.

En su octavo largometraje Gavin O'Connor ("El milagro" (2004), "El contable" (2016)) nos presenta un relato de Brad Ingelsby (guionista y productor hijo de un afamado entrenador de baloncesto) que no es otra cosa más que un trillado drama de profesor/entrenador que debe educar a un grupo de renegados y marginados... mientras él también aprende en ese viaje. "Rebelión en las aulas" (1967), "Mentes peligrosas" (1995), "Diarios de la calle" (2007), "Hardball" (2001), "Déjate llevar" (2006), "Campeones" (2018), "La sonrisa de Mona Lisa" (2003), "Somos los mejores" (1992), "Música del corazón" (1999), "Coach Carter" (2005), "Los chicos del coro" (2003)... a los autores de este nuevo largometraje se ve que no les parece que hayamos tenido suficiente con todos esos largos que han protagonizados Sidney Poitier, Michelle Pfeiffer, Hilary Swank, Keanu Reeves, Antonio Banderas, Javier Gutiérrez, Julia Roberts, Emilio Estévez, Meryl Streep, Samuel L. Jackson, Gerard Jugnot y demás (éstos films son solo pocos ejemplos de lo profuso que ha sigo el Séptimo Arte con esta premisa) entre clases de matemáticas, música, lengua, hockey, literatura, arte, beisbol, baloncesto, baile y demás.

Y aquí nos llega una película que repite las mismas pautas. Con un Ben Affleck que encarna con gran habilidad y naturalidad a un alcohólico "perdedor" de trágico pasado, que toma las riendas de un equipo de baloncesto en decadencia del instituto en el que el protagonista fue jugador en sus tiempos mozos. Que conste que esta temática de aprendizaje mutuo, de esfuerzo personal, de recuperación tras las caídas y fracasos, y de trabajo en equipo es un argumento que, si se mima en el guion con notas astutas y multifacéticas, puede dar lugar a una gran obra (y tenemos ejemplos en largos como "El club de los poetas muertos" (1989) o "Campeones"). Pero por desgracia no estamos ante ese caso, y "The Way Back" jamás se sale de los arquetipos establecidos, haciendo suceder la trama con rutina y previsibilidad.

Poco puede hacer Ben Affleck que realza a su personaje con un punto incisivo en sus peroratas, pues este desarrollo argumental es tan simple como pronosticable. Al menos la cinta fluye de forma orgánica, y su elenco que encarna a los estudiantes resulta desenvuelto (compartiendo cierta química, además. Solo cierta, tampoco nos pongamos estupendos). La realización por su parte es de lo más común (pues no hay incoherencias chapuceras de saltos de eje ni demás, pero es incapaz de aportar un sello plástico que alce la experiencia cinematográfica) con mucho plano/contraplano y plano medio y semisubjetivo. Mientras que la fotografía triunfa en su apartado gracias a la elección de emotivos escenarios urbanos con filtros ocres y vetustos, y con una iluminación fulgurante justo en los momentos de espectáculo baloncestístico.

Estamos en definitiva ante un film ya visto en todo espectador mínimamente curtido... y tratado con algunos mimbres más que está cinta que nos ocupa. Un largo llevadero para el que nunca se haya adentrado en este subgénero (del drama de mentores entre aulas y equipos estudiantiles)... pero obviable para los que hemos disfrutado de cintas del mismo corte con un entramado más taimado. "The Way Back" se asemeja más a "Diarios de la calle" o "Somos los mejores" que a "El club de los poetas muertos", "Coach Carter" o "Campeones".

Lo mejor: Me quedo con la actuación de Ben Aflleck (tratando de emular con ese trágico pasado...

Que el cartel promocional de "Secuestro" se nos anuncie como un largometraje de los mismos productores de "El cuerpo" (2012), "El orfanato" (2007) y "Los ojos de Julia" (2010) es solo engañoso en parte. Pues esta cinta que nos ocupa, si bien se plantea igual en su concepto de suspense con enredos criminales (o sobrenaturales) y juegos estratégicos de sus personajes, no comparte un guion de la misma astucia y brío que aquellas cintas.

No estamos ante un desastre de libreto ni mucho menos, pero no tiene un acabado tan refinado y sagaz como los de los films de Oriol Paulo y Juan Antonio Bayona. Aun así "Secuestro" supera a la media de cintas del género gracias a una propuesta jugosa a priori, con un manejo de sus tiempos que es muy bien calibrado en líneas generales (hay excepciones... que son el peor lastre del metraje), y con una puesta en escena distinguida (desde el mimo de sus escenarios hasta sus actuaciones a nivel global... pasando por un uso estupendo de los efectos especiales, más en spoilers).

Patricia (Blanca Portillo) es una exitosa (y algo turbia) abogada que busca venganza por el secuestro de su hijo (Marc Domènech), pero todo se complica cuando ni los villanos ni las víctimas acaban siendo lo que parecen. La cinta presume de tener un nervio narrativo eficiente... en sus dos primeros tercios. En esa hora inicial el espectador no va a evitar zambullirse en los misterios que implican a unos personajes presentados con decencia, sin embargo el guion poco a poco va distanciando al espectador por culpa de situaciones cogidas con alfileres, casualidades muy casuales y hechos que solo se ajustan a lo obligado del guion pero no a una verosimilitud cercana al espectador medio adulto. Digamos que en su inicio "Secuestro" es muy "El intercambio" (2008) o muy "Mystic River" (2003)... para acabar derivando en algo más parejo a "La fría luz del día" (2012) o "Más allá de la duda" (2009). Una pena porque los ingredientes estaban ahí y las situaciones de su presentación así lo muestran.

Y una pena también porque "Secuestro" cuenta con unas interpretaciones de categoría empezando por una Portillo que eleva la experiencia cinematográfica con un trabajo magnífico (y pormenorizado, ojo al lenguaje de signos habituado) y honesto (capaz de humanizar con potentes matices a este personaje claroscuro), pero sin desmerecer las aportaciones solventes de actores como Macarena Gómez, José Coronado o un Vicente Romero que pone la parte divertida (la poca que hay, que esto no es un enredo criminal a lo "Pulp Fiction" (1994), "Quemar después de leer" (2008) o "Fargo" (1996)) y de desahogo. Doménech resulta natural y eso ya es mucho en un niño actor. Tampoco le va a la zaga el diseño de producción, que no cuenta con una fotografía distintiva, pero sí depurada e ilustre. La elección de planos por su parte es correcta sin más (ni molesta ni conmueve) y prima el plano/contraplano con los planos medios y algún que otro foco alterno. Lo mismo se puede decir de una pertinente elección de vestuario y maquillaje que cumplen su función con cierto gusto sin pasarse (de nuevo, esto no es un largo de la categoría de "Joker" (2019), "American Gangster" (2007) u otros thrillers criminales que también presuman de un diseño artístico majestuoso).

Así pues tenemos entre manos una película que aunque pudo legar mucho más, lo que nos aporta es más que suficiente en su conjunto para evadir (e incluso emocionar gracias a la labor de Portillo que saca oro del personaje) en casi todo momento al público. Como cine patrio "Secuestro" resulta tremendamente superior a las cintas usuales en nuestro país, pero como película sin importar su nacionalidad... "Secuestro" no llega ni de lejos a thrillers como "El secreto de sus ojos" (2009) o "La milla verde" (1999). Más bien se queda al aceptable nivel de "El dragón rojo" (2003), "El inocente" (2011), "Regresión" (2015), "La visita" (2015) o "Mi prima Rachel" (2017).

Lo mejor: Me quedo con su actuación principal.
Lo pero:...

En 1985 Steven Spielberg dirigió la que fue (tras ocho largometrajes a sus espaldas) su primera película dramática (el propio director le tiene un especial cariño a este largo, pues siempre ha comentado a la prensa que sin "El color púrpura" no existirían films suyos como "La lista de Schindler" (1993) o "Salvar al soldado Ryan" (1998)) tras muchas grandes obras de aventuras familiares e intrigas de terror y ciencia-ficción.

"El color púrpura" es una adaptación de la novela sureña del mismo nombre publicada en 1982 por Alice Walker (que ganó el premio Pulitzer por este trabajo) en la que se nos narran las desventuras de una mujer afro americana (Whoopi Goldberg en su debut actoral) de principios del siglo XIX, cuya vida es un catálogo de miserias que sobrelleva con la astucia y dignidad que es capaz de permitirse. Desde abusos sexuales, odios, racismo y maltratos en ingentes cantidades hasta la amistad, el amor, la esperanza y el compañerismo en pequeñas pero poderosas cantidades, esta mujer provoca en el espectador un compadecimiento honesto y unas ansias de justicia reparadora.

Y Spielberg aprovecha hasta los higadillos de un cabal y mesurado (que no brillante) guion por parte de Menno Meyjes. Un libreto que, si bien dentro del género dramático de calamidades de época no aporta sorprendentes novedades (eso se lo dejamos a Steven Zaillian y multitud de instantes de "La lista de Schindler" si de obras maestras "spielbergianas" se trata) se deja llevar por la trama con pasmosa fluidez (las casi tres horas de metraje se pasan con suma comodidad), con una orgánica naturalidad en sus momentos por muy tensionados y/o deplorables que sean, y con una elección muy sagaz a la hora de escoger situaciones de luz y oscuridad (que se dejan entrever de forma velada en más ocasiones que las que se nos muestran con impacto turbador) entre una rutina siempre narrada con elegancia y cadencia por parte del afamado director.

Y es que "El color púrpura" viene a ser un telefilm de época en su argumento... y de calidad y relumbrón en su desarrollo. Con unas escenas que no solo captan la atención del espectador, sino que lo hacen con cierta implicación. Pero esto no se debe solo a una trama conducida con equilibrio y juicio, sino también a un manejo de la cámara por parte de Spielberg de lo más avezado en los momentos de suspense dramático (aunque del autor de "Tiburón" (1975) o "E.T." (1982) no se podía esperar otra cosa) en los que mantiene planos cerrados de una forma de lo más inquietante para con el espectador ya mimetizado con las protagonistas del film. El elenco no le va a la zaga, con una debutante Whoopi Goldberg que otorga a su atribulada Celie una carismática franqueza (aunque no reluce como lo hiciera poco después en el género de la comedia) y unos secundarios que encajan como guantes en unos roles algo más estereotipados pero con pequeños retales de otras dimensiones humanas a las que le toman el pulso, ya sean los villanos del relato como Danny Glover o los personajes que dan algo de color (valga la redundancia) a la gris y desdichada vida de su protagonista como son los de Oprah Winfrey o Margaret Avery. La puesta en escena es, por su parte, de una calidad cinematográfica notable. Sin la cinematografía actual de tanta definición, pero con un diseño y ejecución de escenarios estilizado (ya sea en los exteriores frondosos y diversos o en los decorados interiores de una madera muy presente) y un vestuario y maquillaje competentes que Spielberg aprovecha con su forma de rodar académica pero eficiente (con una composición de planos medios muy bella y unos planos cerrados tan honestos como impregnantes en el drama).

Así pues tenemos una película de duro argumento (que no muestra con excesiva crudeza, el público más sensible podrá verla sin más problema que el de echar alguna lagrimilla. Pero no va a apartar los ojos de la pantalla con repulsión constante ni mucho menos) pero muy embaucadora gracias a una elaboración tanto a nivel de guion como de puesta en escena muy delicado y distinguido. Es una película muy recomendable a todo cinéfilo adulto (indispensable para los aficionados a los dramas de época), aunque no se me sitúa en el grupo de grandes obras maestras del cine de Steven Spielberg (a lo "La lista de Schindler", "Salvar al soldado Ryan" o "E.T.") ni tampoco (por poco) me llega al nivel de memorables obras de género como "Minority Report" o "A.I: Inteligencia Artificial" pero se me queda al relevante y revisable nivel de "Lincoln" (2012), "Caballo de batalla" (2011) y desde luego mejor que truños como "Hook" (1991), "La terminal" (2004), "La guerra de los mundos"" (2005) o "Amistad" (1997) sí es. Y supera a cintas aceptables pero dentro de lo rutinario por parte de Spielberg como "Mi amigo el gigante" (2016), "Los archivos del Pentágono" (2017), "El puente de los espías" (2015) o "Ready Player One" (2018). Digamos que "El color púrpura" es equiparable a dramas históricos sobre el racismo, machismo y clasismos norteamericano como "Selma" (2014), "Lejos del cielo" (2002) o "Figuras ocultas" (2016).

Lo mejor: Su dirección.
Lo peor: Su banda sonora (totalmente desapercibida y olvidable) de Quincy Jones.

Con el filón que se ha visto a la hora de regresar a afamados productos de ficción audiovisuales (que si "Star Wars", que si "Parque Jurásico", que si "Top Gun", que si "Gladiator", que si "Terminator") "rescatando" a los actores de las películas estandartes de cada saga... nos ha llegado este "Matrix Resurrections" a cargo de una de las dos autoras de la trilogía original (Lana Wachovsky) y con algunos (no todos) de los rostros conocidos de las tres película (en el film "cuatripiten" Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Jada Pinkett Smith y Lambert Wilson, pero se ausentan Hugo Weaving y Laurence Fishbourne).

La trama se sitúa décadas después de los acontecimientos de "Matrix Revolutions" (2003), con una supuesta paz entre los humanos y las máquinas, Neo (Reeves) no es consciente de que ha vuelto a ser reinsertado en la nueva Matrix. Su huida al mundo real y el rescate a Trinity (Moss) marcan las pautas del desarrollo argumental que, todo sea dicho, es capaz de mantener una gran coherencia interna así como respeta a su propio universo de ciencia ficción establecido. Y esto no es moco de pavo, teniendo en cuenta que hablamos de Matrix (un mundo de realidades virtuales superpuesta y programas cibernéticos de evolución exagerada).

"Matrix Resurrections", al contrario que "Matrix Reloaded" (2003), sabe medirse en sus conspiraciones cibernéticas y el argumento se va sucediendo con concordancia y complacencia (hay en "Matrix Resurrections" mucho "fan service", con un montón de flashbacks/recuerdos de las entregas anteriores, y abundantes autorreferencias. Esto es algo que al cinéfilo medio puede exhasperar, pero los fans incondicionales de "The Matrix" (1999) en mayor medida y de "Matrix Reloaded" y "Matrix Revolutions" en menor medida... pues lo agradecemos sin lugar a dudas para cohesionar esta entrega con las demás). El problema de "Matrix Resurrections" no reside pues en su planteamiento, ni tampoco en su forma de abrir y cerrar esta trama que es un bonito añadido (sí, la obra maestra "The Matrix" no es... aunque solvente maravillosamente las ausencias actorales de Weaving y Fishbourne) o un largo distraído como cinta independiente de su producto original (una persona que no haya visto la saga "Matrix" puede entretenerse con esta cinta. Ahora bien, es un sacrilegio visionar este film sin haberse puesto antes la inconmensubrable obra de ciencia-ficción que es la cinta de 1999). El problema reside en el ritmo un tanto parsimonioso y redundante del asunto, porque lo que nos cuenta "Matrix Resurrections" no daba para dos horas y media de metraje, a la cinta le sobra la mitad de tiempo y gozaría de un ritmo tan enervado y vivo como "The Matrix". Y digo ritmo porque "Matrix Resurrections" es prácticamente incomparable a la primera parte de esta saga (aquella tenía unas escenas de acción memorables en composición de elementos, coreografías, atrezzo y banda sonora. Ésta se conforma con tener una acción tan vistosa como pasajera).

Puede compararse, eso sí, a las dos continuaciones. Esta "Resurrections" es un pasatiempo bastante parejo a aquellas (yo la pondría un poco por encima de "Reloaded" y un poco por debajo de "Revolutions"), pues su guion sci-fi es suficientemente curioso como para captar nuestra atención en suficientes ocasiones... en un primer visionado. Reeves y Moss les tiene tomado el pulso a sus personajes, y siguen tan naturales como distintivos, los nuevos invitados cumplen con solidez (aunque son tan solo unos acompañantes de la pareja virtual más prominente de Matrix) y Pinkett Smith mantiene el carisma interpretativo que acostumbra... aunque le toque un personaje tan unidimensional como éste (de "vieja pelleja"). El film mantiene además la estética tan atinada y característica en su vestuario, maquillaje y escenarios (con esa asepsia "perfecta" del mundo virtual y esa tecnología desvencijada del mundo real en tinieblas). Los efectos especiales mantienen el nivel de las película de "Matrix"... pero 20 años después es lógico que la definición y el trabajo C.G.I. tenga un nivel óptimo. La banda sonora por su parte es completamente obviable (y eso si que no mantiene la costumbre de esta saga).

Así pues tenemos una película de digna puesta en escena, y de guion aceptable... pero que se va diluyendo entre repetición y acción accesoria. Solo para aficionados al mundo "Matrix" (tengo el gusto de incluirme en este grupo. Por ello el film cala más dado que conocemos la historia que hay detrás entre estos dos personajes) o a los fans del cyberpunk o de las conspiraciones informáticas futuristas, el resto no se pierde nada (mientras que con "The Matrix" (1999) se pierde todo). Digamos que se queda en el grupo de "Alien 3" (1992), "Terminator 3: La rebelión de las máquinas" (2003), "Transformers: El lado oscuro de la luna" (2011), "Bloodshot" (2020), "Valerian y la ciudad de los mil planetas" (2017), "Alien: Resurrección" (1997), "Reminiscencia" (2021), "Alita: Ángel de combate" (2019), "Passengers" (2016) o "Transcendence" (2014) si de intriga y acción sci-fi se trata.

Lo mejor: El protagonismo de Neo y Trinity y que hayan regresado sus actores. Que respete sus propias reglas...

Versionando la serie televisiva del mismo nombre de 1985-89 (que ya tuvo su adaptación cinematográfica protagonizada por Denzel Washington en 2014, con secuela en 2018 y la que llegará en Septiembre de 2023) nos ha llegado este producto que cuenta con la misma premisa (un ex-agente de "la compañía" (el apodo discreto para hablar de la C.I.A. que toman los personajes) que ve truncado su retiro cuando opte por proteger a varias víctimas de Nueva York, luchando fuera de la ley contra criminales que escapan de las garras de la policía. Para ello contará con un equipo de viejos amigos que harán las veces de técnicos policiales como si de una serie procedimental más se tratara).

Tan solo cambia el sexo y la raza de la protagonista (que aquí, por razones obvias, ya no se llama Robert McCall sino Robyn McCall), pero los avatares de investigaciones criminales, escenas forenses, momentos indagadores y secuencias acción se mueven exactamente por la misma temática que la serie original (sí, esta protagonista también tiene una hija y está divorciada, como el Robert McCall original de la serie ochentera). Yo esto no lo veo como una degradación del material original (que tampoco es que fuera una obra maestra de la televisión, seamos serios) a priori... el problema viene con la fisionomía de la protagonista (a ver (desde la perspectiva de una persona que siempre ha tenido un IMC entre normal y bajo) que Queen Latifah tiene sobrepeso, sí, pero tampoco es una persona obesa (en Estados Unidos diría que incluso se la puede considerar "delgadita", teniendo en cuenta comparaciones con programas como "Mi vida con 300 kilos")) que transmite poca credibilidad a la hora de toparnos con las escenas de acción de combates y huidas, que no pueden estar más trucados tanto en su ejecución como en su edición (hay mucho corte entre plano cerrado y plano cerrado) para que no notemos las evidentes carencias de una actriz que no es una especialista de la acción y las artes marciales (Gina Carano ya les adelanto que no es, y Michelle Yeoh tampoco).

Pero lo que en la parte de acción física adolece Latifah lo suple con su carisma actoral que es mucho. Pues la nominada al Oscar en 2002 contagia al espectador una sensación de acogedora cercanía y curiosa complicidad, que tan necesaria es en este tipo de productos que acaban ofreciendo "más de lo mismo" (una serie procedimental episódica de crímenes, investigaciones y resolución por parte de "los buenos") y que acaban tornando a sus capítulos en algo intercambiable con los de series como "El cuerpo del delito" (2011-13), "Ley y orden" (1990-), "C.S.I.: Miami" (2002-12), "Scorpion" (2014-18), "C.S.I.: Cyber" (2015-16) y demás (no faltan los análisis forenses de lo cadáveres a pie de calle, el trabajo de los hackers para dar con la identidad de los criminales, etc). Pues la de New Jersey está de lo más cómoda en su papel, siempre que se trate de escenas de diálogos, observaciones y averiguaciones (que por fortuna son más que las de acción de persecuciones y topetazos, que son sin duda la pata más corta del conjunto) así como de las escenas del terreno "personal" de la protagonista (pues comparte química Laya DeLeon y Lorraine Toussaint) a las que aporta una solidez muy agradecida para la audiencia.

Y la imponente presencia de Latifah parece ser suficiente para este producto que apenas toma más esfuerzo que el de su gran casting (Chris Noth también hace acto de presencia, por cierto) y el de un diseño de producción muy esforzado (hay en "The Equalizer" un elegante uso de la iluminación, un diseño de escenarios de gran profusión de elementos y de estilizada composición dentro de la "mundaneidad" neoyorkina por la que navegan los relatos, un digno sonido, un vestuario competente, y una cinematografía pulcra en todo momento). Pues las tramas villanas que nos propone parecen recicladas (torpe y marrulleramente, todo sea dicho) de los episodios de "Elementary" (2012-19), "El mentalista" (2008-15), "Navy: Investigación criminal" (2003-), "Rizzoli & Isles" (2010-16)... y esto no lo digo como un cumplido ni para aquellas series ni para esta que nos ocupa. A ver, que no son guiones horribles, pero sí revistos, rutinarios, superficiales y nulamente ilustrativos. Y ojalá pudiera decir que estamos ante "True Detective" (2014-) o un "Daredevil" (2015-18) si de excelentes series de inspectores policiales o justicieros paralelos se trata, pero solo puedo decir que estamos ante una "Batwoman" (2019-22), un "Bones" (2005-17), un "Gotham" (2014-19), un C.S.I.: NY" (2004-13) o un "El cuerpo del delito" más. Algo que entretiene en casi todo momento por elementos ajenos a lo que se nos está contando (sus actuaciones, su puesta en escena) pero que no se torna recomendable para el espectador casual que busque una distracción de cierta categoría (para eso es mucho más recomendable "The Closer" (2005-12), "Mr. Robot" (2015-19), "Señoras del (h)AMPA" (2019-21), "Cómo defender a un asesino" (2014-20) o "Expediente X" (1993-2002) entre otras), aunque para los espectadores que (como yo) se traguen casi todo lo que huela a serie policiaca procedimental y episódica por muy bajas que tenga las miras... pues sí se torna recomendable. Pero la reina "CSI: Las Vegas" (2000-15) le sigue ganando la partida a nivel global. Digamos que en su conjunto final "The Equalizer" es peor que "C.S.I.: Miami" o "NCIS: Los Ángeles" (2009-23) pero mejor que "Homicidios" (2011) o "Mentes criminales: Conducta sospechosa" (2011). Se deja ver en su conjunto (por tres temporadas va ya, por algo será).

Lo mejor: La actuación de Queen Latifah en las escenas pausadas de diálogos y miradas.
Lo peor: La actuación de Queen Latifah en las escenas de acción.

En 2004 el director John Moore ("La jungla: Un buen día para morir" (2013), "Max Payne" (2008)) nos ofreció un remake de la cinta del mismo nombre de 1965 (basada a su vez en la novela de 1964 de Elleston Trevor). En ella un grupo de norteamericanos se dispone a regresar a su país tras unas prospecciones petrolíferas en el desierto del Gobi, pero el avión tiene un destino fatal y este grupo se verá obligado a sobrevivir en medio del desierto y con escasos medios.

Si bien "El vuelo del Fénix" cuenta con una puesta en escena competente e inmersiva (el diseño de escenarios es elegante y detallado, y sus efectos especiales están verdaderamente logrados) y con un reparto de relumbróm (Dennis Quaid, Hugh Laurie, Miranda Otto, Giovanni Ribisi, Tyrese Gibson, Jared Padaleki, etc.)... lo cierto es que hay algo en el conjunto que no acaba de funcionar.

Y no funciona porque su elaboración argumental es tan limitada y rutinaria como necia y majareta. Y es que estamos ante una cinta que se deja llevar por los tópicos sin darles motivos y precedentes que les otorguen (al menos) cierta verosimilitud. El protagonista (Quaid) es un cretino pero como es el protagonista guaperas... no solo todos le siguen ciegamente sino que ¡hasta el único personaje femenino se enamora como una tonta! (esto lo puedo comprar en una película de instituto adolescente, pero en personajes que ya peinan canas resulta tan absurdo como artificial y forzado), todos los personajes cuentan con las herramientas (soldadoras, sierras mecánicas, etcétera) precisas para ir sorteando los obstáculos que se les van presentando, hay unos villanos que aparecen de tanto en cuanto para alargar el metraje... unos villanos que convierten a los moradores de las arenas de "Star Wars episodio IV: Una nueva esperanza" (1977) en unos seres complejísimos y sus berridos en diálogos instruidos (aquí los malvados ni siquiera tienen un mísero diálogo), y los secundarios nunca aportan nada más que el estereotipo que les ha tocado en gracia (el empresario adicto a su portátil, el sociópata amoral, el novato ingenuo, el graciosillo, y la fémina que se pasea como boba alrededor de Quaid para darle ánimos inmerecidos).

El escaso trabajo del libreto, que se conforma con ser un film estandarizado dentro del género del "survival film" (no nos da extras que realcen el desarrollo argumental a lo "127 Horas" (2010), "Naúfrago" (2000) o "El renacido" (2015)), donde los personajes las pasan canutas aunque cada traba y discusión sea incoherente e impostada. Ante tal percal los actores por desgracia no se acaban de creer a sus personajes, así que se les nota desubicados e incómodos y no en el buen sentido... solo Ribisi logra dar unas dimensiones perturbadores a su rol (pero solo sirve para que su papel tenga algo de dignidad dramática, no para que se nos torne completamente plausible).

Una lástima porque "El vuelo del Fénix" contaba con una premisa de aventuras y desventuras que pudo legarnos un pasatiempo más ameno, abstraído y disfrutable. La estilizada puesta en escena en decorados (tanto exteriores como interiores), la pulida cinematografía, los resultones efectos visuales, el maquillaje y vestuarios tan preciso, y la realización resuelta y natural de Moore logran compensar el desaguisado actoral y argumental en cierta medida. Pero no es suficiente como para que "El vuelo del Fénix" sobrepase el pasatiempo distraído en líneas generales (que a ratos capta la atención y a otros distancia sin remedio).

Desde luego en cuanto a cine de catástrofes y supervivencia... esto no es la delicia de "Salvar al soldado Ryan"(1998), "Titanic" (1997), "Apocalypto" (2006), "El coloso en llamas" (1974) o "K-19" (2002). Es más bien un "Bajo cero" (2006), "Territorio comanche" (1996) o un "Infierno blanco" (2012) cualquiera. Podría decirse que es el mejor largo de Moore... pero eso no es decir demasiado, En fin, solo recomendable a los muy muy incondicionales de los "Survival films" o a los fans del cine de Moore, Quaid y demás gente de su elenco actoral.

Lo mejor: Me quedo con la actuación de Ribisi que saca petróleo donde casi no existe.
Lo peor: Diría que el poco mimo de su guion a la hora de desarrollar la trama.

Con los dos artífices de cine palomitero a lo grande (en efectos visuales del momento, no en lo que se refiere a los relatos) de por aquel entonces, el director Michael Bay ("La roca" (1996), "Armageddon" (1998)) y el productor Jerry Bruckheimer ("Top Gun" (1986), "Black Hawk derribado" (2001), "Marea roja" (1995), "Días de trueno" (1990)), "Pearl Harbor" se nos presentaba como una superproducción bélica que pretendía dejar sonrojada en sus tragedias, romanticismos y acción de catástrofes a la mismísima "Titanic" (1997). Ya, pues ja ja ja. Porque decir que "Pearl Harbor" es peor que "Titanic" es una obviedad. Y esto no es porque tenga un nivel inferior en su pulso narrativo o en su tratamiento argumental... pero sí concatena una catarata de tópicos y situaciones forzadas más abundante que la obra maestra comercial de James Cameron. Tampoco goza "Pearl Harbor" del ingenio en el diseño de producción y en la banda sonora de la cinta de 1997.

Así que lo mejor es no disponerse a ver el film como nos lo vendieron en su momento en todos los medios publicitarios (el lema fue "la nueva Titanic", lo recuerdo bien) sino como una cinta de romances y aventuras bélicas tan superficial como disfrutable. Y es que la cinta nos desarrolla un triángulo amoroso tremendamente básico, no torpe pero sí trivial y anecdótico (por mucha cara de circunstancia que pongan Ben Affleck, Josh Hartnett y Kate Beckinsale... el guion les ofrece unas relaciones que son meros rolletes cuasiadolescentes) adornado con bombas pero siempre con excesiva simpleza emocional nada cómplice en un espectador que haya pasado la adolescencia (y ojo que los personajes se supone que rozan la treintena). Y no es que no te creas lo que estás viendo, es que te resulta banal y accesorio... como una relación líquida. Estos escarceos no molestan, los actores comparten química de compadreo y ligoteo, y las situaciones se suceden con ritmo... pero para que acabe resonando más en el espectador la historia tan secundaria del personaje de Cuba Gooding Jr. (tal vez se denote más real por estar basada en un soldado real) en lugar de la trama principal... pues ya dice mucho del poco esfuerzo que se puso a la hora de aportar humanidad, complejidad y hondonadas a estas circunstancias (tampoco es que esperara un romance profundo e intrincado a lo "Brokeback Mountain" (2005), pero es que al lado de "Pearl Harbor" hasta la historia de Jack Dawson y Rose DeWitt parece una obra maestra del cine romántico. Ésta de "Pearl Harbor tiene más del cine de Josh Harnett luciendo palmito cuando era un ídolo adolescente, como los revolcones de "The Faculty" (1998) o de "Aquí en la Tierra" (2000)).

La vertiente de estrategias y acción bélica demuestra un poco (solo un poco) más de eficiencia. También deja relates de postureo ultranacionalista estadounidense (pero esto es el cine de Michael Bay, no el cine de Michael Moore) pero son esparcidos de forma bastante disgregada como para que no molesten en demasía al espectador que no sea de aquellos lares (sin ir más lejos, "Armageddon", "El patriota" (2000) o "El francotirador" (2014) espantan mucho más por culpa de un empeño mayor en poner a los Estados Unidos como "el mejor país del mundo mundial en todo y para todos"). Y lo que cuenta en la narración de su argumento no llega a hastiar, se sucede con una marcha adecuada y con circunstancias que en líneas generales no chirrían (a ver, la película dura más de 3 horas. Hay mucho arquetipo y tópico, pero también hay muchos estados naturales que son los que hacen fluir la trama con comodidad para con el espectador).

Es un desarrollo argumental que pasa sin pena ni gloria. Que no llega al aprobado por culpa de ese empeño en darnos estereotipos... pero que aun así Bay logra capear el temporal con un oficio sublime en la puesta en escena. Porque "Pearl Harbor" goza de unas escenas de acción majestuosas, con unos vuelos que en nada tienen que envidiar a las otras producciones bélicas de Bruckheimer (y eso es decir mucho teniendo en cuenta a largos como "Top Gun: Maverick" (2022), "Black Hawk derribado" (2001) o "Marea roja"), con unos cortes de plano perfectos y enérgicos, con elección de los mismos ensalzadora y estilizada, con unos efectos C.G.I. elegantes y logrados, con un sonido extraordinario, con unos elementos escénicos exquisitos (desde el vestuario refinado hasta el modelo de armamento militar de pega más clásico) y profusos. Lo cierto es que la realización de Bay es la más extensa y variada que ha realizado hasta la fecha (ojo a los filtros utilizados en la secuencia del hospital)... y la más atinada a mi parecer.

Y con esto el espectador medio acaba sumergido en estos avatares que sobre el papel no resultarían creíbles por culpa de ese postureo tan de tanto en cuanto. Y por fortuna en "Pearl Harbor" prima más todo lo que envuelve la acción de evasiones aéreas, ataques submarinos o tiroteos a gran escala que lo que envuelve a ese triángulo olvidable (digo que su trío protagonista resulta natural, pero tampoco está carismático. Pues ni Ben Affleck es Heath Ledger, ni Josh Harnett es Leonardo DiCaprio ni Kate Beckinsale es Kate Winslet interpretativamente hablando (aunque esta última es la que ha demostrado mayor pericia actoral de los tres actores principales. Y para muestra "Amor y amistad" (2016))).

Así pues en "Pearl Harbour" acaban ganando el pulso sus virtudes a sus defectos, y se conforma un conjunto de drama y acción que entretiene siempre y atrapa por momentos... más por su ejecución audiovisual que por su planteamiento y desarrollo argumental. Es una película recomendable a todo público adulto medio como distracción de categoría (y solo indispensable para los muy fans de cine de Bay, Bruckheimer o sus intérpretes) pero no esperen una obra maestra del cine bélico (para eso se tornan mucho más recomendables películas como...

Tras el taquillazo que supuso "Sonic, La película" (de los pocos taquillazos del aciago 2020), nos llega esta obligada continuación que también sirve, como su predecesora, de adaptación de la saga de videojuegos más afamada de SEGA.

Esta vez el erizo azulado que ya ha sido aceptado como miembro de una familia del planeta Tierra (interpretada de nuevo por James Marsden y Tika Sumpter) se ve envuelto en una nueva aventura cuando el malvado Doctor Robotnik (Jim Carrey repitiendo como carismático villano) regresa a la Tierra con el fin de hacerse con una esmeralda de gran poder destructivo. Sonic cuenta con la ayuda o los obstáculos de nuevos personajes que viajan a la Tierra (y que muchos conocemos por los clásicos videojuegos de la saga: Knuckles y Tails. Nos faltan Shadow, Amy Rose o Metal Sonic... pero dado el éxito de esta nueva franquicia no dudo que habrá un tercer largo para su introducción).

La cinta mantiene el tono afable e irreverente de su primera parte, y en ella se suceden lances superheroicos con un ritmo pasable y con un sentido del humor que en varias ocasiones lega perspicacia y olfato (principalmente se trata de varias frases de ironía que suelta el personaje animado principal, de la sorna asocial de la que se aprovecha Carrey con su oficio, o de como explota Natasha Rothwell la absurda intensidad de su personaje). Un tono divertido que aligera bastante el visionado a un adulto (no de forma superlativa elevando al producto a las cotas de comedia memorable, pero al menos sí se nos torna un largo simpático, vivo y cómplice de tanto en cuanto), porque a los niños ya los tiene ganados con su trama de aventuras infantiles pero bien armadas y con coherencia interna dentro de su mundo de fantasía.

Aun así puede que a tanto a los adultos como a los niños se les haga un poco cuesta arriba ese desenlace de acción estirado como un chicle con sus momentos repetitivos de persecuciones y golpes. Se ve que han querido dar más que en la cinta predecesora y, como suele suceder en este tipo de productos, menos es más y su primera parte (que tampoco es que sea una obra maestra) le gana la partida en su sentido del entretenimiento y la evasión con un desarrollo argumental más conciso y confortable.

Aun con los defectos del guion (que los tiene, dado su conformismo al llevarnos por una trama completamente establecida y trillada en el sub-genero de aventuras de superhéroes afables. Una trama que nunca pasa de lo básico y lo infantil (con permiso de la brillantez en su humor de tanto en cuanto)) "Sonic, la película 2" sucede con suficiente brío, mientras que Jeff Fowler repite con una dirección habilidosa (que no maravillosa) en todos sus planos clásicos (lo mismo se puede decir de la música y el sonido del film), los actores se sienten cómodos en sus ligeros roles y ese buen rollo se transmite a la audiencia, el diseño de producción es competente (que no sobresaliente, que esto no es "Avatar" (2009) o "El Señor de los Anillos"" (2001)) y los efectos especiales son vistosos tanto en sus tiernos personajes animados como en la tecnología colorista de Robotnic y la magia de otros mundos y su energía.

Un pasatiempo para lo bueno y para lo malo. Está más orientada a los niños (a pesar de que su excesivo metraje haga pensar lo contrario. La cinta supera las dos horas) pero un adulto no quedará espantado a lo "Turbo: Una película de los Power Rangers" (1997), "102 dálmatas" (2000) o "Solo en casa 3" (1997), sino que sonreirá, reirá con ciertas salidas... y se sentirá atraído por las actuaciones robustas, la animación estilizada y los vivos colores durante la acción. Es recomendada principalmente para los más peques de la casa (pero se puede ver junto a ellos pasando un pasajero rato de distracción) y los muy muy fans del cine de aventuras superheroicas en general (por muy pueriles que estas sean) o de la saga Sonic en particular. Y por supuesto los que disfrutaron con la primera entrega no van a quedar decepcionados... del todo (pues si esperan algo justo al nivel de su predecesora... verán en "Sonic, la película 2" algo que mantiene la esencia desenfadada y liviana pero que baja tan solo un pelín el escalafón de su primera parte). "Sonic, la película 2" no es una cinta para todos los públicos que intercale la imagen real y animada a la altura de cintas memorables como "Mary Poppins" (1964), ni tampoco está a la altura (por poco) de largos como "Encantada" (2007) pero puede equipararse a "Space Jam" (1996) o "Los pitufos" (2011) (y desde luego supera a "Space Jam: Nuevas leyendas" (2021) o "Los pitufos 2" (2013)).

Lo mejor: El humor que presenta y las actuaciones de Carrey y Rothwell.
Lo peor: Que el desenlace se alonga sin necesidad alguna más que gastar metraje para superar en eso a su predecesora (que duraba hora y media y acababa siendo mejor producto).

Conrad Vernon y Greg Tiernan ("Madagascar 3" (2012), "Shrek 2" (2004), "La fiesta de las salchichas" (2016)) nos ofrecieron en 2019 un nuevo largometraje basado en las viñetas de "La familia Addams" creadas en 1938 Charles Addams. Y, si bien esta cinta anima mantiene una fidedignidad pasmosa y adorable en cuanto a los diseños animados de sus personajes respecto a los originales de los años 30 se refiere... en cuanto a desarrollo argumental se queda bastante alejada del tono sardónico que sus personajes hacían a la sociedad convencional.

Es una verdadera lástima que esta familia Addams se rebaje a lo establecido. Y es que su argumento no puede estar más alejado de lo que este humor nos llevaba otorgando durante años. Pues aquí tenemos a una familia "diferente" que trata de encajar en una urbanización "normal". Los villanos son el resto y esta familia es una santa que solo quiere que los dejen tranquilos... ¿Pero no hemos visto esta premisa unas cuatro veces en la saga de "Hotel Transilvania"? ¡Que la familia Addams no es eso!, ellos no "tratan de encajar" ni el cuento se acaba cuando "los malos los aceptan". Ellos le hacen la puñeta a todo lo establecido, y si quisieran encajar es que han fracasado como familia Addams.

Lejos queda esa experiencia de Miércoles en el campamento de verano "buenrrollista", o esos intentos de la gente "normal" por tratar de hacerse con la herencia de tío Fétido. Aquí las frases son por ejemplo un "¿Por qué hay hordas de aldeanos furiosos allá donde vamos?" o un "Quiero que nuestros hijos crezcan en paz" cuando la familia Addams se caracterizaba por reaccionar de forma diametralmente opuesta (la pregunta que todo Addams debería hacer sería "¿Por qué NO hay hordas de aldeanos furiosos allá donde vamos?" como echándolos de menos para mofarse de ellos o un "Quiero que nuestros hijos NO crezcan en paz"). Para colmo tenemos a una Miércoles Addams seducida por los colorines que llevan sus compañeras de Instituto. Sí, lo han leído bien.

No es que "La familia Addams" (1991) y "La familia Addams: La tradición continúa" (1993) fueran obras maestras, pero mantenían una frescura y una acidez en sus salidas cómicas perniciosas que despertaban la risa irónica y el desahogo del espectador hacia la norma establecida. La familia Addams que conocíamos hacía de la confrontación y la ruptura su modus vivendi (echo de menos al Gómez de Raúl Julia cuando salía al exterior y con cara de asco decía eso de "aire fresco... y el aroma de los pinos". Pues en esta cinta de 2019 se pasea por el exterior natural como un afable colegial).

Me temo que "La familia Addams" de 2019 se ha pasado al bando de lo usual y lo infantil en su trama animada para toda la familia ("happy ending" incluido). Gustará, eso sí a los más peques de la casa que se reirán con sus inofensivos (en el peor de los sentidos de la palabra) gags de trompazos y demás más propios de Disney Channel, pero el espectador adulto medio ya no se reirá igual que ellos como ya hizo en las películas de los años 90 o en el musical teatral. El público más curtido no solo es que no levante ni la mueca, es que se aburrirá en bastantes ocasiones. Pues el desarrollo argumental no solo no es original, sino que a veces es hasta redundante.

Se mantendrá la atracción en otros tantos momentos, eso sí, porque plásticamente es una maravilla. La animación de Tiernan y Vernon es deliciosa, con unos diseños espectaculares tanto en los repletos y elegantes escenarios como en los estilizados personajes, la definición del film resulta asombroso y la profundidad de campo en ciertos paneos por esa mansión son tan embrujantes como seductores.

Así que tenemos en "La familia Addams" de 2019 una paleta de colores combinada de forma lustrosa, y unos trazos enamoradores... pero el relato no acompaña al dechado de virtudes de su animación por ordenador. En mi caso particular la balanza se acaba inclinando en el suspenso, solo la recomendaría a los niños y a los muy muy fans del cine de animación (que valoren más los dibujos que nos presentan que el desarrollo argumental que los acompaña). Los que se quieran adentrar verdaderamente en el humor sagaz y punzante del universo Addams, les recomiendo encarecidamente que se pongan sin demora la cinta de 1993 o la de 1991... o busquen por los teatros del mundo ese estupendo musical de Andrew Lippa (cuando pasó por Madrid mi acompañante y yo hacíamos tronar carcajadas por el teatro sin remedio). Y como cinta de animación para toda la familia... "La familia Addams" de 2019 no tiene la calidad en su conjunto de largos como "Coco" (2017), "Big Hero 6" (2014) o "Cómo entrenar a tu dragón" (2010), más bien se pone al nivel de "Justin y la espada del valor" (2013), "Home" (2015), "Shrek Tercero" (2007) o "Los Reyes Magos" (2003).

Lo mejor: La animación, superlativa sería decir poco.
Lo peor: El guion (no horrible, pero si olvidable y plúmbeo).

El animador, doblador y director Mike Mitchell ("Bob Esponja: Un héroe fuera del agua" (2015), "Shrek: Felices para siempre" (2010), "Trolls" (2016)) se pone a los mandos de esta secuela de "La LEGO Película" (2014). La trama mantiene a los personajes ya presentados (Emmet, Lucy, Unikitty, Batman, etc.) y presenta a unos nuevos realmente inspirados (Rex Dangervest, una suerte de Han Solo que guarda un giro final), todos ellos se ven envueltos (de nuevo) en la misión de salvar su mundo de juguete. Esta vez la amenaza no es el "supermalo" humano sino la "supermala" hermana pequeña.

La cinta continúa con sus analogías y paralelismos entre el mundo humano y el de LEGO que de vez en cuanto unen destinos, pero no dejan de ser unas referencias muy testimoniales y anecdóticas que apenas se aprovechan (algo que ya sucedía en su film predecesor). Y es que "La LEGO Película 2" gasta prácticamente todos sus minutos en esa aventura animada de Emmet y sus amigos contra los malvados de turno. Una trama revista en mil y una ocasiones en este tipo de cine de aventuras para todos los públicos, una trama que hemos visto con unos desarrollos más inspirados e imaginativos en el género animado (y para muestra largos como "Los increíbles" (2004), "Blancanieves y los 7 enanitos" (1937), "Big Hero 6" (2014), "El Rey León" (1994), la saga de "Toy Story", etc.) pero que aquí se sucede con el piloto automático y de forma holgazana.

Con esto no digo que "La LEGO Película 2" no sea distraída, porque lo es. Siempre están sucediendo cosas (aunque esas cosas sean mundanas y trilladas) y su argumento fluye con naturalidad... infantil. Admito que la primera parte tampoco me pareció una obra maestra del cine animado para todos los públicos ("Shrek" (2001) o "Del revés" (2015) no es precisamente), pero aquella al menos tenía notas de humor paródico (sagas como "El Señor de los Anillos" o "Batman" eran las principales dianas) que dejaba alguna risa culpable y despertaba del letargo al público adulto que fuera a visionarla junto a los críos. Ésta sin embargo no es capaz (con sus múltiples guiños y referencias a Star Wars, el mundo DC, el mundo MARVEL o el mundo de las Boy Bands entre otras. Sin contar el sarcasmo que usa hacia su propio relato, un sarcasmo que no llega a triunfar en cuestión de risas) de levantar ni la sonrisa en el público más curtido. Los críos, eso sí, se entretendrán bastante (aunque incluso el público más pequeño (menos exigente, pero exigente al fin y al cabo) disfrutará mucho más con otros largos animados como "Frozen" (2013), "Aladdin" (1992), "Buscando a Nemo" (2003) y demás) con sus gags de topetazos, encontronazos e irreverencia desenfadada (en el buen sentido para los niños, en el malo para los adultos) mientras se les envuelve todo con la atinada animación colorista y refulgente (lo mejor del film sin duda es su animación, con esos característicos movimientos ya establecidos en la cinta de 2014, con ese despliegue de escenarios majestuosos (hay en "La LEGO Película 2" viajes interestelares de gran profundidad de campo y un elegante uso de los tonos violetas) y con ese uso del color tan atractivo y lustroso (el brillo es el protagonista de esta secuela con la purpurina a gogó que reciben los personajes)).

Es un producto que nunca molesta a la vista sino que le resulta un regalo para este sentido, la pena es que el desarrollo argumental no acompañe y se quede en lo grisáceo. Una trama que puede contentar al público más cándido al que va dirigido, pero que desde luego a los más mayores de la casa resultará tan anecdótico y olvidable como anodino por momentos. "La LEGO Película 2" se queda a años luz de cintas de animación para peques y mayores como "La bella y la bestia" (1991), "Rompe Ralph" (2012), "Toy Story" (1995), "Coco" (2017), "Spider Man: Un nuevo universo" (2018), "Gru, mi villano favorito" (2010), "El Príncipe de Egipto" (1998), "La Dama y el Vagabundo" (1955), digamos que es un "Home" (2015), un "Justin y la espada del valor" (2013), un "La familia Addams" (2019) o un "Los Reyes Magos" (2003). Un conjunto que no es terrible pero sí muy frugal, solo recomendable para los muy incondicionales de todo lo relacionado con el mundo LEGO.

Lo mejor: Su animación.
Lo peor: Su guion.

El quinto largometraje de Charles Stone III es un film efímero y vacuo... de supuesto suspense. Un par de madres (las Lila y Eve del título original de la cinta, encarnadas con bastante tino por Viola Davis y Jenifer Lopez) cuyos hijos han sido asesinados unen fuerzas para encontrar a los asesinos culpables de la muerte del hijo de la primera.

Con esta premisa "Ángel de venganza" no se desarrolla ni con un humor negro de ajuste de cuentas a lo "Kill Bill" (2003-04) ni con un drama natural y hondo a lo "Tres anuncios en las afueras" (2017) o "La vida en rosa" (2007) si de madres con pérdidas de retoños se trata. No, la cinta opta por lo más superficial pero funcional, la forja de la amistad entre las dos protagonistas mientras viven una sucesión de escenas de acción de caza al malvado de turno... con giro final totalmente previsible. La cinta apenas se diferencia de cualquier telefilm de fin de semana en Antena 3 o La 1, y solo logra subir un peldaño por el talento interpretativo que infunden López en menor medida y Davis en mayor medida. Davis otorga a su papel de un empaque y un carisma que la cinta agradece como agua de Mayo, la de St. Matthews aprovecha los pocos retales dramáticos que le ofrece el guion para transformarlos en instantes cercanos y honestos para con el espectador.

El resto del reparto también cumple con solidez, mientras que la realización de Stone es orgánica y habilidosa. Todo esto (junto a un guion que, si bien tiene poco sentido y demasiados agujeros argumentales, se condensa con efectividad para entretener al espectador durante un visionado) son ingredientes suficientes como para considerar a "Ángel de venganza" una cinta de acción y "misterio" de pasatiempo ajustado. Por supuesto le pesa bastante la rutina, el tópico y la superficialidad de su guion, así como una fotografía olvidable del todo... pero se compensa gracias al oficio actoral y de realización.

No le busquen demasiada coherencia a lo que sucede en el film (esto no es un thriller a la altura de "El secreto de sus ojos" (2009) o "Tesis" (1996). ¡Ójala!) pues solo experimentarán una gran decepción, pero si desean pasar un rato de distracción... "Ángel de venganza" aguanta un visionado gracias a sus contadas virtudes. Pues es una cinta que se pone al nivel de "Colombiana" (2011), "Gothika" (2003), "Hannibal" (2001) o "Ciudad sin ley" (2005), y mejor que "Indomable" (2012), "La trama" (2013), "Atómica" (2017) o las TV movies de serie B que nos plantan en la televisión en abierto sí es.

Lo mejor: La actuación de Viola Davis
Lo peor: ...

Disney sigue en su fiebre de explotar (casi hasta la extenuación) la saga galáctica de George Lucas ahora que la tiene en propiedad. Y por fortuna continúa en la estela de aportar historias diferentes en sus circunstancias... dentro de los cánones establecidos de intrigas y aventuras ligeras y exóticas que caracterizan a este universo de fantasía.

Es lo que todo fan nostálgico o aficionado casual esperaba de los nuevos episodios cinematográficos VII, VIII y IX: tramas de aventuras dentro de NUEVOS contextos (es decir, aventuras con la Nueva República galáctica establecida. Lo que nos chafó a muchos fue encontrar remakes chapuceros de los Episodios IV, V y VI. Como si lo logrado por Luke Skywalker, Leia Organa, Han Solo y compañía no hubiera servido absolutamente de nada. Desde luego Disney con su trilogía hizo buena la trilogía/precuela de George Lucas que sí ofrecía aventuras galácticas en contextos muy diferentes al del yugo del malvado Imperio). Y sin embargo han tenido que llegar series como la notable "The Mandalorian" (2019-) y esta más discreta "Andor" (ésta va más de escondrijos modestos y no de batallas épicas) para ofrecernos esas peripecias y correrías con dignidad... y circunstancias diferentes pero que hacían intuir curiosos dilemas.

Pero con esto no digo ni que "The Mandalorian" ni "Andor" sean series de Star Wars perfectas (aunque la primera se acerca bastante a esto), pues a priori nos presenta a unos personajes sin un bagaje histórico o legendario en la saga que hagan esperar unas tramas trascendentales para con el destino de la galaxia. Es decir, que si las series "The Mandalorian" o "Andor" se llamaran "Darth Tiranus" o "Mon Mothma" (que por cierto hace acto de presencia con cierta subtrama y acaba siendo el punto más álgido de la serie) estaríamos hablando de relatos mucho más provechosos y suculentos a nivel de conspiraciones y acción. Pero un buen nombre tampoco es garantía de un desarrollo astuto e ingenioso (y sino que se lo digan a ese desastre que fue "Obi Wan" (2022), de lo peorcito de Star Wars en pantalla junto a "Star Wars Episodio IX: El ascenso de Skywalker" (2019), "El libro de Boba Fett" (2021) y "Han Solo" (2018), con eso lo digo todo). Y por eso la serie de Star Wars perfecta (de premisa jugosa y desarrollo perspicaz) todavía no ha llegado (pero llegará, llegará si nos presenta a un personaje afamado de Star Wars y tiene como showrunners y guionistas a Tony Gilroy o Jon Favreau). Andor tiene poco de lo primero (premisa jugosa) y mucho de lo segundo (desarrollo perspicaz).

Sirviendo de precedente a los acontecimientos de "Rogue One" (2016) que a su vez eran predecesores a "Star Wars Episodio IV: Una nueva esperanza" (1977), su protagonista Cassian Andor (Diego Luna) es un truhán que malvive en el planeta Ferrix mientras busca por la galaxia a su hermana desaparecida desde que ambos huyeron de su planeta natal que fue destruído por el imperio. La serie cuenta como este joven de moralidad dudosa y buenas habilidades para escabullirse de todo y todos acaba siendo un espía de la Alianza Rebelde. Pero Cassian Andor es un "espía más", ni es Leia Organa ni es Jan Dodonna, así que no esperen unos acontecimientos que vayan a rebelarse (valga la redundancia) como de suma importancia para los cambios geopolíticos de "Star Wars".

Esperen, sin embargo, unas tramas de investigaciones resultonas, huidas espectaculares, rescates sensacionales y combates habilidosos todo envuelto en un tono de coherencia interna agradecida, sensatez en su progreso y un sentido del humor cómplice. Un producto que, en definitiva, aporta dignidad en sus coyunturas a todo público juvenil/adulto (o adulto a secas) al que va dirigido (un peque seguramente se aburrirá con este asunto... además de ver a un protagonista que se carga vidas sin cargo de conciencia alguno. Así que para los niños es más recomendable el "Episodio I: La amenaza fantasma" (1999) o "Las aventuras de los jóvenes Jedi" (2023), los cortos de LEGO Star Wars... o incluso "Clone Wars" (2008-14)). Porque las historias de "Andor" son cabales, evolutivas y competentes tanto en su ritmo argumental como en su tratamiento de personajes (de pocas y superficiales dimensiones, pero justas). Tampoco vayamos a pedir a "Andor" un diseño de producción de mundos y efectos especiales a lo tercera temporada "The Mandalorian" (una temporada que cuenta con mucho más presupuesto que el producto que nos ocupa) y un trabajo de facetas y hondonadas en sus protagonistas a lo "El Padrino" (1972). Porque "Andor" es lo que es: un pasatiempo decente, de fotografía de tonos ocres y negruzcos notable, de cinematografía de alta definición inmersiva, de puesta en escena acertada a todos los niveles (ya sea en los escenarios imperiales más pulcros y minimalistas o en los planetas más dejados con un atrezzo vestusto y un vestuario "imprevisto"), de realización orgánica sin nada más que aportar, de C.G.I. logrado, de actuaciones robustas (tampoco se les exige demasiado a sus actores, pero lo que se les exige lo dan) y de crónicas (episódicas o no) atractivas y eficaces como entretenimiento frugal. Digamos que "Andor" a nivel global se pone varios escalones por detrás de "The Mandalorian" y varios por encima de "Obi Wan" o "El libro de Boba Fett". Es una serie muy recomendable a todo fan de "Star Wars" (sobre todo para el que como yo saliera asqueado de la trilogía de Disney que nos quiso dar unos nuevos Luke Skywalker (Rey), Darth Vader (Kylo Ren), Yoda (Luke Skywalker) de baratija total en lugar de optar por nuevos personajes y situaciones) y recomendable a secas a todo seriéfilo/a/e.

Lo mejor: Todo lo que envuelve al personaje de Mon Mothma (por favor, una serie para ella YA).
Lo peor: Cuando la serie corta esas escenas y pasa a las de Cassian Andor se nota el bajón de relevancia e importancia del desarrollo argumental geopolítico.

En mi caso la saga galáctica (a falta de ver algunas de sus series animadas) quedaría tal que así:

Thriller lustroso de ciencia ficción el que nos ofreció en 2015 William Eubank en su segundo largometraje. Un trío de jóvenes amigos sienten curiosidad por la identidad de un hacker rival (Nomad) y logran averiguar su localización. Una vez allí sufren un "accidente" y despiertan en un área restringida y experimental, ese sitio tan extraño va desvelando estudios, padecimientos y extrañezas varias que desembocarán en un giro final (esperado o no según se tenga experiencia en films de este corte... o según se preste atención o no a varios detalles evidentes).

La cinta cuenta con una premisa jugosa, y esa es la principal baza del film: otorgarnos ciertos impactos en sus extravagancias futuristas y sus "encuentros" impropios. Y "La señal" sabe jugar a ese juego de misterios y revelaciones con astucia... una astucia no total (si fuera así estaríamos hablando de "Interstellar" (2014) o "2001: Una odisea en el espacio" (1968)) pero sí suficiente (digamos que al nivel de "Señales" (2002) o "Prometheus" (2012)).

Y es que estamos ante un guion que no es perfecto ni mucho menos, que amplía sus miras siderales tanto que se olvida de mimar los pequeños detalles a la hora de aportar algo de coherencia interna de tanto en cuanto (más en spoilers). Sin embargo sus golpes de efecto "marcianos" se dan con el tempo preciso y con la eficacia intacta, tanto como para que se nos olviden esas ligeras incongruencias que sufren principalmente los personajes "terrenales". Pues "La señal" sabe mantener el suspense, medir los tiempos, y encajar sus principales piezas de enigma y singularidad con entretenimiento y disfrute.

El film cuenta también con una puesta en escena lograda. Para sus 4 millones de presupuesto (puede parecer mucho, pero en una cinta de ciencia-ficción actual eso es una minucia) "La señal" aprovecha fantásticamente (valga la redundancia) los paisajes naturales tornándolos casi sin proponérselo en decorados inmensos, y utiliza el escaso C.G.I. justo en los momentos propicios (ojo a esas piernas sintéticas o a ese "laboratorio" de luces). Con una fotografía notable de tonalidades ascetas, un diseño de producción fructífero, una bandada sonora pertinente, y una realización orgánica en sus planos detalle, sus travellings semisubjetivos y sus planos medios, "La señal" se conforma como un pasatiempo futurista y (hasta) perturbador de lo más digno.

La lástima es que los actores (con permiso de Laurence Fishbourne que solventa su rol sin despeinarse) no terminan de dar con las teclas de complicidad y carisma que sus papeles hubieran necesitado (hablo por supuesto de Brenton Thwaites, Olivia Cooke y Beau Knapp)... aunque tampoco son unos protagonistas que tengan demasiada base con la que trabajar (jamás se salen del tópico, y su "progreso personal" consiste básicamente en sorprenderse una y otra vez ante lo que se encuentran como si de una cinta de terror de serie B se tratase. Y con ese material en el guion los actores tampoco pueden obrar milagros). Son esas actuaciones aceptables pero nunca sobresalientes (algo que el film pedía a gritos para elevarse algo más) y varios flecos de su guion que no tienen ni sentido ni un mínimo esfuerzo... lo que hacen que "La señal" se quede en un largometraje distraído y curioso... pero nunca insigne y memorable. En cuanto a thrillers de ciencia-ficción... "La señal" pudo ser un "Minority Report" (2002) o un "The Matrix" (1999) pero se queda en un "Oblivion" (2013) o un "Chappie" (2015) (aunque mejor que films como "La guerra de los mundos" (2005) o "El incidente" (2008) sí es). Una cinta recomendable a los mínimamente aficionados a este género (admito que es mi caso), pero obviable para el resto.

Lo peor: Todo lo que envuelve la trama tópico/romántica de los protagonistas (lo único que logra es alargar el metraje, porque emoción... cero). Las preguntas evidentes cuya única respuesta "coherente" es la dejadez de los guionistas:

Tras el éxito comercial de "La Lego película" de (2017) y de los videojuegos de LEGO Batman ("Lego Batman" (2008), "Lego Batman 2: DC Superhéroes" (2013) y "Lego Batman 3: Más allá de Gotham" (2014)), parecía obligado presentar en la pantalla grande una cinta sobre el Batman más autoparódico, ligero y entretenido de los últimos tiempos... que no es otro que el de Lego y TellTale Games.

Una cinta que sirve tanto de conexión con los afamados videojuegos como de spin-off de "La Lego Película" (donde el personaje de Batman ya hacía de secundario "robaescenas"). Sin embargo el resultado no se concilia con las expectativas que los precedentes nos iban indicando. Pues "Batman: La Lego Película" es decepcionante a la hora de abordar su humor y sus aventuras. Y es que la parodia que se hace del personaje no aporta situaciones ni de ironía taimada o sagaz, ni de un humor gamberro tan desatado como osado. Este Batman de Lego se queda a medio gas en su irreverencia, en ciertos momentos es el intenso melodramático que podría comenzar un gag cómico... para luego regresar a lo convencional y sonreír cuando el guion lo pide o caer en los tópicos familiares más trillados en el tipo de cine infantil que acaba siendo el producto.

Y los lances detectivescos son perezosos hasta dejarse llevar por una rutina automática y estandarizada. Desde luego esto no es "Rompe Ralplh" (2012), "Monstruos S.A." (2001) o "Shrek" (2000)... ¡ójala! Ójala nos regalara esa burla mordaz y astuta con sus personajes, o esas tramas clásicas pero mimadas al detalle en todas sus aristas argumentales. Pero no es así, "Batman: La Lego Película" se sitúa al admisible (para el público adulto en un solo visionado, para el público más aniñado es tolerable en unas cuantas revisiones) nivel de "Hotel Transilvania 3" (2018), "Las aventuras de Tintín" (2011), "Futbolín" (2013), "Lórax: En busca de la trúfula perdida" (2012) o "Raya y el último dragón" (2021).

Y esto es un pasatiempo ajustado que vale más por su animación que por su relato de comedia y acción. Porque en los diseños de los muñecos y de los escenarios, en la elección y composición de sus colores... y en sus movimientos característicos "Batman: La Lego Película" se mantiene a un excelente nivel, toda una atracción visual que encandilará con gran facilidad al cinéfilo que no vaya con expectativas más allá de observar tal despliegue audiovisual (aunque en el tema sonoro se torne olvidable). Solo recomendable a los muy muy incondicionales del cine animado para niños/as o a los fans de todo lo que envuelva el universo Lego (a los fans de Batman no nos supone un imprescindible).

Lo peor: Que los chistes no tengan gracias y no despierten ni la sonrisa.
Lo mejor: Su diseño animado y su dirección (éste es el mejor largo del realizador y editor de "Robot Chicken" (2005-). Pero teniendo en cuenta que solo tiene en su filmografía este producto y "La guerra del mañana" (2012)... pues tampoco es decir demasiado) natural y presta.

Con tres (innecesarias) temporadas, esta adaptación del personaje de Batwoman/Kate Kane (no confundir con Batgirl/Barbara Gordon) por parte de HBO Max se queda bastante descafeinada.

La trama sigue los avatares de una joven prima de Bruce Wayne (Ruby Rose), altamente preparada para el combate y que toma el relevo del Caballero de la noche cuando Batman/Bruce Wayne decide abandonar Gotham. Así comienza esta serie que a partir de su segunda temporada directamente se carga lo poco de canon que guardaba en los primeros episodios (y digo lo poco porque la infancia de esta Kate Kane es algo modificada en esta adaptación televisiva. ¡Pero vamos!, nada tan escandaloso como lo visto en series como "Smallville" (2001-2011) o "Gotham" (2014-2019)).

A pesar de ser una serie realmente rutinaria en cuanto a su trama de superhéroe contra supervillano de turno (los que esperen ver curiosas encarnaciones de los carismáticos y distintivos villanos de Gotham... que sigan esperando, que "Batwoman" solo cuenta con la principal antagonista de Ruby Rose (Alice) y abandona el material tan jugoso con el contaba a la hora de mostrarnos a los supervillanos más afamados y no sin motivo (El Acertijo, Sombrerero Loco, Pingüino, Espantapájaros, Capitán Boomerang, Silencio, Catwoman, Hiedra Venenosa, Joker, Bane, Capucha Roja, Harley Quinn, Dos Caras y demás), lo cierto es que cuenta con una buena puesta en escena. Con una fotografía mesurada y elegante en la composición de sus elementos, con un manejo de la cámara natural, con unas coreografías de combate competentes, con una banda sonora adecuada con el tono del relato (aunque no sea destacada y creativa. Esto no es "MARVEL Agentes de Shield" (2013-2020) o "Bruja Escarlata y Visión" (2020)) y con unas actuaciones solventes.

El problema es que lo que nos cuenta no nos interesa lo más mínimo, porque ya lo hemos visto trillones de veces y narrado con mayor astucia, con unas argucias más mimadas, y con un trabajo hacia los personajes más espabilado y multifacético (en el universo "Batman" basta con acercarse a "Batman Begins" (2005), "El Caballero Oscuro" (2007), "Batman Returns" (1992) o "Batman, la serie animada" (1992-1995) entre otras) mientras que aquí su trama solo navega por tópicos impuestos (como miembro del colectivo LGTBI no me molestan en ningún caso los romances homosexuales, más bien al contrario. Peeero en este producto se presentan con arquetipos y no enriquecen a la trama... más bien la torpedean pues no aporta nada de interés para su historia troncal. Pero no es lo único que se denota forzado (casos de romances LGTBI naturales se dan en otras ficciones como "Queer as Folk" (2000-2005), "Carol" (2015), "Brokeback Mountain" (2005), "Ammonite" (2020), "The L Word" (2004-2009), etc.), también ese discurso feminista aleccionador que ya cansa pues no es necesario (nos lo sabemos y lo practicamos en lugar de recitarlo todo el rato) y por superficialidad pasajera más propia de una serie superheroíca infantil (por mucho que navegue de forma plástica en el tenebrismo) a lo "Batman del futuro" que de una serie de superhéroes de calidad (a lo "The Boys" (2019-), "Daredevil" (2015-2018), o "DC's Doom Patrol" (2019-)).

Así pues tenemos un producto que puede resultar ditraído si no se tienen muy altas las pretensiones y solo si se es un aficionado/a/e incondicional de la acción superheroíca sea como sea y venga de donde venga. El resto puede obviarla (mientras que los más puristas sobre el personaje de Batwoman en los cómics y los personajes que le rodean se pueden sacar los ojos viendo este conjunto audiovisual). Dentro de las series de superhéroes digamos que "Batwoman" está a años luz de "Daredevil","Héroes" (2006-2010), "DC's Doom Patrol", "The Boys", "X-Men" (1992-1997), "The Flash" (2014-), "Spider-Man" (1994-1998), "DC's Titans" (2018-) o "Batman, la serie animada". Se acerca más a adaptaciones como "Supergirl" (2015-), "Black Lightning" (2018-2020), "Halcón y el soldado de invierno" (2021) o "Arrow" (2012-2020)... pero tampoco llega a esa altura de amenización con espectáculo, más bien se queda al regulero nivel de "Luke Cage" (2016-2018), "Gotham" o "Jessica Jones" (2015-2019) y supera por poco a otros productos atropellados como "Smallville", "Iron Fist" (2017-2018), "DC's Legends of Tomorrow" (2016-2022) o "Stargirl" (2020-).

Lo mejor: Diría que la actuación de Ruby Rose (en la primera temporada, claro. Luego la protagonista decae en cuestión de naturalidad).
Lo peor: Sus guiones, nulamente originales.

Drama pseudo-biográfico (el guion se basa en la novela escrita por la maestra del mismo nombre que la protagonista del film) sobre una profesora de instituto (Michelle Pfeiffer) que llega nueva para dar clases de literatura a un grupo de alumnos conflictivos del guetto (de un lugar anónimo estadounidense, los hechos de la verdadera LouAnne Johnson (que se parece a Michelle Pfeiffer lo que un huevo a una castaña) se sitúan en Palo Alto, California). Al principio los alumnos siguen con su actitud de pasotismo, pero la protagonista empezará a utilizar métodos para llamar su atención a la vez que les empieza a enseñar algo de conocimiento lingüístico y literario.

Y así, en "Mentes peligrosas" nos encontramos con una trama no solo ya trillada ("Rebelión en las aulas" (1967), "Coach Carter" (2005), "Déjate llevar" (2006), "Los chicos del coro" (2003), "Música del corazón" (1999), "Hardball" (2001), "Diarios de la calle" (2007), etc.) sino que jamás se sale de los arquetipos establecidos (la alumna brillante que va a dejar los estudios para hacerse cargo de temas familiares, el "chico malo", "la chica graciosilla", etc). Por no faltar no falta ni la charla de la protagonista con el superior que cuestiona sus métodos (una charla que hemos tenido también en "Los chicos del coro" o "Patch Adams" (1998) con mayores dosis de honestidad y elaboración humana). "Mentes peligrosas" es pues un compendio de personajes-cliché sin nada más que rascar y de situaciones tan pronosticables como elementales.

Desde luego si se tratara únicamente de su guion, del desarrollo argumental tan infantil y previsible... estaríamos hablando de una mala película. Pero resulta que Michelle Pfeiffer infunde de carisma y gracilidad a su rol, sorteando las torpezas habidas y por haber de los momentos manidos y perezosos del libreto. Está acompañada además por unos jóvenes secundarios que dotan de alma a sus pequeños papeles (a pesar de no ser más que unos monigotes sobre el papel, Wade Dominguez, Bruklin Harris, Renoly Santiago o Marisela Gonzales consiguen dejar su huella con unas personalidades arrolladoras en la interpretación). A esto se suman unos escenarios interiores que logran ese tono tan destartalado como vivo con gran astucia, y no podemos olvidar ese tema principal que se emplea en varios puntos del film y que ya se ha convertido en todo un himno de los 90 (el "Gansta Paradise" de Coolio y L.V. con base y coros del "Pastime Paradise" de Stevie Wonder).

Es, en definitiva, una película que cuida más las formas que el fondo. Pero el fondo logra la atracción pretendida y torna al conjunto en un pasatiempo digno... al menos para un solo visionado con no muy altas expectativas. Solo recomendable al público adolescente, a los que gusten de dramas entre aulas o a los fans de Pfeiffer que se luce como acostumbra. Digamos que "Mentes peligrosas" es claramente inferior a cintas con la misma temática como "Campeones" (2018), "El club de los poetas muertos" (1989), "Los chicos del coro", "Coach Carter" o "Rebelión en las aulas" pero mejor que "Somos los mejores" (1992), "The Way Back" (2020), "El profesor" (2011) o "Hardball". Es un film equiparable más bien a "Déjate llevar" o "Diarios de la calle".

Lo mejor: Su tema musical principal, inolvidable.
Lo peor: El empeño que tiene en quedarse en la superficie de cada tópico.

Amazon Prime nos trajo en 2019 una comedia de fantasía, adaptación de la novela del mismo nombre de Terry Pratchett y Neil Gaiman. En ella un ángel (Michael Sheen) y un demonio (David Tennant) que han sido desterrados (el ángel por haber hecho algo malo y el demonio por haber hecho algo bueno) en la Tierra con los humanos, cruzan sus caminos cuando comienzan los acontecimientos del fin del mundo: ambos se tienen que encargar de criar o torpedear al anticristo. Y así, en "Good Omens" se suceden unos enredos (más básicos de lo esperado en su desarrollo, todo sea dicho) con cierto humor irónico en sus situaciones.

Vamos a ver; "Good Omens" cuenta con un material jugoso. Un material que no se ríe de la religión sino con ella, un planteamiento que nos ofrece a ángeles y demonios pululando por la Tierra con desenfado y complicidad. Pero aun así "Good Omens" no da toda la comicidad que pudo legar, parece como si con su argumento lo tuviera todo hecho y no se digna en desarrollar la trama con virajes sorprendentes y con astucia continuada en sus salidas humorísticas (que nunca nos despiertan la carcajada irrefrenable sino la mueca curiosa). ¡Vamos, que los guiones no tienen la chispa original de otras comedias como "Friends" (1994-2004), "Señoras del (H)AMPA" (2019-2021), "The Big Bang Theory" (2007-2019), "DC's Doom Patrol" (2019-), "Las chicas de oro" (1985-1992) y demás. Digamos que el nivel humorístico de "Good Omens" se queda al nivel de "Escenas de matrimonio" (2007-2010).

Un humor y un desarrollo argumental holgazanes que hacen al producto conformarse con ser una serie más entretenida que divertida. Y es que los episodios son concisos (con menos de una hora de duración y seis capítulos en total) y hacen progresar la trama con equilibrio. A esto se le suman unas actuaciones carismáticas (y aunque un sobresaliente Tennant como demonio irreverente le gana la partida a Sheen, Sheen está notable como simple y candoroso ángel) que comparten química y que transmiten cercanía con el espectador. Un trabajo actoral sólido (no solo Tennant y Shenn como protagonistas se siente realmente cómodos en sus personajes y disfrutan con ellos (un disfrute que se transmite a la audiencia) sino que otros miembros del elenco como Jon Hamm o Daniel Mays aprovechan su tono de comedia limitada y sacan oro de sus roles) aunado a una elegante (que no sobresaliente) puesta en escena hacen de "Good Omens" un producto ameno y digno.

Y es que, si bien los efectos especiales no son el acabóse están insertados con pericia. Y el diseño artístico es ilustre tanto en exteriores como en interiores, el manejo de la cámara es diestro en la elección de planos (pues no todo se reduce a planos/contraplanos y planos recurso. Hay muchos subjetivos y semisubjetivos creativos en sus picados y contrapicados), la fotografía es atinada y distintiva en el uso de tonos ocres o en su elección de baja o alta saturación del color según que escena. La labor de vestuario y maquillaje tampoco le van a la zaga, y la selección de temas musicales es todo un acierto (mientras que la banda sonora original se queda en lo aceptable).

Así pues tenemos un conjunto que se hace distraído, pero pudo dar mucho más de lo que nos ofrece (veremos si su segunda temporada sube o baja el nivel. De momento se queda en una comedia a la altura de las temporadas recientes de "Los Simpson" (1989-)). Recomendable al público general que desee un pasatiempo sin muchas pretensiones (menos a los más puristas que no toleren que se toquen las Sagradas Escrituras más allá de lo establecido), y solo indispensable a los aficionados a las comedias de fantasía o a los fans del material original o de sus intérpretes.

Lo mejor: Me quedo con la labor actoral de Tennant, la inserción de temas musicales de sobra conocidos y los créditos iniciales con su animación.
Lo peor: Que la comedia se quede a medio trabajar.

Con un inmenso presupuesto nos ha llegado a las pantallas esta cinta de acción y aventuras basada en una serie de videojuegos del mismo nombre (admito que desconozco el material interactivo original). En "Uncharted" sus protagonistas (Tom Holland y Mark Wahlberg) aunan fuerzas y talentos para hacerse con un tesoro que supuestamente escondió en Filipinas Juan Sebastián Elcano (sí, patada histórica a las tres). El villano de turno (encarnado por Antonio Banderas) tratará de hacerse con el tesoro antes que ellos.

La cinta jamás crea bases para que los protagonistas sean justificadamente "los buenos" y el antagonista "el malo" (realmente no hay ninguna diferencia en la ambición de unos y de otros), la única diferencia es que los protagonistas sonríen más a la cámara (supongo que con eso el arquetipo de "los protagonistas buenos" ya queda establecido) y algún que otro asesinato de cliché absurdo.

¡Pero vamos!, en una cinta que habla de tesoros de Castilla ocultos en Aragón y de una conspiración que lo mismo te monta la Inquisición que la dictadura franquista... tampoco se puede esperar una construcción de personajes mínimamente digna y humana. Y es que el guion de "Uncharted" es una patraña al igual que aquel de "Misión: Imposible 2" (2000) que te mezclaba las procesiones y las fallas, y donde sus personajes eran los mismos tópicos superficiales andantes que aquí. Desde luego el libreto no da a Tom Holland o a Antonio Banderas un material como el que tuvieron en sus aventuras exóticas Ruseell Crowe y Joaquin Phoenix en "Gladiator" (2000).

El guion está lleno de inconsistencias y agujeros, sí. Y eso le pesa bastante al metraje que deja de interesar bastante rápido dados sus disparates holgazanes. Sin embargo se va contrarrestando en cierta medida por sus escenas de acción de cabriolas espectaculares... y por sus actuaciones solventes. Y es que, si bien el guion no configura a sus personajes con dignidad, los actores cargan de carisma y complicidad a sus personajes (desde Holland y Wahlberg hasta Banderas y Manuel de Blás en su rol más testimonial) y los rescatan del desdén más absoluto (de nuevo, esto sucedía en "Misión imposible 2" gracias a Tom Cruise, Anthony Hopkins, Thandie Newton, Brendan Gleeson y demás).

La trama se desarrolla de la misma forma que otras cintas del mismo corte de los últimos años (como las de las sagas de "La búsqueda", "Piratas del Caribe" o "La momia") pero sin una ambientación imaginativa de la altura de los largos de "Piratas del Caribe" (ni tampoco a la altura de sus notas de humor). "Uncharted" tiene un sentido del humor mediocre (que no horrible) que aligera toda la parte de lances descubridores tan torpes y triviales (donde no faltan viajes en los que sus personajes acaban haciendo de equilibristas, combates cuerpo y cuerpo y demás). Toda una sucesión de acción espectacular y lograda que casi compensa la desidia argumental.

La puesta en escena es aceptable (que no soberbia). El presupuesto cumple con unos efectos especiales magníficos... pero la fotografía de la cinta es rutinaria a todos los niveles. Lo mismo se puede decir de su banda sonora y de su labor de maquillaje y vestuario.

Así que en definitiva se nos queda una película palomitera, cuyo único objetivo es distraer y lo va logrando por momentos (no todos). Desde luego pudo dar mucho más y tornarse en un "Indiana Jones y la última Cruzada" (1989) o un "Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra" (2003) pero se queda en un "La búsqueda" (2004), un "Ira de Titanes" (2012) o un "Prince of Persia" (2010). Solo para los muy incondicionales de las cintas de aventuras más comerciales y pasajeras... a los fans de sus intérpretes o el videojuego en el que se basa. El resto tenemos divertimentos cinéfilos de mayor categoría en el género de aventuras de fantasía.

Lo mejor: Sus actuaciones. Sus efectos C.G.I.
Lo peor: Su guion.

El guionista de largos de ciencia ficción como "28 días después" (2002) o "Dredd" (2012) Alex Garland debutó también en la dirección con este thiller sci-fi. Con un planteamiento interesante y un desarrollo seductor, "Ex_Machina" nos presenta a un informático (Domhnall Gleeson) que es seleccionado para poner a prueba a la primera inteligencia artificial (Alicia Vikander) más semejante a una humana: Ava, creada por el superdotado y "muchimillionario" Nathan Bateman (Oscar Issac). Ava se entrevistará con el protagonista para que éste compruebe si Bateman ha sido o no capaz de crear una máquina con inteligencia y sentimientos humanos.

La trama sabe jugar con cierta (no toda) astucia con el protagonista y el espectador, pues nos va legando conversaciones eruditas y detalles clave que van deshumanizando a los humanos y humanizando a las máquinas. Poniendo así a la audiencia en varias encrucijadas (¿cómo se define a un "ser humano"?, ¿se es humano por biología de nacimiento o solo si se tienen sentimientos humanos?, ¿un psicópata que carece de sentimientos humanos debe ser tratado como un humano o una máquina... y viceversa?) y viviendo un juego de pillos en ese trío protagónico que se va poniendo trampas y mentiras para lograr cada uno de ellos su objetivo.

Y, si bien es cierto que "Ex_Machina" configura unas intrigas sobre el concepto de "lo humano" con intelecto y sagacidad, también sufre de ciertas incongruencias en su desarrollo argumental que le restan puntos (resulta poco creíble que los dos "superdotados" de la cinta sean tan bobos en cuestión de seguridad respecto a las máquinas o los programas que ellos mismos crean. Más en spoilers). Otra de las rémoras del film es su acotación a esa única reflexión sobre los sentimientos humanos o artificiales, pongamos como ejemplo films con la misma temática como "Blade Runner" (1982) o "The Matrix" (1999) que amplían sus miras y van más allá de esas preguntas, ofreciendo otras dimensiones a sus personajes u otras subtramas cautivadoras. Eso "Ex_Machina" no lo tiene por desgracia, se limita a esos careos entre máquinas perspicaces y humanos más zopencos... con un desenlace un tanto marrullero (más en spoilers).

Pero son detalles dentro de un desarrollo argumental conveniente y atrayente... para un visionado o dos, que nos va a enredar (en el buen sentido de la palabra) con eficacia (sobre todo si somos aficionados al género sci-fi, admito que es mi caso) pero que como nos pongamos pijoteros en sus revisiones... vamos a encontrar demasiados agujeros de guion, o como esperemos un producto repleto en sus aristas argumentales... quedaremos un poco decepcionados. Digamos que "Ex_Machina" es un conjunto más elegante y decente que otros largos de ciencia-ficción como "Autómata" (2014), "After Earth" (2013), "Ghost in the Shell" (2017), "Mortal Engines" (2018), "Blade Runner 2049" (2017), "Alien 3" (1992) o "Matrix Reloaded" (2003), pero que nunca llega a las cotas de lo inigualable e inmenso de "Minority Report" (2002), "Abre los ojos" (1997), "Terminator 2" (1991), "Gattaca" (1997), "A.I.: Inteligencia Artificial" (2001) o "Robocop" (1987). Más bien es equiparable a "Tenet" (2020), "Al filo del mañana" (2014) o "Looper" (2012).

Y esto es un film dispuesto con confort (su fotografía, a pesar de no ser asombrosa, hace un buen uso de los espacios diáfanos y la arquitectura minimalista a la hora de "encerrarnos" en esa casa/bunker futurista de tonos claros y limpios. Y la elección de los parajes exteriores resulta una delicia para los ojos), con unos prodigiosos efectos especiales (exceptuando cierto detalle que choca un poco, más en spoilers), con unas actuaciones perfectas (Gleeson encaja como un guante en su rol al igual que Vikander, pero Isaac se transforma en un gurú sociópata con una asombrosa naturalidad para curioseo del espectador) y un manejo de la cámara tan clásico y académico como pertinente y orgánico. La banda sonora por su parte es completamente olvidable.

Así pues tenemos un conjunto que entretiene y a ratos concierne dadas las preguntas que plantea y las repuestas que arma con sensatez y madurez (con permiso del desenlace). Recomendable a todo público adulto, muy recomendable a los fans del sci-fi que la disfrutarán más... aunque no se les quede por mucho tiempo en la retina (que esto no es "The Matrix" (1999) o "Terminator 2").

Lo mejor: Voy a decir que las tres actuaciones principales.
Lo peor:...