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Críticas de Spark
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Blancanieves (Mirror, Mirror)
Blancanieves (Mirror, Mirror) (2012)
  • 4,5
    14.367
  • Estados Unidos Tarsem Singh
  • Lily Collins, Julia Roberts, Armie Hammer, Sean Bean, ...
3
Con el permiso de una siempre carismática Julia Roberts... todo lo demás resulta un auténtico despropósito a todos los niveles.
En 2012 tuvimos en las pantallas la enésima adaptación de "Blancanieves"; el popular cuento de los hermanos Grimm que ya ha sido adaptado a la gran pantalla con anterioridad (el primer largometraje basado en este cuento, la versión animada de 1937 a cargo de Walt Disney, sigue siendo la mejor adaptación con diferencia. Pero después hemos podido ver otras curiosas versiones como una adaptación para televisión en 1997 con mucho toque de terror protagonizada por Sigourney Weaver, u otra versión con personajes de carne y hueso con un tono de fantasía épica y acción en el mismo 2012 ("Blancanieves y la leyenda del cazador")... que si bien tampoco era para tirar cohetes, al menos resultaba mucho más entretenida)... y que no será la última vez que veamos versionado.

En esta ocasión se toma el cuento original como referencia y, aun manteniendo la trama principal con sus acontecimientos fundamentales intactos (no falta el intento de asesinato de la madrastra a Blancanieves, ni el encuentro de esta con los "siete enanitos", ni su convivencia con ellos, ni el encuentro con su príncipe, ni la manzana envenenada, etc,), varía ciertos detalles argumentales cuya modificación ni sorprende ni pasará a la historia del cine. Aquí los "enanitos" no son mineros sino bandidos del bosque, y Blancanieves algunas veces además de ser salvada, salva a algunos personajes.

Pero en líneas generales estamos ante una adaptación muy clásica del cuento (insisto en que las modificaciones se convierten en anécdotas obviables)... y se trata de un cuento tan popular como eficaz y provechoso en la gran pantalla (ya nos lo demostró Disney en 1937)... si se desarrolla con elegancia, talento, ingenio y arte. Y esto es todo lo que no se da en "Blancanieves (Mirror Mirror)" y sí se da en "Blancanieves y los 7 enanitos" (1937).

No quiero resultar muy insultante... pero es que el guión es desdeñable. Trata de marcar la diferencia con lo puramente tópico, típico y resobado del cuento con toques de humor... el problema es que no hace gracia. Sus chistes y chascarrillos se basan en tropezones en exceso y trompazos a destiempo junto a una pretenciosa autoparodia tan superficial, trasnochada y pueril... que más que risa produce distanciamiento y repulsión hacia sus personajes. Este "humor" se repite una y otra vez en la cinta junto a una situaciones desarrolladas con desidia, exceso de azúcar, y con diálogos simplones y de lo más vistos y trillados.

A un guión malo que solo contentará al público infantil menos exigente (los que sean fans del género de la fantasía clásica... que mejor visionen la saga de la Tierra Media de Peter Jackson, la saga de Harry Potter ", "El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares" (2016), la saga de las Crónicas de Narnia, "Beowulf" (2007) o cualquier otra fábula en un mundo de fantasía con un guión mucho más elaborado, inteligente, maduro y detallista) se le unen unas interpretaciones (a excepción de Julia Roberts, por supuesto) malas también a falta de otro calificativo. Lily Collins como Blancanieves resulta sosa y sobreactuada a la vez (cosa difícil de conseguir, solo he visto a los Jonas Brothers en esa serie que tenían en Disney Channel actuar tan mal), le suceda lo que le suceda tiene siempre el mismo rictus de "posado de selfie", y parece pasearse en un anuncio de perfume y no en una película de ficción (está claro que no es Cate Blanchett en "El Señor de los Anillos" ni Lena Headey en "Juego de tronos"). Lo mismo podríamos decir del resto de sus acompañantes... aunque no tienen mucho material en el texto ni escenas en el film como para poder valorar su presencia. Julia Roberts es la excepción en la cinta y aporta una guasa simpática (que no llega a lo divertido por culpa del material del guión), cómplice y cercana para con el espectador. Los minutos de Roberts elevan algo el metraje... aunque no lo suficiente.

La realización por su parte es aceptable pero nada destacada, al igual que su edición. Y la puesta en escena... es recargada pero no en el buen sentido (es como si Paco Clavel se hubiera juntado con el Instagram de Paula Echevarría). Aun así no es lo peor del film y se deja ver con curiosidad a nivel plástico... aunque un film de estas características y con este tono argumental (humor fracasado con típica pretenciosidad) demandaba un poco más de mesura a nivel visual.

En fin, mis tres estrellas van por la agradable y sugerente presencia de Julia Roberts (que no puede sacar oro de un personaje que no lo tiene), y por una ambientación llamativa y peculiar (que no acorde con la narración). El resto es horrible: una cinta tan perezosa y poco esforzada como almibarada y estereotipada, tan superficial y nimia como plana y gris, tan irritante como interminable (la hora y media se hacen 5 con tanta batallita repetitiva (ojo a esa escena que quiere imitar a cierto duelo en "La máscara del Zorro" (1998)... sin ser Lily Evans Catherine Zeta-Jones ni Armie Hammer Antonio Banderas), con tanta "chanza de enanos" (como diría cierto personaje de Poniente), tanta divagación de caídas y topetazos) y con tanto diálogo insulso).

Nada recomendable, ni Roberts ni la ambientación logran mantener al espectador frente a la pantalla (a no ser que sea forzado a ello). Es difícil de soportar.

Lo mejor: Julia Roberts y su capacidad interpretativa.
Lo peor: Todo lo demás (en especial la ¿actuación? de Lily Collins y el guión).
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En campaña todo vale
En campaña todo vale (2012)
  • 5,0
    3.515
  • Estados Unidos Jay Roach
  • Will Ferrell, Zach Galifianakis, Jason Sudeikis, Sarah Baker, ...
4
Poca sátira política eficaz y potente... y excesivo humor escatológico usado y sobado en esta floja comedia que al menos mantiene un ritmo correcto.
El mundo de la política es una maravillosa (y necesaria) tentación para desarrollar comedias y sátiras de ficción; que nos hablen sin tapujos y nos ridiculicen a esas figuras políticas cargadas de hipocresía, egocentrismo y amoralidad... unas figuras que nos son bastante cercanas en las democracias contemporáneas. Por ello una comedia política siempre goza de un gran potencial.

Pero no se engañen: "En campaña todo vale" no es la serie "Veep" ni está cargada de esos diálogos tan laboriosos, aplicados e ingeniosos como ácidos, punzantes y divertidos.

En esta parodia política (cuyo argumento es la rivalidad durante una campaña entre dos aspirantes locales al Congreso de los Estados Unidos) no hay riesgo, calado ni valor en sus notas de humor a la ridiculización de la esfera política (eso se lo seguimos dejando a VEEP y a films como "Primary Colors (1998) o "La cortina de humo" (1997))). Pues el humor que se nos va dando durante el desarrollo de la trama consiste en nombrar de seguido las típicas palabras de "caca,culo, pedo, pis... tetas, huevos (la palabra más abundante en el guión, que de tanto repetirla resulta baladí, insignificante y anodina), coño, titis, hostia, follar, uretra, cagar y vagina" (palabras que de corrido no tiene gracia de por sí a no ser que haya un contexto que de pie a ello... bueno, en los Estados Unidos se ve que la simple mención de estas palabras ya produce la carcajada, será porque las tienen como un tabú absurdo), en ver algunos trompazos, tropezones, golpes, picotazos de bichos y sobadas de partes íntimas. Sinceramente, de una sátira política se espera mucho más... mucho más que un humor que no se mide con ponderación y equilibrio (desde luego aquí no podemos decir que menos es más... en esta ocasión más es menos) y que resulta tan básico, simplón, resobado, infantiloide y carente de ingenio, perspicacia y sorpresa que apenas hace reír (admito que solo me reí un par de veces... y porque soy de risa floja). Es capaz de mantener una sonrisa cómplice de tanto en cuanto ya que la temática de caricaturizar a los políticos resulta efectiva, aunque esa caricatura sea un mero esbozo de pocos trazos (muy indebidamente se tenía que haber desarrollado su temática de parodia al politiqueo como para no resultar al menos un film simpático y cómplice... y muy malo el guión no es, solo regular tirando a malo).

Una lástima porque la trama se desarrolla con bastante fluidez y evoluciona sin divagar, distraerse o alongarse sin necesidad (a excepción del último tercio que resulta algo repetitivo). Así que a nivel general estamos ante un film lo suficientemente entretenido y agradable como para aguantar un visionado rápido

La realización y la edición por su parte son tan usuales y poco originales y llamativas como aceptables. Se basan principalmente en el plano/contraplano y los planos cerrados para hacer recaer todo el peso del film en sus dos actores principales y en el guión. La cinematografía es limpia y la puesta en escena es complaciente y agradable (destacando una iluminación gustosa) y nos puede hacer mantenernos con convencimiento frente a la pantalla durante el metraje.

Esa fotografía y plasticidad del film (que no es notable, pero sí muy eficaz y placentera), junto a un guión no brillante pero sí soportable... y el buen hacer de Zach Galifianakis (que saca el máximo partido a su personaje, dotándole de una excentricidad e ingenuidad con sus ademanes que no resulta distante sino cercana y entrañable. Will Ferrer por su parte no me dice nada, pero debo admitir que siempre me ha resultado cargante (y en su último trabajo "Holmes y Watson" (2018) ("premiada" con el Razzie a la peor película de 2018) ya es el culmen del perogrullo)) nos hacen poder ver un film que desde luego ni pasará a la historia, ni nos hará reír a carcajadas ni nos sorprenderá en su parodia.

En fin, no merece la pena de verse excepto si se es muy muy fan de sus dos cómicos o de la comedia americana más boba y soez. No es el peor trabajo de Will Ferrer, eso tampoco (pero es que el listón es taan bajo).

Lo mejor: La fotografía e iluminación. Que no llega a la hora y media de duración y no nos tortura con excesivas redundancias en la trama. Zach Galifianakis que le saca el máximo jugo a su personaje.
Lo peor: Su ¿humor? y la falta de audacia de éste...
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Dolor y dinero
Dolor y dinero (2013)
  • 5,8
    16.870
  • Estados Unidos Michael Bay
  • Mark Wahlberg, Dwayne Johnson, Anthony Mackie, Ed Harris, ...
7
Michael Bay quiere arrimarse a Tarantino... y la jugada le sale genial (la mejor película de Bay con mucha diferencia).
Creo que es la primera vez en mi vida que me enfrento a una película de Michael Bay donde el protagonista es un guión notable y no los fuegos de artificio de la puesta en escena (porque incluso las aceptables "Pearl Harbour" (2001), "La isla" (2005) o "Transformers" (2007) utilizaban unos guiones más o menos aceptables... para servir tan solo de sostén al espectáculo de pirotecnia visual al que Bay acostumbra cuando esta inspirado) y el resultado es cuanto menos radiante y destacado.

No es solo que estemos ante la mejor película de Bay con diferencia (superar mojones de tiros y explosiones sin ton ni son y persecuciones repetitivas y vacuas no era algo difícil... superar entretenimientos amenos como algunas de sus cintas era algo más arduo pero no imposible), es que estamos ante uno de los mejores films de crímenes tratados con un humor negro y sátira. Así lo digo "Dolor y dinero" está al mismo nivel que ciertas obras de Quentin Tarantino (y no me refiero a las más flojas, porque "Dolor y dinero" supera con facilidad a films como "Los odiosos ocho" (2015) o "Django desencadenado" (2012)).

Con un tono muy similar al de "Pulp Fiction" (1994) y Jackie Brown" (1997) de Tarantino o a "El lobo de Wall Street" (2013) o "Casino" (1995) de Scorsese, "Dolor y dinero" se nos basa en hechos reales, y nos narra las aventuras y desventuras de una banda de criminales tan macabros, inmorales y perversos... como patosos, estúpidos y catetos. El protagonista, Daniel Zuco (Mark Whalberg) y sus amigotes de gimnasio (interpretados por Dwayne Johnson y Anthonie Mackie) apasionados de la musculación y el ejercicio... y alérgicos a los libros y al razonamiento, tienen la "brillante" idea de vivir como millonarios apoderándose de la fortuna de sus clientes. Pero al ser unos cerebros de guisante, la cosa solo puede dejar mucha sangre de por medio y muchas situaciones chapuceras en los crímenes... que no podrán evitar que el espectador se ría de estos viles y depravados pazguatos muchísimas veces durante la cinta.

El guión cuenta de por sí con una temática real (la cinta no deja de recordarnos con complicidad que, por muy estrambóticas y absurdas que resulten las situaciones, la cinta sigue narrando hechos reales) muy jugosa, impresionante, pasmosa y chocante (no desvelo detalles para no estropear las sorpresas y risas de los espectadores)... y los guionistas Markus y McFeely (autores de la mejor adaptación del Capitán America a la gran pantalla: "Capitán América: el soldado de invierno (2016) y de la estupenda saga de fantasía de "Las crónicas de Narnia") lo adaptan a la pantalla con una perspicacia cautivadora, vertiginosa, fascinante, detallista y exquisita. Los diálogos entre esta banda son tan bobos, necios y absurdos como desternillantes y festivos para con el espectador (me quedo con la forma de convencer del líder a sus compinches sobre su plan del secuestro número 1: "Se lo que hago Paul, he visto muchas pelis"), y las situaciones por las que se topan son tan surrealistas y descaradas como irónicas y mordaces (no diré mucho, pero ese primer intento de secuestro, el enredo que se monta en la casa de Adrian (Mackie)). Y estas situaciones son un no parar. Es cierto que a veces las voces en off de sus protagonistas (en especial del necio y palurdo protagonista), sus tablas de ejercicios combinadas con ilegalidades y delitos, y la timorata respuesta de las fuerzas del orden no siempre gozan del mismo nivel de ingenio y sagacidad. Y, en ocasiones, en lugar de despertar la risa inevitable o la sonrisa guasona del espectador, el público se tendrá que "conformar" con el aceptable entretenimiento mientras la trama se desarrolla siempre con un progreso razonable.

Desde luego el punto fuerte de la cinta es la trama y su desarrollo... y Bay sale ganando al perder en presupuesto. Pues esta vez no abusa de persecuciones, tiros y explosiones y se centra en LA HISTORIA, una historia que no es la quintaesencia de todas las historias, pero que es sorprendente.

La puesta en escena por su parte lleva el sello marcado de Bay, esto tiene su parte buena y mala. Por una parte podemos admirar una edición enervada a la par que atinada, repleta y colmada de todo tipo de planos (predominando entre los planos/contraplanos los planos con cierto movimiento... aunque sea leve en esta ocasión dado que la trama tiene más protagonismo que su envoltura. Y también abundando los planos subjetivos (algunos son falsos planos-secuencia) y los planos medios), podemos aturdirnos con los montajes videocliperos que alternan a sus personajes principales con "tías macizas" y dólares cayendo del cielo. No es una mala puesta en escena ni mucho menos, Bay la tiene dominada y se pone tras las cámaras con oficio... y hace que el espectador mantenga siempre su atención en la trama... pero es de lo más probable que con otra realización la trama se hubiera engalanado mejor (como decirlo, con Bay esta trama lleva un traje de Aghata Ruiz de la Prada, y con otro director... como por ejemplo los hermanos Coen, el traje sería de Dior. Ni peor ni mejor y sí muy diferente).

Lo actores por su parte brillan, pero es que encajan en sus roles como un guante. Wahlberg no es ningún DeNiro pero es que su personaje es todo músculos y una sola neurona, lo mismo se puede decir que Johnson y Makie que cumplen tanto en las palizas que dan y las pesas que levantan como en sus esforzados razonamientos que no llevan a nada mínimamente espabilado.

La fotografía es lo más reseñable junto al argumento y su guión, pues sus tonos de colores chillones saturados nos aporta el tono de autoparodia y descaro que el film demanda.

En fin, me ha gustado mucho, casi tanto como "Pulp Fiction" y ahí lo dejo. Recomendable a todo público e imprescindible a todo fan del género de cine negro cómico y satírico. La única cinta de Michael Bay que voy a guardar en mi videoteca.

Lo mejor: El guión.
Lo peor: La edición y saturación de planos a veces se pasa un poco de frenada.
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Aquaman
Aquaman (2018)
  • 5,9
    13.994
  • Estados Unidos James Wan
  • Jason Momoa, Amber Heard, Patrick Wilson, Willem Dafoe, ...
6
DC Cómics por fin se va dando cuenta de que sus cintas merecen mayor carga aventurera y amena, y no tanto exagerado tono afectado.
Y este "Aquaman" de 2018 es un claro ejemplo de ello. Atrás ha quedado ese empeño absurdo de DC Cómics de de abandonar el detalle de las tramas, la perspicacia en la aventura superheróica y la intriga detectivesca para dar a sus cintas superherócias un tono exagerado de solemnidad, pomposidad y parafernalia que no pedían ("El hombre de acero" (2013) y "Batman Vs. Superman" (2016) son los grandes exponentes de aquello... siendo "Batman Vs. Superman" lo peor que ha dado la DC en el cine en décadas).

Y es que en DC Cómics (admito que soy de DC muchísimo más que de MARVEL) pocos supehéroes de las viñetas son introspectivos y oscuros (exceptuado quizás a Cyborg y por supuesto a las aventuras de Batman, que tiene mucho de reflexión humana madura... pero que nunca abandona por ello la intriga criminal. Y Nolan ya nos supo combinar todas las aristas de este multidimensional personaje y su universo (mientras que Snyder se ha quedado tan solo en el postureo pretencioso)). Porque ni Superman ha sido jamás un drama medrado en los cómics sino una aventura de fantasía (y es por eso que el Superman de Richard Donner y Christopher Reeve es la quintaesencia del personaje en la pantalla grande y no la "revisión" de Snyder) ni tampoco personajes como Wonder Woman, Aquaman, Flash o Supergirl han sido más que un divertimento emocionante y sorprendente.

Y menos mal que la DC se ha dado cuenta a tiempo de que, quitando al Caballero de la Noche que es MUCHO MÁS, sus adaptaciones de personajes comiqueros deben centrarse en su esencia: la aventura fantasiosa clásica y desenvuelta. Y "Aquaman" es parte de esto.

Sin llegar al nivel de excelencia de "Wonder Woman" (2017) (que gozaba de unos puntos de humor superiores a este "Aquaman", y se deleitaba con unas interpretaciones más carismáticas, cercanas... y con un elenco que compartió mejor química) esta "Aquaman" resulta un pasatiempo palomitero digno y mayestático. Sin salirse de la historia original del cómic (que tiene mucho potencial)... aunque sí un poco del look de su protagonista (el Arthur Curry original es un rubiales delgadito y no Khal Drogo), la trama nos narra mezclando mitología con el género superheróico (pero con mayor concisión, cuidado y elegancia que... ejem, ejem "Thor" (2011)) los orígenes de Arthur Curry (hijo de un farero humano y una reina de Atlantis (una supercivilización submarina)) que deberá entrenarse y prepararse para afrontar su destino, no solo como heredero al trono de Atlantis, sino como héroe tanto dentro como fuera del agua... pues la amenazas las tiene por partida doble: su hermanastro pequeño que no solo ansía el trono de Atlantis sino que prefiere guerrear a la paz, y Black Manta (supervillano humano clásico de las aventuras de Aquaman).

El film cumple con todos los parámetros del blockbuster de espectáculo y entretenimiento: un guión que, si bien no nos desarrolla las situaciones a las que se enfrenta Aquaman con matices, profundidad y calado (esto no es "El padrino" (1972)), nos aporta los mimbres suficientes como para interesar al espectador y mantenerlo firme en el disfrute de los fuegos de artificio acuáticos. Este guión resulta simple y no se esfuerza demasiado en sus detalles, pero es coherente con su propio universo, equilibrado en cuanto a desarrollo argumental (por fortuna no se dispersa en subtramas accesorias y demás) y lo suficientemente ameno y desenvuelto en su trama (y es que la historia nos prepara con estupendos antecedentes a las batallas y los lances más épicos del film (como esa pelea fuera del agua de los dos hermanos, esa persecución de Black Manta a los protagonistas por Italia (país al que medio destrozan con tantos tiros y caídas), o ese adentramiento de Aquaman y Mera a "la fosa" llena de "monstruos" summarinos (sí, esa escena supera con creces la de los inferi de "Harry Potter y el misterio del Príncipe" (2009))).

La cinta posee una puesta en escena notable (con ese presupuesto sería un pecado que no lo fuera), con una cinematografía inmaculada y pulida, con una realización pertinente y ducha, una frenética y hábil edición acorde con las características del tono del film, un sonido sorprendente, unos efectos especiales asombrosos y utilizados en la narración con gran pericia para con la trama, y una gran elección en su fotografía que nos sumerge (nunca mejor dicho) de lleno en el mundo subacuático combinando, como es lógico, colores azulados y verdosos que se cargan durante el film... también fuera del agua para que el espectador no pierda la perspectiva de que Atlantis siempre está presente en este planeta de la DC.

Los actores por su parte cumplen sin despeinarse. Jason Momoa (a lo Dawyne "La roca" Johnson) no es el sumun del carisma pero da el pego. Lo mismo con el resto del reparto pero... unos pocos segundos en pantalla de Nicole Kidman (capaz de ser una diosa de los océanos sin perder un ápice de humanidad y cercanía para con el espectador) hacen ver las carencias del resto del elenco.

En fin, un gran comienzo para uno de los superhéroes míticos de la DC (aunque no sea de primera fila como Superman o Batman y se haya quedado siempre en "la segunda fila" con Flash, Wonder Woman o Linterna Verde). No es la mejor cinta de superhéroes de la historia (el elenco no es el de "El Caballero Oscuro" (2008), la trama pudo desarrollarse con más eminencia si hubiera abarcado menos periodo y hubiera cuidado algo más... menos periodo. Y algunas batallas, por muy fastuosas que sean se alargan un poco (no demasiado, un poco)), pero estamos ante una cinta muy interesante dentro de su género. Recomendable a todo fan de la aventura de fantasía con superhéroes o dioses-semidioses griegos. Al nivel de "Iron Man" (2008), "Ant Man" (2015) o "Capitán América: El primer vengador" (2011)... y mejor que "Thor" (su "reflejo" de MARVEL Comics).

Lo mejor: La coreografía de ciertas batallas aquáticas y su puesta en escena.
Lo peor: En otras de estas batallas hay un alongamiento un poco innecesario.
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Rogue One: Una historia de Star Wars
Rogue One: Una historia de Star Wars (2016)
  • 6,9
    41.199
  • Estados Unidos Gareth Edwards
  • Felicity Jones, Diego Luna, Ben Mendelsohn, Donnie Yen, ...
7
"Muchos Bothans han muerto para traer esta información".
Una de las frases más recordadas del cine de los 70 que nos dejo "Star Wars Episodio IV: Una nueva esperanza" (1977) a palabras de Mon Mothma, senadora de la galaxia y líder secreta de la Rebelión contra el Imperio Galáctico. Pues bien, en 2016 y con la nueva hornada por parte de Disney de películas sobre la saga de Star Wars, nos llegó "Rogue One". Que no es un episodio de la saga propiamente dicho, pero sí un anexo que sirve de puente entre la trilogía original y la trilogía-precuela de George Lucas, y que explica todo lo acontecido justo ante de la película original de 1977.

Y "Rogue One" se trata de un puente escultural, placentero y gustoso... al contrario que el resto de films que se nos han ofrecido sobre Star Wars desde que la Disney tomase el timón de la saga (lo de "Star Wars Episodio VII: El despertar de la fuerza" (2015), aun siendo entretenido, es un sacrilegio a toda la trama de la saga, y se carga su propia historia y universo con muy poca vergüenza... y de "Star Wars Episodio VIII: Los últimos Jedi" (2017) y "Han Solo" (2018) mejor ni hablar).

Y es que "Rogue One" no comete los pecados de "El despertar de la fuerza", "Los últimos Jedi" y "Han Solo", "Rogue One" SÍ RESPETA el legado y el universo de la saga, con sus reglas, su historia de fondo, y la esencia de sus personajes.

La trama nos narra un punto de la historia que sucede años después de "Star Wars Episodio III: La venganza de los Sith"(2005), con la galaxia ya a manos del Imperio, con una Estrella de la Muerte a medio construir, y con una Alianza Rebelde ya ordenada y lista para los ataques. La trama de "Rogue One" nos explica por qué la Estrella de la Muerte tiene un fallo en el sistema tan garrafal y como la Alianza Rebelde obtiene esa información (desde la obtención de esa información a cargo de desertores del Imperio soplones hasta la obtención de los planos en el planeta Scalifh).

La trama es completamente coherente con el universo Star Wars (aquí no veremos una República sin ejército ni poder como en "El despertar de la fuerza", ni la falta de propósito o explicación de la Primera Orden), y no solo eso sino que amplía el fondo de personajes meramente esbozados en capítulos posteriores de la saga (como Mon Mothma) y se realizan cameos de personajes cuyo trasfondo gracias a esas apariciones nos queda más justificado que en "Una nueva esperanza" (la Princesa Leia y su padre adoptivo, Darth Vader y el malvado Gobernador Tarkin a cargo de la Estrella de la Muerte)... incluso hay cameos de una afamada pareja de la cantina de Mos Eisley. También se verán lugares comunes como el planeta base de la Alianza Rebelde: Yavin IV.

Los nuevos personajes que se nos ofrecen no molestan, pero tampoco van a pasar a la historia de la saga. Estos rebeldes los componen una joven cuyo padre ha sido el artífice del gran fallo (adrede) en la Estrella de la Muerte (una Felicity Jones rigurosa), un joven de oscuro y misterioso pasado (un Diego Luna que viene a ser como el Kit Harrington de "Juego de Tronos": ni molesta ni destaca), un invidente en comunión con la Fuerza y bastante solitario (dado que los Jedi fueron asesinados en el templo Jedi por Darth Vader en el Episodio III), y un robot del Imperio reprogramado que tiene una actitud desenfadada y descarada llamado K2-SO (lo más reseñable entre los personajes. Adiós a los robots-juguetes para vender muñecos de los nuevos episodios). La villanía esta vez corre a cargo de Ben Meldenson (actor que da a su personaje la misma naturalidad que el resto del electo, pero algo más de carisma) en un personaje cuyo fin es supervisar toda la construcción de la Estrella de la Muerte.

Si bien es cierto que "Rogue One" no tiene una trama tan serpenteante y con tanta enjundia y trascendencia como los "episodios" de Star Wars (y me refiero básicamente del III al VI), ni tampoco posee unos personajes tan profundos (casos de Anakin/Darth Vader o la princesa Leia), lo que nos ofrece es entretenido, cabal, deleitoso y acabado... lo que es mucho decir visto lo visto ultimamente en Star Wars.

"Rogue One" no tiene muchas pretensiones a nivel de calado en el desarrollo argumental... pero tampoco lo necesita para cumplir su cometido, el desarrollo argumental no es ni más ni menos que una aventura épica espacial enérgica, robusta, ordenada (que no enredada), sin divagaciones, con pequeños puntos de humor simpáticos y agradables (a cargo mayormente de K2-SO), con una puesta en escena sobresaliente y con unos personajes e interpretaciones oportunas.

No es una obra maestra, queda bastante claro durante su visionado (le falta profundidad en sus personajes y tramas, y además se alarga un poco en las batallas finales (no eran necesarias 2 horas para este nexo puntual entre los episodios III y IV), pero que es una muy digna película de la saga y se disfruta más de una vez es un hecho palpable (sobretodo para los fans de Star Wars... admito que es mi caso e incluso disfruto de vez en cuando de la saga en el orden cronológico que Lucas nos ha encomendado, amén xD). Pues no faltan las batallas entre cazas estelares y los X-Wing rebeldes, no faltan los soldados de asalto, ni los aprendices de la Fuerza. Y todo se da con equilibro en casi todo momento.

En cuanto a la plasticidad del film, estamos ante una cinta notable con una cinematografía distinguida y admirable, una fotografía ilustre que juega con los tonos suaves (azulados y verdosos al comienzo de la trama... y tornando al ocre en la batalla final), unos efectos especiales pulcros y dignos del siglo XXI, la realización de Gareth Edwards resuta minuciosa con planos no novedosos pero sí impecables en cada momento de la cinta, la edición resulta excelente y la banda sonora de Dexplat no destaca pero es un decente homenaje a John Williams.

Muy recomendable a todo fan de la saga, y recomendable a todo aficionado a la épica de ciencia-ficción (pues no es un film en el que uno se pierda si no sabe nada de la saga).

Lo mejor: ...
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Pájaros de papel
Pájaros de papel (2010)
  • 7,1
    11.363
  • España Emilio Aragón
  • Imanol Arias, Lluís Homar, Roger Príncep, Carmen Machi, ...
3
De papel de fumar.
Emilio Aragón debutó en la dirección en 2010 con una historia tan personal (no hay que olvidarse de su niñez entre tramoyistas y cómicos, ni del legado familiar de los Aragón, cuya odisea personal les llevó de país en país por culpa de guerra tras guerra) como melancólica. En ella dos cómicos heridos profundamente por los traumas de la Guerra Civil regresan a los escenarios de los pueblos de España en plena dictadura franquista... y acompañados por un niño también mermado por culpa de la guerra.

A nivel de realización la cinta resulta impecable; con una fotografía que cuida la escasa iluminación de la post-guerra con elegancia y que opta por unos tonos ocres muy sutiles y medrados, con una elección de encuadres de lo más acabada, una edición completamente rigurosa, y unos cuidados y gustosos escenarios. La temática de la cinta además resulta prometedora (me refiero al ambiente circense y del mundo del espectáculo, porque el hecho de estar ambientada en la Guerra Civil... es un tema más resobado y manido en el cine español que los espectadores han llegado (y con razón) al hartazgo).

Sin embargo y por desgracia "Pájaros de papel" no es la quintaesencia del cine sobre el espectáculo en directo (hasta "Dumbo" (1941) es capaz de erizar más los pelos del espectador cuando salen sus payasos y se despliega una carpa circense). En el tema a la oda sobre el mundo y el ambiente teatral y comediante... el film pudo dar muchísimo más, pudo haber resultado una elegía a la dimensión artística humana con un despliegue visual más elaborado, una composición plástica en su realización narrativa mucho más aguda y seductora (está claro que Emilio Aragón como director no es Tim Burton cuando nos sumerge con su protagonista en su trabajo circense en "Big Fish" (2003)), y unos números artísticos que resultaran más talentosos (con la aparición de Miliki y su talento musical... se ven más las carencias de los protagonistas del film en todos los minutos anteriores).

Por culpa de esta falta de distinción en todo lo que envuelve el universo sobre las tablas y entre ellas, la cinta pierde muchos enteros. Pues el 70% de su metraje se dedica a que veamos ensayos, actuaciones y momentos entre bambalinas que tienen un nivel de fascinación más bajo que cualquier actuación de "Got Talent" (con esto lo digo todo).

Pero no es el único punto débil (que no horroroso) del film. La cinta también lleva otras pesadas cargas bajo su espalda: una desproporción nada armónica entre presentación, nudo y desenlace que puede no solo distanciar al espectador, sino hacerle bostezar (ese nudo y desenlace atropellados que pedían mucha más atención y mimo, y esa presentación de personajes súbita (ojo como la cinta corta de un año a otro sin ton ni son cuando el film pedía a gritos saber de ese año del protagonista) chocan con el resto del film (cuyo metraje ocupa el 80%) sobre actuaciones y escenas de la rutina de los artistas protagonistas; el desequilibro es total y estropea una trama que, bien equilibrada y acompasada pudo destacar sobremanera. Otro lastre es el uso de la música extradiegética (cuando llega un momento emotivo en el film, la música sensiblera entra antes de tiempo y el film da la impresión de querer manipular al espectador... ¡esas cartas no se enseñan así!). Por otra parte está el casting del dúo Arias-Homar, actores absolutamente maravillosos... en el terreno dramático, pues sus números cómicos no logran ni levantar una sonrisa y su capacidad para la canción queda opacada en el final de la cinta con un Miliki a su nivel habitual. Tampoco son capaces de imprimir a sus personajes el carisma y la cercanía demandados (cosa que sí logra Carmen Machi con su secundaria de lujo).

Todo esto nos hace alejarnos del film, y es una pena porque la temática es muy interesante y el desarrollo en su guión resulta aceptable (tiene algún que otro momento sensiblero muy visto en el cine y poco esforzado o profundo, pero si se tiene la piel muy fina o el día "tonto", puede hacer soltar alguna lagrimilla... admito que no es mi caso) a pesar de cortar algunas partes de la trama sin necesidad o de presentarnos a personajes (no todos) de una o muy escasas dimensiones y ciertamente tópicos. Aun así el libreto sabe llevar estas situaciones con argucia y sutileza para que el film no caiga en lo completamente maniqueo.

¿Qué el guión pudo ofrecer muchísimo más y mostrar más dimensiones, garra, profundidad y mimo? pues sí (pero para eso ya están por fortuna "La lista de Schindler" (1993), "La vida es bella" (1997) o "El pianista"(2002)), pero no es el peor aspecto de la cinta. A la cinta lo que le falla es el ritmo, pues le cuesta evolucionar hasta su nudo donde mete la 5ª cuando está sobre una carretera comarcal.

"Pájaros de papel" no es un film horrible ni un desastre total (con la misma temática eso se lo dejamos a "Balada triste de trompeta" (2010)) y se deja ver con escasa atención gracias a la pertinente realización y a una trama que, aun habiéndose podido explotar y cuidar más, se pasea por el metraje con la suficiente dignidad y la necesaria sugerencia para con el espectador. Pero como cinta destacada dentro del cine... no lo es. Solo recomendable para los muy interesados en la temática de la Guerra Civil y el franquismo (los que aun no estén saturados de esta temática en el cine). Es la hermana pequeña de la muy superior "La niña de sus ojos" (1998).

Lo mejor: Carmen Machi y Miliki con sus personajes. La primera aporta a su personaje la dosis de cercanía, carisma, naturalidad y tragicomedia que tanto pedían a gritos el resto de personajes. La fotografía a nivel general, los encuadres y la desenvoltura en el plano/contraplano.
Lo peor: La desproporcionada cadencia de la película (la trama se sucede como un coche conducido por un novato... a trompicones asimétricos. El uso de la música extradiegética que edulcora la cinta de forma no demandada.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Premonition (7 días)
Premonition (7 días) (2007)
  • 5,4
    9.817
  • Estados Unidos Mennan Yapo
  • Sandra Bullock, Julian McMahon, Nia Long, Amber Valletta, ...
5
Viajes temporales con las patas cortas.
Linda (Sandra Bullock) vive la "perfecta vida americana" junto a su marido Jim (Julian McMahon, muy conocido por los televidentes como el atrayente Cole de "Embrujadas" (1998-2006) o el caradura D. Troy de Nip/Tuck (2003-2010)) y sus dos hijas hasta que un día Jim muere en un accidente y Linda comienza a vivir los días de esa semana en orden no lineal, haciendo que sea capaz de prever lo que sucederá en algunos días y en otros no. Así tratará de cambiar los acontecimientos y salvar a su marido.

La idea de la que parte "Premonition" es MUY BUENA. Pues el hecho de que el tiempo es maleable y relativo es un hecho comprobado tan fascinante en todos los aspectos de la ciencia... como lúdico a la hora de aportar historias de ficción futurista o esotérica. ¡Vamos!, que la temática de "Premonition" tiene chicha y es tan atractiva como juguetona para con el espectador.

Por supuesto no es la primera vez que el cine se deja seducir por los viajes en el tiempo; pues se trata de una temática ciertamente relevante en el Séptimo Arte y nos ha dejado desde comedias tan notables y completas como "Atapado en el tiempo" (1993) o "Regreso al Futuro" (1985) y "Regreso al futuro II" (1989), hasta films de ciencia ficción tan "interesantes" como "Interstellar" (2014), "X-Men: Días del futuro pasado" (2014) o "Looper" (2012), pasando por destacadas cintas de intriga psicológica como "Donnie Darko" (2001), "El efecto mariposa" (2004) o la reciente "Bandersnacht" (2018).

Y tampoco la forma no lineal de narración es nueva con "Premonition" (una forma narrativa que no solo se ha utilizado en cintas de viajes en el tiempo, sino también en cintas que juegan con la memoria de sus personajes y/o con la memoria del espectador): "Pulp Fiction" (1994) o "Memento" (2000) me vienen a la mente.

Lo cierto es que la trama en forma no lineal siempre es capaz de captar la curiosidad e intriga del espectador y atraparlo en su desordenada tela de araña que querrá ordenar con lógica. Éste es un estilo narrativo eficaz en las cintas de suspense y nos invita a jugar con la protagonista, a hacer un esquema para encajar las piezas y, como la protagonista, tratar de salvar su vida o la de los demás con toda la información del devenir de estos días de la semana desordenados.

El problema de la cinta es que se queda en eso; una propuesta. Pues tras la sorpresa inicial la cinta pierde muchísimo encanto (es un film que no aguanta más de un par de visionados) y deja entrever todas sus carencias. Voy a poner uno ejemplo: un amante del thriller psicológico o de ciencia ficción a pesar de saber los giros argumentales (que en principio son una impactante sorpresa), puede volver a disfrutar y regocijarse con los clásicos del género una y otra vez aun sabiendo sus principales golpes de efecto (ejemplos de ello son cintas como "Matrix" (1999), "Abre los ojos" (1997), "Regreso al futuro", "El planeta de los simios" (1968) etc.)... mientras que en "Premoniton" esto no sucede, una vez descubiertos sus golpes de efecto hay la nada absoluta.

Ahí se ve la diferencia de un film que trata el desarrollo de su trama con mimo, esmero y detalle y el que no, el que solo se abandona a un par de sorpresas inmediatas y abandona todo lo demás. Y es que, a pesar de que "Premonition" dentro de sus viajes temporales parte como un thriller psicológico con tintes de esoterismo... por desgracia no ahonda mucho en estos géneros y trata de insertar sin mucho éxito un melodrama romanticón demasiado impostado. Los viajes temporales tienen un par de agujeros argumentales no muy relevantes (aunque algo incómodos para los más puristas), el drama que vive la protagonista se nos presenta como algo superficial y somero (insisto, esto no es "Abre los ojos" ni el cuidado narrativo que tuvo Amenábar para describir la realidad pesadillesca a la que se enfrentaba su personaje principal), sin desgarro interior en el personaje y sin un despliegue visual intimista e irreal, la subtrama de la historia de amor de sus protagonistas tiene más azúcar que una Coca-Cola con sirope de vainilla, y todo está cogido con tantas pinzas que resulta muy difícil de sostener por mucho tiempo.

Digamos que en cuestión de desarrollo de su trama "Premonition" no se queda tan corta como "Bandersnatch" pero no le llega a la suela de los zapatos a "Donnie Darko".

En cuestión de realización Yapo no aporta un sello especial que eleve la calidad del metraje; la realización de plano/contraplano con plano recurso y algún que otro plano cerrado es de lo más usual para ser un thriller que pretende sacarnos de la mundaneidad con que vemos todo. La banda sonora de Klaus Bedelt parece un deja vú escuchado en mil films de suspense de sobremesa, y la ambientación en general no aporta nada (y ya no hablemos de la caracterización de su protagonista, una Sandra Bullock cuyo personaje está o volviéndose majara o teniendo una experiencia esotérica... pero que sin embargo se levanta por las mañanas perfectamente maquillado y sin un pelo mal colocado).

Evidentemente tener a Sandra Bullock en una cinta ya es un añadido que aúpa la narración casi por si sola, porque la de Lousiana ya he demostrado que rebosa carisma y que es capaz de conectar con el espectador con inmediatez, carácter y naturalidad (no es que sea una Meryl Streep, pero que es una intérprete destacada ya lo ha demostrado en películas como "Gravity" (2013), "The Blind Side" (2009) o "Bird Box" (2018)).

Sin embargo ni los golpes de efecto espacio/temporales ni la presencia de Bullock son suficientes para un film que adolece de todo lo demás y que, lejos de llegar a ser una cinta de género destacada y memorable, se queda en una anécdota seductora en su primer visionado... para todo fan de la intriga psicológica y de ciencia-ficción. El resto de público no merece ver este film ni una sola vez.

Lo mejor: La premisa de la que parte...
Lo peor: ...El como la desarrolla (en sus detalles, en el espectro de matices, etc.)
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Adivina quién
Adivina quién (2005)
  • 5,1
    10.208
  • Estados Unidos Kevin Rodney Sullivan
  • Bernie Mac, Ashton Kutcher, Zoe Saldana, Judith Scott, ...
5
Este remake del film de 67 opta por la comedia romántica de malentendidos y diferencias culturales... que nunca llega a lo hechizante y destenillante y se quede en lo distraído y ameno.
Remake de "Adivina quien viene esta noche" (film del año 1967 protagonizado por Sidney Poitier, Spencer Tracy y Katharine Hepburn entre otros, que nos planteaba cómo una pareja inter-racial ("hombre negro"-"mujer blanca") lidiaba con los prejuicios y obstáculos de la familia blanca de ella a la hora de casarse en plena segregación racial americana).

Esta revisión en pleno siglo 21 decide adaptar la trama a este nuevo milenio, cambiar los roles de género (en esta ocasión tenemos a "hombre blanco"-"mujer negra") y aportar menos dramatismo y más comedia y humor a la situación particular.

Estamos ante un film de visionado agradable; con una puesta en escena usual pero confortable, con un ritmo en su trama vivo y resolutivo, con unos intérpretes que cumplen sus papeles con naturalidad y buen oficio, y con un humor suave (esto no es "Padre de familia") que no molesta... pero que tampoco llega a crear conflictos relevantes.

En esta ocasión y desde que Simon (Ashton Kutcher) llega a la casa de los Jones como prometido de la hija mayor (Zoe Saldana, en un papel secundario antes de alcanzar la fama con "Avatar" (2009) y "Guardianes de la galaxia" (2014)), el humor se centra más en el tira y afloja y batalla latente que llevan consigo suegro y yerno. No llega a haber ofensas palpables entre uno y otro por cuestiones raciales (los personajes de esta trama no son racistas), pero sí zancadillas (más o menos ingeniosas) dentro de la casa (hablando de zancadillas, no faltan tropezones varios por parte de Simon)). Así pues "Adivina quién" se acerca mas a una comedia romántica sin ningún tipo de conflicto racial que a una con ella (tampoco es que haya muchas en ese aspecto, pues la francesa "Dios mío, pero qué te hemos hecho" (2014) es del todo similar a este "Adivina quién"). "Adivina quien" bebe mucho más de la trilogía "Los padres de ella" (a la que se parece sin un humor tan atinado y abundante) protagonizada por Ben Stiller y Robert DeNiro y de films como "El padre de la novia" (1991) que de "Adivina quien viene esta noche".

Y es que en esta comedia romántica no falta el nudo con un malentendido, la peleíta de turno, la reconciliación in extremis... todo muy usual y resobado.

Con esto no digo que estemos ante un mal film. Por fortuna el ambiente de desenfado y simpatía natural por el que transita el libreto resulta contagioso (y, si bien no logra hacernos reír a carcajadas en todas sus notas de humor (esto no es "Con faldas y a lo loco" (1959)), consigue que mantengamos una sonrisa cómplice en cuanto al tema de relaciones con la familia política), la evolución argumental es precisa y no divaga, la realización de plano/contraplano con plano recurso (aunque alguna vez la cámara opta por seguir a los personajes... siempre sin arriesgar demasiado con el encuadre) es rigurosa y presume de buenos encuadres, la música cómica con toques jazz resulta grata y los intérpretes encajan a la perfección en sus roles (que, sinceramente, tampoco exigían demasiado, pues los personajes solo tienen una dimensión: Bernie Mac es el "suegro chapado a la antigüa pero de buen corazón", Kutcher el "buenazo patoso", Saldana la "novia comprensiva", etc.). Destacan por supuesto Kutcher como "joven más bonachón que el pan que saca alegría y humor de los detalles", y en especial el fallecido Bernie Mac con unas miradas asesinas a la par que divertidas a su yerno.

¿Que pudo dar más?, ¿que su humor puedo ser mucho más atinado, surrealista, imaginativo y descarado? POR SUPUESTO. Las risas en "Adivina quien" se pueden contar con los dedos (en mi caso solo me reí una vez. Lo dejo para los spoilers) y lo que hace que no llegue a ser una comedia romántica notable y destacada como "La boda de mi mejor amigo" (1997) o "Mientras dormías" (1995) es la falta de gracias ingeniosas y el exceso de gracietas demasiado vistas, tontas y simplonas.

Sin embargo lo que nos ofrece es suficiente como para mantener una sonrisa con esa pareja de jóvenes inseguros y esa relación de amor-odio tan tirante entre suegro y yerno que por supuesto acabará con moraleja. Pero el mérito de que el balance sea aceptable y honroso (tanto como para que no moleste mientras se ve) en esta ocasión se debe fundamentalmente a los actores y especialmente a Bernie Mac.

Solo recomendable para los fans de la comedia romántica simpática y afable, y para los fans de Bernie Mac. Pasarán un rato jovial.

Lo peor: La falta de ingenio y riesgo en casi todos sus puntos de humor.
Lo mejor: Bernie Mac...
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Bohemian Rhapsody
Bohemian Rhapsody (2018)
  • 7,4
    33.504
  • Reino Unido Bryan Singer
  • Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, ...
6
Mucha música (de la magnífica y soberbia) pero poco cine.
Una de las películas más esperadas de los últimos años, y un gran taquillazo del 2018 con galardones por doquier incluídos; "Bohemian Rhapsody" nos narra retales de la vida de Freddie Mercury desde su despegue como cantautor dentro de la banda Queen hasta el famoso concierto que esta banda realiza en el Live Aid de 1984.

Pues bien voy a resumir lo que "Bohemian Rhasody" es y no es: "Bohemian Rhapsody" es espectacular, es entretenidísima, es fastuosa, es vistosa... y "Bohemian Rhapsody" no es fidedigna, no es profunda, no es madura, no es multidimensional.

No le hago ascos ni desprecio la cinta, pues posee gustosas y llamativas virtudes, pero que pudo dar muchísimo más de sí y nos pudo ofrecer una obra maestra con un guión más cuidado, trabajado y razonado... también lo digo.

En su compendio de errores y aciertos, el saldo acaba siendo equilibrado tirando a lo positivo y placentero. Empecemos por sus virtudes: Evidentemente una clara, crucial y capital es LA MÚSICA DE QUEEN. Así, con mayúsculas. El arte musical de banda británica es sublime y apoteósico, sus obras maestras de la melodía son un no parar (Don't Stop Me Now, Under Pressure, We Will Rock You, We Are The Champions, Crazy Little Thing Called Love, It's A Kind of Magic, Radio Gaga, Bohemian Rhapsody, Another One Bites the Dust, Friends Will Be Friends, How Can I Go On, I Want To Break Free, Somebody To Love, The Show Must Go On, I Want It All, Hammer to Fall, Killer Queen... en serio, solo Los Beatles tienen más clásicos del rock imperecederos que todo tipo de público es capaz de tararear), sus grandes temas (que son muchos, por cierto) traspasan géneros musicales, la ejecución tanto en estudio como en directo es culminante, la combinación perfecta de las voces de Mercury, Taylor y May es memorable... y el film acierta al mantener la música original de Queen sin castigarnos con versiones que desde luego jamás iban a superar el sonido original (no se puede superar lo insuperable). Y la puesta en escena de cada número musical es un sueño hecho realidad para todo amante de la buena música (si no le gustan los grandes temas de Queen, por favor no comparta nada conmigo), lógicamente la música original es tan buena que muy mal se tenían que haber llevado a la pantalla las actuaciones y los ensayos de Mercury, May y compañía como para apartar los ojos de la pantalla... pero la ejecución de estos momentos musicales en pantalla no es solo aceptable, es elegante y distinguida.

El otro gran valor del film es la oscarizada interpretación de Rami Malek. Y es que Malek, sin caer en la parodia o la mera imitación, se mimetiza con el gran Freddie Mercury y le otorga toda la dualidad de carisma arrollador y humana fragilidad que poseyó el de Zanzibar. Se destacan por supuesto las escenas en las que Malik actúa junto a la banda, pues la unión y cantidades de ritmo, fuerza y conexión con el público que Mercury nos regaló sigue ahí gracias a la labor de Malik... y eso es mucho decir y mucho que agradecer (la verdad es que este año el cine musical nos ha dejado dos grandes interpretaciones masculinas; las de Malek y Bradley Cooper en "Ha nacido una estrella". Cualquiera de los dos es merecedor del Oscar a Mejor Actor en 2018).

La dirección de Singer por su parte es aceptable, ni molesta ni destaca (se nutre de una edición pertinente y de planos medios, cerrados y detalle), la fotografía solo reluce en el Live Aid (buenos efectos especiales para el público de Wembley), y solo la caracterización de Malek resulta señalada.

Ahora vamos con los defectos que hacen bajar la balanza por desgracia: el guión. Así, sin más. No es un desastre total y pudo resultar completamente ridículo e irrisorio... NO LLEGA A ESOS NIVELES... pero está a poco de hacerlo. Dejando de lado la poca fidedignidad con los acontecimientos originales (quien no sepa nada de la vida de Mercury y llegue en pañales a ver este film... se quedará con una impresión completamente equivocada de la sucesión de todos los hechos que vivió. Me explayaré en los spoilers sobre las innecesarias manipulaciones y ficcionalizaciones de la trama) el guión es mediocre y su mediocridad empañan un poco el gran espectáculo visual y artístico que inunda al espectador gracias a la puesta en escena, el sonido, las interpretaciones y por supuesto la gran partitura y ejecución musical de Queen.

El guión nos presenta los hechos de una manera que no los desarrolla ni escudriña ni penetra (no hay ni una sola cavilación por parte de sus personajes... y eso que hay mucha tela que cortar siendo los miembros tan diferentes y logrando algo tan maravilloso unidos) y además los presenta cargados de clichés (a lo "Freddie Mercury tiene fiestas locas y no oculta su homosexualidad=caca") y, aunque sabe enlazar estos hechos meramente esbozados con cierta coherencia, nos presenta a unos personajes o "malos muy malos" o "buenos muy buenos" (ni que esto fuera una historia de Disney) por lo que les quita humanidad y realismo y puede alejar a los espectadores menos infantiles. Desde luego el libreto no está a la altura ni al nivel de su obra musical (digamos que éste no es un biopic que haga justicia a la envergadura de su hito histórico como lo hizo por ejemplo "La lista de Schindler" (1993)).

Merece mucho la pena verse, eso sí, pues es todo un espectáculo visual y musical que nos ofrece a Queen revivido en el escenario con calidad, asombro y fascinación... lástima que entre número y número musical se nos dé una trama con un desarrollo de telefilm. Se acaban pidiendo más escenario y menos mansiones. No aguanta más de un par de visionados y me da que acabarán haciendo un biopic de Mercury mayor calidad en el futuro.

Lo peor: El guión (simplón, infantiloide y estereotipado), el poco homenaje a Mercury respecto a la fidedignidad de su historia..
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
American Ultra
American Ultra (2015)
  • 5,1
    5.045
  • Estados Unidos Nima Nourizadeh
  • Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Connie Britton, Topher Grace, ...
4
Una parodia de Jason Bourne demasiado anecdótica, vacua y negligente como para ser tenida en cuenta.
Nima Nourizadeh dirige esta comedia de acción descabellada escrita por Max Landis (que venía de escribir la interesante "Chronicle" (2012) (de momento su único guión perspicaz y reseñable. Porque lo de "Bright" (2017)... mejor corramos un tupido velo)). En ella un joven llamado Mike (Jesse Eisenberg) deberá recordar habilidades olvidadas tras ser el blanco mortal de una operación de la C.I.A. El film cuenta con algunas curiosas apariciones de secundarios como Topher Grace, Walton Goggins o Bill Pullman.

Si bien es cierto que "American Ultra" cumple su cometido de entretener en su justa medida, la trama que nos presenta es de lo más manida (no es más que una parodia poco imaginativa de "El caso Bourne" (2002)), y su temática (la parodia al cine de espías) ha sido tocada por el cine mil y una veces, y con más diversión, originalidad e ingenio (para parodias de tramas de espías y acción... cintas como la saga RED ("RED" (2010) y "RED" 2 (2013)), la saga Johnny English (en especial su tercera última entrega) o incluso "Spy Kids" (2001) han demostrado mayor perspicacia en sus situaciones humorísticas y unas actuaciones cómicas mucho más carismáticas (lo de Jesse Eisenberg y Kristen Stewart sigue resultando igual que siempre: él tan sobreactuado como cargante, ella quizás ya no tan inexpresiva como en sus inicios... pero sí tan gélida y distante para con el espectador como acostumbra. Las interpretaciones no elevan la calidad de la cinta (solo con ver a Topher Grace dar una lección de joven repelente pero a su vez carismático y autoparódico con clase, ya se ve la diferencia en "American Ultra"... no es algo a lo que Grace sea un desconocido, pues ya logró ese toque de soberbia injustificada tan curiosa en el drama "Traffic" (2000)))).

Y es que el guión de Landis se deja llevar por la trama de "espía que va recordando y aniquilando a enemigos" con demasiada tipiquez y desidia, sin notas de humor novedosas que aportar a esta versión, sin un desarrollo argumental con detalles agudos y sin una evolución de la trama armada con coherencia y cuidado.

Con esto no digo que "American Ulta" no sea distraída, pues la temática de la que parte ya cuenta de por sí con cierto atractivo, y ésta se desarrolla con la fluidez y el ritmo suficientes como para que el film nos resulte un pasatiempo tan anecdótico como ligero y diligente. Desde luego mejor y más fluida que ese intento de parodia aun peor que fue "Anacleto" (2015) sí es, al menos "American Ultra" no divaga ni circunvala por su trama y va directa al grano.

Además la escasez de sustancia e ingenio del libreto (las risas no se consiguen, solo alguna leve sonrisa a duras penas) se compensa en cierta medida (aunque no lo suficiente como para hacer del film algo recomendable e indispensable) con una puesta en escena estilosa y apreciable. Pues "American Ultra" es completamente atrayente a nivel visual... en especial en las escenas de acción: los planos cerrados y subjetivos del personaje protagonista en estas escenas hacen que nos sumerjamos en la acción de una forma que no hubiéramos podido lograr si este cometido hubiera recaído tan solo en el guión y la interpretación de Eisenberg (aspectos que nos alejan y desconectan de la cinta sin remedio). Nourizadeh nos regala en las escenas de acción algunos pequeños planos-secuencia de lo más atinados (la escena de la pelea del supermercado es lo más espectacular de toda la cinta, y ciertamente tiene más ingenio e imaginación en su coreografía que todo el resto del film junto) y la cámara sigue los personaje con gusto en estas peleas. La edición a nivel general durante todo el metraje es usual pero dinámica y activa (de nuevo aporta al film un ritmo y pujanza que el guión y el tándem Eisenberg-Stewart no poseen), el vestuario es acertadísimo para su tono de cómic juvenil, y a nivel plástico la cinta presume de una fotografía amena y vivaz (con combinaciones de luces con contrastes y tonos fluorescentes).

Lástima que el buen nivel visual no sea suficiente como para equilibrar la balanza del todo en una cinta cuyo guión es tan perezoso (no llega al descaro destacado en sus detalles, y la conspiración en la que se ve envuelto su protagonista tiene más incoherencias que la casa de Galapagar de Pablo Iglesias y más agujeros argumentales que un queso gruyere (más en spoilers)), y cuyo par protagonista es tan insulso y distante. Todo esto hace que nos alejemos demasiado del metraje, y que veamos el film con la mitad de atención y ensimismamiento que una buena parodia de espionaje sí pudo lograr.

Aguanta un par de visionados.... en las escenas de acción. Pero con "American Ultra" es muy fácil desconectar. No es una cinta indispensable y para films de este corte recomiendo mucho más cintas como la saga RED (por cierto, con un John Malkovich en estado de gracia (sí, va con segundas)).

Lo mejor: La edición, fotografía y realización en la escena de acción del supermercado.
Lo peor: Su guión, en especial su final...
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
María, reina de Escocia
María, reina de Escocia (2018)
  • 6,0
    2.230
  • Reino Unido Josie Rourke
  • Saoirse Ronan, Margot Robbie, Joe Alwyn, Jack Lowden, ...
8
Imprescindible para los aficionados al cine histórico erudito, muy digna para el resto de cinéfilos.
El año 2018 ha sido un buen año para las reinas británicas en la gran pantalla. Junto a "La favorita" (de igual calidad a "María Reina de Escocia", pero con un tratamiento argumental y una elección de género muy diferente (la sátira y la tragicomedia)) se nos ha dado este largometraje de generosa y exquisita calidad, que nos narra la vida de María I de Escocia (Saoirse Ronan) desde su llegada a las tierras anglosajonas hasta su conocida ejecución.

Conozco a la perfección el hecho de que no es la primera ni la última vez que se muestran en la gran (o pequeña) pantalla los hechos históricos acaecidos en el ahora Reino Unido entre 1561 y 1587. Y es que estos acontecimientos (los que envuelven a las dinastías Tudor y Estuardo) son de lo más reseñables de la historia post-medieval, y dan para multitud de dramas enervados con conspiraciones potentes y personajes claroscuros, ambiguos, profundos y complejos.

Por tener material audiovisual sobre las hostilidades dentro de Gran Bretaña entre los Tudor y los Estuardo, tenemos un largometraje interesante y de corte teatral protagonizado por Katherine Hepburn (aunque es una cinta a la que no le han sentado bien los años) llamado "María Estuardo" (1936), otra versión en los 70 con Vanessa Redgrave o una miniserie aceptable (pero en ningún caso destacada) en España para la pequeña pantalla llamada "Reinas" (2017). Sin mencionar todos los largometrajes dedicados a la que se conoce como la mejor monarca de la historia de Inglaterra (aunque no fue ninguna santa precisamente): Isabel I (personaje histórico que siempre ha contado con el arco argumental más interesante y atrayente).

Pues bien, sin ser una obra maestra, "María Reina de Escocia" se proclama por méritos propios como la versión más notable, imprescindible, remarcable y deleitosa de estos hechos.

Si bien tiene bastantes detalles a lo largo del metraje que menoscaban la calidad del film y le hacen impedir erigirse como una obra culmen, a nivel global su saldo es de sobra positivo y pesan más las grandes virtudes de la cinta que sus defectos.

Por supuesto no voy a obviar que uno de los puntos fuertes del film es la temática argumental en la que se basa; un juego de ajedrez sanguinolento y estratega que deja a "Juego de Tronos" (2011-2019) en pañales (la realidad siempre supera la ficción), con reinos en disputa reclamados por hermanos, tíos y primos que jugarán sus mejores bazas para captar seguidores y guerrear o para concertar matrimonios tácticos que quitan o dan poder a sus rivales... siendo María Estuardo la más activa en sus ambiciones... pero también la más perdida en sus maniobras de casamientos, batallas y negociaciones. En este punto histórico tenemos la cara y la cruz de la moneda, siendo la cara Isabel I de Inglaterra que supo contemporizar sus ambiciones (que auto-justificó al igual que María Estuardo, pero sabiendo amoldarse a una corte y nobles con más tacto... y táctica).

La trama histórica es en sí muy pero que muy potente... y pudo caer en desenvolverse en el guión como un culebrón de sobremesa (sí, me viene a la mente "Elizabeth: La edad de oro" (2007)). Pero por fortuna "María Reina de Escocia" no cae en esos excesos y, cuando aterriza en el terreno más melodramático o torticero, lo hace con moderación y sin afectar demasiado al conjunto que ahonda más en las estrategias políticas y las reflexiones. El guión no es de matrícula de honor (es superado por el guión de "Elizabeth" (1998) de Michael Hirst), pero la pluma de Beau Wilimon es versada, deja fluir la trama con intelecto y astucia, y se acomoda con gusto a las situaciones racionales o emocionales de sus personajes.

Otro punto que eleva la calidad del film son las interpretaciones principales. Ronan ya ha demostrado ser una intérprete con oficio (aunque en mi opinión algo sobrevalorada, pues adolece del carisma hechizante de otras intérpretes... ejem, ejem, aquí es opacada por Margot Robbie), y aquí resuelve su personaje con una abrumadora naturalidad. Su compañero en la ficción Jack Lowden logra atrapar al espectador con su joven promiscuo, beodo e infantil. Pero la palma se la lleva Margot Robbie con una Isabel I secundaria tremendamente imponente y multidimensional (solo por sus apariciones merece verse el film).

A destacar también la inmensa labor de maquillaje y vestuario... en especial respecto al personaje de Robbie.

Por otra parte, el manejo de la cámara de Josie Rourke se denota demasiado usual y televisivo. Y pudo dar mucho más de sí y elevar el metraje con un estilo narrativo más intimista o singular. La banda sonora y ambientación son aceptables también pero no memorables. Y el guión, si bien notable, presenta algunas fallidas elecciones en sus escenas (con toda la tela por cortar en una trama así, tiene delito que un film de más de 2 horas gaste algunos minutos en ver como le baja la regla a Estuardo, en redundar en las fiestas banales de la corte escocesa, o en las relaciones sexuales).

Pero su saldo es positivo y remarcable. Muy recomendable a todo fan del cine histórico o de intrigas políticas y palaciegas (es mi caso, lo admito), y resultará entretenida al resto de aficionados al cine; con una trama histórica potente y sólida (además muy bien documentada, esta "María de Escocia" es más fidedigna a los acontecimientos reales que la propia "Elizabeth" y "Elizabeth: La edad de oro"), un guión inteligente en casi todo momento (muchos de los diálogos son un tesoro), unas interpretaciones entregadas (destacando a una memorable Robbie) y una conveniente puesta en escena.

Muy superior a las películas ganadoras de los últimos Oscars.

Lo mejor: La interpretación de Margot Robbie...
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4 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Power Rangers en el espacio (Serie de TV)
Power Rangers en el espacio (Serie de TV) (1998)
  • 2,6
    640
  • Estados Unidos Worth Keeter, Judd Lynn, ...
  • Tracy Lynn Cruz, Patricia Ja Lee, Christopher Khayman Lee, Roger Velasco, ...
6
Defensa vehemente de "Power Rangers en el espacio".
Me hallo con cierto estupor al observar la puntuación de una de las mejores temporadas de los Power Rangers (lo sé, tampoco era muy difícil superar a casi todas las demás temporadas) y de una de las televisivas temporadas del género superheróico más disfrutables, amenas, articuladas y minuciosas. Tal vez los que hayan dado con la mala fortuna de ver un episodio de los Power Rangers Turbo, Fuerza Salvaje, Samurai, Tormenta Ninja y demás... piensen que todas y cada una de las temporadas de los Power Rangers tienen la misma ínfima calidad, y puntúen por defecto a todos sus temporadas igual. Pues aviso a navegantes: NO SIEMPRE ES ASÍ.

Si bien es cierto que en líneas generales este show familiar de superhéroes cuenta con una calidad o bien pésima (Turbo, Fuerza Salvaje, Tormenta Ninja, Samurai) o bien insignificante (ZEO, Dino Trueno, Fuerza Mística, Operación Sobrecarga, Megaforce), hay contadas excepciones con los dedos... y "Power Rangers en el espacio" es una de ellas.

Considerada por la mayoría de seguidores de este show superheroíco como la mejor temporada de todos los tiempos, "Power Rangers en el espacio" nos narra las aventuras y desventuras a las que los Power Rangers se deben enfrentar para buscar y rescatar a Zordon de las malvadas manos de Dark Specter, el emperador del mal del Universo. En su búsqueda los Power Rangers utilizan la Astro Megaship, la nave de Andros (el Red Space Ranger), para viajar por numerosos planetas... no sin dejar de visitar la Tierra en varias ocasiones al ser atacada por estas fuerzas malignas de Dark Specter.

Como ven, esta temporada ya cuenta de partida con un argumento del que adolecen la mayoría del resto de las temporadas de los Power Rangers (que consisten en que unos aliens atacan la Tierra y los Power Rangers eliminan en batallas episódicas al "monstruo de la semana"); un argumento jugoso que da pie en sus más de 40 episodios a visitas a planetas de lo más peculiares (una ocurrente maravilla la visita a ese planeta con aires de viejo Oeste, o una inesperada sorpresa la visita a ese planeta desértico donde sus habitantes se esconden de las amenazas malvadas en unas guaridas como catacumbas), que mantiene cierto misterio e intriga respecto al paradero del mago del Bien Zordon, y que explota a la perfección su homenaje al genero de ciencia-ficción espacial (ojo a DECA, el asistente inteligente de la Astro Megaship).

En fin, en "Power Rangers en el espacio" se aúnan los enredos de rigor de esta clásica serie (no faltan las peleas de karate contra los minions de turno, ni la batalla final de robot gigante contra el "monstruo de la semana", ni las "moralejas" que cada Ranger va aprendiendo en su día a día) con un homenaje al space-opera de lo más lucido. Es por ello por lo que "Power Rangers" en el espacio resulta la temporada más sólida y cuajada y menos difusa y trivial. Es más, objetivamente diría que esta es la mejor temporada de sus más de 30 (y desde luego supera con creces a Megaranger: https://www.youtube.com/watch?v=MaT40DLrubs ; la serie original japonesa de la que toma la mayor parte de su montaje de acción). En mi gusto particular siempre será superada por las más absurdas (pero también más divertidas, pues "Power Rangers en el espacio" apenas tiene sentido del humor y autoparodia) dos primeras temporadas.

Desde luego si hay que acercar los Power Rangers a un fan del género de superhéroes o sci-fi al que solo la mención de esta serie le de arcadas, "Power Rangers en el espacio" sería la mejor serie para catar (ésta junto a la policía intergaláctica futurista de "Power Rangers S.P.D." y los maestros del Kung-Fu más místico de "Power Rangers Jungle Fury" (ésta última con un gran sentido del humor y carisma en sus personajes)), pues casi se acerca más a una serie sobre el universo de Lucas que a los Power Rangers (ojo porque los "guiños" a Star Wars son un continuo... con la familia de Andros a lo Skywalker (con la Fuerza incluída)).

Como ven hay excepciones en los Power Rangers y, las dos primeras temporadas, "Power Rangers en el espacio", S.P.D. y Jungle Fury son las más destacadas excepciones.

En el caso de "Power Rangers en el espacio" tenemos la gran fortuna de un acierto en el casting de su protagonista cargado de naturalidad (es increíble como se nota de cómodo a Ward como número 2 del equipo ahora que no es el líder de la serie como lo fué en la catastrófica "Power Rangers Turbo". Ward es limítadísimo como actor y aquí se hizo bien en relegarlo), de una química muy grata entre los actores, de un guión mucho más repleto en sus aventuras y virajes argumentales, de un desarrollo argumental mucho más maduro, fresco, natural y detallado que en otras temporadas (evidentemente es inevitable observar en este show familiar (orientado más a un público infantil pero para disfrutar en familia) ciertas absurdeces como eso de respirar como si nada por el espacio y todos sus sistemas solares, o eso de que al abrir la nave en el espacio haya un vendaval que expulsa la carga).

Pero son detalles insignificantes para el conjunto, cuyo balance es positivo. No puedo decir que todos sus episodios sean igual de entretenidos y cuidados (porque estamos hablando de 43 episodios y el show lo empieza a notar en su recta final), pero lo son casi todos. La ambientación y la acción son notables (pero esto se debe en mayor medida al metraje de la serie japonesa) y la realización básica pero eficiente. Eso sí, a la serie le falta una banda sonora prolija (las series originales japonesas en las que se basa sí pueden presumir de ello... más en spoilers), algo más de sentido del humor y parodia, y unos villanos más intimidantes. ¡Pero que más se puede pedir que una serie DECENTE de Power Rangers!

De obligado visionado al fan de los Super Sentai y los Power Rangers, muy recomendable al fan del tokusatsu y del género superheróico y bastante recomendable al fan Sci-Fí no excesivamente exigente. El resto mejor que ni se acerque.

Lo mejor:...
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Arthur Christmas: Operación Regalo
Arthur Christmas: Operación Regalo (2011)
  • 6,5
    2.989
  • Reino Unido Sarah Smith, Barry Cook
  • Animation
6
Entretenimiento infantil aceptable para el resto de la familia gracias a una atrayente ambientación y a puntuales retales de espíritu navideño.
"Arthur Christmas" es una película navideña para toda la familia que hay que disponerse a ver sin unas altas expectativas... pues el embrujo del espíritu navideño y la magia mística de esta época del año se nos aporta e imprime en mayores dosis en films como "Solo en Casa" (1990), "Solo en casa 2" (1992), "¡Qué bello es vivir!" (1942), "The Star" (2017) o "Polar Express" (2004).

Y es que en "Arthur Christmas" no tenemos ni villancicos de John Williams, ni ambientación de Christopher Columbus, ni fábula de Frank Capra que nos transmita en grandes dosis esa cercanía universal y ese amor altruista, contempaltivo y espiritual carcterísticos como propuesta de estas fechas.

Pero si las expectativas ante un film de animación para toda la familia que mezcla acción, comedia y alguna pequeña moraleja, y que se encuentra ambientado en la época navideña... son unas expectativas razonables, entonces ... se tenga la edad que se tenga, con "Arthur Christmas" se pasará un rato de lo más ameno y confortable.

La trama nos cuenta un clásico (manido y resobado en la saga de "¡Vaya Santa Claus!" protagonizada por Tim Allen): el modus operandi de Santa Claus/Papá Noel para llevar a todos los niños del mundo sus regalos la noche del 24 de Diciembre. En "Arthur Christmas" veremos como Papá Noel se ha modernizado con los años... y también observaremos a su peculiar familia (incluyendo a un abuelo jubilado que añora los tiempos de antaño, y a un hijo patoso (el Arthur del título) que es de los pocos que conserva el espíritu navideño en la familia y que superará sus miedos, fobias y defectos para seguir con el legado familiar). Así Arthur aprenderá a superarse mientras "salva la Navidad".

La trama de auto-superación gracias a un acontecimiento especial es pues bastante clásica en el género de cine de animación especialmente pensado para los niños: no falta ni la moraleja, ni la acción, ni los guiños cómicos agradables (que no sobresalientes). El desarrollo argumental es ligero sin caer en lo idiota, y el ritmo del film es correcto, con unos diálogos simpáticos (ninguno de ellos brillante, pero desde luego la sonrisa se la sacarán a la audiencia) abundantes (todo lo que envuelve al abuelo de la familia y sus diálogos resulta tan campechano y desenfadado como encantador y salado) que compensan la rutinaria, simple y poco original acción inevitable en este tipo de films.

La puesta en escena del film se encuentra algo por encima que el guión, con un diseño de escenarios notable que cumple con creces con la grata atmósfera de la época (no falta mucho colorido papel de regalo, nieve acogedora, adornos navideños, dulces de todo tipo, renos, jerseys navideños de punto verdes y rojos, y luces de colores por doquier), con un gran cuidado y mimo en su iluminación, y con un diseño de personajes simpático (aunque esto no es Pixar, evidentemente) y unos movimientos que nunca caen en lo tosco. La banda sonora por su parte es adecuada pero no deslumbrante y/o memorable (insisto, esta no es la banda sonora de "Solo en casa" de John Williams).

En líneas generales estamos ante una película agradable y afable que hará sonreír y nos hará cómplices a todos en algunos puntos y que nos ententendrá sin esfuerzo en casi todo momento (con permiso de algunas escenas de acción redundantes). Recomendable solo si la intención es verla con los críos y que ellos se lo pasen mejor (desde luego se reirán más que los adultos de los trompazos, caídas y virajes de las manidas escenas de acción) sin que nosotros nos hastiemos por ello.

Lo mejor: El personaje del abuelo y sus frases y reacciones. El aspecto visual del film.
Lo peor: Las escenas reiterativas durante la cinta en las que el trineo vuela, choca y demás por todo el mundo. Esperar la quintaesencia del cine navideño
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pulp Fiction
Pulp Fiction (1994)
  • 8,6
    203.861
  • Estados Unidos Quentin Tarantino
  • John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, ...
7
Disfrutable, brutal y distinguida comedia negra cargada de diálogos brillantes y memorables... pero con un desarrollo argumental y de personajes demasiado exiguo como para lograr la excelencia total.
Tras la interesante "Reservoir Dogs" (1992), Tarantino nos ofreció uno de sus largometrajes más inspirados a la par que controvertidos. Pues "Pulp Fiction" es un film que se ama o se odia por su dualidad; por una parte tenemos un guión cargado de escenas brillantes con diálogos soberbios... mientras que el desarrollo argumental es meramente esbozado. Y ahí reside la diferencia de percepciones entre el público que valora tanto la inspiración de su humor negro tan mordaz como único que perdona la parca construcción de personajes... y el público que no lo perdona.

En mi caso el saldo es positivo; el sentido del humor brutal pero con unas cotas de ingenio y habilidad inusitadas que nos ofrece Tarantino son suficientes para que CASI se me olviden las carencias de la cinta. Digo casi porque admito que no considero a "Pulp Fiction" una obra maestra a la altura de cintas como "El padrino" (1972), "La lista de Schindler" (1993) o "Un tranvía llamado deseo" (1951). E incluso dentro del género que mezcla comedia virulenta con crímenes... films como "Fargo" (1996) de los hermanos Coen, "Uno de los nuestros" (1990) o "Casino" (1995) de Scorsese o la propia "Jackie Brown" (1997) de Tarantino (que ofrece personajes más perfilados y una trama más elaborada a la vez que el humor habitual tarantiniano) me complacen más en todas sus facetas.

Pero eso no quita para que "Pulp Fiction" me resulte una película destacada. Un buen film superior a la media de este género de "criminales gamberros", y desde luego una cinta indispensable de echar un ojo al menos una vez en la vida para regocijarse (y soltar alguna que otra risa) con ciertos diálogos de granujas desatados.

Porque sí, si bien Jules (Samuel L. Jackson) nos deja grabado en la memoria al principio del film lo que él considera la piedra angular de todo buen desayuno, la piedra angular de "Pulp Fiction" es un guión notable en líneas generales y de matrícula de honor en sus salidas humorísticas (sí, no voy a poder evitar plasmar mis frases favoritas en los spoilers). Porque estos personajes hablan de sus propias situaciones casi surrealistas con una burla centelleante, una puya magnífica y una guasa admirable.

Lógicamente no todo en el guión es humor desatado y cuando el film afloja un poco respecto a estas situaciones tan peculiares como jocosas, la cinta lo nota y pega un bajón bastante considerable... ya que ni el desarrollo argumental está madurado (la cinta se divide en 7 segmentos que conforman la trama completa, pero que no se presentan en orden cronológico, y no abarcan ni un amplio periodo temporal ni una amplia exposición del fondo de los personajes) ni los personajes tienen una exposición, un calado y un tratamiento profundo o multidimensional (de ellos solo importa la vis cómica que nos exponen). Esos momentos de bajón en el film hacen que la cinta descienda en calidad... aunque ese descenso no es muy significativo y afortunadamente el humor prevalece en el 60%-70% del metraje de sus más de 2 horas (aviso a navegantes de que es una cinta a la que dedicarle su tiempo y su atención para disfrutarla como pretende).

Esa pequeña falla en la vacuidad del resto de aristas en personajes y trama no es por tanto algo muy destacado para el saldo global del film... pero es algo que el propio Tarantino perfeccionó en obras posteriores como "Jackie Brown", "Malditos Bastardos" (2009) o "Django desencadenado" (2012) (que tendrán otras carencias, pero la falta de aristas en el libreto no es una de ellas).

El resto de aspectos de la cinta es aceptable sin llegar a lo notable. La dirección de Tarantino es atinada en todo momento... aunque de nuevo demostró mayor excelencia visual y expresión plástica única en películas como Kill Bill (2003), Malditos Bastardos o Jackie Brown. El director de Tennessee se centra en los plano/contraplanos y planos cerrados sin alardes pero siempre con precisión y sin olvidar detalles de oficio (como varios y breves travelings en los que de forma subjetiva acompañamos a los personajes, o el ofrecer picados/contrapicados en los planos/contraplanos según la situación de indefensión o dominancia de los dos personajes de la escena en cuestión).

Los intérpretes son un acierto, aunque sus personajes no demandan en exceso y se limitan a hacer reír con sus gestos y sus entonaciones. Las encarnaciones que les tocan son puro humor y... poco o nada más. Pero el casting es muy oportuno (destacando a John Travolta en ciertas escenas como la del baile, a Uma Thurman como femme fatale, a Harvey Keitel como un elegante y misterioso personaje o a Samel L. Jackson como un sobrado gangster... papel que repetiría con más matices (y por ello en mi caso me resultó superior en su interpretación) en "Jackie Brown".

En definitiva, "Pulp Fiction" acaba siendo un film de humor negro (no apto para los más puritanos y sensibles, eso sí) inspirado en casi todo momento y con un sentido del humor que compensa las otras carencias de la cinta. Las más de 2 horas de "Pulp Fiction" no se hacen especialmente cortas por culpa de un libreto que, al darlo todo en el humor, deja de lado todo lo demás y eso se nota en escenas de transición... pero contradictoriamente es el guión en sus momentos culmen de comedia lo que compensa esos bajones argumentales en otros minutos. En líneas generales estamos ante una cinta recomendable al público general (pues supera a la media de films) y muuuy recomendable a todo fan del cine criminal que no se toma en serio a sí mismo.

Sin duda merece tenerse en la videoteca particular de todo cinéfilo.

Lo peor: El guión pero en el aspecto de su unidimensionalidad en los personajes.
Lo mejor: El guión en su mordacidad, guasa y sorna que está a unos niveles estratosféricos...
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Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald
Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald (2018)
  • 5,8
    11.992
  • Reino Unido David Yates
  • Eddie Redmayne, Jude Law, Katherine Waterston, Johnny Depp, ...
5
Como cinta de entretenimiento de fantasía es amena y agradable, como parte del universo mágico de J.K. Rowling... es deprorable.
Continuación de la precuela del mundo de Harry Potter, en la que se nos muestra a la comunidad mágica a principios de siglo 20 de mano del protagonista Newt Scamander (magizoólogo y ex-alumno de Hogwarts) y su entorno. Scamander sigue siendo testigo y clave durante las maldades del mago tenebroso Gellert Grindelwald (cuyo duelo final con Albus Dumbledore es una leyenda durante la época en la que Harry Potter acude al colegio Hogwarts en os años 90).

La trama es una amalgama bastante desordenada y caótica comparada con las tramas de films "harrypotterianos" anteriores que, si bien no pretendían contarnos tantas cosas a la vez, lograron centrarse en tramas específicas para ciudarlas, mimarlas y trabajarlas (ejem, ejem "Harry y la cámara secreta" (2002)... debo volver a verte para recuperar el buen sabor de boca de la excelencia de la saga mágica de J.K. Rowling). Por un lado tenemos a Scamander en conflicto con el Ministerio de Magia, con su hermano, con su prometida, con Grindelwald, con Dumbledore, con el obscurus y (como no) con sus criaturas mágicas (en fin, de tantos problemas y obstáculos que tiene, no me extraña que esté tan poco centrado), a Dumbledore en conflicto con el Ministerio, con Grindelwald, con Scamander, con la antepasada lejana de Bellatrix Lestrange. Tenemos la trama de las vilezas de Grindelwald, la trama de las dudas existenciales del obscurus, la trama de las investigaciones de Tina, la trama de las indecisiones mágicas de Queenie, la trama de los dilemas del pasado Dumbledore, la trama de los titubeos escolares de Leta Lestrange, la trama de los reparos de Newt Scamander en su nueva misión, la trama de la desconfianza y la decepción de Jacob, la trama del odio no resuelto de Theseus Scamander.

En fin, la anterior entrega consistía en que a Newt Scamander se le escapaban sus criaturas mágicas por Nueva York y debía irlas recuperando, con la subtrama de un peligroso mago tenebroso al que el MACUSA estaba tratando de dar caza... Y YA. Y esa entrega anterior resulta infinitamente mejor que esta continuación. Y es que lo que sucede en "Los crímenes de Grindelwald" lo diré en una frase popular: "Quien mucho abarca poco aprieta".

Con esto no digo que "Los crímenes de Grindelwald" sea un mal film ni mucho menos, es sencillamente descafeinado, a medias tintas, demasiado superficial por culpa de no poder centrarse en nada de tanto que tiene. Pero que conste que el universo mágico se mantiene y a todo amante de la fantasía simbólica "Lo crímenes de Grindelwald" entretiene con gusto pero... insisto en que el film pone en relieve el dicho de que "quien mucho abarca poco aprieta" y, por querer contar tantas cosas en tan poco tiempo, el film no ahonda en nada con devoción y elegancia como otras entregas del mundo mágico de J.K. Rowling.

La cinta no aburre (hablo de quien es fan del género de la fantasía, por supuesto. Quien no lo sea mejor que ni se acerque porque cargará con el tedio durante su visionado) pues están sucediendo curiosos y desenvueltos acontecimientos mágicos en todo momento, envueltos en unos efectos especiales bastante lucidos (aunque no tan perfectos como los de otras entregas de esta mega-saga) y protagonizados por unos actores curtidos y cercanos. ¡Vamos!, que "Los crímenes de Grindelwald" resulta un pasatiempo que evade con gran facilidad. Como cinta de entretenimiento desde luego cumple con creces...

Pero que nadie busque más, que nadie busque el genio y la inspiración de J.K. Rowling en sus novelas. Y es que el guión es el mayor error del film (y admito que no lo esperaba viniendo de J.K. Rowling, ya que la cinta predecesora en la que también ejercía de guionista no cometía ese error de no incidir con madurez en el desarrollo argumental en lugar de difuminarlo con infinitas subtramas). Muchos justifican la falta de maduración y desarrollo del guión en que ya no hace falta la presentación de personajes... pero por lo que se ve tratamiento de personajes tampoco parece que lo vean necesario, pues todos los personajes son monigotes que se pasean entre peleas y batallas mágicas y búsqueda misteriosas pero nunca aportan personalidad (solo Grindelwalt como vilano engañabobos y seductor en sus villanías aporta cierto interés subyacente, pero esto es básicamente gracias al buen hacer del carismático Johnny Depp). Cada uno de ellos acaba teniendo muy pocas escenas y muy parcas en todo el desarrollo que no sea la pura acción de fantasía. La evolución argumental y su contenido no es taaan poco como para que el film sea un aburrimiento totalmente vacuo, pero sí para que sea un pasatiempo y espectáculo muy justito.

En fin, recomendable por supuesto a todo fan de la fantasía que pasará un rato muy distraído y agradable, y recomendable para los fans de la saga de J.K. Rowling... más que nada para no quedar con un pequeño hueco entre entrega y entrega (porque sí, aun tengo esperanza de que esto se arregle y la próxima vuelva a elevar a este universo (como ya hiciera Yates en "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte 2 (2011)")). No es de las peores entregas (admito que "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte 1" (2010) me parece peor) pero desde luego ni de lejos está entre las mejores.

Lo mejor: El trabajo actoral que trata de sacar petróleo de unos personajes que resultan convidados de piedra... y en algunos puntos lo consiguen (Johnny Depp cautiva con su mera presencia como Grindelwald y Jude Law, respecto a los conflictos internos de Dumbledore, resulta más sutil y coherente en sus ademanes que con el guión que tiene en la mano). La animación del escarbato. El cameo de...
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6 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Yo, Frankenstein
Yo, Frankenstein (2014)
  • 3,7
    5.248
  • Estados Unidos Stuart Beattie
  • Aaron Eckhart, Bill Nighy, Yvonne Strahovski, Jai Courtney, ...
5
No es terror, es acción fantástica y... a pesar de resultar entretenida con eficacia, dentro de su género las hay muchísimo mejores.
Aviso a navegantes: el "Frankenstein" del título de "Yo, Frankenstein" no es sinónimo en esta cinta del profundo terror, el suspense avezado y el maduro simbolismo de la novela de Mary Shelley. Quien espere una adaptación de la obra maestra de la de Somers Town con su mismo tono oscuro y afligido, mejor que visione cintas como la adaptación de 1994 de Kenneth Branagh, la encarnación de Boris Karloff de 1931 o "La maldición de Frankenstein" (1957) de Hammer Films.

Porque "Yo, Frankenstein" a pesar de su título no es una cinta de terror o suspense, es una película de acción fantástica, ni más ni menos. Así que quien busque aquí un film de terror, mejor que se ponga "El exorcista" (1973), "Alien" (1979), "Halloween" (1978), "Carrie" (1976), "Pesadilla en Elm Street" (1984) y demás. Ya que "Yo, Frankenstein" pretende acercarse más a films que utilizan una famosa maldición literaria como excusa para ofrecernos guerras y luchas entre seres místicos (como "El Rey Escorpión" (2002), "La momia" (2017), "Abraham Lincoln - Cazador de vampiros" (2012), "Hansel y Gretel" (2007) o "Van Helsing" (2004)).

Desde luego, los que esperen horror y thriller en "Yo, Frankenstein" van a quedar tremendamente decepcionados con el film. No es mi caso, pues esperaba acción de fantasía (y admito que no echo de menos el terror, pues es uno de mis géneros ignorados junto a los westerns) y es con ese prisma (el de esperar una cinta de acción fantástica) con el que hay que prepararse para visionar "Yo, Frankenstein" y poder disfrutarla mínimamente.

Así pues, "Yo, Frankenstein" se basa en el cómic de Dark Storm (que a su vez utilizaba al personaje de Frankenstein como un guerrero místico), en el que el protagonista "Adam Frankenstein" (Aaron Eckhart) utiliza sus "poderes" de inmortalidad y resistencia para colaborar con otros seres místicos que se hacen llamar la Orden de las Gárgolas. Esta colaboración lleva al protagonista a luchas contra los enemigos accérrimos de las Gárgolas: los Demonios, también místicos y que pretenden acabar con las Gárgolas y con todos los humanos.

Así que en "Yo, Frankenstein" lo que vemos son peleas y batallas entre "gárgolas" y "demonios" con una cascada de escenas de acción bastante lucidas y agradecidas, que entremezclan combates mano a mano con explosiones "mágicas" y vuelos alados de seres mitológicos.

"Yo, Frankenstein" no es precisamente una obra maestra... ni parece pretenderlo. Pues lleva el lastre de un guión exiguo, simplón, redundante e infantiloide. Las ideas principales nos quedan más que claras a los espectadores (de todas las edades, pues el conflicto es pueril a más no poder)... pero su argumento no tiene absolutamente nada más que el mostrarnos el enfrentamiento milenario entre gárgolas y demonios. El "plan malvado" de los demonios y su sabotaje por parte de las gárgolas tiene más agujeros que un queso gruyere, las lealdades de ciertas gárgolas, demonios y el propio monstruo de Frankenstein cambian de manera abrupta y sin justificación creíble.

Todo esto hace que el film implique bastante poco al espectador y que no le haga sumergirse en esta aventura de fantasía como lo hacen otros films del mismo género fantástico (desde luego "Yo, Frankenstein" está a años luz de cualquier adaptación sobre la Tierra Media de Peter Jackson o de cualquier entrega del mundo fantástico de J.K. Rowling).

Sin embargo el resto de aspectos de la cinta poseen el suficiente estilo como para contrarrestar su perezoso guión... haciendo que "Yo, Frankenstein" (si bien no está a la altura de la espléndida fantasía de otras cintas de género) al menos entretenga con suficiencia y precisión.

No es una obra maestra, ni siquiera un film destacado por encima de la media de su género... pero tampoco parece que el film busque un mayor propósito que el de amenizar levemente una tarde lluviosa, cosa que consigue sin demasiado esfuerzo. El metraje, consciente de su propia banalidad puntual, no llega ni a la hora y media con lo que no alarga en exceso sus batallas o explicaciones triviales.

La realización pudo lucirse aún más y elevar el relato, pero Stuart Beattie abandona por completo cualquier tipo de misterio (no utiliza en ningún momento un solo recurso narrativo típico del suspense (desde luego Ridley Scott en "Alien" NO ES)) y se limita a los usuales (pero correctos) planos/contaplanos y planos recursos que en muchas ocasiones nos ofrecen paneos o travelings para mostrarnos con deleite y gusto ese universo fantástico y esas criaturas mitológicas en todo su esplendor... cosa que el film agradece porque pocas virtudes más tiene que las de una puesta en escena de fotografía elegante y efectos especiales estilosos, logrados y pulidos.

Es esa puesta en escena que opta por el espectáculo visual (con un diseño de decorados notable, una banda sonora grandilocuente, unas efectos especiales apreciables, y unos filtros oscuros pertinentes) acorde con su tono palomitero lo que hacen de "Yo, Frankenstein" una experiencia lúdica tan agradecida y distraída como fútil y puntual (difícilmente estamos ante una cinta que aguante más de un visionado).

Eso y un elenco de relumbrón (Eckhat, Bill Nighy, Miranda Otto, Jai Courtney) que hace malabares para no parecer idiota ante tanto diálogo ridículo.

Pero en la balanza, "Yo, Frankenstein" acaba siendo una película de entretenimiento aceptable, que no aporta más que leve distracción y recreo... pero al menos eso lo logra (cosa que no pueden decir cintas de fantasía parecidas como "El rey Escorpión", "X-Men Apocalipsis" (2016), "El secreto de los hermanos Grimm" (2005), "Constantine" (2005), "La última legión" (2007) o algunas entregas de la saga "Crepúsculo").

Dentro de su género de fantasía no es recomendable, pero si el aburrimiento es excesivo, "Yo, Frankenstein" no es un mal remedio para pasar un rato aceptable de guerras mitológicas y fantásticas.

Lo mejor: Miranda Otto. Los efectos especiales
Lo peor: El guión.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
La forma del agua
La forma del agua (2017)
  • 6,5
    38.708
  • Estados Unidos Guillermo del Toro
  • Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, ...
5
Sobrevaloradísima versión de "La bella y la bestia" que peca de simple y tópica respecto a demasiados personajes y situaciones.
Hubo un tiempo en el que los Oscar suponían la celebración de una obra maestra; una obra que aunaba el sentimiento de fascinación tanto de los críticos entendidos como del público general (el mejor crítico en definitiva), hubo un tiempo en el que el Oscar a la Mejor Película suponía una categoría de gran prestigio... y ese prestigio lo fueron forjando las propias cintas premiadas; cintas como "El padrino" (1972)", "El Señor de los anillos" (2003), "Alguien voló sobre el nido del cuco" (1975), "La lista de Schindler" (1993), "Braveheart" (1995), "Million Dollar Baby" (2004), "Amadeus" (1984) o "Sin perdón" (1992)

Pues bien, me preocupa que los premios Oscar ya no sean un referente para el gran público que, a sabiendas de que los Oscars ya no tienen el prestigio de antaño, deja de lado la taquilla de estos premiados films porque ya no espera la calidad de otros tiempos. Y no estamos equivocados entre el público ni mucho menos, el como ha ido decayendo la calidad fílmica de estos galardones es algo asombroso... y "La forma del agua" es un buen ejemplo. Tengo que remontarme 14 años atrás nada menos para deleitarme con una cinta ganadora a la Mejor Película; con un film rico en matices, completo en su libreto, inusitado en su puesta en escena, impactante en su desarrollo... en definitiva, disfrutable en su conjunto. Porque las obras maestras se disfrutan.

Y "La forma del agua" entretiene... como entretienen "Ant Man" (2015) o "Los pitufos" (2011).

La cinta ya de por sí adolece de toda originalidad posible, pues es un revoltijo de "La bella y la bestia" (1991) (sin la diversión ingeniosa, la música memorable o la elaboración multidimensional del guión respecto a sus personajes y sus interacciones que nos ha dado la hasta ahora mejor versión del cuento), "Liberad a Willy" (1993) (sin la empatía que imprimían sus particulares situaciones) y "E.T.: El extraterrestre" (1982) (sin los planos de Spielbergh, la sensiblidad del libreto, la obra maestra de John Williams o el inconmensurable diseño del alienígena en cuestión), siendo en calidad mucho peor a todas ellas (tremendo que hayan premiado a Mejor Película a una cinta peor que "Liberad a Willy"): nos narra como en los años 60 Elisa, una joven limpiadora de una instalación "de alto secreto", conoce a un anfibio antropomórfico y decide liberarlo de su cautiverio (no sin por el camino enamorarse).

Estamos ante una suerte de "La bella y la bestia" moderna (pero no tan moderna como para tener la valentía de invertir los roles de género), donde se agradece (y estos son los pocos puntos a favor de la cinta) que dos de sus personajes principales se salgan del arquetipo y se nos presenten con mayores matices y humanidad que los del cuento original de Leprince de Beaumont (pues ni la "bella" en esta ocasión es una virginal damisela en apuros de intelecto limitado (el guión nos ofrece a una mujer del todo humana, con luces y sombras), ni el personaje del mejor amigo pierde la oportunidad en el guión de mostrarnos como es incapaz de casar con la hipocresía y la moralidad impostada de la época).

Esos pequeños detalles en estos dos personajes, el buen hacer interpretativo de todo el conjunto actoral (sin duda sobresale con nombre propio una Hawkins en estado de gracia del todo natural a la par que cercana con su muda Elisa. Pero no desmerecen un sutil y trágico Jenkins, una vivaz y descarada Octavia Specener (borda este tipo de roles... y lo sabe), y un intenso y odioso Michael Shannon que saca algo de petróleo de su caricaturizado y garabateado personaje) y la distinguida puesta en escena de Del Toro (la cinematografía del film es notable, con una elegante fotografía, unos pulcros efectos visuales, una edición dinámica y unos encuadres (aunque no memorables) pertinentes) es lo que logra que este film salve los platos y resulte al menos un film tolerable y entretenido... al menos en un visionado (no merece un segundo).

Porque el resto es para no tenerlo en cuenta: un villano de tebeo (hasta el Gastón de "La bella y la bestia" de 1991 estaba mas elaborado) con el que el espectador se distancia en todo momento y deja de resultarle creíble en la trama (malo cuando los personajes del film no logran implicar ni mínimamente) y una "bestia" del cuento que poca diferencia tiene con un objeto inanimado (la vida de la criatura se transmite gracias a los efectos especiales, pero no gracias al guión desde luego).

En fin, la desidia del guión respecto al tratamiento argumental (tremendamente básico e infantiloide) es pues la gran losa de la cinta. El villano es de chiste y patético... y sin pretenderlo en una cinta que busca un tono pretenciosamente serio, un malvado que parece sacado de una entrega de "Fast & Furious", "malo maloso porque sí" sin dimensiones o humanidad creíbles. Luego está el enamoramiento de los personajes que es poco o nulamente creíble (prefiero no entrar en detalles). Y el film no tiene mucho más, se trata de un "Liberad a Willy" entremezclado con "La bella y la bestia" pero con un enamoramiento exiguo y simplificado hasta la extenuación, y una aventura de liberación y rescates que va nadando (nunca mejor dicho) entre la pereza de un plan de escape más primordial que el mecanismo de un chupete (desde luego no estamos ante "Ocean's Eleven" (2001)) y el cliché puro y duro de sus personajes e interacciones.

Sinceramente, no la recomiendo. Solo si se es muy fan de Del Toro (admito que no es mi director predilecto), y si se quiere observar una gran intepretación (si Frances McDormand no hubiera realizado esa actuación tan soberbia, Hawkins hubiera sido más que merecedora de un Oscar dentro de un film que no está a su altura).

Como film de pasatiempo es aceptable, pero como ganadora del premio Oscar... es de las peores (me parece alarmante que haya ganado por encima de cintas como "Tres anuncios en las afueras" o "Los archivos del pentágono" que, sin ser obras maestras, dejan en pañales a este film).

Lo peor: El guion...
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tres anuncios en las afueras
Tres anuncios en las afueras (2017)
  • 7,6
    41.747
  • Reino Unido Martin McDonagh
  • Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, John Hawkes, ...
6
No llega las cotas de obra maestra (le falta riqueza en la subtrama criminal y aun más arrojo en el drama), pero resulta una interesante y vigorosa propuesta sobre el odio y su multiplicación.
Lo que nos propone Martin McDonagh en su sexto (y hasta ahora mejor) largometraje es una rara avis dentro del cine; una propuesta novedosa (algo que merece una loa, pues como es natural en el Séptimo Arte cada vez es más difícil innovar) a la par que disfrutable y deleitosa (algo aún más difícil de conseguir).

En "Tres anuncios en las afueras" nos topamos con un film difícil de clasificar en un género concreto... aunque probablemente el género al que más se asemeja es al de la tragicomedia contemporánea que nos ofrecen autores como Alexander Payne o los hermanos Coen (sin llegar al nivel humorístico tan desternillante de los últimos). La trama nos presenta a una mujer, Midred (Frances McDormand), que ha sufrido la perdida de su hija que fue violada y asesinada. Nuevo meses después, el crimen sigue sin resolverse, y es por esto que decide poner tres grandes anuncios en las afueras del pueblo donde carga contra la policía local y su ineptitud.

La trama tiene su trampa, pues McDonagh ofrece el McGuffin del crimen sin resolver para dedicar el film a otro asunto diferente: la propagación de odio que se sucede por el pueblo a causa de estos anuncios (desde la impotencia transformada en resentimiento de Mildred, pasando por el rencor del cuerpo policial hacia Mildred, los infantiles prejuicios transformados en animadversión e inquina de casi todo el pueblo de Eibbing hacia Mildred, el encono de una viuda despechada que no sabe hacia donde focalizar su odio... y llegando a la maldad pura de un maltratador misógino, o a la ira poco contenida de un policía muy simple que canaliza esta agresividad en el racismo).

Y es ese el tema central del film: el odio, el resentimiento, la rabia, la maldad y la irritación que va supurando por los poros de los habitantes de este pequeño pueblo imaginario de la América profunda.

La propuesta es pues interesante. Sin embargo, y a pesar de un guión con diálogos vivaces y despiertos (el film esconde muchas notas de humor sarcástico y mordaz que hará sonreír con complicidad al público. Aunque no por ello se pueda clasificar a esta cinta como una comedia ni mucho menos) y que mantienen nuestra atención en todo momento, este libreto se queda a medio camino de todo lo que pudo dar. Y es que, si bien expone la temática de propagación del odio con entretenimiento e ironía, las demás patas de la cinta o bien cojean o bien no hacen acto de presencia. Por ponerlo en palabras claras; la subtrama criminal se trata con una desidia y una pereza que no mereció, el drama personal de Mildred (y a pesar de que McDormand saca petróleo en sus muy pocas sutiles escenas) no se nos expone con el desagarro y la intensidad natural, y las relaciones interpersonales del pueblo se limitan a esa exposición de odios y rencores como si en la vida toda dimensión emocional fuera esa.

Un film parecido (aunque no igual) es "Mystic River" (2003) de Clint Eastwood, que sin duda supera a este cinta en cuanto a su acabado y riqueza argumental, donde no solo observamos rencillas personales y prejuicios malditos, sino una trama criminal bien armada, un drama más aguerrido y unas dimensiones personales de sus personajes más abundantes.

Con esto no digo que nos encontremos con una mala cinta ni muchísimo menos. Es un una cinta de lo más distraída, nervuda, curiosa y cautivadora durante su visionado. A pesar de que al terminar su visionado nos produce esa (correcta) sensación de que le faltan aristas y patas (y sobretodo una conclusión más elaborada e inspirada), es una tragicomedia disfrutable y bastante por encima de la media del cine actual.

El libreto pudo aportar más, pero lo que aporta resulta suficientemente maduro, medrado, provocador y reflexivo... y eso es suficiente como mimbre del film. El resto lo ponen sobretodo sus actores, una McDormand que cuenta con una joya de personaje y que lo aprovecha con el oficio que acostumbra (McDormand nos regala una Mildred hastiada del establishment, los cánones sociales y las hipocresías, una Mildred que es pues puro sentimiento sin barreras (no hay formalidad que limite las expresiones de sus sentimientos), ya sea ternura, violencia o rencor... todo es puro y sincero en esta Mildred mimetizada con una McDormand en el rol de su vida (curiosamente en "Fargo" (1996) tiene la película de su carrera y no el rol de su carrera, y en "Tres anuncios en las afueras" sucede justo lo inverso), así pues Oscar más que merecido. Oscar más que merecido también a un Sam Rockwell en el papel de un policía borrachuzo, racista y violento que no evita la caricatura tópica a la vez que logra con su interpretación incluso empatía en ciertos segundos (cosa harto difícil). El resto de intérpretes también se topan con personajes meramente esbozados y caricaturizados en el libreto (de este tratamiento solo se libra Mildred), pero vuelven a demostrar oficio (en concreto Woody Harreslon, John Hawkes y Peter Dinklage).

La dirección de McDonagh es correcta. Ni es destacable en exceso ni desdeñable. No molesta al film en ningún momento, la elección de planos es precisa (aunque hay algún que otro plano subjetivo o foco alterno, la cinta prolifera en el típico uso de plano/contraplano cerrado (algo que aprovechan sus intérpretes) y plano recurso (donde nos embruja con algún que otro paisaje rural de ponderada iluminación)). La cinematografía es pulcra y elegante, y la banda sonora no destaca en absoluto.

En definitiva estamos ante una cinta interesante... pero no fundamental en el Séptimo Arte. Ni es la obra maestra que nos quisieron vender, ni resulta indispensable de ver antes de morir, ni se va a ganar un espacio en mi videoteca. Me entretuvo, me dió momentos de curiosa complicidad y disfruté de una interpretación sobresaliente dentro de una cinta que no está a la altura de lo logrado por McDormand... pero poco más. Para ver una cinta de corte similar y más rica en matices: "Mystic River".

Lo mejor: La interpretación de Frances McDormand, en especial...
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Contagio
Contagio (2011)
  • 5,8
    27.714
  • Estados Unidos Steven Soderbergh
  • Matt Damon, Kate Winslet, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, ...
3
Un thriller muy común y al uso pero sin realce, vehemencia, profundidad, originalidad, gallardía, garra
"Contagio" nos narra un hipotético drama en el que un nuevo virus sin cura y desconocido va contagiando a humanos de todo el mundo provocándoles la muerte en pocas horas. El film trata con desidia y superficialidad el sufrimiento de las victimas y las investigaciones de los científicos para hallar una cura eficaz.

Debo admitir que el decimotercer largometraje de Steven Soderbergh me supuso algo ciertamente decepcionante... incluso como obra de entretenimiento banal y superficial (a pesar de que el autor de Atlanta ya había demostrado ser capaz de lo mejor y de lo peor. Pero con "Contagio" Soderbergh quedó definitivamente corroborado como un director que se luce sobremanera... siempre que cuente con un guión acabado, intrincado, maduro, eficaz y equilibrado que lo acompañe... algo que no se da en "Contagio", pero que se dió por fortuna en cintas como "Sexo, mentiras y cintas de vídeo" (1989), "Traffic" (2000) (su gran obra maestra en que la que su narrativa visual tan expresiva, gustosa y especial encajaba como un engranaje de relojero en el notable guión y las interpretaciones en estado de gracia), "Ocean's Eleven" (2001), "Behind the Candelabra" (2013) o "Erin Brocovich" (2000)).

En cuestión de géneros... la cinta pretende ser un thriller, pero la intriga está desaparecida (a los pocos minutos se conoce la estructura del virus y todas sus características) y el film decide centrarse más en los melodramas redundantes (también tratados en el libreto con una banalidad exagerada) que en trabajar con detalle, interés y hondanadas las investigaciones científicas o el mercadeo político o farmacéutico.

Así pues el guión deja mucho que desear, cualquier género que toca lo hace de forma insustancial, anodina e insípida. Esta trama de virus infeccioso y sus consecuencias no nos regala ninguna investigación científica o tratamiento médico versado y resolutivo (cualquier capítulo de la gran serie "House" (2004-2012) le da mil vueltas en todos los aspectos a este largo. Pues "House", además de ofrecer muchos más claroscuros, matices y dimensiones en cada circunstancia y personaje, mostraba un abanico y una profundidad en sus situaciones cargado de madurez y olfato y)), tampoco nos lega una sola situación de drama potente y verdadero, y las tramas políticas y periodísticas están tan esbozadas que una se pregunta incluso el porqué de su mera mención. ¡Es más!, aun me pregunto donde está la estructura básica de todo film... pues no llego a encontrar por ningún lado la presentación de personajes, el nudo y el desenlace.

En definitiva, "Contagio" no ahonda en nada de su temática con perspicacia, sagacidad y hondura (desde luego, esto no es "Traffic", cinta que debo volver revisionar tras ver "Contagio" para quitarme el más gusto y volverme a reconciliar con el cine de Soderbergh), se limita a que el espectador vea como gente de todo el mundo se contagia, tose y suda de forma repetitiva, y como los científicos manipulan varias probetas de forma reiterada y redundante. Pero eso sí, diálogos, conversaciones, miradas y discusiones sobre ciencia o sobre la angustia y el tormento de sus personajes (personajes que ni siquiera están edificados con una base sólida en el guión) no se dan. Es un libreto con un desarrollo escasísimo y de tanta repetición vacua de sus momentos, que la cinta puede llegar a aburrir (y es de esos films que se pueden ver mientras se realiza otra actividad y no se habrá perdido uno nada).

Así que con estos mimbres Soderbergh tiene poco que hacer. Él es el responsable, eso sí, de que sus casi dos horas nos resulten bastante llevaderas en casi todos los minutos, pues la forma del realizador casi llega a compensar el fondo del guión. A nivel de realización Soberbergh se luce como acostumbra (y también como director de fotografía (tarea en la que suele operar bajo el pseudónimo de Peter Andrews). Sus planos (la mayoría planos cerrados e intimistas, sello de la casa) poseen gran elegancia, el montaje es equilibrado combinando planos subjetivos de todo tipo, y la fotografía de tonos verdosos y amarillentos resulta una delicia.

Eso sí, la banda sonora es olvidable. Los intérpretes cumplen sin despeinarse pero poco puede hacer con tan poco material. Se trata de un reparto coral de relumbrón pero no tienen con que trabajar.

En fin, no recomiendo la cinta. Dentro de la filmografía de Soderbergh está más cerca de sus films fallidos (como "Full Frontal" (2002), "El buen alemán" (2006) o "Indomable" (2012)) que de sus aciertos ya sean en su cine "de palomitas" (su trilogía del ladrón de guante blanco Danny Ocean y su glamurosa banda) o en su cine "más serio ("Traffic", "Erin Brocovich", "Sexo, mentiras y cintas de vídeo", "Behind the Candelabra", "Efectos secundarios (2013)). Es un film lánguido en el que los personajes no tienen base en la que asentare y que nos implique, es una cinta en la que sus sub-tramas (dramática, política, empresarial, de investigación científica) no inciden con acometida, decisión y convencimiento. Para ver una combinación de drama personal e intriga científica, médica y farmaceutica, nada como ver "Dallas Buyers Club" (2013). Y ya puestos... si hablamos de un futuro distópico en el que un virus misterioso ha hecho mella en la población... incluso "Soy leyenda" (2007) o "Guerra mundial Z" (2013) (más orientadas a la ciencia-ficción y al cine palomitero) trabajan con más ahínco detalle y cuidado en su enigma científico.

Lo mejor: Su fotografía y realización.
Lo peor: Su ¿desarrollo? argumental.
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Los Increíbles 2
Los Increíbles 2 (2018)
  • 6,9
    18.069
  • Estados Unidos Brad Bird
  • Animation
7
Jack Jack, Edna Moda y nada más (pero es que este par de personajes son mucho personajes)
Continuación del notable film de Pixar ganador del Oscar "Los increíbles" (2004). Una cinta que no solo triunfó en cuanto a audiencia y galardones, sino que supuso otra de las obras cúlmenes de Pixar (y eso ya es decir mucho) junto a "Monstruos S.A" (2001), "Buscando a Nemo" (2003), "Wall.E" (2008), "Up" (2008), "Inside Out" (2015), "Coco" y la trilogía de Toy Story.

Comparar esta segunda parte con su predecesora no le hace ningún favor a "Los increíbles 2", pues obviamente era prácticamente imposible no ya superar, sino igualar un film tan notable como aquel. Y "Los increíbles 2" no es ni mejor ni igual que "Los increíbles". ¿Es peor?, sí, ¿es por ello un mal film?, de ninguna de las maneras: "Los increíbles 2" es una cinta de lo más entretenida para toda la familia; con una trama bien conformada, equilibrada y pulida, con un ritmo ligero y un desarrollo argumental correcto y resuelto, con unas notas de humor tan continuadas como astutas (y en muchos casos desternillantes) y, por supuesto, con una animación espectacular en su ambientación y soberbia en sus detalles.

Para los que hemos visto y disfrutado de "Los increíbles" en más de una ocasión (admito que es de las pocas cintas de animación que tienen un sitio reservado en mi videoteca junto a "El Rey León" (1994), "Aladdin" (1992), "Inside Out", "Coco", "Rompe Raplh" (2012) y "Big Hero 6" (2014)), la trama se nos va a hacer por momentos algo previsible y, esa pérdida de atención e interés en el film no nos va a hacer que valoremos la cinta con tanta benevolencia como los que son nuevos en esta saga pixeriana. Y es que "Los increíbles 2" repite la misma fórmula que su predecesora en que esta familia con superpoderes debe volver a enfundarse las mallas y el spandex para acabar con un nuevo supervillano que amenaza la ciudad (los que hemos visto "Los increíbles" incluso adivinamos la identidad del misterioso villano a los pocos minutos)... y todo esto con las subtramas que ya vimos en "Los increíbles" (y con bastante más ingenio, originalidad y agudeza, debo decir) sobre una sociedad que recela de estos "super" y no sabe si suponen una salvación o un peligro para todas, y sobre la familia que debe compaginar sus tareas domésticas con la vida superheróica.

La fórmula argumental de "Los increíbles" y de su continuación es buena de por sí, pero de Pixar se esperaba un poco más de originalidad y que no repitiera prácticamente el mismo esquema narrativo (para ejemplo, "Toy Story 3" (2010) o "Monsters University" (2013) que, sin ser por ello superiores o "Los increíbles 2", cambiaron completamente el tono y el esquema argumental respecto a sus predecesoras).

Y es que todo, desde la acción superheróica hasta las tramas domésticas o sociales se trataron con más lucidez y chispa en "Los increíbles" (esos momentos de Bob con su jefe no son capaces de igualarse con sus momentos aquí. Y esa secuencias de acción y persecuciones se empequeñecen si se las compara con las vividas en aquella isla exótica del malvado Syndrome), aun así "Los increíbles 2" logra llegar al nivel del pasatiempo banal pero presto y diligente y bien armado. Apenas hay momentos vacuos en la narración, y el desarrollo es siempre evolutivo y sin redundancias o alongamientos innecesarios.

Pero por lo que el film gana puntos a pasos de gigante en lo que a mí respecta es por el merecido protagonismo que se lleva Jack Jack (por fortuna "Los increíbles 2" deja muchos guiños y referencias al brillante cortometraje "Jack Jack ataca" (2005) (he aquí mi crítica de uno de los cortos que considero una obra maestra: https://www.filmaffinity.com/es/user/rating/484565/301416.html) ya desde el comienzo de la cinta (¡cómo echaba de menos al señor Dicker y sus irónicos interrogatorios!) hasta el final), ese "super-bebé" cargado de poderes y sus "super-trastadas" que magnifican metafóricamente el agotamiento y paciencia que requiere un bebe y sus trastadas. Jack Jack nos regala los mejores momentos de humor (muchos inolvidables e icónicos de forma instantánea) y desternille. Y por supuesto, otro punto que realza y aúpa la cinta sobremanera son los momentos de Edna Moda (uno de los personajes referencia de Pixar a mi entender junto a Sully de "Monstruos S.A." Dory de "Buscando a Nemo", Tristeza, Miedo e Ira de "Inside Out" y Carl de "Up!"), Edna unida a cierto personaje en el film si que es una idea brillante y nos deja unos minutos que son sencillamente pura magia (sí, son de humor, pero siguen resultando mágicos).

En fin, no se ha estrujado el cerebro Brad Bird en lo que respecta a la trama de acción y a cualquier situación sutil sentimental o de fuerza dramática (ya sea drama intimista o social. Eso se lo dejamos al también sobresaliente corto que precede al film (candidato desde este mismo momento al Oscar)), pero ofrece en estos aspectos suficientes mimbres para sostener el verdadero tesoro de esta continuación: el humor, Jack Jack y Edna Moda. Poco más hace falta para que todo amante del buen cine (sea de la edad que sea) salga con una sonrisa de satisfacción en la cara.

No es un film indispensable en la vida, pero si ciertamente recomendable (y mejor que otras cintas de Pixar como "Monsters University", "Brave", la saga Cars, "Bichos" (1998) o "The Good Dinosaur" (2015). Y en mi opnión personal supera a "Ratatoullie" (2007) y "Up"). De lo mejorcito que hay actualmente en la cartelera.

Lo peor: El poco cuidado y trabajo en la trama de investigación detectivesca y superheróica respecto a la caza y derrota del malvado de turno. Algunas escenas de acción, persecuciones y demás se nos pueden hacer algo plumbeas a los que ya estamos curtidos en este tipo de films.
Lo mejor: Sus notas de humor, los personajes de Jack Jack y Edna Moda y todos sus minutos...
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