Cine comercial político, sí. Cine militante, sí. Pero así no, por favor.

High rise intenta ser una distopia de gusto refinado acerca no ya del futuro, sino del presente. Un rascacielos sirve como metáfora de nuestro sistema actual, en el que los privilegiados copan la cima mientras el pueblo llano ocupa las primeras plantas. El edificio cuenta además con un peculiar sistema energético en el que la sobrecarga castiga más a los pisos bajos que a los altos. Por ello, el populacho se rebela e intenta acceder a las plantas superiores. Todo ello con el protagonista como testigo. Un médico atrapado entre las dos clases que ha caído en gracia al director del edificio.

La película comienza en el caos, en plena resaca capitalista tras la demolición del sistema y luego retrocederemos en el tiempo para ser testigos de cómo se gesta el fin de la jerarquía del complejo. El rascacielos como sistema piramidal es de un obvio que roza lo insultante. Una copa de champán que se cae del piso superior en la terraza del vecino nada más arrancar la historia, resulta demasiado vulgar. Una fiesta de los ricos con temática de Versalles, demasiado explícito. Un desastre.

Ya que el director se empeña en que no se nos escape absolutamente nada de lo que quiere contar, hubiera resultado mucho más digno incorporar elementos de nuestra actualidad al relato original. Cronenberg lo hizo con maestría en la infravalorada Cosmópolis y obtuvo un resultado fascinante.
Es una pena que aunque la métafora sea explicada al mínimo detalle, como si el director dudase de la inteligencia del espectador, en cambio el fondo emocional de los personajes sea mutilado por un montaje confuso que nos hace perder el interés en la primera media hora.

Porque no, los personajes no se desarrollan de manera natural. De una escena a otra los cambios en las relaciones son tan bruscos que no se sabe exactamente que está pasando, pero es que además tampoco se crea un misterio en torno a esa confusión para poder tenernos enganchados y todo pierde su importancia. El montaje se acelera sin razón ninguna para luego abusar de la cámara lenta en escenas prescindibles o en momentos cruciales, cuyo impacto se ve disminuído.

En cuanto a la atmósfera, buena idea de limitar la película al edificio, sin que sepamos de dónde vienen los personajes cuando llegan en coche al parking exterior. Pero un gran problema es que lo que se pasa dentro no tiene interés ninguno. No hay la tensión sobresaliente del tren de Snowpiercer, por ejemplo. El edificio resulta frío, es lógico, pero cuando el resto de elementos fallan en la película, una atmósfera minimalista no hace más que aumentar el aburrimiento.

Las buenas intenciones de Wheatley no son suficientes. High-rise es una película que no da tregua al público en cuanto a entretenimiento y cuyo mensaje pretende descubrirnos la pólvora a estas alturas. Lo único bueno que puedo decir es que al menos se reivindica la canción SOS de Abba, pero la película en sí, ni lo dudéis, es un SOS en toda regla.

La directora presenta el bosque como un universo único. La historia comienza dentro de él y sus límites son las verjas de la entrada al mismo, que no atravesaremos durante las dos horas y media que dura la película. El film se divide en las cuatro estaciones del año, haciendo un seguimiento de los distintos perfiles que frecuentan el lugar desde el otoño hasta al verano, y al igual que en cualquier parte, algunos rostros los veremos una sola vez y a otros, varias.

El abanico de gente que pasa delante de la cámara además de amplio, es fascinante. Por un lado tenemos un fuerte componente emocional: antiguos refugiados camboyanos a los que el bosque les recuerda a su infancia, cuando no tenían más remedio que vivir escondidos en la jungla; también gente que no tiene nada que perder que ha decidido vivir en el bosque de Vincennes para encontrarse en absoluta libertad; incluso mujeres de familias acomodadas que van al bosque con su hijo para aplacar la soledad que le supone tener que dedicarse al cien por cien a su bebé, dejando de lado su trabajo, sus amistades y el ocio debido al rol de madre que se ve obligada a desempeñar.

Pero como contrapeso también hay un componente más crudo que puede incomodar a los menos preparados; mirones, zonas de cruising y prostitutas que ejercen su oficio escondidas entre los arbustos, pero que también pasean a sus hijas en barca los días que no trabajan.

La directora va con su cámara a cuestas e interroga de una forma muy directa a los merodeadores, con los que llega a establecer relaciones afectivas según la película avanza, involucrándose en sus actividades, desempeñando el rol de confidente, en resumen, formando parte del espíritu colectivo, aunque inconsciente, del bosque.

Simon sabe mezclar ambos extremos y crear poesía. Lo que podría haberse convertido un panfleto amarillista, en absoluto roza el prejuicio. Le bois... no es un reportaje de televisión que prejuzgue, que denuncie que nos arriesgamos a que maléficos depravados perviertan a nuestros hijos mientras realizan sus maquinaciones a pocos metros de nosotros con total impunidad, no. Todo eso no tiene nada que ver con la obra. Les bois dont les rêves son faits nos enseña que la magia de Vincennes permite todo tipo de convivencia en total armonía, incluso hasta extremos impensables. Y no es que lo defienda, es que la objetividad que caracteriza al documental lo muestra por sí solo.

Esta es la historia de dos hermanas. Una es ordenada, eficiente y con un puesto como enfermera bien remunerado, lo que le permite vivir en una gran casa bien luminosa. La otra es desorganizada, inestable, va encadenando un trabajo con otro mientras que se hospeda en pisos de conocidos, todo ello teniendo una hija adolescente a su cargo. Pese a las diferencias evidentes y a la distancia, ambas hermanas se quieren y se aprecian aunque no se vean a menudo. Sin embargo, una reunión familiar es inminente cuando los padres de ambas anuncian que van a vender la casa en la que ambas crecieron. Por ello, las hermanas viajan a Florida a recoger sus cosas y de paso, despedirse de su hogar con una última fiesta.

Desde el principio vemos que el film sigue la estela de comedia femenina que supuso un soplo de aire fresco en el género, erigiéndose como mayor estandarte la excelente Bridesmaids. Esto quiere decir que son las actrices quienes toman el protagonismo y que, aunque sus personajes no sean representaciones fidedignas de la mujer, al menos no son caricaturas o simples adornos como de costumbre, sino personajes verosímiles con sus defectos y virtudes.

Todo parecía indicar que la película iba a suponer un retrato de una familia disfuncional, con sus discusiones, enfados y reconciliaciones pero no se trata de eso en absoluto. El gran acierto de Sisters son los cambios de subgénero según van pasando las dos horas. Tras el lado nostálgico de humor blanco cuando las protagonistas comienzan a contactar a sus amistades del instituto, el film pasa a otro registro.

En la fiesta, vemos cómo los invitados se han vuelto gente gris al llegar a la cuarentena y hay una ligera reflexión sobre el espíritu jovial, la edad como simple cifra y la reivindicación de la diversión a cualquier edad. Justo cuando parece que la película sigue un cauce.., el desfase. El humor gamberro de sexo y drogas aparece en los gags a la par que las protagonistas tienen que intentar que la fiesta pase desapercibida a ojos de vecinos, policía y padres. Todo esto con la archienemiga del instituto acechando entre los arbustos para boicotear el evento; una Maya Rudolph más divertida que nunca.

La recta final de la cinta mezcla un humor que roza lo escatológico, al más puro estilo de los Farrelly con los enredos y guiños a Todo en un día y La chica explosiva. El desmadre que se va acumulando a medida que nos acercamos al final y vemos que dentro de cada cuarentón en crisis sigue habiendo un joven héroe de película de John Hughes dispuesto a pasar la mejor noche de su vida.

Siguiendo la tradición alpina, el krampus es una criatura antagónica a San Nicolás que visita los hogares de los niños que se portan mal para secuestrarlos. Hoy, en EEUU, una familia de ascendencia germana celebra la Navidad, juntándose hermanos y cuñados con sus respectivas proles, que apenas se soportan. Al forzar una situación desagradable de manera hipócrita, con el único objetivo de fingir una inexistente fraternidad, los adultos agobian a los más pequeños hasta el punto que uno de ellos, decide dejar de creer en el espíritu navideño. Lo malo es que por ello, el krampus visita el vecindario y comienza a secuestrar a los miembros de la familia uno a uno.

Antes que se me olvide, he de agradecer a las distribuidoras francesas la oportunidad de ver una película que transcurre en Nochebuena en plena primavera, justo antes del huracán de Cannes. Por qué no, han debido decirse en los despachos de Universal, cosa que a mí no me molesta en absoluto. Sin embargo no puedo evitar en todos los niños a los que los padres no llevarán a ver una película navideña en pleno mayo y lamento que una generación se pierda un icono de terror infantil. Porque Krampus no es otra cosa que un producto perfectamente elaborado para que los pequeños experimenten el cine de terror por primera vez, al igual que los Gremlins consiguieron hace ya tres décadas.

Claro que, en aquel entonces fueron numerosos los progenitores furibundos contra la película de Joe Dante, que se anunciaba simplemente como un film infantil. La experiencia a lo largo de los años ha hecho que los padres se informen antes de llevar a sus hijos a las salas y seguramente el terror no sea la decisión más popular entre las familias. Sobre todo en unos tiempos en los que se sobreprotege a los menores. Por tanto ya no solamente es que Krampus toque un género arriesgado, sino que, además, fecharla tras (o antes, ya puestos) las navidades es directamente un tiro en el pie.

Dicho esto, el film es una gozada al margen de la repercusión que pueda tener. Una película que reivindica la ilusión de la navidad sin hacer recurso de la cursilería tiene bastante mérito. Es como si el director quisiera que los niños reflexionen acerca del materialismo de las fiestas sin tratarlos como idiotas, sino como seres responsables de sus acciones.

Pero además Krampus no sólo cuenta con un mensaje bonito y un par de buenos sustos. Todo el imaginario de criaturas infernales se apoya más en la artesanía tradicional que en los efectos por ordenador, haciéndonos por momentos recordar a Jim Henson y una flashback animado que sirve como guiño a las películas infantiles siniestras de Tim Burton. Qué más se puede pedir. La atmósfera tétrica consigue inquietar incluso a los espectadores más adultos y el dolor de la familia unida que va perdiendo a sus seres queridos llega a emocionar, sin olvidar por ello ciertos toques de humor. Una montaña rusa de emociones para ver acompañado... de primos, sobrinos o hijos.

La directora sutilmente alarga el relato durante varios años, anteriores a la crisis política actual, para intentar despertar a su público. Para ver que el olvido y la pereza debido a la comodidad, tienen sus consecuencias. Para que sepamos que de aquellos polvos vienen estos lodos. L'avenir es una película política camuflada que no juzga nuestras decisiones como individuos de una sociedad, sino que nos invita a la reflexión de las mismas para que podamos actuar en consecuencia.

Gran parte de la película transcurre en un aula de la Universidad de Barcelona, donde un profesor de filología imparte una lección sobre las musas. El debate que mantiene con sus alumnas es acerca de si la figura de la mujer como inspiración es un rol activo o pasivo. Así, mientras las universitarias defienden que se trata de un rol pasivo, sumiso, creado por el patriarcado; el profesor afirma que es la mujer quien controla la forma en la que inspira al varón. Para ello, pone como ejemplo máximo de esta tesis su Biblia particular, La divina comedia. Pilar indiscutible de la literatura para el protagonista, dogma a respetar por sus alumnas, esquema básico que hay que reproducir en toda creación nueva.

Esto es lo que podríamos considerar la trama principal, en torno a la que giran diálogos entre las alumnas acerca de sus propios puntos de vista, lejos de las afirmaciones del profesor. Es tal la austeridad de la grabación que uno se siente confundido al no saber si está viendo una ficción, un documental o una cámara que alguien olvidó apagar. Pero me explico, no es en absoluto un problema. El pasaje que nos lleva de golpe a Cerdeña es maravilloso y contribuye a desdibujar los límites de la ficción y el documental, lo que le vale a Guerín como revalidación del gran artista que es. El único bemol del film es que los diálogos que se suceden entre los personajes requieren un vasto conocimiento de la literatura para poder tomar parte. Además, que algunas frases recitadas cruzan los límites de la pedantería.

Teniendo en cuenta la trayectoria de Guerín, La academia de las musas sorprende por la cantidad de diálogo. Pero una vez más, Guerín no necesita las palabras. La clave de la historia viene escondida. Según avanza la película, ciertos detalles nos hacen intuír un secreto que al final se hace evidente. Una cuestión que muestra la verdadera naturaleza de los personajes y lo que se esconde detrás de estas discusiones acerca de las musas