Después del fallecimiento de su mujer, Pietro Paladini (Nanni Moretti) alivia su caos interior con la calma que le transmite el esperar a su hija, diariamente, en un parque que se encuentra frente al colegio. El buen tiempo acompaña y el hecho de ser un alto ejecutivo de una importante empresa audiovisual no supone un obstáculo para Pietro, que hace de la calle su particular centro de operaciones, desde el que recibe a compañeros de su empresa, amigos y familiares.

Hace de la observación su principal pasatiempo, mientras a veces elabora mentalmente listados sobre cosas que debería hacer, ha hecho o no conoce, interrumpidos por su apetito que se ve saciado en un bar que se encuentra en el mismo parque y en el que se puede comer en su terraza.

Básicamente casi toda la trama se desarrolla en ese espacio, en el que ya empieza a ser conocido por los viandantes que le ven a diario sentado en un banco o paseando por sus alrededores. Es una película imperfecta, destacando quizá el fallo de la historia de la hija de Pietro, que no solo apenas nota algún sentimiento tras el fallecimiento de su madre, si no que recibe casi con alegría el acontecimiento. Pero la cinta no pretende reflejar el realismo de ese tipo de ramificaciones en su historia, ya que éstas solo son una excusa para permitir centrarnos en el personaje interpretado grandiosamente por Nanni Moretti, un hombre que logra transmitir al espectador la calma que él mismo quiere practicar, convirtiendo la película en una metáfora sobre esa paz interior que todos queremos y pocos logramos conseguir.

Un film agradable, con un resultado general notable y bonito, ideal para gente tranquila. Atentos a la aparición estelar de un tal Roman Polanksi en el rol de Steiner, dirigente de la compañía audiovisual que se fusionará con la empresa en la que trabaja Pietro.

Sin ser una obra maestra su fuerza contribuye a elevar esta película a los altares de la calidad cinematográfica, gracias a la buena combinación de su cautivadora fotografía, música y trabajo del reparto. Tiene sus defectos, como escenas vacías en las que su lentitud no ayuda a digerir con entusiasmo la película o lo presumible de algunas de sus secuencias, que no dan cabida a momentos de sorpresa.

Pero más allá de su impecable ambientación, el conjunto de la película constituye una obra de gran calidad e interés en el que destacan los papeles de sus actores principales, Edward Norton y Paul Giamatti, siendo a mi parecer más sobresaliente el trabajo de Giamatti sobre todo el reparto.

La historia nos habla del enigmático Eisenheim (Norton), que se dedica a hacer disfrutar al público más exquisito con sus espectáculos de magia e ilusionismo. Unos actos que no tienen buena acogida por parte del príncipe heredero Leopold (Rufus Sewell) que considera que Eisenheim no tiene poderes sobrenaturales como hace parecer ver en sus espectáculos, y que lo que en sus números se ve es una farsa compuesta de múltiples trucos que deben tener una explicación lógica.

Por esto pone la situación en manos del inspector jefe de policía Uhl (Giamatti) que, a pesar de su admiración por el mago, deberá investigarle para desmontar su espectáculo y evidenciar lo que su desagradable jefe pretende demostrar: que todo es una patraña.

Y mientras Eisenheim continúa superando como puede los obstáculos que la incredulidad de la realeza le brinda, el amor llama a su puerta de la mano de la prometida de Leopold, Shopie (Jessica Biel) que deberá elegir entre hacer caso a lo que dicta su corazón o cumplir sus planes nupciales y convertirse en princesa.

Bonita es la palabra más idónea para describir esta película, narrada como un cuento (que de hecho, está basado en la historia corta de Steven Millhauser) y contando con preciosos detalles llenos de elegancia, sostenidos por la mágica música que Philip Glass (El show de Truman, 1998) creó para la ocasión.

Por que no todo en el cine son obras maestras y películas con bandas sonoras memorables, momentos apasionantes y calidad a raudales, también merece la pena dejar constancia del buen gusto adquirido por ciertas cintas que llegan a ser muy interesantes y se hacen ideales para ver en casa durante un día tranquilo en el que el plato cinematográfico no presente mejores propuestas.

Ni buena, ni mala. Poco que aplaudir y nada que reprochar a esta cinta que antes de verse ya se sabe lo que va a ofrecer en líneas generales, pero que no deja indiferente gracias a algunas salidas originales que presenta y la actuación del bueno de Alessio Boni (La mejor juventud, 2003) junto al papel de Michele Placido

La acción comienza en centromérica, con Giorgio Pellegrini (Boni), encargándose de formar a grupos terroristas que se hacen llamar revolucionarios y que luchan bajo la bandera del comunismo. Exiliado Giorgio de su país natal, Italia, desea volver a la misma y comenzar una nueva vida, olvidándose de su pasado terrorista y sorteando las acusaciones que la policía le hace llegar debido a atentados realizados años atrás en los que el se encuentra involucrado.

Chantajeado por un vice-comisario de la policía (Michele Placido), da los nombres de sus antiguos compañeros que estaban relacionados con el terrorismo comunista que azotó Italia. Pero su obligada colaboración con el que resulta ser un corrupto policía no termina ahí, naciendo otros enredos y actos criminales en los que se verá envuelto, mientras se asocia con un antiguo conocido para trabajar en un club de alterne.

Rodada de una forma que se acerca al típico formato de las series de televisión y sin poseer demasiada fuerza ni transmitir mucha emoción desde sus secuencias, el título original de esta película refleja con más acierto el traducido en España (Camino sin retorno) ya que además del reparto, la canción que da nombre al título auténtico, "Arrivederci amore, ciao", es también la protagonista, al suponer un amargo recuerdo para Giorgio, ya que siempre aparecerá en los momentos más desafortunados de éste.

El crimen organizado de Nápoles ya no viste con traje de raya diplomática y relucientes zapatos de charol, estando su aspecto actual más cercano a lo desaliñado y bastante despreocupado por la imagen personal que años atrás era tan importante para hacerse respetar. En verano, las bermudas, camisetas de tirantes y sandalias, conviven sobre los orondos cuerpos de algunos de sus criminales portadores, que acompañan al motor de la organización que no es otro que el de la juventud.

Gomorra es un retrato bastante realista de esa Camorra actual, con menos glamour que nunca pero quizá con la misma fuerza de siempre, algo bastante incomprensible teniendo en cuenta los tiempos que corren, en los que ya es inimaginable ser testigo de una fílmica escena digna de Hollywood, con gángsters bajando la ventanilla de un coche para asomar una Thompson y realizar alguna masacre. Ahora el vehículo por excelencia de estos asesinos es la moto, y esos momentos que ahora no creeríamos reales, siguen existiendo, pues los crímenes diarios siguen siendo los crudos protagonistas de las calles napolitanas en las que la vieja historia de poder, dinero, respeto e inevitablemente sangre, sigue estando a la orden del día.

Con una cámara a la que podemos reprochar muchas cosas, como sus innecesarios movimientos rápidos y algunos desenfoques, esta película es más bien un documental con sus típicas recreaciones por actores, que en líneas generales hacen muy bien su trabajo.

Prácticamente no sigue a ningún personaje en concreto y muestra a los camorristas, asentados en algún vecindario convertido en una opaca fortaleza, desde las ambiciones de dos jóvenes que dejan claro que han visto la famosa cinta de Brian de Palma, Scarface; un chaval llamado Totó que no contará con más de 12 años y que con una seriedad y un temple absoluto no duda a la hora de recoger una pistola y devolvérsela a su dueño para que éste no tenga problemas con la policía, convirtiéndose el chico en colaborador de la camorra; Don Ciro un pagador de una de las facciones locales que a diferencia de sus compañeros siempre lleva corbata, Pasquale, un sastre de una fábrica financiada por la Camorra, y Franco, que junto con su joven ayudante trabaja en el negocio de los residuos tóxicos del que por supuesto, también forma parte la organización criminal napolitana.

(Continúa en SPOILER sin revelar detalles de la trama, por falta de espacio)

Un esperpéntico recorrido en forma de comedia, representado por múltiples situaciones no menos extravagantes. Un cócktel de excentricidades, algunas graciosas, algunas incomprensibles, algunas para el recuerdo, algunas para pensar.

La adolescencia de un pueblo, el ficticio Borgo, inspirado en la Rímini natal del realizador de este film, Federico Fellini (Roma, La Strada). Una familia encabezada por un padre histérico, una bella diva, adolescentes de todo tipo y un sinfín de peculiares personajes completan el plantel de Amarcord, una cinta con ciento y una interpretaciones, ya que según quien la vea, puede sacar uno u otro mensaje de las entrañas de esta película.

Con una agradable música compuesta por Nino Rota y con una historia basada en los años fascistas de Italia, Amarcord es una rareza digna de contemplar, interesante en principio, buena en general, por sus detalles. Demasiadas situaciones en las que Fellini imagina y crea. Esos momentos en los que alguien se encuentra en alguna parte (por ejemplo contemplando a una chica que le gusta) y por su cabeza se le pasa algo que haría pero que no se permite (primero asombrarla, luego hacerle un corte de mangas).

Es una metáfora de las metáforas. No es excelente ni mediocre, no es notable ni regular. Es un término medio. Es buena. Pero tampoco demasiado. Es interesante. Mucho. Y es extraña a más no poder. Pero es original, y eso la hace ganar enteros.

Con un trasfondo bélico, la película, que posee un extraño encanto, es un más que aceptable y emotivo retrato sobre la amistad más sincera, representada por dos jóvenes atletas amateurs que se conocen durante una competición de carreras que supone el pistoletazo de salida de una fuerte amistad que incluso les llevará a compartir uniforme bajo bandera australiana, en la batalla de Gallipoli, en la península turca del mismo nombre, que tuvo lugar en 1915 durante la Primera Guerra Mundial.

Una vez en el frente, los soldados reciben con indiferencia el combate al no percibir los efectos del mismo y su inconsciencia les lleva a desarrollar su vida cotidiana con alegría, tomándose la misión como una aventura vacacional de la que sólo más adelante se darán cuenta que será muy difícil salir airosos de la misma.

Recordando -quizá sin darse cuenta- a la película de Stanley Kubrick, Senderos de gloria (1957), critica la guerra mediante el uso de sus escenas, donde la retrata como algo absurdo e irracional, consiguiendo hacer llegar al espectador una consecuente sensación de impotencia y frialdad.

Su banda sonora combina la excelencia y el acierto del uso del Adagio de Albinoni que, cada vez que hace presencia, estremece, y lo extravagante (que en este caso me encanta) de la inclusión del casi futurista Oxygene (2ª parte) de Jean Michel Jarre. Correcto trabajo de todo su reparto.

Ofrecida como una miniserie dividida en dos partes que suman entre ambas un total de 360 minutos, La mejor juventud es un bonito paseo en los años del panorama sociopolítico italiano, comenzando esto a finales de los sesenta y extendiéndose hasta lo más cercano de nuestros días. Seis horas dan para mucho y su director, Marco Tullio Giordana ha sabido aprovecharlas exprimiendo en ellas una historia con varias ramificaciones en las que se escenifica entre otras cosas la juventud, el amor, la familia, los amigos, el trabajo, la soledad y la tristeza, etc.

Comienza desde la mirada de dos jóvenes hermanos, Nicola (Luigi Lo Cascio) y Matteo (Alessio Boni) que nos acerca a su entorno familiar, -compuesto de otros entrañables personajes- amistoso y profesional. Después de conseguir un trabajo en un hospital psiquiátrico como acompañante de una residente, Matteo descubre que Giorgia (Jasmine Trinca), la paciente, sufre abusos tales como descargas eléctricas dentro de la institución médica, por lo que decide sacarla del centro y llevarla consigo y con la ayuda de su hermano Nicola para entregársela a su padre, posponiendo un viaje amistoso a Cabo Norte (Noruega). Pero la policía encuentra a la joven fugada y se hace cargo de ella.

Este hecho se convertirá en un nuevo punto de partida para Nicola y Matteo, que redirigirán sus vidas intentando implicarse de algún modo en su país para ayudar a cambiar el sistema de este. Así, Nicola, el más familiar y alegre de los hermanos, se convierte en médico psiquiatra con la intención de denunciar las irregularidades cometidas por algunos centros, además de aplicar en el suyo nuevas técnicas de recuperación para los enfermos. Matteo, cargado de melancolía y caracterizado por su soledad voluntaria, se hace policía, previo paso por las fuerzas armadas.

Desde la película se ofrece el particular punto de vista político de su director, dejando clara su inclinación ideológica más cercana a las tesis de izquierda, pero criticada la cara más radical de esta política a través de las escenas relacionadas con el grupo terrorista italiano conocido como las Brigadas Rojas. No obstante, los matices políticos de los que está compuesta la película no representan apenas una pequeña cifra del total del metraje y para nada podemos considerar esta cinta como un elemento politizado o intencionadamente manipulador, pudiendo ser compartido su punto de vista o no en algunas ocasiones, pero siendo este totalmente respetable debido al tono liviano e indirecto con el que se ofrece, principalmente en la primera parte de la historia.

(CONTINÚA EN SPOILER SIN REVELAR DETALLES DE LA TRAMA por falta de espacio)

Bonita y notable película que presenta una dramática historia en la que se cruza el alcoholismo de un insuperable Nicolas Cage, ganador del Oscar al mejor actor ese año por su interpretación, y el amor que surge al conocer a una preciosa prostituta bien representada por Elisabeth Sue.

Completamente superado por el alcohol y tras ser despedido de su trabajo, Ben Sanderson (Cage), abandonado por su mujer e hijo, se deja llevar por su desesperación a cumplir un mortífero propósito, trasladándose a Las Vegas con la intención de beber hasta el final. Allí conoce a Sera (Elisabeth Sue), una prostituta a la que encuentra casualmente. Y entre ambos nace algo más que una amistad, dando lugar al enamoramiento de los dos y pareciendo haber sido dinamitada la idea de suicidio de un Ben que permanece prácticamente todo el día en estado etílico.

La agradable música compuesta por el propio director de la película, Mike Figgis, generalmente jazz, supone un exquisito acompañamiento en esta cinta tranquila, llena de mensaje, frases memorables y escenas bien filmadas que retratan con acierto el ambiente de un borracho crónico y lo que a sus ojos ha caído del cielo como un ángel, su querida prostituta, compartiendo ambos en común la crudeza de la soledad.

Después de cometer un atraco y antes de ser detenido por la policía, un padre hace entrega a sus dos hijos del botín obtenido en el asalto, haciendo prometer a ambos que garantizarán su custodia y guardarán el dinero sin revelar el secreto, para que dicho patrimonio pueda ser disfrutado por los niños cuando estos lleguen a mayores.

Mientras espera ser ejecutado, el padre de las criaturas pronuncia en sueños una serie de palabras relacionadas con el destino de su dinero que son escuchadas por su compañero de celda, un misterioso y sobrecogedor Robert Mitchum que, una vez esté libre no cejará en su empeño por hacerse con el botín.

Para ello llegará hasta los dos niños y su viuda madre, usando todas las triquiñuelas que se le ocurran para ver cumplido su propósito.

Esta es la única película de Charles Laughton como director, que deleitó a los espectadores en papeles tan sobresalientes como los interpretados en Espartaco y Testigo de cargo entre otras cintas. La noche del cazador supone una interesante y notable película de intriga dotada de una atmósfera inquietante a la par que inocente y aleccionadora, esto último por los mensajes directos que Lilian Gish transmite en forma de relato tanto al principio como en el desarrollo del metraje.

El buen papel de Mitchum contrasta con la correcta interpretación de Billy Chapin, el chico responsable y protector que no se despega en toda la película de su hermanita (Sally Jane Bruce).

Partiendo de la base de que hablo de esta cinta sin haber visto la original anteriormente al visionado de la misma, puntualizo que mi valoración sobre esta película no puede buscar la comparación y por ello me refiero a ella como si fuese un producto nuevo alejado de ser un remake.

El recién ascendido a teniente de policía Terence McDonagh (Nicolas Cage) esnifa cocaína, fuma marihuana, ocasionalmente crack y debido a sus dolores de espalda es adicto a la Vicodina que se le prescribe. Le es encomendada la investigación de un caso de asesinato múltiple en el que han resultado muertas cinco personas de origen senegalés en la Nueva Orleans posterior al huracán Katrina, intentado resolver el caso no con demasiado interés. Pues sus viciosas obsesiones hacen que parezca despreocupado de su trabajo, interferido por sus disimulados saqueos al almacén policial en el que se archivan pruebas como la cocaína que el consume.

Cubriendo su tiempo libre preocupándose por su singular familia, jugando a las apuestas o quedando con su novia, una prostituta interpretada por Eva Mendes, el personaje de McDonagh está brillantemente interpretado por un Nicolas Cage que a mi modo de ver se come la pantalla, siendo el más ideal para el papel que se le da, repleto de histrionismos y alucinaciones cubiertos de sudores fríos y movimientos ansiosos tambaleados por lo corvado de su dolorida espalda.

Personalmente creo que la película es buena, como poco interesante, y es la interpretación del anteriormente citado Cage la que ha conseguido que esta cinta termine conquistándome, habiéndome entretenido con ella hasta el nivel de divertirme y saliendo de la sala de cine bastante satisfecho con el resultado. Creo que las opiniones del público pueden ser muy diversas respecto al veredicto sobre la misma, más cuando los que hayan visto la original se sientan fieles a la misma y puedan sentirse decepcionado con lo que presenta esta, pero sin duda es un bonito y movido ejercicio con tintes originales en el que resaltan algunas peculiaridades ofrecidas por su director y de la que se puede reprochar algunos vacíos que no logran cubrir algunas -pocas- escenas aburridas que bien pudieron haberse compensado con algunas dosis de acción.

Y aunque resulte pesado recordarlo: me ha encantado Nicolas Cage, sin el que esta producción hubiera perdido enteros.

Tony Stark (Robert Downey Jr.) es un multimillonario heredero de la fábrica armamentística más importante del mundo, dedicada principalmente a equipar al ejército americano en sus misiones internacionales. Después de una demostración de un equipo de misiles llamado Jericho en Afganistán, es secuestrado por lo que parece ser un grupo islamista radical que le exige a cambio de salvar su vida la fabricación para ellos del devastador artefacto recientemente nombrado. Esta compleja situación lleva a Tony a idear un prototipo de armadura personal robotizada y dotada de un equipamiento de última generación con la que pretenderá hacer justicia en tan peligroso territorio una vez se logre deshacer de los responsables de su cautiverio.

Para fabricar la versión definitiva de su traje de hierro, contará con la ayuda de su preciosa ayudante, Pepper (Gwyneth Paltrow), y los compañeros autómatas que el mismo creó, encontrando también un buen apoyo moral y amistoso en el teniente coronel Rhodey (Terrence Howard) y siendo guiado profesionalmente por su socio Obadiah Stane (Jeff Bridges), desconociendo estos dos últimos el proyecto que Tony se trae entre manos.

Suponiendo una atractiva degustación visual por su gran despliegue de medios y efectos especiales, la película está firmemente sostenida por un reparto que ofrece buenas interpretaciones entre las que destacan los papeles de Jeff Bridges y Gwyneth Paltrow, con permiso de Robert Downey Jr..

Probablemente su argumento de héroes y villanos y la justicia contra el mal global pueda sonar a algo ya visto, pero el mérito reside en que su director Jon Favreau logra presentarnos algo que aparentemente es más de lo mismo (y que en el fondo resulta original) de una forma diferente, divertida, entretenida, elegante y libre de vulgaridades a la que no le sobra ni falta nada.

Producción del año 1945 realizada con bajo presupuesto y dirigida por Robert Wise (West Side Story) y con una duración de tan sólo 78 minutos en los que se concentran grandes dosis de intriga y terror que suponen toda una lección de cine ofrecida desde una cinta elegante e inmersa en una insuperable atmósfera sombría e inquietante que logra atrapar al espectador.

La historia, desarrollada en el Edimburgo de 1831 y basada en un relato de R. L. Stevenson, nos acerca a Donald Fettes (Russell Wade), un estudiante de medicina que se convierte en el ayudante del profesor y doctor MacFarlane (Henry Daniell) para auxiliarle en sus investigaciones médicas en las que hace uso de cuerpos humanos para su disección, servidos de forma clandestina y a cambio de un módico precio por un tenebroso cochero llamado John Gray (Boris Karloff) que los saquea de las tumbas del cementerio. Gray, que se dirige con una extraña familiaridad hacia la persona del doctor Toddy MacFarlane, supondrá una irritante y desagradable pesadilla para éste.

Acompañados todos los anteriormente citados personajes por otras lúgubres figuras, como una misteriosa cantante callejera o un sirviente del doctor interpretado por Bela Lugosi, ofrecen como resultado una notable película de terror que aprovecha muy bien su ambiente para posar sobre el mismo una interesante historia enigmática que conserva su fuerza durante todo el metraje.

La peor película de los hermanos Coen y la primera decepción cinematográfica del año del estreno de esta cinta. Sin duda una jarra de agua fría sobre aquellos que pensábamos que volveríamos a encontrarnos ante otro hilarante e inteligente film del director bicéfalo, que ha resultado ser, como mucho, una sólida base sobre la que se podría construir una correcta película de comedia.

Y todo se queda ahí, en lo que pudo haber sido y no fue. En no saber exprimir el personaje encarnado por Michael Stuhulbarg, que prometía grandes momentos con su interpretación, en la que encarna a un profesor judío capaz de resistir todas las desgracias personales que le vienen encima sin mostrar apenas un ápice de desesperación, lo que consigue que el que acabe desquiciado sea el espectador. Decenas de oportunidades con las que podíamos habernos desternillado con el serio profesor, tiradas a la basura, entre las que se camufla algún sonriente momento en el que podemos respirar tranquilos pensando que la situación mejorará.

Pero no es así. Larry Gopnik, que es como se llama el profesor, padre de una curiosa familia compuesta por una mujer que persigue su divorcio al confesar que le es infiel, una hija que no va a clase por estar obsesionada con la belleza de su pelo, otro hijo que fuma marihuana y un hermano chalado, se resume en un personaje completamente lineal en el que no destaca ningún sobresalto y que en todo momento se comporta del mismo modo, no dando lugar a la sorpresa.

La película comienza con una escena que cuenta una historia pasada que no guarda ninguna relación con lo que veremos a continuación, y da paso a los créditos finales de repente y sin ninguna explicación, sirviéndose de una burda escena que imagino que te deja completamente frío.

Entre tanta penumbra, algo de luz: mucho mensaje oculto, la posibilidad de identificarse con un personaje prácticamente gafado al que le sale todo mal y algunos momentos divertidos protagonizados en su mayoría por gestos y silencios.

Los hermanos Coen, quizá sintiéndose respaldados por una crítica y un público que generalmente siempre les ha apoyado, quizá hiciesen uso de la marihuana de uno de sus personajes y dijeran: hagamos otra película. Y flotando entre los efectos de su fumada empezaron a salir escenas absurdas que después fusionaron para que tuviesen relación entre sí y, a veces, ni eso. Da la sensación de que esta vez el cine de autor ha ido tan lejos que se han pasado por el forro de los mismísimos el si esta cinta iba a gustar o no a los sufridos espectadores.

Rodada con el peculiar estilo propio de su director, en el que destaca la utilización de prolepsis en algunas escenas, ya desde su comienzo se intuye que estamos ante un film especial que supone ser una notable película de acción en clave de road movie que nos garantiza un buen entretenimiento con un gran repertorio de situaciones emocionantes.

La historia se centra en el convicto Doc McCoy (Steve McQueen), condenado a diez años por asalto a mano armada y que por mediación de su esposa contactará con un personaje influyente que obrará para que le concedan la libertad condicional a cambio de organizar el atraco a un banco. En el transcurso de tan complicada misión las cosas no salen según lo previsto y Doc se ve rodeado de problemas que tendrá que sortear, viniendo estos desde las autoridades o sus propios compinches de fechorías.

Contará con la valiosa ayuda de su mujer Carol McCoy (Ali MacGraw), quien le auxiliará en un sinfín de ocasiones y con la que compartirá momentos tan dulces como tensos.

Además de los papeles principales, destaca el de Al Lettieri, quien firmó su mejor año cinematográfico apareciendo también en el reparto de El Padrino.

Como el que se arroja a un volcán sabiendo que va a ser devorado por la lava, los soldados del ejército americano saltaban de sus helicópteros sobre El valle de la muerte para enfrentarse contra más de 2.000 soldados del vietcong en lo que fue el fracaso de la Guerra de Vietnam.

Esta historia real está plasmada en este film por el director y guionista Randal Wallace (El hombre de la máscara de hierro) que encuentra en el coronel Hal Moore (un correcto Mel Gibson) un hilo conductor para narrar la misma. La ferocidad vivida en aquellas tantas batallas en Vietnam no se ve del todo representada en una película a la que le falta corazón para llegar a su espectador pero que está realizada con una gran intención. Contiene momentos sobrecogedores, además de bonitas y dramáticas historias entre las que destaca otra batalla paralela, la del desconsuelo de las mujeres de los soldados caídos en combate.

En un terreno tan conocido como el del conflicto de la Guerra de Vietnam y con tantas películas abordándolo, la patriota Cuando éramos soldados no consigue ofrecernos algo diferente a pesar de lograr entretener con finura entre tanto fuego cruzado, sangre, sudor y lágrimas.

Interesante película de aire convencional, que tiene como añadido una bonita banda sonora.

Segunda película de Mel Gibson como actor, siendo la primera como protagonista. Mad Max, el personaje que interpreta, es un policía encargado de la vigilancia de carreteras en un ambiente futurista y post-nuclear que combina una estética ochentera con la suciedad de los spaghetti-western.

En términos generales es una cinta floja, teniendo en cuenta que para los que la visionamos en esta época, se nos queda muy lejos esa idea de futuro que su director George Miller plasma en su film, que seguro sorprendería a propios y extraños en el momento de su producción. Reconociendo esto y a pesar de lo liviano tanto de historias como de diálogos, el conjunto de Max Max, salvajes de la autopista es interesante, muy entretenido y cuenta con un gran repertorio de escenas memorables que va creciendo según pasan los minutos de su metraje.

Revolucionaria para su tiempo por lo que ofrece, su curiosa historia nos muestra cómo el policía Max Rockatansky y sus compañeros tratan de imponer el orden en las carreteras de alguna parte de Australia en las que una peligrosa banda de moteros realiza todo tipo de actos vandálicos. En una intervención, Max termina con el lider de la banda, lo que hace que los miembros de ésta quieran tomar represalias contra el agente.

Sin ser de las más intrigantes o emocionantes del realizador inglés, conserva la brillantez que comparten todas las producciones de éste, elevándose la película a la categoría de notable.

Alfred Hitchcock (La ventana indiscreta, Crimen perfecto) vuelve a recurrir a la teoría del crimen perfecto para ofrecernos una digna cinta de intriga en la que sus protagonistas son un jugador semiprofesional de tenis llamado Guy (Farley Granger, que repite con Hitchcock tras La Soga) y un admirador del mismo, Bruno (Robert Walker) que le hace una curiosa propuesta tras encontrarse ambos por casualidad en un tren: un intercambio de asesinatos. Así, Guy debería deshacerse del padre que atormenta con su estrictez a Bruno y éste último se encargaría de suprimir a la mujer de la que el tenista desea divorciarse, hecho del que tiene conocimiento Bruno al estar al día de los ecos de la sociedad sirviéndose de las revistas dedicadas al tema. De esta forma la policía no podría encontrar el móvil del asesinato, pues cada uno habría matado a una persona totalmente desconocida.

Una película inteligente y viva, esencial para los aficionados al género de intriga e imprescindible para los seguidores del peculiar realizador que, como en todas sus cintas, nos deleita con una aparición estelar.

Un espléndido Charles Laughton encarna a un prestigioso y entregado abogado de mermada salud que se encuentra bajo la estrecha vigilancia de una preocupada enfermera de la que desearía librarse. A pesar de que los médicos no recomiendan al prestigioso defensor Sir Wilfrid Roberts aceptar casos importantes que puedan estar ligados a fuertes emociones que perjudicarían la salud del letrado, éste hace oídos sordos y junto a otro colega toma las riendas del caso perseguido por las tabletas, inyecciones y cuidados que le proporciona su enfermera.

El caso, de asesinato. Como acusado, un gentil Leonard Vole (Tyrone Power), a quien se le imputa el asesinato de la adinerada señora French para adquirir su herencia, móvil demoledor que su abogado, Sir Wilfrid Roberts, intentará derribar ante la sala que juzga a su cliente.

La película es de visión indispensable y es sin duda -si no la mejor- de las mejores de esta categoría. El trabajo de todo su reparto es intachable y se nota la buena mano de la dirección de la que se encarga Billy Wilder (El apartamento, El crepúsculo de los dioses). Se agradece enormemente el carácter del que se dotó al personaje de Charles Laughton, bañado en un malhumor encantador que le convierten en la joya de la corona de una cinta con ciento y un ases en la manga que hacen que finalmente quedes prendado de ella.

Tiovivo c.1950 es la inteligente forma que tiene José Luis Garci (El crack, Luz de domingo) de transportarnos al Madrid de aquellos años, abriéndonos una ventana desde la que poder disfrutar con la vida de un sinfín de personajes que van desde el director y los empleados de un banco, a unos mecánicos de taller o una taquillera de Metro, pasando por jugadores de timbas que viven de la reventa de entradas, unos cineastas argentinos o unos profesores de baile, entre muchos otros.

La película no tiene una trama concreta, su argumento es ninguno y su corazón es la sucesión de escenas que representan a aquel Madrid. Cada escena una historia, cada momento una bonita postal, cada minuto un elegante ejercicio cinematográfico que sorprende por lo original de su resultado sin pecar de la vulgaridad habitual que sí hacen gala muchas producciones nacionales.

La absoluta compenetración de dos elementos perfectos, como lo son su fotografía y la dirección artística , consigue que parezca que nos encontremos ante una cinta rodada en los años en los que se inspira la historia y no en una película hecha apenas dos suspiros, en 2004.

En un principio, sus escenas no están relacionadas entre sí, pero progresivamente las historias irán entrelazándose de alguna manera muy hábil ofrecida por su director. Este modelo consigue no aburrir en ningún momento, ya que pasamos de una escena a otra sin parar, volviendo después al punto en el que nos quedamos sin habernos olvidado para nada de su historia.

Agradable y distinguida en todos sus sentidos, cuenta con un reparto eterno en el que coinciden los clásicos, los actuales y los más olvidados. Resulta muy interesante volver a ver los nombres de Alfredo Landa, Andrés Pajares y Fernando Fernán-Gómez a estas alturas, junto a los de María Adánez o Carlos Hipólito, pasando por Santiago Ramos, José María Pou, Carlos Larrañaga, Francis Lorenzo, Elsa Pataky... y muchos más. Algunos disfrutan de un gran protagonismo en la película pero siempre sin abusar. Otros exprimen lo grande de su interpretación en apenas unos minutos.

La música, de Pablo Cervantes, compuesta por una exquisita pieza tocada en piano, resulta más que adecuada para la ocasión y evoca la nostalgia de la que está compuesto esta interesante película que tiene su historia en mitad del Madrid franquista, sin aburrir con un melodrama que nos hable de lo “pobrecitos todos” y olvidándose de los aspectos más polémicos de la época para contarnos que entonces, en mitad de una dictadura, también existían los buenos momentos, tal y como reza la frase de los créditos finales:

“Corrían muy malos tiempos, pero vistos a distancia quizá fueran los más nuestros”

Ópera prima de Jerry Schatzberg en la dirección y la primera de las películas de Al Pacino como protagonista, dos años después de su debut en el reparto de Yo, Natalia. El propio actor italoamericano incluye a esta película como una de las preferidas de su carrera, y viendo su papel en la misma podemos comprobar que no hay mentira en sus palabras. Total inmersión en su personaje al que carga de vida y al que mueve por la pantalla con la soltura y alegría que transmite su rostro a pesar de la crudeza del papel que le ha sido encomendado.

Es un retrato del mundo de la droga desde el punto de vista de una pareja de adictos formada por Bobby (Pacino) y Helen (Kitty Winn), encargados de protagonizar toda clase de aventuras urbanas por Needle Park, Nueva York, para cargar de gasolina su propio depósito, consiguiendo el dinero necesario para garantizarse el sustento de la droga.

El patético mundo de la drogadicción, en el que un pico está por encima de todo para un yonqui, presentado de manera meticulosa en esta buena cinta con aires documentalistas que invitan severamente a decir no a uno de los peores vicios existentes sobre la faz de la Tierra. Sin llegar a un nivel desgarrador, escalofriante, sorprendente o emocionante, esta película resulta altamente interesante, y los espectadores amantes de los films urbanos, como un servidor, agradecen este tipo de ejercicio cinematográfico.

Carece de banda sonora, encontrando únicamente algo melódico en la partitura que conforma el ambiente callejero en el que se incluye el ruido de sus coches, el estruendo de las máquinas de obra y el murmullo de sus viandantes.