Igual que sucedió en "Laura" en esta película vuelven a sumarse la belleza de Gene Tierney, la profesionalidad interpretativa de Dana Andrews y el buen hacer en la dirección de Otto Preminger. Sin embargo, el resultado final es bien distinto. "Al borde del peligro" no alcanza a "Laura" ni de lejos.
Dana Andrews sigue siendo detective, pero le falta sensibilidad y Gene Tierney sigue estando igual de bella pero le falta misterio.
Quizás estoy incurriendo en el error, inevitable por otra parte, de comparar ambas películas. Y claro, de esta comparación siempre sale ganando "Laura". Esto hace que "Al borde del peligro" sea una película injustamente subestimada.
Abstrayéndose de comparaciones, encontramos muy buenos trabajos interpretativos (disfruten del profesional como la copa de un pino que es Karl Malden), buena fotografía en blanco y negro, momentos de tensión y suspense francamente notables y un desenlace que, dentro de lo previsible que resulta no carece de cierta singularidad.
¡Ah! y disfruten de una de las mujeres que unánimemente ha sido reconocida como de las más bellas del cine, que es lo mismo que decir del mundo.

Resulta del todo sorprendente que hasta el día de hoy nadie haya escrito nada, en esta página, sobre esta película, especialmente si consideramos que es el fruto de la unión de dos auténticos genios cinematográficos como son John Ford y Mervyn LeRoy. Y también debemos tener en cuenta que fué nominada al Oscar a la mejor película y que Jack Lemmon consiguió el Oscar al mejor actor secundario.

Les diré que mi grado de satisfacción con este film fue "in crescendo". En sus primeros compases, Escala en Hawai me pareció un film vulgar, uno más de tantos como se produjeron en los años posteriores a la conflagración mundial y no me hubiese sorprendido nada ver aparecer a Bob Hope con un collar de flores rodeándole el cuello. Pero no. La película no va de eso, no señor. La película trata de un personaje singular como es Mister Roberts, oficial de un buque mercante norteamericano, interpretado dignamente por Henry Fonda, al que vamos conociendo a lo largo de las dos horas que dura esta cinta.

A conocer a Mister Roberts nos ayuda el resto de oficiales (Jack Lemmon, William Powell), el propio capitán del barco (James Cagney) y absolutamente toda la marinería del buque. Y, a medida que lo conocemos y en ese "in crescendo" del que hablaba antes, nos solidarizamos con él al mismo tiempo que, igual que él, nos rebelamos contra las injusticias y tiranías de un extravagante capitán que Cagney borda.

Por cierto, no acabo de entender porqué el título traducido de "Escala en Hawai" cuando Mister Roberts no sólo era su título original, sino que además era perfectamente entendible y completamente representativo.

Y así, cada vez más metidos en la película, cada vez más en la piel no sólo de Roberts sino también de los demás, llegamos a un final que... digamos, por no descifrar misterios, es el que debe ser.

Buenas interpretaciones, buena dirección, buena fotografía, hermosas y coloridas puestas de sol... Todo muy bien. Pero hagamos un punto y aparte y abramos capítulo para Jack Lemmon.

Si la interpretación se llevase en la sangre no me cabe duda que Jack Lemmon sería uno de sus ejemplos más contundentes. Por sus venas seguro que "circulan": "El apartamento", "Con faldas y a lo loco" "En bandeja de plata", "Avanti", "Desaparecido" y tantas otras interpretaciones geniales.

Es curioso que obtuviese este Oscar al mejor secundario y no obtuviese otros (al actor principal) por actuaciones magistrales. En cualquier caso, estoy absolutamente convencido que si hay un Oscar clarísimo a la carrera de un actor es el que la Academia dedicará algún día y sin ninguna duda a Jack Lemmon.

Vaya por delante que la película me gustó. Incluso la visioné un par de veces buscando a los locos. Algo así como Buscando a Wally, pero no encontré locos por ningún sitio. Eso sí, hallé una serie de personajes variopintos cada uno con su problema y su infelicidad a cuestas. Hasta el punto que llegué a pensar que "El barco de los locos" es un título figurado y que en el fondo describe el propio planeta Tierra surcando el espacio con todos nosotros en él, un poco ó bastante "locos".
Porque locura, locura, lo que se dice locura no hay. Pero hay frustraciones, utopías, exaltamientos, realismos, aceptación de la propia identidad. Si acaso, pensándolo bien, el más loco es un jugador de beisbol obsesionado con una determinada modalidad de tiro.
Se ha dicho en otra crítica y corroboro su opinión que hay diálogos francamente buenos y la labor de los actores es reseñable. Casi no cabe hablar de actores principales y secundarios. Bueno, puestos a elegir, Simone Signoret y Oskar Werner, incluso por encima de Vivien Leigh. George Segal en cambio me pareció un poco "blandito".
Como he dicho antes, me gustó, pero quitaría lo del flamenco. Respeto el buen flamenco. Me parece una manifestación magnífica del alma andaluza y hasta me parece bien que sea una de las representaciones más populares de España. Pero el tratamiento que se le da en el film, absolutamente estereotipado y además asociado a la prostitución me parece, a todas luces, fuera de lugar. Y eso debía de saberlo el señor Kramer incluso en el 1965.

Si usted dispone de una hora y media de su tiempo desocupada considere seriamente ver esta película. Encontrará en ella suficientes elementos altamente atractivos y acabará reconociendo que no ha perdido su tiempo. Y sobre todo encontrará a Ernst Lubitsch. Bueno..., no se trata de To be or not to be ni de Ninotchka pero el sello Lubitsch se estampa claramente sobre esta comedia. ¿Obra menor? Quizás. Tal vez. Pero aun así merece la pena.
Aunque el tono de la película sufre algunos altibajos el inicio es francamente genial (no se pierdan detalle de la elección del menú) y en general nos mantiene alerta a los diálogos y con una sonrisa en los labios en todo momento.
Las comedias de Lubitsch hacen un guiño al espectador inteligente, a aquel que es capaz de leer entrelíneas. No recurre al humor fácil. No nos desternillaremos con él pero sonreiremos con complicidad.
Me gusta este tipo de humor. Como me gusta encontrar a actores de la talla de Edward Everett Horton, secundarios a la sombra, pero que dan un brillo especial a las obras en que participan.

De un buen guión es fácil que se obtenga una buena película (bueno, relativamente fácil) pero conseguir una obra maestra del cine partiendo de una novela que, para su tiempo, fue un best-seller, no es tarea fácil.
Seguro que muchos espectadores no podrían dejar de comparar película y novela y aún así resultó galardonada con el Oscar a la mejor película.
Y esa transición magnífica entre el género literario y el visual fué obra de uno de los mayores genios de este arte como es John Ford.
Es cierto, y lo ha apuntado un compañero en su crítica, que tiene muchos elementos comunes con Las uvas de la ira. Temas como la emigración, el sindicalismo, la familia, la supervivencia y especialmente la figura fuerte de la madre, están presentes en ambos films y constituyen su verdadera esencia.
El hecho de que los mineros canten después de un día agotador en las profundidades de la mina solo sirve, a mi parecer, para establecer un contraste entre la vida más tranquila previa a los reajustes laborales y la dura existencia posterior a la huelga. En ningún caso cabe calificar de ñoños esos primeros quince o veinte minutos. Ese tiempo de película nos muestra un "cierto paraíso" (que seguro también era durísimo) para que podamos apreciar mejor la dura y cruda realidad posterior.
El Oscar para Donald Crisp muy merecido. Pero no pierdan de vista a Sara Allgood (la madre).
El Oscar para John Ford creo que, en aquel año, estaría "cantado"...

Afirmar que Intolerancia es la mejor película jamás filmada como argumentan algunos críticos es, creo yo, exagerado.
Por otra parte, intentar comparar obras que se realizaron en distintos períodos de tiempo y con medios muy dispares es una labor muy difícil por no decir imposible.
No quiero entrar en este tipo de discusiones bizantinas, pero si quiero afirmar con rotundidad que es una producción que, vista 90 años después, no puede dejar impasible a nadie. Y esto es algo que solo puede decirse en contadas ocasiones y de obras magistrales.
Intolerancia me sorprendió. Ver las 4 historias que Griffith nos presenta con el marco común de la intolerancia fue algo así como ver un compendio de todos los géneros cinematográficos. Encontré suspense, acción, persecuciones en auto, sensualidad, amor, comedia y hasta el género del drama judicial. Encontré superproducciones tipo Cecil B. de Mille e incluso me recordó a la reciente Troya. ¡Y todo ello en 1916!.
¿Bebieron directores como Wilder, Hitchcock ó incluso Eastwood (véase sinó Ejecución Inminente) de las fuentes de Griffith? ó ¿Fue Griffith algo así como un Julio Verne adelantado a un tiempo cinematográfico aún por venir?.
De esta obra siempre se han destacado sus grandiosos decorados y el gran número de extras. Debe reconocerse el mérito tanto a las labores de "ingeniería" como de "movimiento de masas" pero me gustaría resaltar también ese ritmo que tiene la obra "in crescendo" y en paralelo de las cuatro historias así como la tensión culminante de su parte final.
Y por último, resaltar la solidez interpretativa de un excepcional reparto de actores cuyos gestos se exageran solo lo justo y necesario para transmitirnos la voz de los sentimientos, mecidos, como la cuna, por una música marcial en las guerras y romántica en el amor

En esta película se produce una cuádruple conjunción astral. Este es un fenómeno raro y poco frecuente. Y su valor es incalculable.
Me explicaré. Es un auténtico lujo encontrar juntos en una misma obra a Ernst Lubitsch, Billie Wilder (en el guión) y Melchior Lengyel, autor de la historia y también autor de otra genialidad como To be or not to be. Y si encima a estos tres astros le añadimos una estrella como Greta Garbo, que aquí habla, ríe y trabaja francamente bien, pues nos encontramos, a mi humilde parecer, ante una de las auténticas obras maestras del séptimo arte.
Los diálogos son geniales. Al comunismo y al capitalismo se los trata con humor pero también con respeto. Recuerda en muchos sentidos a To be or not to be.
¿Para que citar escenas? Hay tantas, que estoy seguro que todo aquel al que le guste el cine se enamorará de esta película.
La comilona de los 3 bolcheviques, los propios 3 bolcheviques, la escena de Ninotchka y el mayordomo... Todas.
Es un film, como otro compañero indica en su crítica, imprescindible, con mayúsculas.
No soy muy aficionado a calificar con 10 pero en este caso lo voy a poner. Tal vez no sea la película perfecta pero si no lo es le falta bien poco. Y además, la perfección consiste, no en cumplir con ortodoxia las reglas cinematográficas sinó en cautivar al espectador.
Y bueno, lo reconozco, me cautivó.

Curiosa disparidad: Fracaso de público y éxito de crítica. ¿O no tan curiosa? ¿Eramos un pueblo maduro en el 64? Para mi, la madurez es aquella época de nuestra vida en que nos aceptamos como somos e incluso podemos reirnos de nosotros mismos.

Porque la película es una fotografía de la España rural de los 60 con sus beatas y sus curas, sus terratenientes venidos a menos, sus solteronas y sus solterones, sus jóvenes con la mirada puesta en otros horizontes, sus fiestas de fin de semana y sus bailes "agarraos", y todo el conjunto variopinto de personajes de la fauna hispánica. Esa misma fauna hispánica que retrataron Buñuel y Bardem y especialmente Berlanga. Un Berlanga que participa aquí en el guión según me pareció entender.

Pero aquí no dirige ninguno de las tres ilustres B de nuestro cine sinó un Fernando Fernán-Gómez que para mi es una de las personalidades más completas de nuestro cine que suma a su profesionalidad como actor su genialidad como director.

Yo no hablaría de obra maestra, pero sí de una excelente película que debemos ver sin olvidarnos que la España que se estaba retratando era la de 1964.

Fernán-Gómez nos propone una historia que yo calificaría como cine negro made in Spain con elementos terroríficos y macabros. Una propuesta muy distinta de aquella a la que nos acostumbraron en aquellos años, donde España era el paraíso de los turistas, donde a las chicas Bond que nos venían de fuera oponíamos abuelos made in spain, marisoles, pilis y milis, etc...

Probablemente este era el cine que reclamaba el público, pero precisamente por eso me atrae mas El extraño viaje porque aquí Fernán-Gómez nada a contracorriente, demostrando que es un nadador excelente.

Ah y por último, una idea atrapada " in extremis " ¡Que gran plantel de actrices y actores hemos tenido siempre en nuestro cine! Si en España las cosas hubiesen sido de "otra manera" seguro que Hollywood hubiese temblado.

Reconozco no haber visto la versión protagonizada por Nicole Kidman la cual, según las críticas que he leido, oscila entre la memez para unos y la obra maestra para otros. Ante este amplio espectro de opiniones prefiero quedarme con la versión del 1952 de John Huston y sustituir a Nicole Kidman - magnífica actriz, debo reconocerlo - por Zsa Zsa Gabor y Colette Marchand.
Y es que Huston es mucho Huston. Baste echar un vistazo a su filmografía para darnos cuenta que tendrá por siempre su lugar en el Olimpo de los dioses cinematográficos. La Reina de África, El Tesoro de Sierra Madre, El Honor de los Prizzi, Dublineses, estoy citando de memoria, y tantas otras.
Para mi, Moulin Rouge no es su obra magna. No. Pero es un trabajo soberbio, magnífico y lleno de ese sello inequívoco de Huston. No sólo es fiel a la biografía del genial pintor sinó que nos hace respirar el aire bohemio parisino y consigue hacer absolutamente creibles al elenco de personajes que se deslizan sobre el entarimado del Moulin Rouge. Tan creibles que llegamos a pensar que salieron de los cuadros de Toulousse-Lautrec, que adquirieron vida propia para hacernos disfrutar desde sus cancanes llenos de picardías y colores.
El caballero de la barbilla prominente parece realmente el mismo pintado por Lautrec.
Los colores, la luz, el impresionismo... Todo ello absolutamente logrado.
Si a todo ello le añadimos una interpretación memorable de José Ferrer ¿Para qué nuevas versiones?

Después de haber visto dos peliculones de la talla de Laura y Anatomía de un asesinato, ambas de Preminger, decidí bucear un poco en su filmografía. Y elegí El rapto de Bunny Lake porque a prori planteaba un tema interesante susceptible de dar bastante juego. Pero reconozco que el submarinismo no es lo mío y que a veces es mucho mejor navegar siguiendo los mares conocidos y dejar para otros las búsquedas de El Dorado.
A la película quiero calificarla de interesante, bueno, siendo generoso, por el tema que plantea, por una fotografía en blanco y negro de bastante calidad y sobre todo por la presencia de Laurence Olivier, grande del cine y que siempre deja una impronta de calidad hasta en obras mediocres como ésta.
Poco más que decir. Evidentemente en este tipo de producciones lo menos que se puede hacer es no desvelar el final y no lo haré, pero tengo la ligerísima sospecha que el guionista ó el autor de la novela, o quizás ambos, debieron tomar mal los apuntes o quedarse dormidos en las clases de psicología...
¡Ay!...Si Freud levantase la cabeza.

Sé que me será dificil volver a ver a Giuletta Masina sin recordar a Gelsomina. Hay papeles e interpretaciones que marcan, Charlton Heston siempre será Ben-Hur, Kirk Douglas siempre Espartaco e innumerables más. Y ¿Porqué no? Anthony Quinn tiene todos los números para ser un eterno Zorba el Griego.
Dicho esto y reiterando que La Strada es por encima de todo Gelsomina, quiero romper una lanza en favor de ese binomio absolutamente creíble Quinn - Zampanó. Anthony Quinn le da vida al personaje. No le da una vida maravillosa, no es una vida culta, no es una vida fácil... No. Nada de eso. Le da la vida que exige el guión. La existencia de quien no sabe hacer otra cosa, la existencia que sobrevive, que lucha, que no se acompleja ni amilana, que responde a la provocación con violencia.
En algunas críticas que leí lo califican de tirano. Pero un tirano sabe que lo es. Y Zampanó solo sabe que ha vivido así siempre y que no hay otra forma de vivir. Únicamente, en un final tan previsible como inevitable, la nostalgia y los recuerdos "humanizan" (desde mi punto de vista) al personaje.
En cierta medida me recuerda al Padre Padrone de los Taviani condenado a ser como es.
Por último, citar a Fellini, un Fellini que como siempre pone en celuloide su universo. Pero quizás este universo felliniano sea aquí el mismo universo de una Italia que trata de encontrar un futuro al mismo tiempo que sobrevive.
¡Ah! Y siempre, siempre, siempre... la música de Nino Rota, esa música eterna que nos transporta y nos hace sobrevolar esa Italia carnavalesca y felliniana con personajes absolutamente entrañables como éstos.

"Polanski reconstruye con hermosura el espanto" nos dice Carlos Boyero - disculpe que tenga la osadía de citarle - y yo me pregunto ¿Como puede reconstruirse el espanto y además hacerlo con hermosura?.
Porque, para mi, el espanto es espanto y nunca puede ser bello. Y el holocausto judío, nos lo cuenten como nos lo cuenten fué espantoso, horrible, abominable y quienes lo hicieron posible son absolutamente indignos de ser llamados personas.
Digo esto pero también digo que la película me ha gustado. Y me ha gustado mucho. Pero, dejénme que le ponga un pero... , solo uno, es demasiado dura. Y ustedes dirán probablemente: "No es malo que sea tan dura, así nos impacta mucho mas, así nos hace ver las cosas como realmente fueron... Lo que allí pasó fue duro, cruel, inhumano y no milongas..."
Si, tienen razón, pero miren...tanta dureza me impide disfrutar un tanto de escenas impresionantes y especialmente en mi retina se han fijado dos:
Unas manos sobrevolando el teclado de un viejo piano pero sin ni siquiera rozarlo para no romper un silencio que significa la vida y unas manos tocando y rompiendo el silencio de una mansión en ruinas bajo la atenta mirada y los oídos atentos de un oficial alemán...
La sensibilidad no sabe de svásticas.
Y es por eso que me duele tanta dureza - ojo, sé bien que la hubo y más...- porque estoy plenamente convencido que habría buenas gentes en ambos lados.
Y me viene a la memoria la escena del soldado (en Sin Novedad en el Frente) pidiendo perdón al soldado enemigo al que acaba de matar)
Adrien Brody, genial, la música genial, la fotografía genial ( el camino entre la ciudad en ruinas es sobrecogedor)... Todo genial... Todo fué duro...
Gracias Polanski por acordarse de aquellos alemanes a los que conmovían las notas maravillosas de un piano.

Me resulta extraño ser el primer usuario que efectúa una crítica de esta película. Eso de romper el hielo me parece una gran responsabilidad. Y conste que eso del hielo no lo digo por los paisajes helados de esta película que supongo serán fríos pero les aseguro que son hermosos.
La película responde a lo que esperamos de ella. No nos defrauda. Porque quien más quien menos espera encontrar una película que nos hable de revoluciones de Octubre, de derrocamientos de zares, de camaradas, de ayer mandabas tú y hoy mando yo... Bueno, de todo eso. Y lo encontramos. Pero, afortunadamente, encontramos más. Encontramos amor, encontramos odios, encontramos crímenes y castigos, encontramos hasta un abuelo eterno en el puro y absoluto sentido de la palabra y encontramos sobre todo el paso del tiempo y la inmutabilidad de una gentes ancladas en medio de una taiga en que los caminos solo conducen a las estrellas.
No soy tan entendido en cine soviético como para hablarles de actores ó directores. Con la excepción de Nikita Mikhalkov, genial director de "Ojos negros". Pero les aseguro que se identificarán con ellos, con los personajes que interpretan, con su apego a esa tierra donde yacen sus antepasados.
Y sobre todo, creo, les gustará la fotografía, donde se mezclan los blancos y negros de la historia que el pueblo escribió en Rusia en el siglo XX al mismo tiempo que son los colores de los fantasmas y de los miedos, con un espectro de blancos, verdes, azules, amarillos dorados, rojos fuego, negros petróleo... que realzan la hermosura eterna, como el abuelo, de paisajes de increible belleza.
Un especialista en cine soviético probablemente podrá decirnos que la cinematografía rusa ó de cualquiera de las otras repúblicas socialistas soviéticas que conformaban la antigua URSS es mucho más amplia y de temáticas más variadas que Octubre, Siberia, Lenin ó Stalin. Seguramente... Y probablemente superen esta Siberiada. Pero, reconociendo mis muchas carencias en cine soviético, Siberiada en el 2007 me gustó y, con todas certeza, sé que me seguirá gustando...

Permitanme citar la crítica de Leonel de Buenos Aires:

"Una historia patética, melancólica, nostálgica, una especie de fin del mundo en un pueblito tejano de los 50 en vísperas de desaparecer. No es la televisión la que mata a la sala de cine local, sinó la muerte del pueblo. Una mujer llora a cada rato y toma un joven amante, pero su angustia existencial le impide cualquier felicidad (esto no es liberación sexual, es desesperación), lo mismo les pasa a los demás, pero la única solución es huir".

Si, amigo Leonel, comparto practicamente todas tus palabras y sin embargo no comparto tu valoración de la película. En eso discrepamos. Porque, a mi juicio, la película no se salva por la interpretación de Jeff Bridges ó Ben Johnson, ó la belleza provocativa y seductora a lo Lolita de Cybill Shepherd, ó por una Ellen Burstyn con su erotismo de alto voltaje. No. La película se salva y se valora en si misma. En lo que nos cuenta, en lo que nos ofrece.

Alguien podría decir que se trata de una película generacional. Y si por generacional entendemos una película de jóvenes que intentan abrir caminos que los alejen de ese polvo que oscurece el horizonte, pues tendría razón, pero también podemos entender por generacional las vidas adultas que discurren entre rutinas y monotonías hacia la vejez, sin esperanza de que ese polvo que lo cubre todo desaparezca. Y la película también es eso.

La televisión no mata al cine. El cine estaba tan muerto como el billar, como el propio pueblo. Ese es el mensaje. Esa es su atmósfera opresora. El muchacho barriendo constantemente un polvo que se volverá a posar monótonamente, lánguidamente....

Bogdanovich nos está diciendo que América no es solo quimeras del oro, ni sueños americanos ni estatuas de la libertad. Bodganovich nos dice que en América el polvo también cubre los horizontes.

Cuando una película que ha conseguido el Oscar a la mejor película nos deja indiferentes, algo así como ni fu ni fa, pues nos preguntamos, ó al menos yo lo hago : ¿Que pasa? ¿Que es lo que no funciona? Y claro, la respuesta, cuando se encuentra, es siempre subjetiva. Porque, no puede ser que señores entendidísimos en cine, allá por el año 1932 dieran su premio a una obra menor. Algo tendrá el agua cuando la bendicen. Pero ¿Qué es...?
Y sigo mi sesudo empeño en resolver este jeroglífico. Hombre, Joan Crawford está bien, y le da al personaje ese aire de que hay que ganarse la vida y vale todo, y si hay que pasar, pues se pasa...
John Barrymore tambien esta creíble como noble arruinado y ladrón, Wallace Beery pues es un actor de línea sobria y que también, segun creo, atraía a las señoritas de la época, y en este film está correcto. Mención aparte, bajo mi criterio, para Lionel Barrymore, actor al que conozco poco, pero que está genial.
¿Que falla? Sigo preguntándome...
Carezco de una respuesta concluyente pero creo, y disculpenme los que vean las cosas de otro modo, que la Garbo está excesivamente supervalorada. Probablemente en otras películas será la Divina pero aquí ha descendido de los cielos y bastante.
También hay otra cosa que me ronda por la cabeza. En el año 1934 le dieron el oscar a "Sucedió una noche" fresquita comedia de Clark Gable y Claudette Colbert pero sin mayores pretensiones... ¿Querían olvidar el crack del 29 y retomar el sueño americano?
Quizás en el 32, con mayor motivo, quisieron regalar a los espectadores la visión de una sociedad anclada en otra época, una fotografía del lujo de los grandes hoteles. Traspasadas las puertas giratorias las cosas serían de otra manera....

Si tuviese que quedarme con una escena me quedaría con la expresión de Burt Lancaster ante la belleza de Ava Gardner. Es algo así como si estuviese en otro mundo o en otra dimensión (probablemente la cara que hubiesemos puesto todos). Tanto que, su novia en aquel entonces dice algo así como "Se había enamorado". Evidentemente, después lo abandona.
La película está bien. Sin alardes, pero bien. Un guión basado en una obra de Hemingway ya de por si es un seguro de calidad. Y un director como Siodmak también lo es.
Destacaría la fotografía en blanco y negro y también el correcto desarrollo de la acción a base de flash backs que en ningún caso restan interés a la película. Aquí lo importante no es el final, porque el final está en el principio. Tampoco interesan demasiado ni el como ni el porqué porque el como es evidente y el porqué es intuible. La verdadera razón de la película está en el quien y en verdad que nos intriga y finalmente nos sorprende.

Tuve la gran suerte de ver esta película sin conocer que un gran número de los profesionales que intervienen en ella habían estado incluídos en las listas negras de la "caza de brujas". Por ello, al advertir esta circunstancia en los títulos de créditos finales, mi sorpresa fué grande y sucedió algo así como si se encendiese una luz y de repente viese y entendiese muchas cosas. Por ejemplo entendí que Woody Allen estuviese mas serio que de costumbre, que la interpretación de Zero Mostel fuese especialmente sentida, que la mano directora de Martin Ritt diseccionase con afilado bisturí una época especialmente aciaga del pasado reciente americano. Pero sobre todo entendí y me solidaricé con Howard Prince (Woddy Allen) en esa escena final tan dura como surrealista. Yo les hubiese dicho lo mismo...

He leído las críticas y veo que el final no acaba de gustar. Estoy totalmente de acuerdo. Me parece un tanto rococó con tantísimos espejos y esa sensación que nos deja de "Continuará..." Eso de que la historia se repite y cosas así, que son ciertas porque el mundo es mundo y lo serán mientras lo siga siendo ¿me entienden?.
Pero la película no es unicamente el final. Hay mucho más. Hay una Bette Davis soberbia - ¿como tuvo esta mujer que pedir trabajo al final de su carrera?-, hay un George Sanders magnífico en su papel de crítico teatral, hay una Marilyn haciendo de Marilyn, una Thelma Ritter cuya presencia aún breve es siempre un lujo, una Celeste Holm en una actuación digna y está también Anne Baxter, es decir Eva. Pero Anne Baxter es otra historia...
Se dice que su interpretación no es creible. Pero, a mi parecer, se trata de eso. Mankiewicz juega con nosotros los espectadores. Poco a poco nos vamos dando cuenta que la devoción de Eva por Margo desprende un tufillo a falsedad, a camelo. Casi tenemos ganas de gritarselo a los actores "¡Cuidado, os están engañando!". Pero no podemos... ¿En verdad no podemos? Tal vez estamos traspasando pantallas y telones como en "La Rosa Púrpura del Cairo" ó "Sherlock Jr.". Porque, analicen conmigo la escena del cumpleaños, Margo borracha, Eva compungida después de la discusión con Margo, la señora Richards (Celeste Holm) subiendo la escalera... y en ese momento Eva (Anne Baxter) se olvida de lágrimas y le recuerda su promesa. El travelling, ¿se llama así?, de la camara subiendo también las escaleras, para fijarse en ese rostro de Celeste Holm nos revela que por fin acaba de comprender. Y nosotros nos damos cuenta. Es como si nos hubiese oído.
Esa "complicidad" entre actores y espectadores sólo es posible gracias a una batuta directora como la de Mankiewicz. El inicio de la película no es malo, como he leído en algunas críticas, es precisamente el que quiere Mankiewicz para que vayamos comprendiendo.
Bueno, la película se presta a muchísimos análisis e interpretaciones. Pueden hallarse en ella mil y un detalles.
Lo mejor es que la vean.

Cuando al finalizar la película el espectador se queda pensativo es que John Ford ha logrado el objetivo perseguido. Y en verdad que lo logra. Lo logra en el año 2006 como lo logró sin ninguna duda en el 1940 y en todos los años intermedios. Porque no es un tema de un año concreto ni de una década determinada, ni de una época más o menos amplia, es un tema de hoy y siempre. Veamos sinó que es lo que está sucediendo en España ó en Europa ó en los mismísimos Estados Unidos, gente que lo deja todo, ¿voluntariamente?: no, a la fuerza, a la fuerza del hambre y de la miseria. A fuerza de querer sobrevivir, de querer simplemente vivir, vivir con minúsculas que las mayúsculas son un lujo.
Y el pensamiento del espectador hubiese sido otro, evidentemente, si Tom Joad y su familia hubiesen conquistado un poco de justicia, pero no, eso no sucede así porque eso no es lo que quiere contarnos Ford. Estoy de acuerdo con una crítica que habla de que no hay que buscar buenos y malos. Hay lo que hay. Y es mucho.
En el aspecto interpretativo, la actuación de Jane Darwell como la madre es sobresaliente, magistral, eclipsando a todos los demás y debo reconocer que Fonda, sin ser santo de mi devoción, está francamente bien.
Los méritos de la película como tal son muchos pero por encima de los puramente cinematográficos está su función de denuncia social en los mismos años en que están pasando los hechos que se cuentan.
¿Alguien sigue creyendo que John Ford es solo "La Diligencia"?

De una historia mediocre puede resultar una excelente película.Pero para ello es necesario contar con un director como Preminger ó con un actor de la talla de James Stewart. Y esto sucede aquí. La sinopsis del film probablemente no sea demasiado seductora pero la combinación de los elementos anteriores da como resultado una película que mantiene la atención del espectador, que realza en su justa medida el trabajo de un Stewart muy en la línea a la que nos tiene gratamente acostumbrados, dotando al personaje de ese aire entre bobalicón, irónico y despistado que aquí, por su papel de abogado, se rebela como un arma de doble filo.
Para los que nos gusta el jazz auténtico, genuino, primitivo y original, la música y la propia presencia de Duke Ellington son impagables, y constituyen la guinda a una película que bien pudo quedarse en nada pero que gracias a la suma de dos talentos cinematograficos de primer orden se convierte en una obra interesante, bien construida, francamente notable y absolutamente recomendable.