Estoy tentado de calificar esta película como de ciencia ficción pero me pregunto ¿Donde está la ciencia?. Débil memoria la mía, pues casi olvidé la lección magistral que el espectador recibe en medio de la cinta. Eso de los planos temporales que se doblan ó del río que discurre.

Bueno, sin más ironías, de la película sólo salvaría a Denzel Washington y eso por su trayectoria profesional (que por cierto ya anda un poco tocada, vease sinó A contrarreloj). De todo lo demás solo son digeribles las palomitas.

El tema de los viajes por el tiempo ha dado lugar a muchas películas con mayor ó menor éxito pero, sinceramente, de las que recuerdo esta es la peor. Hasta Paycheck con todas las críticas negativas tanto a su trama como al inescrutable rostro de Ben Affleck supera ampliamente a Deja vu. Al menos la trama, aunque sumamente fantástica, podría ser creíble desde el punto de vista de la ciencia ficción. La propuesta de Paycheck es el cambio de un futuro con máquinas que permiten verlo a otro más normal sin maquinitas y sin los problemas añadidos que se originan por la propia existencia de estos artefactos. Incluso debe reconocerse cierto ingenio al guión.

En Terminator se acude al pasado para modificar un presente (las maquinas tratan de impedir un nacimiento) y además entre ese pasado que se modifica y ese presente que va a resultar afectado, transcurren varios años, con lo cual la historia no pierde verosimilitud. Siempre desde la óptica de la ficción.

Otras películas como Regreso al futuro ó El tiempo en sus manos (La máquina del tiempo) nos ofrecen planteamientos ingeniosos y agradables de ver.

Pero esta es la primera ocasión, que yo sepa (y reconozco tener muchas lagunas) en que se acude al pasado para modificar el propio pasado. Y esto a mi juicio es infumable.

¿Como puede entenderse que no haya visto lo visto? Vamos que, si Tony Scott después de darse cuenta del bodrio que acaba de realizar vuelve atrás, lo desmonta todo y cuando retorna al presente, nada de todo ello ha sucedido y él, claro está, no recuerda nada.

Tal vez el problema esté en mi, que no debí entender muy bien la clase de Física.

Bueno, comiendo palomitas, se puede pasar una tarde entretenida. Eso si.

Podrán pasar los años, cambiar las costumbres y las modas, pero la niñez seguirá siendo la niñez, con su propio decorado, con los inmutables hilos sobre los que se teje: la escuela, la familia, los amigos, los sueños. Y estos son precisamente los elementos claves sobre los que François Truffaut construye su película.
El delito no es más que una consecuencia de circunstancias adversas, una tela de araña que con tales hilos forja el destino ó la casualidad.
La pregunta que Truffaut nos está formulando es : ¿Quién es el verdadero culpable?, ¿Es Antoine Doinel?, ¿Su maestro?, ¿René?, ¿Sus padres?.
A mi modo de ver, el verdadero valor de la película reside no tanto en desentrañar culpabilidades sinó en la forma en que se nos muestra el viaje hacia la vida, con el mar como símbolo de perfección. Un viaje que la propia vida convierte, como en este caso, en odisea.
Se percibe en la técnica cinematográfica aplicada porTruffaut un cierto academicismo, tal vez fruto de los propios orígenes del director francés y también un regusto autobiográfico que resta algo de objetividad al tema, pero en cualquier caso, ambas circunstancias confieren un valor diferencial al film.
En resumen un buen trabajo, justamente premiado que invita a reflexionar sobre la educación, no solo la académica, sino también la familiar y la que reciben los jovenes del propio entorno social. Esa educación que es el único legado que podemos dejar a nuestros hijos.

Me considero amante del cine, ciudadano del mundo y siempre un segundo por detrás del tiempo en el que me gustaría vivir. Se también que existe el bien y el mal, la dominación y la esclavitud y percibo todos los días que me rodean sentimientos como la angustia, la soledad, la ambición ó el fanatismo, entre muchos otros.
Pero cuando el cine se sostiene sobre la ingravidez de los sentimientos, sobre la intuición, sobre la sospecha ó sobre la interpretación de las voluntades más ocultas, reconozco en mi una cierta incapacidad para la valoración de la obra que se me está mostrando.
Es probable que Losey diseñe su película pensando en espectadores como yo. Que no pretenda que sepamos sinó que creamos saber. Y esto es lo que sucede con El sirviente, que creemos saber cuando no sabemos. Que al final nos damos cuenta que las realidades que hemos ido atesorando durante el visionado la película no tienen valor alguno. Que lo único cierto es ese poso que nos ha dejado imperceptiblemente.
Tal vez sea necesario visionar de nuevo la cinta, olvidándose de la realidad, para ir asimilando, como el que degusta un buen vino, todos y cada uno de sus mensajes.
Probablemente de esta forma cambiemos nuestro desconcierto por un concierto sicológico.

Película a la que se cortaron unos 40 minutos finales. La verdad es que el tramo final de la película discurre demasiado deprisa. Eso se nota y le resta brillantez.
Es una película de Welles y como tal hija de un magnífico cineasta, maestro de los enclaves de cámara y de la fotografía, hombre de cine y para el cine. No obstante, no resiste una comparación seria con Ciudadano Kane, al menos en su versión desgraciadamente mutilada.
Destacable la interpretación de Cotten. Anne Baxter y Dolores Costello, bien. Mención especial para Agnes Moorehead, sublime especialmente en la parte final del film.
En resumen, un buen retrato de una adinerada pero decadente sociedad, mutilada igual que el final, por la tijera de un desarrollismo industrial incipiente.
Un buen guión para Welles pero con una mala productora.

Excelente película con el único defecto de un final demasiado convencional. No voy a desvelar aquí la identidad del culpable pues como toda película policíaca que se precie ese es el interrogante que da sustento al film, pero debo decir que esperaba mayor originalidad en las secuencias finales.
No obstante, reitero que es una excelente película con un buen reparto de actores entre los que cabe destacar a Dana Andrews en su papel de detective rompiendo los estereotipos del género, un tanto a lo Marlowe.
Impagable la presencia de Judith Anderson, la inolvidable ama de llaves de Rebeca. Su papel, aunque secundario, confiere un algo más a la película. La escena del aseo de señoras es buena prueba de ello.
La belleza de Gene Tierney, el buen trabajo de Clifton Webb y el saber hacer de Vincent Price, hacen que esta pelicula sea de visión obligada para los cinéfilos.
Y sobre todos ellos, el retrato de Laura.

El buen hacer de Billy Wilder está presente en toda la película. Audrey Hepburn está muy en su papel, que por cierto recuerda muchísimo al de Ariadne. Y sin embargo, no... Hay bastantes cosas que no encajan. No encaja Bogart en su papel de hombre de negocios ni William Holden en el de rico vividor y mujeriego. No son creibles.

La calidad de Wilder está por encima de toda sospecha. Comedias como El apartamento ó Con Faldas y a lo loco son de lo mejor que nunca se hizo en cine, pero Sabrina queda a mucha distancia. Incluso la casi desconocida Ariadne, a mi juicio, la supera.

No obstante, considero oportuno decir que Billy Wilder es y seguirá siendo uno de mis directores de cine preferidos. Quizás porque soy consciente de su genialidad le exijo más que a otros. Pero esta vez no. Esta vez no me lo dió...

A diferencia de los géneros cinematográficos que tratan de captar el interés del espectador mediante el suspense, la intriga ó la crítica social ó que utilizan efectos especiales, persecuciones ó escenas cargadas de violencia ó de erotismo de alto voltaje, comedias como ésta nos seducen únicamente por una trama tan ligera como embriagadora. Como una copa de un fino licor que poco a poco se adueña de nosotros.

Seguro que el argumento es algo ñoño pero la mano de LeRoy mueve los hilos con tanta maestría que en cada centímetro de película encontramos un motivo para la sonrisa. Y eso precisamente es lo que debe conseguir una buena comedia.

Vista más de 70 años después, sorprende la ligereza del vestuario. Probablemente la censura diera buena cuenta de ello en España. Pero no es esta la única sorpresa. Solo diré que viendo la coreografía de los violines exclamé: ¡Genial!

Es un documental disfrazado de película, tanto que en muchas de sus secuencias nos parece estar viendo los antiguos NODOS. Rossellini nos muestra múltiples realidades cuya única conexión es la convivencia y la camaradería con las fuerzas de ocupación americanas. Pero es una conexión un tanto debil, de forma que nos parece estar pasando las hojas de un libro de imágenes sobre la 2ª Guerra Mundial.
No obstante, consigue lo que pretende, mostrarnos la ansiedad de un pueblo por la liberación tal como se refleja en las palabras de Francesca al soldado "¿Porqué habéis tardado tanto?".
Juzgando la película en su tiempo y en su entorno no dejo de reconocer su valor y mérito pero entendiendo el cine como el arte de provocar sentimientos en el espectador mediante imágenes, estos sentimientos quizás habrían sido mas intensos y duraderos utilizando las técnicas habituales del llamado séptimo arte.

Me reconozco un fan de Woody Allen. Desde sus primeras películas. Desde aquella comicidad surrealista y distinta. Me ha hecho reir y también ha conseguido sacar de mi esa vena sensible.
Es cierto que, igual que todos los genios, ha tenido sus sombras y su niebla, pero gracias a Match Point me he reencontrado con el Woody que siempre amé. Y todo gracias a la gravedad de ese instante que convierte una película más de maridos y mujeres, de matrimonios de conveniencia y pasiones ocultas en una obra magistral.
Aunque no se hayan visto los títulos de crédito se puede afirmar sin ninguna duda: " Esto solo se le pudo ocurrir a Woody Allen".
Chapeau.

Esta película es, la escalera de Odessa y lo demás. Si lo demás es bueno, la escena de la escalera es una genialidad, magnífica obra maestra que se seguirá viendo en los años venideros con la misma expectación. tensión y rabia contenida con que la hemos visto hasta el día de hoy los amantes de este hermoso arte.
Y bueno, no olvidemos la rotundidad y expresividad de cada gesto, de los marineros, de la madre con el niño y tantos y tantos actores anónimos. Es una película de masas, de masas humanas que no pueden más, que no tienen más salida que la revolución, aunque la muerte aceche en cada peldaño de la escalera.
Un fuerte aroma de propaganda quizás haya sido el motivo de una menor valoración.
No es una película para intelectuales sinó para gentes sensibles.

Las películas son, sobre todo, hijas de su director. Es cierto que en su concepción intervienen factores que podríamos llamar externos, tales como guión, música, fotografía ó incluso la interpretación de los actores. Esto, siempre es cierto. Pero los films de Fellini son inequívocamente hijos suyos.

Federico Fellini nos mueve a su antojo por una Roma que rebosa antigüedad y belleza. Y nos muestra esa Roma para al mismo tiempo mostrarnos otra, la Roma de una clase social ociosa y depravada que busca fantasmas en palacios cerrados, que hace de lo mezquino noticia.

Fellini podrá gustar o no. Pero Fellini es Fellini. No hay otro como él. Lo aceptamos como es o lo dejamos. Y yo lo acepto.

"La dolce vita", al igual que "8 y medio" nos muestra un retablo de vacíos. El vacío existencial y profesional de Guido Anselmi en 8 y medio se transforma aquí en el vacío de una sociedad adinerada que trata de sobrevivir con farsas y fantasmas a su propio declive.

El vacío de la prostituta, el vacío de Marcello, el vacío de Maddalena (Anouk Aimée). Vacíos incluso disfrazados de plenitud como el de Sylvia (Anita Ekberg). Por cierto ¡que magnífica escena la de la Fuente!

Personajes y vacíos que han resistido bien el paso del tiempo. En realidad no se alejan demasiado de los que hoy en día buscan su ser o no ser entre las bambalinas de programas de televisión mediocres, vacíos y adocenados, donde la calidad se supedita a los índices de audiencia. ¡ Así nos va!..

Dos geniales interpretaciones, Daniel Day-Lewis y Brenda Fricker, pero echo a faltar un tercer Oscar, uno para el pie izquierdo. Porque ¿puede alguien negar la genial actuación de ese pie izquierdo? Y voy mas lejos, propongo un Oscar para todos esos pies izquierdos o derechos y para todas esas bocas que nos dejan obras de mayor o menor belleza pero que siempre son un ejemplo de superación y de supervivencia ante tan terrible enfermedad.
Un argumento real como la vida misma y una interpretación de Day-Lewis, estudiada, trabajada, creíble y sobre todo repetuosa con los afectados de este mal, hacen, que el cine, a través de esta película, sea un elemento clave para conocer y comprender la problemática de la parálisis cerebral dentro de la sociedad en que vivimos.
En este contexto, dirección, música y fotografía, aún siendo excelentes, no dejan de ser tan solo un medio para encauzar la fuerza de la historia.
Eso si, mención especial para Brenda Fricker. Representar a la madre de un discapacitado no es fácil ni mucho menos. Pero ella lo consigue. Lo borda.

Debo reconocer que el género de terror nunca estuvo entre mis favoritos. Fundamentalmente porque entiendo que una película de terror debe causar precisamente eso y si no lo consigue, el efecto producido suele ser el contrario.
Carnival of Souls no me aterrorizó ni tampoco creo que en 1962 lo hubiese conseguido, pero eso sí, me parecieron interesantes muchas de las ideas que Harvey y el guión de John Clifford nos proponen, tales como esa sutil línea divisoria entre el mundo de los vivos y el mundo de las almas ó ese desconcierto que, como espectadores sufrimos, aún intuyendo cual es el verdadero sentido de la historia.
El detallismo con que cada gesto es tratado es uno de los valores destacables de esta producción, realzado por una fotografía en la que nada es dejado al azar. La escena del sofá en el apartamento de ella, donde la mano de él no ocupa un lugar casual, ó el rostro absolutamente expresivo de la casera cuando Mary le habla de sus visiones ó el sacerdote indignado por la sinfonía que Mary interpreta en el órgano, son algunas muestras de ello.
Y como telón de fondo, el carnaval de almas, en el silencio de un parque de atracciones...¿vacío?

Este film es de visión obligada para todos los amantes del cine. Una auténtica obra maestra. Un incunable del séptimo arte.

Erich Von Stroheim fué un adelantado a su época. Pero no unicamente 10 ó 20 años como él mismo decía sinó todo un siglo. Avaricia es un prodigio de imágenes y de símbolos entrelazados. Nada es casual. Cada fotograma tiene su propio e intrínseco valor. Cada gesto tiene su preciso significado. Nunca el cine mudo tuvo tanta expresividad.

Es doloroso constatar la mutilación a que fue sometida esta película. No obstante, gracias a la versión reconstruida, podemos hacernos una idea de la magnitud de la obra original. Y lo que vemos más lo que imaginamos conforman un todo que ningún cinéfilo debe perderse.

Es imposible destacar escenas, porque todas y cada una de ellas tienen valor por si mismas. Nos hablan por si solas desde la mudez del medio. Los pájaros y el gato, la escena de la boda (absolutamente perfecta en todos sus detalles), la huida en el desierto, los brazos y las manos que se alargan en pos del oro...

En definitiva, un motivo más y rotundo para amar el cine.

Gracias señor Stroheim.

El cine,con los años, se ha ido enriqueciendo de efectos especiales, de planos y escenas que no hubiesen sido posibles sin la aportación de la informática. Pero esta película es cine en estado puro... donde lo que nos interesa no es una espectacular persecución de coches ó una caída libre sobre la cordillera del Himalaya.
Aquí, lo interesante es Paul Muni, la historia que escenifica para nosotros. La crítica que supone del sistema de justicia de un país que presume de avanzado en lo social. La crítica de una clase política absolutamente cínica y falsa. La crítica incluso de una sociedad y de un llamado cuarto poder que contemplan casi indiferentes el drama de un hombre que trata de redimirse con esfuerzo de un delito que no cometió.
Desconocía que esta película supuso cambios en el sistema carcelario estadounidense. Es un fantástico epílogo a una producción que consigue lo que pretende, denunciar el sistema de "injusticia "y oprobio de los años de la depresión.
Y lo consigue sin alardes. Solo con cine en estado puro.

Wajda nos muestra una época de la historia polaca donde una gran parte de la población intenta simplemente sobrevivir mientras otros se embarcan en un desarrollismo industrial en el que lo único que importa es la producción. El beneficio por encima de las vidas humanas. Incluso el amor queda supeditado al interés.
A destacar la crudeza con que Wajda nos muestra la muerte en un entorno de religiones encontradas, de rezos y usuras, de palacios y hambre.
La fotografía, magnífica, y la música, son dignos complementos de la mano maestra de Andrzej Wajda.

Excepcional película que destaca fundamentalmente por la grandísima interpretación de Katharine Hepburn y de Peter O'Toole. El Oscar se lo llevó ella pero él estuvo nominado y obtuvo otros premios como el Globo de Oro por su labor. El trabajo de estos dos monstruos del cine se vió fortalecido por unos diálogos espléndidos, llenos de fuerza, de ironía e incluso de humor. La música también nos subyuga desde el primer momento.
Resulta sorprendente, en una película medieval, la carencia casi absoluta de gestas, batallas y torneos. Es una película histórica porque se desarrolla allá por el siglo XII y porque sus personajes existieron en la realidad, pero el verdadero tema de fondo es intemporal: la ambición.
Recomendable sin ninguna duda.

La pasión de la ópera italiana se desborda en este film de Visconti arrastrando los sentimientos de una mujer (Alida Valli) cuyos sentimientos van "in crescendo" arrastrando sus principios, su patriotismo e incluso su propia vida.

El tema del engaño no es patrimonio exclusivo de la ópera ni siquiera de la filmografía italiana pero no cabe duda que el carácter apasionado latino le confiere una singularidad especial.

Visconti mueve los hilos con maestría contando con una Alida Valli excepcional (en la escena junto al teniente y la prostituta está sencillamente suprema) y un Farley Granger especialmente insulso y gris.

En resumen una película que si bien por su argumento no aporta mucho, nos impacta por la intensidad y la fuerza del sentimiento herido.

Fellini es la película. La película es Fellini. Su universo. Sus sueños. Su fantasía. Su surrealismo. Buscamos un guión ó una trama y nos encontramos a Fellini. Tal vez no acabemos de comprender pero ¿comprendemos a Fellini?. Secuencias inconexas pero encadenadas en el universo felliniano. Puede gustar o no pero nadie podrá negar la originalidad y la diferencia.
Un Mastroianni genial bien arropado por un magnífico reparto y una música que se convierte en un actor más de la película son algunos de los motivos por los que todos los cinéfilos deben verla.
Que guste o no... Esta será otra historia.

Reconozco que las peliculas de terror nunca me interesaron demasiado. No obstante me sentí atraido por la consideración de obra maestra que algún manual daba a este film. La pluma de Poe era también un atractivo a priori. Pero me dejó cierta decepción. La dirección de Corman es buena, el trabajo de Vincent Price también podría destacarse. Los decorados están conseguidos. La iluminación con sus colores intensos dominando el rojo y el amarillo es de lo más reseñable. Pero al final te queda el sabor del desencanto. Y de terror, nada de nada. Sinceramente me produce mas terror la lectura de las obras de Edgar Allan Poe.