VIDA SIN ZOE. Pese a la belleza de alguno de sus pasajes, el trabajo de Francis Ford Coppola (Trilogía: “El padrino”) es el más decepcionante. Si bien el capítulo puede seguirse con interés y sin abrir la boca para bostezar, resulta el más intrascendente e infiel con el objetivo que se intenta transmitir en este conjunto de historia. Es más, creo que es infiel también con el propio Coppola: no les falta razón a aquellas voces que se alzan para decir que quien realmente dirige esta historia, es su hija Sofía, co-guionista de este segmento. Una historia demasiado “chic”, elitista y alejada de la gente de a pie. Heather McComb interpreta aquí a una niña que vive bajo el amparo de un mayordomo personal en un hotel de lujo. Sus padres, por motivo de sus grandes trabajos, apenas tienen tiempo para prestarle atención. La misión de la chiquilla, navegando por un argumento que parece una versión de “Punky Brewster” (más pija y sin gracia) para la alta sociedad, será la de tratar que sus padres, ahora separados, se reconcilien. Se deja ver pero se desvanece de la memoria en cuanto se termina. (Nota: 5,0)

EDIPO REPRIMIDO. Woody Allen -otro gran experto en esto de “La Gran Manzana”- entretiene, divierte y acerca la esencia neoyorquina a su trabajo para este tríptico urbano desde un episodio que se presenta con el inteligente humor, la chispa y el drama que caracterizan al cineasta de Brooklyn. Después de la de Scorsese, esta es la historia de mayor nivel en la cinta. Aquí, el propio Allen (“Conocerás al hombre de tus sueños“, 2010) encarna a Sheldon, un tipo gris, acomplejado y maniático (personaje habitual de Woody) que se siente acosado por su anciana madre, que no para de ridiculizarle en público y tratarlo como si aún fuese un niño. El relato fluye con audacia por las confesiones que Sheldon realiza a su psicoanalista, e incluye elementos fantásticos que elevan el interés y fortalecen el argumento de este simpático y bien logrado capítulo. (Nota: 7,0)

En el apartado musical también gana Scorsese, que incluye en su “Apuntes al natural” piezas tales como la mítica “A whiter shade of pale” o el fabuloso tema “Conquistador”, ambos de Procol Harum, además de “The right time” de Ray Charles y el “Like a Rolling Stone” de Bob Dylan, entre otros trabajos de Django Reinhardt. No obstante, todo el repertorio que se reproduce durante su relato resulta magnífico por el nivel de asombro creado al fundirse cada melodía con su escena correspondiente. De “Vida sin Zoe” sólo destacan las armónicas y bellas piezas tocadas con flauta. En “Edipo reprimido” se agradece la audición de temas como el famoso “Sing, sing, sing” de Louis Prima, una versión de Liberace del “I’ll be seeing you”, el escalofriante “Nessun Dorma” de Giacomo Puccini con voz de Mario del Monaco, y el rítmico, irónico y divertido “In a persian market” de Wilbur de Paris.

El recién mencionado Servillo es, dentro de su categoría como máximo protagonista de esta grata historia, el actor más destacado de la misma. Sin duda es uno de los intérpretes más interesantes y sólidos del cine italiano de hoy, dando siempre espléndidos espectáculos con sus actuaciones. Todo lo hace bien: lo mismo puede gobernar Italia en “Il Divo” (2008), que estar inmerso en negocios relacionados con la Mafia en “Gomorra” (2008) o ser un experimentado y aplicado comisario de policía, como la cinta que aquí se recomienda. Resulta muy de agradecer que se haya escogido al magnífico Teho Teardo (“El amigo de la familia”, 2006) para realizar la banda sonora del film. Sus compases transportan a los protagonistas bajo la niebla que cubre el Laghi di Fusine a través de toda una serie de partituras que logran dibujar misterio, drama e ironía dentro de una indiscutible calidad y belleza, gracias a un fantástico trabajo del original y característico compositor italiano.

Molaioli ofrece, en su conjunto, un destacado largometraje de enigmáticas sensaciones, fresco, tranquilo y de envolvente atmósfera, sostenido además de por unas buenas interpretaciones y todo lo referente a su técnica, por una gran historia, bien contada, dirigida e ingeniosamente montada, pues no resulta sencillo saber crear una trama policial de estas circunstancias sin caer en lo previsible o lo reprochable, y además saber combinarla haciendo que encaje perfectamente con otras sub-tramas que poco o nada tienen que ver con lo que se investiga. Deja al cine italiano en muy buena posición. Su ajustada duración te deja con ganas de más.

Nota: ¿Por qué cambiaron en España el inmejorable título de “La ragazza del lago”? No sólo ha tenido que esperar una eternidad para poder llegar hasta nuestras salas, sino que cuando lo consigue, le estropean el nombre cambiándolo por otro que lo único que conseguirá es reducir el interés del público.

Vaya por delante que no lo digo por favoritismos personales, ya que Josh Brolin (“No es país para viejos“, 2007) es un actor que me gusta bastante, pero es su personaje y su historia la que más me ha interesado, a pesar de que ninguna sobre en esta película. Todos los relatos disfrutan de un equiparado número de minutos y están escritos desde el acierto que da la experiencia. Pero resulta divertido ver a un personaje como Brolin -aquí desfondado, fuera de su peso habitual-, casi desquiciado por todos los patéticos acontecimientos que le rodean. Se le ha visto muy cómodo en su rol. Naomi Watts (“Promesas del Este“, 2007) funciona muy bien como el contraste a esta situación, desde un papel desde el que da rienda suelta a su inmensa calidad como actriz, convertida en una de mis actrices favoritas desde su brillante trabajo en “Mulholland Drive” (2001). Pero estos dos no son los únicos que hacen un trabajo espléndido, pues gustan mucho Anthony Hopkins (“El hombre lobo“, 2010) y Gemma Jones (“El diario de Bridget Jones“, 2001), ambos brillantes en su particular forma de sentir la vejez. Antonio Banderas (“The Code“, 2009) deja a España en buen lugar con su convincente pero limitada interpretación, mientras que Freida Pinto -en un papel que combina la sensualidad con la inocencia- gusta y mucho. Se agradecen las apariciones de un encantador Roger Ashton-Griffiths.

Además de la eterna tipografía de sus créditos iniciales, utilizada desde su película “Annie Hall” (1977), Allen se caracteriza en sus películas por la elección de diversas piezas musicales de gran calidad cuyos estilos más visibles son el jazz y la música clásica. Los primeros compases de la banda sonora corren a cargo del “When you whish upon a star” de Leon Redbone, seguido de hasta tres temas de Tom Sharpsteen and His Orlandos (hasta aquí todo jazz & blues), partituras clásicas con melodías originales de Luigi Boccherini y Mozart, e incluso la ópera “Tu che a Dio spiegasti l’ali”. El resto es dejarse llevar y disfrutar de las historias que se narran desde esta película, que nos acerca al terreno de los amores frustrados, el temor a la vejez y a la soledad, a la inmoralidad y… a muchas cosas más. No prejuzguen: sólo vean. Y sientan este gozoso entretenimiento.

Werner Herzog (“My Son, My Son, What Have Ye Done“, 2009) siempre termina sorprendiendo con ciertas particularidades de su estilo, llegado un punto en el que -entre otras cosas- nos confunde a propósito para que no sepamos qué pensar (si no, no sería él). Aún así, este trabajo no se completa hasta convertirse en redondo por una evidente falta de mayor tensión y algunos cabos sueltos que quedan perdidos entre la maleza selvática. Pero gusta por lo inteligente de su desarrollo, un guión bastante adictivo, sus logrados personajes y una fotografía casi documental, fresca y sencilla, que refleja desde un temple agradable la grandiosidad de los terrenos más naturales de Tailandia, país elegido para rodar las escenas (a la vista salta que, debido a su cercanía con Vietnam, comparte con ese territorio lo paradisíaco y perdido de sus selvas). Las interpretaciones se encuadran dentro de un marco bastante igualado en el que resaltan un buen Christian Bale (“El imperio del Sol“, 1987 o “El tren de las 3:10“, 2007) que va mejorando -como la cinta- y desarrollando con más soltura su rol por momentos; un delgadísimo Jeremy Davies (“Perdidos“, 2004) que adapta a la perfección su papel de irritante y chalado personaje; y un contundente Steve Zahn (“Night Train“, 2009), que convence con su gran actuación. Gustan las apariciones de Teerawat Mulvilai -el imponente “pequeño Hitler”- y las simpáticas de Kriangsak Ming-olo -el agradable y enano Jumbo-.

El compositor alemán Klaus Badelt (“Entrelobos”, 2010) ejecuta una armónica y apacible banda sonora que describe desde sus notas los ecos de la jungla y acerca el ritmo de la película hasta el terreno de las aventuras desde un tempo que, con moderación, es palpitante. Maravilla desde los compases de un apasionante tema principal que es de lo mejor de todo el conjunto musical. El resto de la BSO está copado por los violonchelos del holandés Ernst Reijseger (habitual en los trabajos de Herzog) y del norteamericano Frances-Marie Uitti. Ambos contribuyen, desde sus grandes partituras, a crear parte de la atmósfera más extraña e incómoda de ésta, una película diferente sobre la Guerra de Vietnam.

Christian Bale (“The Figfhter“, 2010), hoy uno de los actores más codiciados de Hollywood, debutaba aquí como protagonista absoluto con tan sólo 13 años, realizando un contundente papel que le sirvió para dirigir su carrera hasta el exitoso punto en el que se encuentra. Gusta mucho su inteligente personaje que, a pesar de su corta edad y acreditada ingenuidad, demuestra con sus actos, entrega y su buen corazón que es mucho más que un niño de papá. Aunque, claro, para abrir los ojos antes tuvo que soportar determinadas situaciones… Otro que se sale es John Malkovich (“En la línea de fuego“, 1993), un actor que siempre interpreta sus papeles con maestría, sin importar del tipo que sean. Su interpretación, como casi todas suyas de las que he podido ser testigo, es brillante, y junto a Bale es lo mejor respecto a interpretaciones, de una película que entusiasma por la buena fusión de todos sus elementos.

El célebre y prolífico compositor neoyorquino John Williams (“JFK: caso abierto“, 1991), colaborador habitual de Spielberg, completa una buena banda sonora muy en la línea de las partituras que suele componer. Las intenciones de sus densos y celestiales compases cumplen con el cometido de regular las sensaciones del espectador en función del momento y la forma en la que van apareciendo, pero es la canción de cuna “Suo Gan”, cantada por James Rainbird y el coro infantil Ambrosiano dirigido por John McCarthy, la que se erige como la mejor pieza de la BSO y la auténtica representante del aroma de la cinta,, gracias a lo poético y relajante de su tono, que contrasta con la cruda realidad de una guerra que en “El imperio del sol” se sigue desde la trastienda, preocupándose en lugar de por la recreación del conflicto bélico, por una de las muchas historias llenas de sentimientos y aventuras vividas durante esa etapa.

El hecho de que la película no sea redonda se produce por un tramo final de menor fuerza, mayor previsibilidad y utilización de recursos fáciles, que la mayor parte de la cinta. A pesar de esto, el conjunto me parece poderoso, adecuado, por momentos maravilloso y en cualquier caso, notable. Sus logrados efectos visuales consiguen aumentar el nivel de fascinación que producen muchas escenas de esta cinta, beneficiada por una dirección artística que consigue que los años pasen sobre la película sin hacer demasiado daño, pues en pleno año 2011 “Contact” se sigue casi como una producción actual. El contenido religioso cobra un gran protagonismo en la trama, planteando continuamente el interrogante de la existencia de Dios y ofreciendo como respuesta a esta cuestión más interrogantes: tanto creyentes como ateos pueden identificarse con muchos de los puntos de un espinoso tema que en la película, por un lado defiende la lógica científica de que sólo existe lo probado, y por el otro deja profundas y trabajadas reflexiones y metáforas espirituales. El reparto gusta en su totalidad, comandado por una sólida Jodie Foster (“Taxi Driver“, 1976) a la que siguen Tom Skerritt, un chispeante James Woods, un simplemente correcto Matthew McConaghey y todo un elenco de garantías que se sigue con agrado. Me ha resultado muy curioso contemplar cómo rescataron varias imágenes de archivo de Bill Clinton para mezclarlas con los personajes de la cinta, siendo el ex-mandatario norteamericano un actor más.

La banda sonora del compositor colaborador habitual de Zemeckis, Alan Silvestri (“Un ratoncito duro de roer“, 1997 – Trilogía: “Regreso al Futuro“), ofrece unas ricas partituras que se fusionan con belleza entre las secuencias de la película persiguiendo la lograda intención de inquietar levemente desde unos suaves compases sobre los que se emiten unas ondas que maravillan al mismo nivel que el conjunto del metraje en este viaje que nos saca de nuestro mundo para que podamos comprobar lo realmente insignificantes que somos. Bravo por Zemeckis y Sagan.

Varios frentes se le abren a Clayton, quien se encuentra en mitad no sólo de una poderosa trama de thriller en el mundo de las grandes corporaciones, sino que también está envuelto de sus propios problemas, que vienen desde su acusada soledad hasta el recuerdo de su desaparecida afición al juego y la bebida. Su vida triste y oscura queda reflejada en la buena interpretación de George Clooney “Ocean’s eleven (Hagan juego)” (2001), que se echa sobre sus espaldas gran parte del peso total de esta película. Un actor que antaño tuve cruzado por el aparente estereotipo que representa, pero que gracias a los hermanos Coen empecé a digerir hasta poder llegar a disfrutar con sus papeles. Si aún existía en mí algún tipo de prejuicio contra él, éste se ha esfumado debido a la calidad de esta interpretación. Del reparto también destacan los papeles de una convincente Tilda Swinton (“Flores rotas”, 2005), que dosificó con fuerza sus apariciones para ganar con ello un Oscar a la mejor actriz de reparto, un gran Tom Wilkinson (“El escritor”, 2010), Sydney Pollack en una muy buena actuación, y los de todo un elenco que completa un buen trabajo en esta bien labrada historia de juego de poder y corrupción, guiada y narrada con efectividad sobre un terreno pantanoso por el que el director ha sabido desenvolverse haciendo que todas las cosas tengan sentido y el espectador se sienta intrigado por los hechos que se van sucediendo a lo largo de todos sus minutos.

Varios frentes se le abren a Clayton, quien se encuentra en mitad no sólo de una poderosa trama de thriller en el mundo de las grandes corporaciones, sino que también está envuelto de sus propios problemas, que vienen desde su acusada soledad hasta el recuerdo de su desaparecida afición al juego y la bebida. Su vida triste y oscura queda reflejada en la buena interpretación de George Clooney “Ocean’s eleven (Hagan juego)” (2001), que se echa sobre sus espaldas gran parte del peso total de esta película. Un actor que antaño tuve cruzado por el aparente estereotipo que representa, pero que gracias a los hermanos Coen empecé a digerir hasta poder llegar a disfrutar con sus papeles. Si aún existía en mí algún tipo de prejuicio contra él, éste se ha esfumado debido a la calidad de esta interpretación. Del reparto también destacan los papeles de una convincente Tilda Swinton (“Flores rotas”, 2005), que dosificó con fuerza sus apariciones para ganar con ello un Oscar a la mejor actriz de reparto, un gran Tom Wilkinson (“El escritor”, 2010), Sydney Pollack en una muy buena actuación, y los de todo un elenco que completa un buen trabajo en esta bien labrada historia de juego de poder y corrupción, guiada y narrada con efectividad sobre un terreno pantanoso por el que el director ha sabido desenvolverse haciendo que todas las cosas tengan sentido y el espectador se sienta intrigado por los hechos que se van sucediendo a lo largo de todos sus minutos.

La historia se centraliza en la narración que el teniente coronel Nascimento (Wagner Moura) va realizando a través de la duración de la cinta. Además de tener que enfrentarse con los peligros “comunes” que ya vienen de serie al ser integrante del BOPE, encontrará preocupaciones en la relación con su ex-mujer, el distanciamiento de su propio hijo, Rafa (Pedro Van-Held) y la presión que el aspirante a diputado de izquierdas Diogo Fraga (Irandhir Santos) ejerce contra las políticas penitenciarias y las formas del batallón cuya filosofía contribuyó a definir el propio Nascimento. Alrededor de todas estas circunstancias circulan las corruptelas del Mayor Rocha -también llamado Russo- (Sandro Rocha) y el teniente coronel Fábio (Milhem Cortaz), unos personajes que nunca sabes por dónde te pueden salir y que sólo son parte de un gran abanico de papeles de todos los colores. También está el capitán André Matías (André Ramiro), que estará envuelto en polémica por una controvertida decisión táctica durante una operación. La importancia de su papel queda bastante reducida con respecto a lo realizado en film anterior. Aunque todas las interpretaciones sean de altísima calidad -y creo no afirmar esto gratuitamente- las que más me han impresionado han sido la de un inconmensurable Wagner Moura (“Romance“, 2008), que perfecciona aún más si cabe a su personaje convirtiéndolo en un rol con una personalidad auténtica, contundente y admirable, haciendo de Nascimento casi un icono; y la de Sandro Rocha en su corrupto personaje, que produce el rechazo que pretende y del que asombra su capacidad de liderazgo, moviéndose como pez en el agua entre la delincuencia de las ‘favelas’.

El compositor Pedro Bromfman repite colaboración con Padilha, realizando una banda sonora que combina las partituras de tendencia rock utilizadas en varias escenas de acción, con otras más pausadas e inquietantes que encuentran su réplica en los temas de varios autores que se incluyen en la BSO y que van desde música tradicional brasileña de Marcelo D2 o Zeca Pagodinho, al ensordecedor rock de Tihuana, entre otras. Con todo, una gran secuela, necesaria y muy a la altura de su antecesora, que deja el sabor y las ganas de una tercera parte.

Es precisamente la interpretación y la historia protagonizada por la joven Han Thi Pham la más encantadora y disfrutable, pues con sólo la acertada expresión de su rostro ya sabe transmitir lo que siente su corazón. Un muy buen trabajo de la pequeña, seguido por el gran papel de Nguyen Hau, del que a veces dudé si debía amar u odiar, por la aparente bondad de su rol en las conversaciones que mantenía con otra gente y la despreciable actitud que mostraba ante su sobrina. Cat Ly (“Viaje desde el abismo”, 2006) y The Lu Le (“Buffalo Boy”, 2004) empatan en lo que se refiere a la calidad y al interés de sus actuaciones, cerrando éstos el broche de todo un elenco que invita a la credibilidad de las historias encarnadas por los actores. Se agradece la magistral ambientación natural que ofrecen las calles de Saigón, desbordadas por el bullicio de los sonidos urbanos y de tantas bicicletas sorteando algún que otro vehículo solitario, y con un abandonado aspecto que ofrece una tétrica a la par que lúcida belleza. La plácida música de Pete Nguyen contribuye notoriamente a que la película presente un desarrollo apacible que ayuda a que la cinta sea vista con toda tranquilidad y comodidad, consiguiendo que la unión de todo el conjunto se convierta en un memorable paseo a través de lo urbano de las historias de soledad, amor y pobreza vividas por algunas de esas personas que aún no han encontrado su hueco en este mundo.

Es innegable que el poderío técnico demostrado en los efectos especiales es de gran nivel, llegando a convertirse lo visual en todo un espectáculo de invasores que presentan un aspecto cuanto menos curioso (tienen órganos como cualquier ser humano, pero están compuestos en gran parte de metal, como si estuviesen modificados). Un repertorio que se amplía con las naves espaciales, el despliegue armamentístico de todos los medios del ejército (tanques, helicópteros, cazas, etc.) y todas las escenas de intercambio de disparos. Las interpretaciones se limitan a cumplir con su cometido, estando copadas por un buen Aaron Eckhart (“El caballero oscuro“, 2008) del que dicen, y comparto, que el papel se le queda pequeño. Aparece Michael Peña (“Crash“, 2004), que es un actor secundario que siempre me ha gustado y que nunca decepciona. Es una pena que le tengan tan desaprovechado en Hollywood, pues creo humildemente que su calidad puede ir más allá del típico papel de inmigrante latino que tantas veces ha tenido que ejecutar.

Aunque no sea una voz autorizada en estas cuestiones, pienso que esta película no debería considerarse como ciencia ficción, pues no hace honor a ninguna de estas palabras. Se desenvuelve muchísimo mejor dentro de su categoría de cinta bélica y de acción (la primera hora es hasta buena) hasta encontrar sus deficiencias al llegar los alienígenas a “contactar visualmente” con el espectador. De haber elegido la senda de una acción más realista estaríamos, probablemente, hablando de un buen aporte al cine bélico contemporáneo. Al final, todo se queda en un “La guerra de los mundos” (2005) bastante más ligth (no existe esa empatía que sí se produce con los personajes de la cinta protagonizada por Tom Cruise, y los extraterrestres no infunden el terror que Spielberg sí supo transmitir) con pizcas, en su parte más realista, del videojuego “Call of Duty: Modern Warfare 2”. Ameniza la velada musical el compositor Brian Tyler (“Annapolis”, 2005, “Skyline“, 2010) con una banda sonora que si bien se agradece a pesar de desvanecerse de la memoria según termina la película, peca de poca originalidad al incluir un tema (“Hymn”) que parece una versión no autorizada del fabuloso “Surface of the Sun” de John Murphy que fue utilizado en “Sunshine” (2007) y “The Walking Dead” (2010).

“Chiefs” convence porque habla de todo sin caer en el melodrama, ofreciendo muchas historias cargadas de buenos e interesantes diálogos. El racismo es un grave problema que es denunciado sin artificios ni manipulaciones sentimentales. Todos los personajes tienen una personalidad muy bien descrita que ayuda a que se produzca simpatía o desprecio ante ellos. Las interpretaciones brillan, siendo las más destacadas la de un inquietante Keith Carradine y la del despreciable personaje interpretado por Paul Sorvino. Es admirable el apacible trabajo de Charlton Heston y su pupilo en la serie, Stephen Collins. Todos los jefes de policía realizan papeles estupendos. Primero Wayne Rogers, como una persona que acoge con ilusión pero escepticismo su nuevo cargo, con ganas de hacer bien las cosas. Luego el repugnante rol que le toca realizar a un buen Brad Davis. Y por último, Billy Dee Williams, que desembarca en la comisaría para normalizar los derechos de las personas de color. La historia de este último es la que más me ha gustado.

Acertada y característica banda sonora de Michael Small (“Klute“, 1971), que se funde muy bien con la historia gracias a unas partituras que a pesar de resultar agradables y tranquilas consiguen penetrar en el terreno de lo misterioso.

Esta película es en sí una forma de meditación que busca lo que defiende el budismo (principalmente, el Zen), y esto es poder llegar a vivir plenamente a cada instante y así poder expresarnos de manera óptima, teniendo la mente abierta, serena y diligente para guiarla por el camino del sentido y la bondad. Para conseguirlo, son muchos los problemas que surgen a los protagonistas del film, comenzando sus historias con un pequeño monje que, descubriendo la grandeza natural que le rodea, terminará adentrándose en su propio interior gracias a las humildes pero profundas enseñanzas de su maestro. Cada día que pasa es un día para aprender y, el monje, después de toda una vida espiritual y ya en edad adulta, se topa con el deseo de unas vivencias que desconoce: la atracción por las mujeres y el sexo con éstas. Este hecho hará tambalear su entrega a lo aprendido de su maestro, dejándose llevar por lo más oscuro de la condición humana, haciendo que pueda conocer la vida vista desde la perspectiva que Buda trata de evitar: el sufrimiento, que es el mayor de los males en nuestro mundo y el causante de la mayoría de los problemas.

Si bien lo que aquí aprenderemos puede resultar novedoso para mucha gente, las enseñanzas que muestra resultan, vistas desde la lejanía, sencillas (y así es la doctrina del budismo), pero lo realmente difícil es poder aplicárselas con rigor en la vida cotidiana y obrar en paz hasta conseguir llegar al final del camino de la iluminación, sin pensar en ningún momento cuándo se puede llegar a esa meta. Las interpretaciones del reparto están comandadas por el trabajo de Yeung-su Oh (como el viejo monje del pequeño templo), seguido de un plantel correcto pero sin grandes sorpresas que permite seguir esta película con mucho interés, admiración y respeto. La banda sonora, de Ji-woong Park (“Inhyeongsa”, 2004), está cargada de espiritualidad y transmite poder, relajación, belleza y en según qué momentos, pasión, dentro del rumbo de unos compases tranquilos y sosegados, que se funden con maestría sobre el sonido de las preciosas aguas que rodean al templo. El guión y los relatos de los que somos partícipes pueden reunir novedades para muchas personas ajenas a la espiritualidad de esta religión, pero no es más -ni menos- que parte de la armonía y la perfección de las enseñanzas budistas, hasta las que se puede llegar a través de las numerosas ramificaciones de las que está compuesta la doctrina citada.

Desgraciadamente, creo que sólo Sancho Gracia ha conseguido llenar ese vacío, desde una interpretación espléndida que guarda tras de sí los mejores momentos de la película. Es este pedazo de actor una de las cosas que consiguen que uno disfrute viendo este film, en el que también destaca el trabajo de Carlos Bardem como Ceferino, el terrateniente de Don Honesto. El siempre rotundo Antonio Dechent, que apenas sale dos veces como el jefe de la entonces temible Guardia Civil, hace mejor papel que la media del elenco. El protagonista, Marcos, está interpretado durante hora y media por el debutante actor infantil Manuel Camacho. Su actuación resulta muy grata teniendo en cuenta que es la primera película del chaval. Después, cuando el niño se hace hombre, aparece Juan José Ballesta, ese que ha abarcado todos los carteles promocionales de la película y ha concedido un sinfín de entrevistas a la televisión hablando de todo el proceso de aprendizaje al que fue sometido para el rodaje de esta cinta. Todo ello para al final tener un guión de cinco frases a lo largo de 20 minutos, dar dos aullidos al cielo mal dados y realizar un papel de mucha menos calidad que la del niño debutante. ¿Porqué las productoras trampean de esta manera? ¿Porqué no ser justos y hacer un cartel con el niño y Sancho Gracia?. El aspecto más criticable en el apartado interpretativo es el de los diálogos de muchos de los actores (madrileños, catalanes…) del reparto, que fuerzan -fracasando en el intento- el acento andaluz, dando en ocasiones un espectáculo lamentable. Sólo Carlos Bardem y Sancho Gracia superan la prueba.

El apartado técnico está dominado por un magistral uso de la cámara la poderosa fotografía de Óscar Durán (“La soledad“, 2007) que no se cansa de ofrecer paisajes naturales espectaculares, con sus principales habitantes, los animales, en su máximo esplendor. La banda sonora, del alemán Klaus Badelt (“Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra”, 2003) completa junto a Andrew Raiher toda una serie de armónicos compases que se complementan a la perfección con las inolvidables postales de Sierra Morena, esto último el auténtico y principal motivo de interés para adentrarse a ver esta película.

¿Pero de qué demonios nos habla esta película?. Entre toda la supuesta locura que invade la leyenda reciente de esta cinta, nos encontramos ante una historia de múltiples interpretaciones que se basa en la distorsión progresiva de la percepción de la realidad de Nikki Grace (Dern), una actriz a la que han concedido un papel en un remake de una película polaca de la que, afirman, estaba maldita. De hecho, no debiera ni considerarse remake, pues la filmación jamás pudo terminarse. A medida que avanza la historia, parece crearse un conflicto en el que se enredan las escenas del rodaje con la vida personal de la actriz, interviniendo en este desconcierto su compañero de reparto, Devon Berk (Theroux). La historia, que ya desde los primeros minutos deja ver sus cartas, da permiso a todos a sacar de la misma las conclusiones que vea convenientes. He visto la película con una indescriptible calma nerviosa, pues aunque la he seguido con placer y tranquilidad, he tenido despierta, dentro de mí, una agobiante sensación: precisamente la misma que vive su actriz protagonista. Y esto, en una película, es muy digno de elogio. Espectador y personajes, viven las mismas experiencias.

Después de varias apariciones de Laura Dern en películas de Lynch, ésta vuelve para realizar un papel fabuloso, del todo convincente y, sin duda, memorable. Creo, desde mi parecer, que es el trabajo más sólido de su carrera, teniendo en cuenta además que es una de las pocas películas de las que ha podido ser la protagonista principal. Gusta también Justin Theroux en su ya conocido papel de jactancioso y “sobrado” pero, en el fondo, buena persona y se agradecen las intervenciones restantes de un gran plantel repleto de calidad.

Para que todo funcione en una película de David Lynch, la música debe estar construida con el mismo tesón que el resto de la cinta. Esto se produce así gracias a la banda sonora compuesta por el propio Lynch, que por primera vez en años no recurre a la colaboración de Angelo Badalamenti, del cual se nota ha obtenido la suficiente experiencia como para poder montar sus propias partituras sin perder el estilo que siempre han mantenido los trabajos del citado músico, convirtiéndose las piezas musicales en un elemento indivisible de la atmósfera que conforma cada película de Lynch. El conjunto de la BSO es una maravilla, encabezada por los temas originales “Polish Poem” o “Ghost of Love”.

David Lynch propone en “Inland Empire” algo más que una buena película: un viaje hacia lo más oscuro, indescifrable y a la vez brillante de su propia mente, una mezcolanza de ideas, pasiones, sensaciones y agobiantes experiencias que tratan de caer sobre los brazos del espectador como el resultado de un alma incomprendida que busca conquistar nuestra atención durante casi tres horas de metraje y, al final, permitirnos sacar nuestra propia interpretación del resultado, algo que se presentará como una misión de muy largo recorrido.

El film entretiene con fluidez durante sus 93 minutos de duración, y es de agradecer que su director apueste por un estilo narrativo diferente al de la media, característico y de entusiasmado seguimiento, a pesar de que a veces su fuerza flaquee en ocasiones en las que se fusionan escenas excesivamente contemplativas con algunas partes del guión menos interesantes. El problema de la pequeña rareza que es en sí esta cinta, es que una vez terminada la película (con varios desenlaces muy bien conseguidos), no queda ningún mensaje, metáfora o dilema para rescatar. Ofrecido el entretenimiento, no queda más, al menos para un servidor, pues seguro algún auténtico entendido del cine sacará más expresiones de aquí que las que yo pueda dilucidar. Respecto al apartado interpretativo, decir que raya a un nivel muy correcto, siendo Willem Dafoe (“Platoon”, 1986) el que más convincente me ha parecido, junto a un buen Udo Kier (“La sombra del vampiro”, 2000) y el protagonista, encarnado sólidamente por Michael Shannon (“Take Shelter”, 2011). Chloë Sevigny no hace demasiado ruido, llevándose el “mérito femenino” la actriz Grace Zabriskie (utilizada por Lynch en “Inland Empire”) en el papel de la madre de McCullum. Se agradecen las apariciones de Michael Peña (“Tipos con suerte”, 2008), un siempre acertado y simpático secundario.

La banda sonora, con música original de Erns Reijseger, incluye una muy buena selección de temas, de entre los que destacan dos rancheras cantadas por Chavela Vargas: “Valente Quintero” y “Gabino Barrera”; además de la inclusión de mantras tibetanos (Werner Herzog ya mostró su interés por el budismo en su interesante documental “La rueda del tiempo”, 2003) en una de las escenas y algunos temas propios como el grandioso, relajante, absorbente y espiritual “Leaving yout earthly possessions”.

Así pues, la película es un retrato de dos desgracias sociales: la soledad en la vejez, y la drogadicción en la juventud. Dos formas de hundirse, deprimirse y asustarse presentadas por Darren Aronofsky con un montaje muy original y metódico. Algunas de las acciones ejecutadas por los protagonistas son vistas por la cámara de una forma indirecta, asociando la realización una escena a cada uno de los momentos que más se repiten en la película. Por ejemplo, en lugar de ver una simple perspectiva de cómo Harry se pincha heroína, contemplaremos una secuencia ofrecida a gran velocidad en la que vemos sucederse distintos tipos de imágenes estándar que siempre resultan ser prácticamente las mismas (cómo se prepara la droga, se introduce dentro de la vena y finalmente se dilatan las pupilas). La película, bien realizada, narrada y técnicamente ejemplar, resulta incómoda de ver, y no desde luego por un fallo de la dirección (no hay reproche en este aspecto) sino por el flagrante realismo de lo mostrado. No es posible disfrutar con este argumento tan contundente, pues si bien muchas veces hemos sido testigos de un sinfín de películas de drogadictos, es “Réquiem por un sueño” la que más contundencia y frialdad demuestra, valiéndose además de otra historia “adjunta” (la de Sara Goldfarb y su paranoica obsesión por la TV) que no hace más que mejorar la trama.

Contamos además con la garantía de las buenas interpretaciones de los principales, una convincente y entrañable Ellen Burstyn y un muy buen Jared Leto, un actor discreto que poco a poco va formándose como una de las mejores opciones de Hollywood, gracias a sus bien escogidas películas, al menos de un tiempo a esta parte. Jennifer Connelly apenas abandona durante todo el metraje su rol de chica sensual y simple “novia de”, por lo que su trabajo, más allá de determinados gestos y pequeños diálogos que no salen de la corrección, no se puede valorar demasiado. Marlon Wayans, a pesar de que se deja ver, no me gustó: me pareció sobre-actuado y en ocasiones, incómodo. Desconozco si por la repugnante personalidad del rol que interpreta, o directamente por su discutible calidad como actor.

El apartado musical, dirigido por el bueno de Clint Mansell, colaborador habitual de Aronofsky, completa una banda sonora magistral, copada por la pieza principal (“Summer overture”), que es sin duda una de las mejores creaciones para el cine en años, tanto por su nivel de asombrosa calidad como por lo memorable de sus compases, que han recorrido todo el mundo hasta convertirse en uno de los trabajos más fácilmente reconocibles. El resto de la extensa y acertada BSO se caracteriza por un buen puñado de temas de corta duración, deprimentes, extraños y ciertamente agobiantes, muy en la línea del ambiente que la dirección del film logra construir para esta, cuanto menos, buena, inquietante y desalentadora película, que se limita a dejar los problemas encima de la mesa, sin preocuparse de cómo éstos deben ser resueltos.

El particular ayudante de José Luís Torrente, que en esta nueva entrega tiene que resolver una misión especial que terminará por llevarle a prisión, es uno de los mayores despojos televisivos del panorama nacional: Kiko Rivera, más conocido como “Paquirrín”. Sin ser de los peores del reparto (prácticamente todo es sacado de programas del corazón: aquí quien realiza los cameos son, curiosamente, los actores profesionales, en lugar de las supuestas "estrellas" invitadas), abarca inmerecidamente un gran número de minutos que bien pudieran haber sido mejor aprovechados por Enrique Villén, un mejor utilizado Tony Leblanc (aquí no hace ni gracia) o un sinfín de personajes que podrían haber sido mejor dibujados. Pero en lugar de eso, Santiago Segura ha preferido que cada “famosete” aparezca en el metraje su minuto de rigor, diciendo una pequeña frase (o ni eso, como “el Dioni”, que solo valbucea) y acto seguido desapareciendo sin más. A grandes rasgos, esto es Torrente 4: un recorrido de escenas fatalmente interpretadas por famosos que tienen que soltar, sí o sí, su frase del guión, para dar paso al siguiente personaje sacado de “la escuela del tomate” (Kiko Matamoros, Belén Esteban, etc.) y, en medio de todo esto, Santiago Segura con su personaje de Torrente, que aunque a veces ría sin ganas y ofrezca una de sus versiones más “ligth”, es lo único divertido -por momentos- que podemos encontrar en la cinta. Otros actores, como Yon González, hacen pésimos papeles que no les pegan absolutamente nada.

Se ha echado mucho de menos, además de la esencia de las anteriores películas (la tercera, que hasta el momento era la más floja, es muchísimo mejor que esta), un guión más rico en todo, pues aquí los 'gags', de repetitivos, cansan. Por otra parte, está la estafa del “sobrecogedor 3D”. Efectivamente sobrecoge el hecho de tener que pagar dos o tres euros más por tu entrada, y encontrarte con que las únicas tres dimensiones que ves son precisamente las del precio, porque lo que es la película, un carajo 'karusenco': apenas se pueden notar sus efectos en los créditos principales y en alguna escena de acción.

Entretiene, y algunas veces hace gracia, pero poco más. Mucho deberá mejorar Santiago Segura si se encuentra con las ganas suficientes como para hacer una quinta entrega.

Y a cualquiera de las preciosas protagonistas: las camareras Shelly Johnson y Norma Jennings, la poderosa Joan Chen, la sensual e inquieta Audrey Horne… Resultan entrañables el inocentón James Marshall, el doctor Will Hayward, el gran Pete Martell (Jack Nance) y el instructivo mayor Garland Briggs, siempre con un buen discurso que ofrecer. También hay hueco para la desaprensión y la codicia en los personajes del repugnante Benjamin Horne, la fría y calculadora Catherin Martell y el chanchullero de Bobby Briggs.

Los misterios de “Twin Peaks” se extienden a lo largo de 30 inolvidables capítulos, divididos en dos temporadas en las que todas las historias principales nacen o están relacionadas de alguna manera con el asesinato de Laura Palmer. El interés que se produce sobre la serie es constante al conservar toda la producción una constante regularidad que a veces se permite engañarnos: el capítulo que aparentemente es el más normal muchas veces es aquel que deja la incógnita más grande. Es un mérito que una serie de estas características se desarrolle de una forma tan original: investigaciones y vida rural, pero con extrañas e hipnóticas apariciones surrealistas que hacen preguntarse, tanto al espectador como a los personajes, si lo que se está viendo es cierto o es una realidad imaginada.

El apartado musical no sólo es maravilloso, uno de los mejores creados para una serie, o excepcional, sino que es, además, imprescindible para la serie, al estar ligados todos los temas de la banda sonora de una forma directa con el metraje. Aunque con el paso de los capítulos, la música vaya apareciendo de una manera menos selectiva, al menos en la primera temporada, cada personaje o situación, tiene su propia melodía.

En definitiva, una serie maravillosa, emblemática, magnífica, llena de hipnótica intriga, original, auténtica y sólo afectada en ocasiones por la excesiva parodia de algunas subtramas. “Twin Peaks” atrapa y cautiva hasta enamorar, construyendo su producto desde la fuerza de toda una serie de inolvidables personajes siempre comandados por uno de los mejores agentes del FBI que se pueden encontrar entre la pequeña y la gran pantalla: Dale Cooper. David Lynch, junto al trabajo de toda la producción y resto de directores que guían los capítulos, escribe esta fábula, una fantasía llena de gente amable con situaciones amistosas y llenas de cariño, que ven su espejo en el egoísmo y vida despreciable de algunas personas. La serie parece invitarnos a la felicidad, una máxima que difícilmente puede conseguirse sin renunciar a los prejuicios sobre la gente y las cosas, o sin demostrar bondad en nuestras acciones. Hacen falta muchas personas como Dale Cooper, el Sheriff Truman o el Mayor Briggs para que podamos vivir en un mundo mejor. De momento, nos quedan pequeñas joyas como esta serie, que no sólo entretiene, sino que enseña, acerca, fascinan y te involucra en un mundo maravilloso que sólo pretende escapar de las garras del mal.