"Hamlet", versión 1996, es como una puesta al día de lo que hiciera Lawrence Olivier allá por el Pleistoceno. Además carga con el mismo lastre, un actor empeñado por sus santos testículos de que él y sólo él puede realizar el Hamlet definitivo. A favor de la versión de Branagh, está que se hace uso del texto íntegro, comas y puntos incluidos (aunque depende de la paciencia del espectador, puede que se vuelva en su contra) que el reparto es bastante superior al de la versión Olivier y que al menos Branagh no se pone a hacer posturitas ridículamente atormentadas, si bien su conocida afición a dar saltitos y respinguitos le traiciona en alguna que otra escena.

Los nombres que jalonan el casting son de auténticas campanillas, algunos son adecuados, otros no sabemos qué hacen allí (¿Billy Crystal?) y los menos actúan bien pero les pega el papel tanto como a mí ser luchadora del pressing catch. Destacaría muy por encima del resto a una fenomenal Kate Winslet, al gran Derek Jacobi y a un sólido Richard Attenborough, además de al director barra actor.

La ambientación cambia un poco situándose en pleno siglo XIX, nada que objetar, el vestuario y demás complementos están perfectos. El cambio de escenario y la adaptación del texto tienen la bastante vida como para no poder reprocharle demasiada teatralidad a la película. En realidad los defectos en sí se encontrarían en algunos pasajes de diálogos que se leen mejor de lo que se oyen, cierta tendencia a declamar en lugar de interpretar y (esto ya es muy personal) en la muerte de Ofelia que pide...a gritos...¡al maldito Waterhouse!

Para el espectador no muy versado en el libro, quizás se haga larga y algo tediosa, sobre todo la primera parte que en esta historia es la más reflexiva. A partir del regreso de Hamlet de Inglaterra, la cosa se anima hasta llegar al satisfactorio y consabido combate, en el cual el adelanto con respecto a la versión de Olivier es muy notorio, siendo como es una secuencia espectacular (y con un desatado Branagh pegando gigantescos brincos).

Imprescindible para el shakesperiano, recomendable para el cinéfilo, evitable para el espectador de a pie.

Nadie que se interese de verdad por el cine y no me refiero al cine como entretenimiento circunstancial, sino como amor auténtico por este arte, debe dejar escapar la oportunidad de ver siquiera una obra de Orson Welles. La forma que tiene este director de utilizar la cámara como si fuera una pura extensión de su hercúlea voluntad, carece de comparación con cualquier otro director, vivo o muerto.

Cuando se ve una película de Welles, de repente todo el cine que se ve después parece ligeramente desvaído, como un color que se envía a lavar demasiadas veces.

El "Othello" que nos ocupa no es desde luego una adaptación canónica del clásico de Shakespeare. Lo primero, es la transformación perfecta de las reglas del teatro al lenguaje del cine. Nadie recita: todo obtiene una fisicidad casi obscena, ayudada por el constante acercamiento de la cámara a los rostros de los personajes. La cercanía del visor a las facciones de Otelo, Yago y Desdémona acentúan de alguna manera sus rasgos característicos: los celos obsesivos, la ruindad, la pureza. Hay escenas brillantísimas, como aquella en la que Yago envenena la mente del moro con falsas sospechas acerca de la fidelidad de su esposa: en ese momento, la faz de Otelo se refleja en un escudo y oculta la de Yago: metáfora de cómo las palabras del traidor se van infiltrando lentamente en su interior y se transforman en sospechas propias.

La forma en que Welles habla a través de su dirección es asombrosa. Mientras que Murnau era admirable por la forma en que desaparecía todo artificio mientras rodaba de modo que sus películas no parecían tales, en el caso de Welles es todo lo contrario: su personalidad se vuelca de forma absoluta en lo que rueda, cuando ellos luchan, es su sangre la que se derrama, cuando sudan, es su frente la que se empapa. Comunión entre director y película es única.

Curiosamente nunca me interesan mucho lo que cuentan las historias que dirige. No porque no estén bien hiladas o no sean narraciones apasionantes a su manera. Pero con Welles pasa que se impone el cómo al qué y el cómo es tan acojonante que el qué no puede menos que quedar en segundo plano.

Debía ser muy bueno Shakespeare para que una adaptación como ésta no consiga cargarse del todo una de sus obras más livianas, mágicas y divertidas. Ambientada en Atenas, aunque rodada en paisajes evidentemente italianos, "Sueño de una noche de verano" es ante todo, una celebración de hedonismo y en eso sí que se capta el espíritu literario al cien por cien.

Se hace pesada en ocasiones a pesar de su historia tan ligera. Esto es a causa de un desatroso trabajo con los tiempos. Por otro lado, el desfile de belleza visual y sonora es constante y compensa un poco la pobreza de la adaptación.

La mayoría del casting es en sí mismo de una belleza encantadora: Rupert Everett nunca estuvo tan macizo, Christian Bale y Dominic West regalan algún que otro destorse infartante (ambos muy buenos mozos) y para el público masculino no faltan incentivos en las hermosas caras de Anna Friel, Sophie Marceau y sobre todo, Michelle Pfeiffer en el papel de reina de las hadas, para el cual puede que no exista actriz más idónea. Todos se benefician de una fotografía luminosa y romántica muy favorecedora. Los palacios, jardines y bosques son de ensueño y los amantes de la estética prerrafaelita adorarán esas escenas de hadas y duendes con cabellos infinitos y guirnaldas de decadentes flores que rozan las aguas de los arroyos a cuya vera se inclinan para repartir espejos a las sirenas. ¡Waterhouse!

¿Fallos? Pues que más allá de lo estético, preciosísimo todo, se transforma una obra ligera en una obra totalmente banal que no aporta nada y se olvida según se está viendo, amén que el final es un puñetero coñazo.

En general Scorsese es un director que suele dejarme bastante indiferente, tanto sus obras maestras, como evidentemente obras de espíritu menor, como "Shutter Island". En este caso no se produce una milagrosa excepción.

Tampoco me ha disgustado, teniendo en cuenta el bajón que ha pegado el thriller americano en los últimos años es de agradecer que un cineasta de categoría se haya currado una muestra de género más que digna. Sin embargo, el material literario sobre el que se construye el guión es una novela de misterio de usar y tirar a la que se trata como si fuera el Quijote: Scorsese le pone tapa dura recamada en oro a un material que se hubiese beneficiado de una puesta en escena mucho menos solemne.

DiCaprio como protagonista curtido y sufridor, sigue sin dar el pego, aunque frunza mucho el ceño y cuadre exageradamente los hombros, supongo que para combatir el lastre que sigue suponiendo una eterna cara de chaval ya tirando a los cuarenta. A medida que transcurre la película parece que va tomando mayor seguridad en sí mismo y se vuelve algo más convincente. Los secundarios Mark Ruffalo y Ben Kingsley están mejor. Max Von Sydow, que aparece tal cual el malo del inspector Gadget, está cómodo en su estatus de estrella venerable de la serie B y lo de rodar con Scorsese no le parece suficiente motivo como para tomárselo muy en serio.

Hay dos o tres momentos, frases o conversaciones que podrían haber dado pie a cierta reflexión interesante, pero no van más allá de la escena ni influyen realmente sobre lo que sucede en la película, con lo que no encuentro su utilidad aparte de darle cierto empaque a la cosa.

De lo que sucede, nada sorprende demasiado, está todo bastante visto, no sólo en películas, sino en novelas de misterio, a patadas y cualquier versado en estas lides podrá adivinar sin esfuerzo el 90% del desarrollo, final incluido.

Conclusión: aunque Scorsese lo vista de seda, thriller pachangero se queda.

En una crítica titulada "El enigma sin fin" de RagingSergio, muy buena por cierto, se dice que lo mejor de Lost no es su historia sino la capacidad de haber tenido enganchado a todo el mundo mientras olvidaban otros problemas de la vida real. Eso está muy bien, pero en ese sentido entonces Oliver y Benji era una obra maestra porque te mantenía en vilo tres capítulos seguidos pendientes de un solo gol, mientras que en "Lost" tienen que inventarse cada vez peripecias más rocambolescas para mantener a la peña pegada al sofá.

Comentan mis amigos fanses que la quinta temporada, que yo no veo, es más floja que nunca. Supongo que cuentan con que la gente ya permanecerá enganchada hasta llegar al final y obtener las respuestas. Eso ya pasó hace años con "Twin Peaks" serie que hizo el mismo recorrido, para que digan que lo de esta mierda es nuevo y revolucionario. O lo dicen los muy jóvenes o más de uno tiene memoria de pez.

A mí no me engancha la cosa quizás porque no me hago las preguntas adecuadas, en cambio las cosas que me interesa saber no las dicen como si a John Locke le saldrá pelo en una dimensión paralela, o si alguna de las protagonistas esconde un turbio pasado de esteticién y es la que se encarga de dar ese look natural tan artificial que lucen, o si todo es un sueño de Resines o de David Lynch o si toda la culpa es de Sarumán que está ahora en lo alto del Caradhras echando maldiciones espaciotemporales al hijo puta que le birló el Palantir.

(O igual no me engancha porque yo tengo mi particular droga dura, que es la saga de Canción de hielo y fuego y todavía no me ha jodido con ninguna "temporada" mediocre)

¿El final? Ningún misterio. La isla es Vetusta Morla que está esperando que llegue el resto de la peña para darse un buen atracón cuando termine la siesta.

No hay lugar en el mundo donde podamos volver a encontrarnos, Mary.

Entonces, hay que buscar un lugar para encontrarnos que no esté en el mundo.

Quizás los sueños no sean sólo sueños sino que existan para mostrarme algo que de otro modo mis ojos no podrían ver.

No deberíamos haber crecido nunca, Mary. Ahora es demasiado tarde. ¿Hueles la tormenta en la lontananza?

La soñé contigo ¿recuerdas?

¡Te olvidaste los guantes, Mary!

Los sueños existen para mostrarme algo que de otro modo mis ojos no podrían ver.

Niego la ceguera. Niego lo que ven mis ojos.

Estoy esperándote, Peter.

Entonces, rechazo al mundo y elijo el jardín. Allí, preservado de la vejez, de los celos, de las penurias, de la muerte, haremos de nuestro amor un campo de juegos eterno.


("And neither the angels in heaven above,
Nor the demons down under the sea,
Can ever dissever my soul from the soul
Of the beautiful Annabel Lee.")

El que mucho abarca, poco aprieta. Pero resulta gratificante que haya alguien en el panorama del cine español que tenga tantas cosas que decir como Sánchez Arévalo. Esperemos que la arbitrariedad del público y de las subvenciones caprichosas no se las hagan tragar.

Sobran historias en "Gordos", pero las que no sobran están muy bien. Me llega sobre todo la del terapeuta que no puede hacer el amor con su novia porque le produce rechazo su cuerpo embarazado. Las interpretaciones de Enríquez y Verónica Sánchez son sentidas y creíbles y consiguen transmitir la confusión de él y el dolor y soledad de ella sin adulterar.

Por otro lado, el contrapunto cómico que es la historia de la familia de obesos, aun siendo una historia menos cercana, se salda con notable gracias a la labor de los veteranos y sobre todo de la hija chunga, desde ahora me proclamo fan de esta enorme (en todos los sentidos) actriz.

Los dilemas del homosexual con la siempre estupenda Pilar Castro, son quizás demasiado grotescos, pero hay muchos elementos rescatables y el bizarro final sinceramente me encanta.

He destacado las partes y personajes que me parecen suficientemente interesantes, no mencionaré el resto porque creo que no están tan logrados, aunque me quedo con los ojazos de Leticia Herrero (adorable personaje el suyo) y su extrañísima epifanía gordil.

Lo que más me ha gustado de la película quizás es su acercamiento a lo que conocemos como trastornos de la alimentación, a menudo frivolizados por el cine en relación con el mundo de la moda y que en realidad tienen mucho poco que ver con estar guapo/delgado y mucho con angustias y crisis existenciales que sólo podemos canalizar al exterior desde lo físico. A menudo todos sentimos que perdemos el control de nuestras vidas y sentimientos en los azares de la vida. El cuerpo de cada uno, a fin de cuentas, es lo único que se posee al cien por cien y lo único que se puede controlar sin influencias de otros. O eso creemos, hasta que se va de las manos y se vuelve una cárcel.

Hay gente que comenta que "Gordos" le ha producido empacho. Eso es buena señal. Lo preocupante es que, como en mi caso, no sólo no te llene, sino que además te quedes con hambre de más. Será que soy bulímica.

Es una obra teatral perfecta en sus más mínimos detalles. La puesta en escena, de manual, al igual que el vestuario y las interpretaciones.

Pero al final da la impresión de que lo que prevalece no es la pasión por Shakespeare sino la pasión de Laurence Olivier por verse a sí mismo interpretar a Shakespeare. La verdad es que ni siquiera lo hace muy bien. Resulta afectado y en exceso autoconsciente de su gran voz y de su perfecto talento.

En última instancia no es difícil darse cuenta de que Hamlet está muerto mucho antes de que llegue el final de la historia.

La película es super cutre, Wes Craven siempre ha sido un director mucho más interesante por sus planteamientos (requeteimitados) que por sus desarrollos (requetelimitados). En realidad, si os gusta el terror bien hecho, es más recomendable el remake de Alexandre Aja de hace unos pocos años.

Ahora bien, si preferís algo menos gore, pero más malicioso y divertido, la versión más recomendable es ésta. Al poco os encontrareis pensando qué coño harán esos putos trozos de pollo frito humanos parados en vuestro desierto. Ñam, ñam.

De la risa a la risa histérica.

De la risa histérica al mal rollo.

Del mal rollo a la angustia.

De la angustia, a la risa histérica.

Cuánto se puede conseguir...con tan poco.

Michelle Pfeiffer, cincuenta tacos, háganse cargo. Seduce a un niñato de veinte y me lo creo. Sí, travis, el niñato no llega ni a guapo local, pero en cine da el pego. Rostro anguloso y fotogénico. Te sorprenderías de la cantidad de "guapos" oficiales que sólo lo son al capricho de la lente de una cámara. Este sosias de Orlando Bloom, que en la realidad es un canijillo sin media hostia y con cara de pajarito, es un ejemplo obvio.

La película es una historieta rosa en la que parece no suceder nada relevante, salvo el amor y ni siquiera un amor trascendente entre dos seres extraordinarios, sino un amor picarón y sabio entre una cortesana ya madurita y su jovencísimo amante. Con una Belle Époque plus belle gracias a una fotografía llena de luz tamizada que hace que la Pfeiffer parezca haberse vuelto más etérea en lugar de más mayor. Confirmado lo que siempre sospechamos: esta señora tiene genes de hada.

Es cierto que "Chéri" no define bien su tono, pero a cambio ofrece una historia sutil a desgranar lenta y ociosamente en una larga tarde de invierno en la que una desea escapar a otra época, a ser posible a un verano de Biarritz en compañía de personas con buena conversación y mejor vestuario. Y la interacción y diálogos entre Pfeiffer y su chéri, es un tratado de inteligencia emocional delicioso para quienes aprecien los grandes platos repartidos en pequeños bocados.

Es evidente que esta obra ha sido trasladada desde un escenario de teatro al cine sin apenas variación y esto otorga una rigidez que a la postre resulta el único gran defecto de toda la película.

Me molestó un poco lo irritante y antinatural que resulta a veces el excesivo fluir de diálogos rimbombantes, sobre todo los que corren a cargo del personaje de Hepburn, que parece moralmente obligado a soltar una frase para la posteridad cada cinco minutos. Más trabajo de cámara y menos cháchara, quizás.

De las interpretaciones me quedo de calle con Elizabeth Taylor, que siendo menos hábil con la voz que Hepburn, resulta a la postre mucho más cinematográfica que ésta, cuya labor podría calificarse de excelente si hubiera estado declamando en un teatro.

El final es una monstruosidad, lo mejor sin duda.

Últimamente en esta web se está insistiendo mucho en la diferencia entre obra maestra y obra de culto y en los porqués de que un concepto rara vez incluya el otro. Digamos que una obra maestra, un diez indiscutible es una obra en la que todos los elementos funcionan como es debido, para resumirlo rápido y mal. Una obra maestra puede fascinar y sobrecoger, pero esta fascinación y este sobrecogimiento provienen del hecho de la "redondez".

La obra de culto es una especie más rara. Se trata de las películas imperfectas, en las que nada funciona o nada está hecho como mandan los cánones y que sin embargo provocan un efecto tanto o más poderoso del que provocan las obras maestras. Con obra de culto no me refiero a bodrios con cinco fans histéricas como puede ser "Begotten", me refiero a obras de culto que han acabado llegando a las masas, como por ejemplo la siempre fascinadora "La noche del cazador" o la inmensa "Centauros del desierto".

Sin ser una obra maestra pero reuniendo muchas papeletas para ser obra de culto, "El último amanecer" se muestra como un western extraño, sumergido literalmente en amarillos y naranjas cuya artificiosidad crea una atmósfera única, entre desierto teatral y cuadro de Van Gogh; a estos raros colores se le suman unos personajes fuera de contexto, arrebatados de una novela decimonónica inglesa, con sus soterradas y retorcidas pasiones...el heredero insatisfecho, la insinuación de incesto, el retorno del héroe pródigo...

La mezcla es única. El director la ejecuta con total seguridad en sí mismo, a pesar de las obvias contradicciones entre escena y escenario. Los actores se prestan al juego con fe ciega: Kirk Douglas está soberbio pero aún mejor destacan Rock Hudson y las chicas, madre e hija. La primera es fuerte porque ha sufrido y la segunda es fuerte por lo que tendrá que sufrir pero en ningún momento estas mujeres, que han subsistido sin hombres en el marco salvaje del Oeste, pierden un ápice de feminidad y plantan cara a lo que ha de venir con temple, voluntad de hierro y sin un solo pelo dorado fuera de su sitio. Muy al contrario que las bolleras de postín que algún que otro director pone al frente de un western sin percatarse de que la fuerza es una cualidad sin género y que no es necesario otorgar tributos masculinos a una mujer para que nos convenzan de que tiene carácter.

El visionado de "El último atardecer", sin duda una experiencia interesante.

Las hadas son reales y prueba de ello es la existencia de Irlanda.

Es una tierra tan difícil de definir, como fácil de amar. Muy verde, claro, pero también violeta de brezo y negra de turba. En algunos parajes, pareciese que el progreso no hubiera hecho mella alguna, conservando valles y ríos que se adivinan milenarios, que permanecen tal y como debieron ser en tiempos de dioses, tumbas y héroes.

Hay lugares de nombres que diríanse inventados: Calzada de los Gigantes, Carryfergus, Drogheda, Ballymena o Roscommon; el gaélico irlandés, intricando como una talla céltica, es el idioma más bello del universo, por lo que no puede proceder del hombre, sino de algún tipo de raza infinitamente más delicada. Es por esto que la existencia de Irlanda demuestra que las hadas son reales.

Mientras que otros lugares invariablemente difieren de la imagen que se abriga sobre ellos antes de conocerlos, la isla más verde del mundo no sólo no decepciona, sino que captura bajo su hechizo a propios y extraños con ese halo particular, esa individualidad extraña que la sitúa en un punto fuera del alcance del tiempo y el espacio. Irlanda, al igual que Gales, es uno de los escasos lugares que quedan en el mundo que han conseguido conservar su raigambre mítica: el paganismo brota con naturalidad del seno de sus gentes y lugares y músicas, de modo que a pesar de los dioses que vinieron después, hay un espíritu atávico al que todo el mundo, de forma silenciosa, parece rendir un tributo vital. Es por eso que las hadas existen, puesto que en Irlanda todavía perviven sus deidades.

Es difícil captar el espíritu de un lugar así en una película. "El secreto de la isla de las focas" lo consigue y desde su inicio, consigue la proeza de traer a la memoria los olores y sonidos de la tierra de las hadas. Su hermosa fábula sobre selkies que crían niños perdidos en el mar no tiene tanta magia como el brutal poder evocador que desprenden sus imágenes, su poesía y su música.

Películas así sólo pueden surgir de estados mentales que algunos llaman países. Es por eso que las hadas son reales, ya que Irlanda existe sólo para corroborar la veracidad de este hecho objetivo.

La pirita es un mineral que se compone a partes casi iguales de azufre y de hierro y cuyo aspecto de caras metálicas y doradas la convierte en una prima hermana, casi idéntica a la vista, del oro: por esta razón, a la pirita se la conoce también como "oro de los tontos".

En "La fuente de la vida" hay mucha pirita que parece oro. Cuesta distinguirla porque también hay vetas de oro auténtico y en un primer vistazo, casi parecen formar un todo. A medida que avanza la película, sin embargo, los dos materiales empiezan a disgregarse el uno del otro, a ser fácilmente distinguibles. De manera inesperada, todo parece conducir a una conclusión redonda: la veta maestra.

Pero hay que armarse con picos, ya que la veta está enquistada en lo más profundo de esta película, película extraña, imperfecta, herida de muerte por sus propias pretensiones, oro, pirita, llámalo x: material estelar incandescente que transido por su propia naturaleza de inabarcable, se desangra por mil heridas. Y lo poco que queda, es la polvareda que levantan a su paso las obras maestras que podrían haber sido y nunca fueron.

Todavía no he decidido si esto es una ida de olla ridícula pegada a una historia maravillosa o una historia ridícula pegada a una ida de olla maravillosa. Sea lo que sea, que cada uno saque sus conclusiones.

"La carretera" desde que inicia ya suena a algo ya visto, mascado mil veces y en suma, aburrido por lo sabido. Como drama, carece de enjundia, como película apocalíptica, carece de espectáculo: no deja interés en reflexionar sobre lo visto, a pesar de que su machachona insistencia moral lo intenta en prácticamente cada escena y cada conversación. Su opción por no explicar el origen del apocalipsis que asola el mundo es un quiebro acertado pero si elige la elipsis ¿cuál es el motivo de esos flash-backs explicativos sobre un personaje (la madre) que no tiene la menor incidencia dramática? Si los personajes han de salir de la nada, que sea la nada absoluta.

Dos o tres escenas derrengadas sobre un fondo largo, gris y deprimente. Viggo Mortensen, inexpresivo. El personaje del niño, inexplicable: un niño cuyos ojos han visto todo el horror del mundo, cuyo día a día es una constante sucesión de huidas y peligros...y no puede parecer más atontado. Quizás deberían darle lecciones los Goonies, que no estando expuestos a tantos peligros, andaban mucho más espabilados para estas lides.

Se insiste mucho sobre la dicotomía entre buenos/malos a las que el niño se agarra para conservar un mínimo de fe en la humanidad. La idea está bien, pero los diálogos que la secundan están hechos de un material muy pobre: envidio a los que hayan podido sacar partido de tan escasa materia prima, yo no he podido. Hay que destacar el penoso uso de una fotografía impactante que a la postre resulta ser una sucesión de preciosas estampitas postapocalípticas a las que el director no les da más uso que el meramente estético. El desaprovechamiento de lo visual es una lástima. Existen escenas en las que la cámara se detiene sin necesidad (Mortensen en la casa, sentado en el sofá) y otras -como las del triste inventario humano de la playa- sobre las que se pasa de puntillas y sin apenas detenerse.

Se podría destacar como inserto perturbador el encuentro de los protagonistas con los hombres convertidos a un cruel canibalismo si la escena no pareciese haber sido trasplantada directamente del remake que hizo Aja de "Las colinas tienen ojos". La sensación de déjà-vu, súbita e ineludible: ambas escenas son casi idénticas. No sé si es intencional o no, pero el haber visto lo mismo con anterioridad, provoca que la situación pierda gran parte de su impacto.

"La carretera" tenía todas las papeletas para ser una película admirable, salvo una: Hillcoat. Uno de esos directores malos que ruedan pensando que son buenos. No basta con tener los recursos: hay que saber utilizarlos. Él y sólo él, se encarga de destruir su película.

Es habitual en los museos de arte modernillo el encontrarse de tanto en tanto con alguna instalación absurda cuyo eje central es un vídeo raro. Es un momento que todos aprovechamos (y no tratéis de negarlo, que os veo) para sentarnos en la banqueta que suelen poner, no con el objetivo de deleitar imponentemente nuestras psiques y subconscientes, sino para reposar los pies después de la caminata previa. El arte moderno es muy cansado: necesitas al menos veinte minutos por cada obra que se dividen en:

- 1 minuto para distinguir si es una obra o el gotelé del techo.
- 4 minutos para tratar de dilucidar qué diablos estás viendo.
- 15 minutos para tratar de encontrar las razones por las cuales dicha obra está expuesta en un museo.

Con lo que la banqueta y el vídeo raro de rigor, son imprescindibles para el sufrido adalid del arte moderno.

Lo chungo de "Begotten" es que te lo ves en casa sin la excusa del cansancio y cuesta Dios y ayuda permanecer allí la hora y pico que dura la mierda ésta. Una sucesión de imágenes rarunas, narradas a ritmo de procesión, sin el menor sentido argumental o estético y aún encima rodadas de la forma más fea y mal hecha posible. Ahí se ve la importancia de un buen fotógrafo para sostener una película que tiene en su imagen el único vehículo de expresión y no es que por aquí pasara precisamente Sven Nykvist, más bien parece que fue mi tía Conchi con la Nikon de los chinos.

Que síiiii que es muy rarita y original...pero hombre, si esto parece más un álbum de cromos de la pandilla Basura que una película. ¡Ay, omá qué cutre!

"Dante's inferno" al parecer es una especie de película promocional para acompañar el lanzamiento de un videojuego de mismo nombre para la Play. Su naturaleza complementaria no quita que se haya puesto todo el cuidado en una producción que si se destaca por algo es por el excelente nivel de la animación. La trama, imagino, que será idéntica al videojuego: Dante, un cruzado, entra en el infierno guiado por el poeta Virgilio en busca de su amada Beatrice, cuya alma ha sido reclamada por el demonio. Al igual que en la Divina Comedia, Dante deberá atravesar los círculos de los condenados y en lo que se adivinan serán las cinematográficas del videojuego, este personaje deberá enfrentarse a sus propios demonios, que encarnan acciones que hizo en el pasado.

Destaca como ya dije la calidad enorme de los dibujos, con escenas muy bellas (como las de las cataratas) y un desarrollo que empareja la psicología del personaje con su deambular por los círculos en los que le esperan los monstruos de la ira, la lujuria, la gula o la soberbia...Cuidado...el que se haya leído la Divina Comedia tendrá acidez de estómago para el resto de su vida.

En general se puede ver, recomiendo eso sí el que todavía no haya empezado con el videojuego que la deje para después, más que nada porque si es como me imagino, que la trama es la misma, el juego te lo destripan entero. Aseguro en todo caso un rato entretenido de yoyas y deleite visual, que es de lo que se trata.

Pues resulta que los soldados ya no son heroicos, dice Bigelow, son "adictos a la adrenalina". Si querían una campaña para que los niñatos flipados fueran a apuntarse en masa al destino iraquí, no podrían haberlo hecho mejor: ahora, a la lista del puenting, snowboard, escalada en glaciar y demás chorripolleces para sentirse vivo, vamos a añadir "desactivar bombas bajo la mirada de un montón de iraquíes que están rezándole a Mahoma para que explotes y te mueras a ser posible llevándote por delante a cuantos más de tus compañeros mejor".

Como nuevo deporte de riesgo de moda, está de puta madre y no me cabe duda que será mucho más efectivo que la vieja táctica de presentarnos unos héroes a los cuales admirar...de lejos. La gracia es que Hollywood no acaba de dar con la verdad: que la mayoría son chavales sin oficio ni beneficio que se meten al ejército porque es un modo sencillo de ganar pasta sin haber estudiado. Ni héroes ni pilotos de Fórmula 1, vaya.

Lo demás de la película que no son las escenas de acción (por cierto, excelentes), es morrallica, desde la relación entre los soldados que son unos palurdetes como suele pasar pero te sueltan de vez en cuando una reflexión que ni Dovstoieski hasta esa clásica escena con mujer y niño que debería estar prohibida en cualquier película bélica. Sí, ya sé yo que el soldado Ryan de turno tendrá hijos, padres, abuelos, casita con jardín y un encantador settler irlandés llamado Bobby, no me los presentes, gracias.

Por demás, las multinominaciones a los Oscars son absurdas para lo sosa que a la postre resulta la película, pero bueno, vista la competencia, no me extraña.

Llevaba detrás de esta serie desde hacía algún tiempo, no exactamente porque tuviera referencias de ella, sino porque di con la banda sonora de casualidad y desde ahí tiré el hilo hasta llegar a la fuente.

Es una serie de tres capítulos que por desgracia parece inconclusa. Digo por desgracia, porque es una historia interesantísima, con un trasfondo muy atractivo de guerras entre Dios, demonios y ángeles rebeldes, algo que supongo que se desarrollará en un manga de trescientos volúmenes, como suele ocurrir y que paso por completo de leerlo.

Por esta razón, la serie parece estar contada a trompicones y resumiendo a toda pastilla situaciones y personajes que en el presumible manga original estarán explicadas con todo detalle. Aun así, la historia (acelerada) del ángel reencarnado en un joven que está enamorado de su hermana es lo suficientemente atractiva como para merecer un visionado. Un plus es la ambientación oscura y romántica que seducirá sobre todo a los amantes de sagas como Vampire Hunter.

Dada la fecha de realización de la serie y que no parecen existir nuevas tentativas de ampliarla o hacerla en condiciones, hay que conformarse con estos fragmentos que nos han dejado. ¿Suficiente? Juzgad vosotros mismos.

Una película romántica con un punto de partida interesantísimo: el protagonista padece una extraña enfermedad que provoca que viaje en el tiempo cuando menos se lo espera. Cuando viaja en el tiempo, la ropa que lleva no viaja con él, lo cual ofrece la inestimable ventaja de verle mucho el culo a Eric Bana, actor del que no se puede decir precisamente que no esté en forma.

Por demás, se trata de una historia muy tierna, con unos protagonistas encantadores (Rachel McAdams va camino de convertirse en próxima reina del género rosa) y esa subtrama entre fantástica y trágica que sirve de necesario contrapunto para el derroche de amorrrrr que inunda la pantalla cuando nuestra pareja se arrejunta.

Personalmente, el libro me gustó sin entusiasmarme: la historia valía la pena, pero le faltaba emotividad. La película también me gustó sin entusiasmarse: le sobra emotividad, aunque la historia también vale la pena.

No es una obra maestra y si no te va mucho el drama romántico, no vas a descubrir la cuadratura del cículo -o del corazón- pero teniendo en cuenta lo maltratado que está el género en los últimos años, los que disfruten de este tipo de películas tienen una pequeña e interesante cita en el tiempo con "The time traveler's wife".

P.D.: La traducción del título al español es un crimen.